Totalitäre Architektur bezieht sich auf die Art von Architektur, die von totalitären Staaten geschaffen wurde. Es ist in der Regel imposant und groß, um ein Gefühl von Macht, Majestät und Männlichkeit darzustellen.

Totalitäre Architektur bezieht sich auf die Architektur totalitärer Regime des 20. Jahrhunderts, des italienischen faschistischen Regimes (1922-1945), des deutschen Nazi-Regimes (1933-1945) und des Sowjetregimes, vor allem während seiner stalinistischen Periode (1929-1953). ). Dieses Konzept basiert auf der Anerkennung der Bedeutung, die Architektur in diesen Regimen zukommt, und besteht darauf, dass diese Regime trotz ihrer Unterschiede zu vergleichbaren architektonischen Entwürfen geführt haben.

Diese Art von Architektur wurde in geboren Italien in den 1920er Jahren mit dem Aufstieg des Faschismus. Es breitet sich schnell in den totalitären Ländern von Europa wie Nazi-Deutschland und die Sowjetunion Stalin bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs.

Der Gegensatz zwischen modernen Architekten und Traditionalisten hat uns dazu gebracht zu glauben, dass die Architektur totalitärer Regime mit der Rückkehr zur neoklassischen Tradition, gegen die moderne Bewegung der internationalen Kongresse für moderne Architektur, identifiziert wird. (CIAM). Tatsächlich ist die neoklassische Architektur nicht nur den totalitären Regimes vorbehalten, die ihrerseits unterschiedlichere architektonische Stile entwickelt haben.

Eigenschaften
Die allgemeinen Linien der totalitären Ästhetik sind unter anderem monumentale und grandiose Proportionen, Standardisierung von Darstellungstechniken, hyperrealistischer Stil, Bewegungssimulation, gerade und homogene Linien (meist zum Himmel zeigend), Übergewicht von einer Farbe zur anderen (meist rot) die De-Individualisierung von Charakteren und Erzählungen zum Nachteil von kollektiven Charakteren (Masse), Choreographie und Korallen, Ehrfurcht vor körperlicher Anstrengung, Handarbeit, Leichtathletik und Körper.

Eine totalitäre Ästhetik hat in der Kultur totalitärer Regime die Wiederbelebung alter Zivilisationen gemeinsam, die ihre Wurzeln repräsentierten, wie das Römische Reich, das Byzantinische Reich und die Antike Griechenland und alle avantgardistischen Manifestationen in der Kunst wurden verfolgt. In diesem Zusammenhang ist anzumerken, dass Hitler eine Liste von Werken geschaffen hat, die als „entartete Kunst“ betrachtet werden, während Stalin programmatisch die russischen Avantgarden wie den Kubo-Futurismus durch den sogenannten „sozialistischen Realismus“ ersetzte.

Totalitäre Regime nutzten Kunst und andere ästhetische Ausdrucksformen (Kleidung, Objektdesign, grafische Produktion, nationale Symbole) als Teil einer Logik der totalen Herrschaft des menschlichen Lebens. Im Falle von Nationalsozialismus und Stalinismus wurde eine echte staatliche Politik für die Ästhetik eingeführt. Die Politik eignete sich die Rhetorik der Kunst an: „Kunst in ihrer spätromantischen Phase“, so Susan Sontag. Nicht überraschend, viele der deutschen, italienischen und Sovietunion Die Rallyes der 1930er und 1940er Jahre folgen den gleichen Prinzipien wie das „Gesamtkunstwerk“ des spätrömischen Romantikers Richard Wagner: Drama, Musik und Choreographie verschmolzen mit Emotion und Ideologie, das Ethos wird durch Pathos ausgedrückt. Die Massen wurden gleichzeitig zu Zuschauern und Statisten. In seinem Aufsatz „Faszinierender Faschismus“ (1972) fasste Sontag die allgemeinen Richtlinien der totalitären Ästhetik zusammen:

„Der Geschmack für monumentale und massive Ehrfurcht vor dem Helden ist sowohl der faschistischen als auch der kommunistischen Kunst gemeinsam … Die Präsentation der Bewegung in grandiosen und starren Mustern ist ein weiteres gemeinsames Element, denn eine solche Choreographie spiegelt die Einheit des Staates selbst wider Choreographierte Ausstellungen von Körpern sind in allen totalitären Ländern eine geschätzte Aktivität. „Die Massen werden geformt, um gezeichnet zu werden.

