La arquitectura totalitaria se refiere al tipo de arquitectura creada por los estados totalitarios. Por lo general, está diseñado para ser imponente y de gran tamaño para representar una sensación de poder, majestuosidad y virilidad.

La arquitectura totalitaria se refiere a la arquitectura de los regímenes totalitarios del siglo XX, el régimen fascista italiano (1922-1945), el régimen nazi alemán (1933-1945) y el régimen soviético, principalmente durante su período estalinista (1929-1953). ) Este concepto se basa en el reconocimiento de la importancia dada a la arquitectura en estos regímenes e insiste en que estos regímenes, a pesar de sus diferencias, han dado como resultado diseños arquitectónicos comparables.

Este tipo de arquitectura nació en Italia en la década de 1920 con el surgimiento del fascismo. Se propaga rápidamente en los países totalitarios de Europa como la Alemania nazi y la Unión Soviética de Stalin hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

La oposición entre los arquitectos modernos y los tradicionalistas nos ha llevado a creer que la arquitectura de los regímenes totalitarios se identifica con el retorno a la tradición neoclásica, en contra del movimiento moderno encarnado por los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna. (CIAM). De hecho, la arquitectura neoclásica no ha sido exclusiva de los regímenes totalitarios, que a su vez han desarrollado estilos arquitectónicos más diversos.

Caracteristicas
Las líneas generales de la estética totalitaria son, entre otras, proporciones monumentales y grandilocuentes, estandarización de técnicas de representación, estilo hiperrealista, simulación de movimiento, líneas rectas y homogéneas (generalmente apuntando al cielo), preponderancia de un color a otro (generalmente rojo) , la desindividualización de los personajes y las narrativas en detrimento de los personajes colectivos (masa), la coreografía y los corales, la reverencia por el ejercicio físico, el trabajo manual, el atletismo y el cuerpo.

Una estética totalitaria tiene en común con la cultura de los regímenes totalitarios el resurgimiento de las civilizaciones antiguas que representaron sus raíces, como el Imperio Romano, el Imperio Bizantino y la antigua Grecia , y todas las manifestaciones vanguardistas en el arte han sido perseguidas. A este respecto, cabe señalar que Hitler creó una lista de obras consideradas como «arte degenerado», mientras que Stalin reemplazó programáticamente las vanguardias rusas, como Cubo-futurismo por el llamado «realismo socialista».

Los regímenes totalitarios hicieron uso del arte y otras expresiones estéticas (vestimenta, diseño de objetos, producción gráfica, símbolos nacionales) como parte de una lógica de dominación total de la vida humana. En el caso del nazismo y el estalinismo, las políticas del estado real se han establecido para la estética. La política se apropió de la retórica del arte: era «el arte en su última fase romántica», según Susan Sontag. No es sorprendente que muchos de los alemanes, italianos y Unión Soviética los mítines de los años 1930 a 1940 siguen los mismos principios que la «obra total de arte» conceptualizada por el compositor romántico alemán Richard Wagner: el drama, la música y la coreografía se fusionaron con la emoción y la ideología, con el ethos enunciado a través del pathos. Las masas se convirtieron al mismo tiempo en espectadores y extras. En su ensayo «fascinante fascismo» (1972), Sontag resumió las pautas generales de la estética totalitaria:

«El gusto por la reverencia monumental y masiva del héroe es común tanto al arte fascista como al comunista … La presentación del movimiento en patrones grandiosos y rígidos es otro elemento común, ya que tal coreografía refleja la unidad del estado en sí Misas de masas , coreografías de exposiciones de cuerpos, son actividades valoradas en todos los países totalitarios. «Las masas están hechas para tomar forma para ser dibujadas.

Monumentalidad neoclásica
El concepto de arquitectura totalitaria se basa en la similitud observada entre ciertos logros de los regímenes fascista, nazi y soviético, tanto cuantitativamente (gran período de construcción pública, tamaño de los monumentos) como cualitativo (recuperación de elementos neoclásicos integrados con elementos de la arquitectura moderna) .

De hecho, los regímenes totalitarios han dado gran importancia a la arquitectura como una expresión visible tanto de la «revolución» en movimiento como de los valores de los regímenes (primacía de la comunidad o colectividad sobre el individuo, orden, fusión alrededor de un solo proyecto, etc.) . Lenin habla desde 1918, en un momento en el que aún no había cuestión de totalitarismo, de «propaganda monumental».