Neoklassische Monumentalität
Das Konzept der totalitären Architektur basiert auf der Ähnlichkeit, die zwischen bestimmten Errungenschaften des faschistischen, nationalsozialistischen und sowjetischen Regimes sowohl quantitativ (große Periode des öffentlichen Bauens, Größe von Denkmälern) als auch qualitativ (Wiederherstellung neoklassischer Elemente integriert mit Elementen der modernen Architektur) beobachtet wurde. .

In der Tat haben totalitäre Regime Architektur als sichtbaren Ausdruck sowohl der „Revolution“ in Bewegung als auch der Werte von Regimen (Primat von Gemeinschaft oder Kollektivität über das Individuum, Ordnung, Verschmelzung um ein einzelnes Projekt, etc.) groß herausgestellt. . Lenin spricht von 1918, zu einer Zeit, in der vom Totalitarismus noch keine Rede war, von „monumentaler Propaganda“.

Die Assimilation des Neoklassizismus der 1930er Jahre zu totalitären Regimen wird von denen kritisiert, die es vorziehen, einen „Stil der 1930er Jahre“ hervorzurufen. Letztere weisen darauf hin, dass zeitgenössische Konstruktionen in Ländern, die keinen totalitären Regimen unterliegen, die gleichen Merkmale aufweisen. Der Architekturprofessor Jean-Louis Cohen erinnert uns: „Autoritäre Regime sind weit davon entfernt, die einzigen Sponsoren klassischer Monumente zu sein, wie die Entwicklung des Chaillot-Hügels in Paris, des Washington Federal Triangle und der großen britischen öffentlichen Gebäude Internationale Ausstellungen sind auch der Vorwand für Demonstrationen von Architekturhysterie, in denen Kuratoren immer Gewinner sind.

Zum Beispiel die Gebäude von Washingtons Verwaltungsgebäuden (das Supreme Court Building, die National Gallery of Art, die National Archives, das Jefferson Memorial) und der New Deal in den Vereinigten Staaten („gekennzeichnet durch einen sauberen Klassizismus, von dem Paul Philippe Cret wird Theoretiker „von 1932), die Gebäude der Weltausstellung von 1937 in Paris in Frankreich (Palais de Chaillot, Palais de Tokyo, etc.) sowie viele Gebäude in Brüssel (Stade du Centenary, Grand Palais des Expositions du Centenaire , Hauptsitz der Belgian Shell Company, Hauptsitz der Generalversicherung von Triest, Brüssel-Hauptbahnhof, usw.), wo der monumentale Stil nach dem Zweiten Weltkrieg weiterbestehen wird (Hauptsitz der Bank Belgische Nationalgalerie, Galerie Ravenstein, Brüssel Nord Bahnhof, Palais des Congrès, Königliche Bibliothek Albert I., Palast der Dynastie).

Der Nazi – Architekt Albert Speer selbst gibt in seinen Memoiren selbst zu: „Es wurde später behauptet, dass dieser Stil (neoklassisch) das Kennzeichen der Staatsarchitektur totalitärer Regime war. Das ist völlig ungenau. Es ist vielmehr das Zeichen einer in Washington , London oder Paris sowie in Rom , Moskau oder in unserem Berlin Projekte.
Dieser Stil der 1930er Jahre ist in der Tat die Konsequenz der Behauptung der Staaten auf dem Gebiet der Architektur, nach ihrer zunehmenden Intervention in der Wirtschaft durch den Ersten Weltkrieg und die Wirtschaftskrisen und das Aufkommen des Konzepts der Wirtschaftsplanung, territorial, etc .. Es ist daher der Ausdruck des interventionistischen Staates, ob es ein demokratischer Sozialstaat oder ein totalitärer Staat ist.

Mehrdeutigkeiten
Insbesondere soll die Architektur totalitärer Regime den Willen dieser Regime zum Ausdruck bringen, die Überlegenheit des Kollektivs gegenüber dem Individuum durchzusetzen. Dies drückt sich in einer monumentalen Architektur und der Wiederbelebung der klassischen griechisch-römischen Architekturwerte aus.

Die Realität ist jedoch komplexer und die Architektur der totalitären Regime reduziert sich nicht auf die Flüge von Stadionkolonnaden auf Propagandafilme.

Erstens durchdrungen Modernismus und Traditionen in der Architektur in den 1930er Jahren. Der Architekturprofessor Bertrand Lemoine erklärt (über die Weltausstellung von 1937): „Es wäre zu schematisch, dem Klassizismus und der Moderne einfach zu widersprechen, weil der Integrationstrend zwischen den beiden 1937 wie in den 1930er Jahren ziemlich stark war“.
Zweitens haben totalitäre Regime mehrere architektonische Stile eingeführt, entweder zeitlich nacheinander oder parallel, nicht ohne Debatten, interne Konflikte oder Unklarheiten.

Die Ästhetik in verschiedenen Regimen
Wie bereits erwähnt, sind die wichtigsten Manifestationen dessen, was man eine totalitäre Ästhetik nennen kann, in den beiden totalitären totalitären Regimes des 20. Jahrhunderts, Hitlers Nazi-Faschismus und Stalins Sowjetkommunismus zu finden. Die Art und Weise, in der eine solche Ästhetik in beiden verwendet wird, hat jedoch Unterschiede, jetzt ist sie (b) tis und jetzt ziemlich grell. Die Naziästhetik versuchte jeden Verweis auf die künstlerischen Innovationen der frühen Avantgarde des frühen 20. Jahrhunderts abzulehnen, die sie als Mentaldrift, Ausschweifung oder gar „kommunistische Kunst“ betrachteten. Auf der anderen Seite kam die Ästhetik des stalinistischen Regimes dazu, einige der konstruktivistischen Forschungen einzubeziehen, obwohl sie sie antagonistisch auf ihre Ursprünge anwendeten.

Sozialistischer Realismus
Sozialistischer Realismus war der offizielle Satz formaler, stilistischer und poetischer Richtlinien des Sovietunion zwischen den 1930er Jahren und Stalins Tod und dem anschließenden Prozess der Entstalinisierung. Der Sozialistische Realismus war mehr als nur ein Stil, eine offizielle Politik, die darauf abzielte, die sowjetische Kulturproduktion (und andere kommunistische militante Künstler der Welt) an die marxistisch-leninistische (in der Tat stalinistische Sichtweise) der Realität anzupassen.

Der Hauptarchitekt des Sozialistischen Realismus war Andrej Schdanow.

Gegen den Sozialistischen Realismus traten mehrere Kritiker und aktive Kritiker auf, wie Pablo Picasso, Piet Mondriaan und Clement Greenberg. Im historischen Kontext der russischen Revolution wurde der Sozialistische Realismus als die offizielle ästhetische Staatspolitik im Gegensatz zu den verschiedenen ästhetischen Tendenzen, die allgemein als russische Avantgarde bezeichnet wurden, durch die Zurückweisung Stalins zu dem angeblich befreienden Aspekt der früheren Ästhetik geweiht. Die Mitglieder der russischen Avantgarde, Künstler im Allgemeinen, die mit Konstruktivismus, Abstraktionismus und Suprematismus verbunden sind, spielten eine wichtige Rolle in der ersten Phase der Revolution und schlugen die Schaffung großer öffentlicher Kunstworkshops vor, in denen der freie ästhetische Ausdruck gefördert werden sollte Auf der Suche nach individueller und kollektiver Befreiung von vorrevolutionären Werten. Mit der stalinistischen totalitären Politik war diese Art der künstlerischen Positionierung hart umkämpft, wobei insbesondere die Namen der abstrakten Kunst verfolgt wurden. Kasimir Malievith gilt als der exemplarische Fall: Er darf seine suprematistische Forschung nicht fortführen (er wird von einigen Kritikern und Gelehrten der westlichen Kunst als revolutionär angesehen) und begann zur Zeit der Einführung des sowjetischen Realismus nur figurative und realistische Werke zu malen. Selbst der Dichter, der als die führende Stimme der Revolution in der Literatur angesehen wurde, Wladimir Majakowski, wurde von den Ideologen der Staatsästhetik kritisiert, da dieser Druck von Trotzki als einer der Gründe für seinen Selbstmord angesehen wurde, während andere die Möglichkeit in Betracht ziehen einer Mord politischen Macht durch das stalinistische Regime selbst geschaffen .