La asimilación del neoclasicismo de la década de 1930 a los regímenes totalitarios es criticada por aquellos que prefieren evocar un «estilo de la década de 1930». Estos últimos señalan que las construcciones contemporáneas en países no sujetos a regímenes totalitarios tienen las mismas características. Como nos recuerda el profesor de arquitectura Jean-Louis Cohen: «Los regímenes autoritarios están lejos de ser los únicos patrocinadores de monumentos clásicos, como el desarrollo del cerro Chaillot en París, el Triángulo Federal de Washington y los grandes edificios públicos británicos. Pruébelo. las exposiciones internacionales son también el pretexto para demostraciones de histeria arquitectónica en las que los conservadores siempre son ganadores.

Por ejemplo, los edificios de los edificios administrativos de Washington (el Edificio del Tribunal Supremo, la Galería Nacional de Arte, los Archivos Nacionales, el Monumento a Jefferson) y el New Deal en los Estados Unidos («marcados por un clasicismo limpio del que Paul Philippe Cret ser el teórico «desde 1932), los edificios de la Exposición Mundial de 1937 en París en Francia (Palais de Chaillot, Palais de Tokyo, etc.) así como muchos edificios en Bruselas (Stade du Centenary, Grand Palais des Expositions du Centenaire , sede de la Belgian Shell Company, sede del Seguro General de Trieste, estación Central de Bruselas, etc.), donde el estilo monumental continuará después de la Segunda Guerra Mundial (sede del Banco de la Galería Nacional de Bélgica, Galería Ravenstein, Bruselas Norte) Estación, Palais des Congrès, Biblioteca Real Albert I, Palacio de la Dinastía).

El propio arquitecto nazi Albert Speer admite en sus memorias: «Más tarde se afirmó que este estilo (neoclásico) era el sello distintivo de la arquitectura estatal de los regímenes totalitarios. Esto es totalmente inexacto. Es más bien el sello de una época, reconocible en Washington , Londres o París , así como en Roma , Moscú o en nuestro Berlina proyectos.
Este estilo de la década de 1930 es de hecho la consecuencia de la afirmación de los estados en el campo arquitectónico, después de su creciente intervención en la economía causada por la Primera Guerra Mundial y las crisis económicas y el aumento del concepto de planificación económica, territorial, etc. Por lo tanto, es la expresión del estado intervencionista, ya sea un estado de bienestar democrático o un estado totalitario.

Ambigüedades
En particular, la arquitectura de los regímenes totalitarios pretende expresar la voluntad de estos regímenes de imponer la superioridad de lo colectivo sobre lo individual. Esto se expresa mediante una arquitectura monumental y la reactivación de los valores arquitectónicos grecorromanos clásicos.

Sin embargo, la realidad es más compleja y la arquitectura de los regímenes totalitarios no se reduce a los vuelos de las columnas de los estadios en las películas de propaganda.

Primero, el modernismo y las tradiciones en la arquitectura se compenetraron en la década de 1930. El profesor de arquitectura Bertrand Lemoine explica (sobre la Exposición Universal de 1937): «Sería demasiado esquemático simplemente contrastar el clasicismo y el modernismo porque en 1937, como en la década de 1930, la tendencia hacia la integración es bastante fuerte entre los dos».
En segundo lugar, los regímenes totalitarios han implementado varios estilos arquitectónicos, ya sea sucesivamente en el tiempo o en paralelo, no sin debates, conflictos internos o ambigüedades.

La estética en diferentes regímenes
Como se señaló anteriormente, las principales manifestaciones de lo que se puede llamar una estética totalitaria se encuentran en los dos principales regímenes totalitarios del siglo XX, el nazi-fascismo de Hitler y el comunismo soviético de Stalin. Sin embargo, la forma en que se usa esta estética en ambos tiene diferencias, ahora es (b) tis y ahora bastante evidente. La estética nazi buscó rechazar absolutamente cualquier referencia a las innovaciones artísticas golpeadas por las primeras vanguardias de principios del siglo XX, que consideraban deriva mental, libertinaje o incluso «arte comunista». Por otro lado, la estética adoptada por el régimen estalinista llegó a incorporar algunas de las investigaciones constructivistas, aunque aplicándolas de manera antagónica a sus orígenes.

Realismo Socialista
El realismo socialista fue el conjunto oficial de pautas formales, estilísticas y poéticas del Unión Soviética entre la década de 1930 y la muerte de Stalin y el proceso posterior de desestalinización. El realismo socialista era, más que un estilo, una política oficial destinada a adaptar la producción cultural soviética (y otros artistas militantes comunistas en el mundo) al marxismo-leninismo (de hecho, la visión estalinista) de la realidad.

El principal arquitecto del realismo socialista fue Andrei Zhdanov.