Während praktisch der gesamten Existenz der Sovietunion Die ursprüngliche russische Avantgarde wurde vergessen und wenig studiert, wobei dem sozialistischen Realismus Vorrang eingeräumt wurde. Nur mit dem Sturz des stalinistischen Kommunismus in Osteuropa Hat eine solche Bewegung neue Interessen ausgelöst?

Ästhetik Nazi
Ästhetik für den Nationalsozialismus war ein zentraler Punkt ihrer Politik der Neuordnung der Welt. Für Hitlers Ideologie befand sich die westliche Gesellschaft in einem Zerfallsprozess, der auf eine soziale Kontamination zurückzuführen war, die die ethnischen Juden und die Kommunisten als zwei Hauptfaktoren ideologisch beeinflusste. Sobald beide ausgerottet waren, würde die deutsche Nation gereinigt und frei sein, ihre Rolle der Vorherrschaft in der Menschheit zu erreichen, gemäß dem Versprechen der Nazis. Die Reform der Welt wäre also ein Prozess der „Reinigung“, „Entkeimung“ und „Verschönerung“, auch wenn dies die physische Ausrottung von Individuen (einschließlich der noch so genannten „Arier“ mit körperlichen Missbildungen und psychischen Erkrankungen) bedeuten würde ).

Die Nazis beschlossen auch, die modernistische Kunst der künstlerischen Avantgarden zu verbannen, vor allem in Malerei und Bildhauerei, und stellten ihre Werke für die öffentliche Vertreibung in den sogenannten „Entarteten Kunstausstellungen“ aus.

Die Naziästhetik wurde von NSDAP-Parteimitarbeitern unter der persönlichen Leitung von Adolf Hitler angewandt, der in Ausbildung und Beruf Designer (Grafik und Produkt) war und in seiner Jugend ein frustrierter Plastikkünstler war. Hitlers wichtigster Mitarbeiter auf diesem Gebiet war der Sprecher und Propagandist Josef Goebbels.

Für die Nazis sollte Kunst eine Wirkung haben, wie Monumentalität und Großartigkeit. Es sollte auch die Reinheit der arischen Rasse verherrlichen. So sollten Juden auf dem ethnischen Gebiet und Kommunisten auf dem ideologischen Gebiet – die ihrer Ansicht nach kontaminierten Wesen – bekämpft werden. Das Konzept der entarteten Kunst hat diesen Zweck.

Modernismus und Totalitarismus
Nach dem Ersten Weltkrieg und dem Ende der Belle Époque übernahm der Pessimismus die Intelligenz und veranlasste viele Künstler, die Vergangenheit zu vergessen und neue Werte von Grund auf zu entwickeln. Die Kunst konnte diesen Wandel begleiten und begann eine neue Ästhetik zu suchen, um mit dem zu brechen, was in allen vorangegangenen Jahrhunderten geschehen war. Ein Ideal, das mehreren Avantgardekünstlern dieser Zeit zum gemeinsamen Ziel wurde, war die Demokratisierung der Kunst, dh die Produktion eines künstlerischen Genres, das alle gesellschaftlichen Schichten gleichermaßen durch universelle Formen und Themen erreichte, die allen Menschen gemeinsam waren.

Es gab mehrere Künstler, die diese „Bühne“ verfolgten. Modernistische Stile, in ihren Nuancen, sind fast alle Teil dieser Suche nach universeller Kunst. Wir konnten jedoch zwei Gruppen von Künstlern, die diese Universalität anstrebten, nach ihren Verhaltensweisen in Bezug auf das totalitäre Phänomen klar unterscheiden: das „für“, das mit der von den neuen Regimen vorgeschlagenen ästhetischen Reform einverstanden war, die das nicht tut einige Hypothesen mit den Avantgarden, mit Ausnahme des Futurismus von Marinetti, nur in seinem Lob an die Macht ausgleichen; und der „Contra“, der auch eine ästhetische Reform vorschlug, aber gerade durch die Distanzierung des Passadismus, den Gebrauch auch der Abstraktion und des endgültigen Bruchs mit den früheren Stilen.

Im Großen und Ganzen gab es zu der Zeit jedoch keine apolitischen Künstler. Die Teilnahme vieler von ihnen im Spanischen Bürgerkrieg, sowohl in den Sozialistischen Internationalen Brigaden als auch in den Falangisten, war ein Beweis dafür.

In der zweiten Gruppe haben wir das herausragende Werk von Piet Mondriaan, dem holländischen Maler, der einen wirklichen Plan der sozialen Reform durch Ästhetik vorgeschlagen hat. Für ihn war die ideale Ästhetik und das Nicht-Figurative, nur aus abstrakten geometrischen Elementen zusammengesetzt, also universal. In der Darstellung von Wirklichkeit würde der Künstler seine eigenen Eindrücke von der Wahrheit präsentieren und so den Betrachter beeinflussen – was Mondrian entschieden verurteilt. Er rechtfertigt diese Verurteilung mit dem Argument, dass Figuration (insbesondere Realismus) das Vorlernen bestimmter Konzepte für ihr Verständnis, sowohl formal als auch symbolisch, voraussetzt, während Abstraktionismus dies nicht tut. Für Mondrian, wenn das Ziel die Universalisierung ist, kann es keine figurative oder signifikante Repräsentation in einem Kunstwerk geben: Die einzigen visuellen Elemente, die von allen Menschen gleichermaßen wahrnehmbar sind, sind die regelmäßigen geometrischen Formen.

In der Nachkriegszeit des Jahres 1918 bestätigten und festigten sich einige avantgardistische Tendenzen, die Ende des 19. Jahrhunderts auftraten. Der Modernismus war nicht die einzige Avantgarde dieser Zeit, noch war er derjenige, der im zwanzigsten Jahrhundert die größten Folgen hatte. Es war jedoch die gewinnende Avantgarde, und auf diese Weise ist dies die Geschichte, die geschrieben wurde, die des Siegers.

Totalitäre ästhetische Manifestationen
Grafik
Die Graphik, besonders der Posterismo, wurde in der Propaganda totalitärer Regime sowie in der Schaffung einer ästhetisch durchdrungenen offiziellen Ideologie verwendet.

Es ist jedoch interessant zu bemerken, dass einer der Schwerpunkte der Entwicklung des Grafikdesigns im 20. Jahrhundert durch die deutsche Bauhausschule und ihre Anhänger (besonders die Ulmer Formschule), dh Bewegungen, die totalitaristisch und politisch antagonistisch sind in sehr allgemeiner Weise mit dem sozialdemokratischen Weltprojekt verknüpft. Das Bauhaus wurde sogar von der Nazi-Regierung geschlossen. Ebenso, in Russland Die wichtigsten Namen des Kartellismus waren mit der russischen Avantgarde verbunden, allesamt Sozialisten mit anti-totalitärer Ausrichtung, die Hauptpropagandisten der Revolution gewesen waren und später ihre innovativen ästhetischen Postulate aufgeben mussten. In beiden Regimes (Nazi und Kommunisten) nutzten offizielle Propagandainstitute auf die eine oder andere Weise die von ihren Rivalen geförderte Massenkommunikationsforschung.

Kino
Nach Malerei und Skulptur, die am meisten produzierten Künste in Europa Das Kino war die Form des künstlerischen Ausdrucks, die am meisten unter totalitärer Ästhetik litt. Und gleichzeitig jener, der sich in der Bevölkerung sowohl zur ästhetischen Wertschätzung als auch zum Charakter der Massenkommunikation ausbreitete.

Im Kino waren die deutsche Dokumentarfilmerin Leni Riefenstahl und der sowjetische Regisseur und Redakteur Sergei Eisenstein die Hauptvertreter dieser ästhetischen Strömungen. Chinesische Filme, die nach der Revolution von 1949 produziert wurden, wie die jüngste Red Turn, werden ebenfalls von der totalitären Ästhetik des chinesischen Regimes angetrieben.

In ihrem Meisterwerk Der Triumph des Willens verwendet Leni Riefenstahl „große Aufnahmen konzentrierter Massenbilder im Wechsel mit Nahaufnahmen, die eine einzigartige Leidenschaft isolieren“ (wie Susan Sontag 1986 in ihrem Aufsatz „Faszinierender Faschismus“ bemerkt). Es geht darum, das Konzept der Ordnung zu vermitteln, Säulen, die in starren Linien marschieren, junge Menschen mit starrem Blick. Leni Riefenstahl hatte eine genaue Vorstellung von den technischen Mitteln, die er brauchte, um die Wirkung der einheitlichen und geordneten Masse erfassen zu können. Die Kamera sollte hochgehen, die Linse sollte die ganze Szene erfassen, und wenn es keinen Kran gäbe, wäre einer erfunden. Die Konstruktion des Profilmics (das Objekt, das fotografiert / gefilmt wird) in Lenis Werk ist Teil des totalitären ideologischen Spiels: eine einzige Wahrheit, ein eindeutiger Blick auf das Objekt. Auf der Suche nach dem wahren Erscheinungsbild sprechen Dokumentarfilme eine bestimmte diskursive Ressource an: den „realen Effekt“. Schließlich ist es nur eine Aufzeichnung von Fakten, wie der Direktor behauptet.

Architektur und Skulptur
Die Hauptvertreter der Naziästhetik im Bau und in der konkreten Formenkunst waren Albert Speer in der Architektur und Arno Becker in der Skulptur.

Die Architektur der großen Nazi-Faschistenpaläste brachte schließlich klassische Stilelemente mit, aber ihr Hauptmerkmal war die ständige Suche nach einem Hochmut und einer Monumentalität, die so groß waren, dass sie bedrückend wurden. Öffentliche Gebäude sollten durch ihre Größe in Bezug auf das Individuum den Zustand in seiner Fülle und Überlegenheit zeigen. Im Allgemeinen kann eine solche Produktion als „eklektisch“ angesehen werden, da sie sich auf Stile bezieht, die heute in Mode sind, wie z. B. Art Deco und bestimmte Revivalismen, obwohl sie nicht veröffentlicht wurden.

Totalitäre Ästhetik in der Musik
Totalitäre und militaristische Ästhetik ist in einigen musikalischen Gruppen enthalten, zum Beispiel Laibach, Joy Division, Tod im Juni, Haus Arafna, teilweise Pink Floyd, Rammstein, Marilyn Manson, Pet Shop Boys, sowjetische Rockkünstler Alice, Nautilus Pompilius etc. In den Texten dieser und anderer Gruppen kann man der harten Kritik des Totalitarismus, einschließlich des Totalitarismus der westlichen Massenkultur, begegnen. Manchmal ist diese Kritik in einer ironischen Form gegeben, und es mag scheinen, dass sie sogar ein totalitäres System unterstützt. Direkte oder indirekte Bezüge zum Totalitarismus sind charakteristisch für viele Industriegruppen, insbesondere Vertreter des martialischen Industriestils.

Ästhetischer Totalitarismus heute
Einige der Länder, die natürlich Massenkulturen nach den Parametern der totalitären Ästhetik produzieren, sind Nord Korea , die Volksrepublik China und Turkmenistan . Die Francoistischen Denkmäler in Spanien begann mit dem Gesetz des historischen Gedächtnisses, 2007, das besagt, dass die Symbole des Francoismus von öffentlichen Plätzen verboten werden sollten.

Darüber hinaus werden totalitäre Ästhetiken in popkulturellen Produkten wiederbelebt, wann immer man sich in die Kultur von Ländern zurückversetzen möchte, die diese Regimes in Analogien zu westlichen demokratischen Regimen gelebt haben. Einige Beispiele dafür sind der berühmte Videoclip der Band Pet Shop Boys für die Neuaufnahme des Go West-Songs, der die Rote Armee unter einem Computergrafik-Styling repräsentiert, oder das Eröffnungsvideo von Michael Jacksons HIStory-Album, das die bulgarische Armee benutzte um eine gigantische Statue des Sängers zu enthüllen.

Bestimmte kinematografische Produktionen, die dystopische Umgebungen darstellen (wie die Brasilien und Filme von 1984) verwenden auch die totalitären ästhetischen Referenzen in ihrer szenografischen Komposition und Charakterisierung.

Kritiker totalitärer Ästhetik assoziieren ihre Arbeiten und ihre stilistischen Werte oft mit dem Kitschbegriff, der die Vermassung der Kultur mit totalitären Regimes in Analogien zu vermeintlich demokratischen Regimen verbindet. Noam Chomsky betrachtet die Existenz als eine Form des Totalitarismus, der hauptsächlich auf Werbung basiert. Chomsky sagt: „Propaganda bedeutet für die Demokratie dasselbe wie der Klub für den totalitären Staat.“ Auf diese Weise vollzieht sich für Chomsky die Verfestigung der Kultur durch einen totalitären Kunstgriff, der wirtschaftlichen Interessen dient und die Sichtbarkeit von ursprünglichen Manifestationen des Denkens verhindert, die jede Form von Ästhetik einschließen und zu einer gewissen Standardisierung von Ausdrucksformen und einer anderen führen würden Art des ästhetischen Totalitarismus.

Totalitäre Architekturleistungen und Projekte

Nazi- Deutschland
Berlin : Welthauptstadt Germania, vorgeschlagene neue Reichshauptstadt, entwickelt vom Architekten Albert Speer (1942). Nur die Neue Reichskanzlei wurde während des Konflikts gebaut und zerstört.
Berlin : Das Olympiastadion.
Berlin Das Reichsluftfahrtministerium beherbergt heute die Büros des Bundesfinanzministeriums.
Nürnberg : Das Reichsparteitagsgelände.

Nord Korea
Ryugyong Hotel

Faschist Italien
Como : Haus der faschistischen Gewerkschaften von Giuseppe Terragni, der jetzt zur „Guardia di Finanza“ gehört.
Rom : Bezirk der Esposizione Universale di Roma oder „EUR“ (Ausstellung geplant 1942, aber nicht gehalten), einschließlich der „Palast der Zivilisation der Arbeit“ (auch „Colosseum Platz“ genannt und inspiriert von den Gemälden von Chirico), der “ Museum von Römische Zivilisation “ oder der Palast von Sport .
Rom : Bahnhof Termini.
Neue Städte in den Pontinischen Sümpfen: Latina , Pontinia, Sabaudia.
Gerichtsgebäude von Mailand oder Palermo .

Polen
Warschau : ein stalinistischer Wolkenkratzer, der Palast der Kultur und Wissenschaft.
Deutsche Demokratische Republik
Ostberlin : Karl-Marx-Allee, 2 km Stalinistischer Boulevard .

Rumänien
Bukarest : die „Casa Scânteii“, die Palast von Parlament (oder „Haus des Volkes“ – „Casa Poporului“) und Casa Radio.

UdSSR
Moskau : Die sieben stalinistischen Wolkenkratzer.
Moskau : Metro (monumentale Formen und neobarocke Dekoration).
Eriwan ( Armenien ): Stadtzentrum.