Contra el realismo socialista surgieron varios críticos y detractores activos, como Pablo Picasso, Piet Mondriaan y Clement Greenberg. En el contexto histórico de la revolución rusa, el realismo socialista se consagró como la política estética oficial del Estado en antagonismo a las diversas tendencias estéticas denominadas genéricamente como vanguardia rusa, a través del repudio de Stalin al aspecto supuestamente liberador de la estética anterior. Los miembros de la vanguardia rusa, artistas en general vinculados con el constructivismo, el abstractionismo y el suprematismo, desempeñaron un papel importante en la primera fase de la revolución, proponiendo la creación de grandes talleres públicos de arte en los que la expresión estética libre sería alentada por el Estado en la búsqueda de la liberación, tanto individual como colectiva, de los valores prerrevolucionarios. Con la política totalitaria estalinista, este tipo de posicionamiento artístico fue muy reñido, con nombres asociados con el arte abstracto perseguido en particular. Kasimir Malievith es considerado el caso ejemplar: prohibido su investigación suprematista (considerada revolucionaria por varios críticos y estudiosos del arte occidental), comenzó a pintar solo obras figurativas y realistas en el momento de la realización del realismo soviético. Incluso ese poeta que era considerado la voz principal de la revolución en la literatura, Vladimir Mayakovsky, fue criticado por los ideólogos de la estética gubernamental, y Trotsky lo consideró como una de las causas de su suicidio, mientras que otros consideran la posibilidad de un poder político asesino creado por el propio régimen estalinista .

Durante prácticamente todo el período de existencia de la Unión Soviética , la vanguardia rusa original fue olvidada y poco estudiada, dando prioridad al realismo socialista. Solo con la caída del comunismo estalinista en Europa del Este ¿Tal movimiento comenzó a generar nuevos intereses?

Estética nazi
La estética, para el nacionalsocialismo, fue un punto central de su política de reorganización del mundo. Para la ideología de Hitler, la sociedad occidental estaba experimentando un proceso de decadencia, atribuido a una contaminación social que tenía como dos factores principales a los judíos étnicos y los comunistas ideológicamente. Una vez que ambos fueron erradicados, la nación alemana sería purificada y libre para alcanzar su papel de supremacía en la Humanidad, de acuerdo con la promesa Nazi. Por lo tanto, la reforma del mundo sería un proceso de «purificación», «sanitización» y «embellecimiento», incluso si esto significara el exterminio físico de los individuos (incluidos los aún llamados «arios» con deformidades físicas y enfermedades mentales). )

Los nazis también decidieron desterrar el arte modernista producido por las vanguardias artísticas, especialmente en la pintura y la escultura, exhibiendo sus obras para la execración pública en las llamadas «Degenerate Art Exhibitions».

La estética nazi fue aplicada por el personal del partido NSDAP bajo la guía personal de Adolf Hitler, quien era diseñador (gráfico y producto) por formación y profesión, y un artista plástico frustrado en su juventud. El principal colaborador de Hitler en este campo fue el orador y propagandista Josef Goebbels.

Para los nazis, el arte debe tener un efecto, como la monumentalidad y la grandilocuencia. También debería glorificar la pureza de la raza aria. Por lo tanto, los judíos en el campo étnico y los comunistas en el campo ideológico -los seres, en su opinión, contaminados- deberían ser combatidos. El concepto de arte degenerado tiene este propósito.

Modernismo y totalitarismo
Después de la Primera Guerra Mundial y el final de la Belle Époque, el pesimismo se apoderó de la intelligentsia e hizo que muchos artistas buscaran olvidar el pasado y construir nuevos valores desde cero. El arte no podía dejar de acompañar este cambio y comenzó a buscar una nueva estética para romper con lo que había sucedido en todos los siglos anteriores. Un ideal que se convirtió en un objetivo común para varios artistas de vanguardia de la época fue la democratización del arte, es decir, la producción de un género artístico que llegaba a todas las clases sociales, igualmente, a través de formas y temas universales, comunes a todos los hombres.

Hubo varios artistas que persiguieron este «escenario». Los estilos modernistas, en sus matices, son casi todos parte de esta búsqueda del arte universal. Sin embargo, pudimos distinguir claramente dos grupos de artistas que buscaban esta universalidad, de acuerdo con sus comportamientos en relación con el fenómeno totalitario que existía: el «para», que estaba de acuerdo con la reforma estética propuesta por los nuevos regímenes, que no alinearse en hipótesis algunas con las vanguardias, con la excepción, del Futurismo de Marinetti, solo en su alabanza a la fuerza; y el «contra», que también propuso una reforma estética, pero precisamente a través del distanciamiento del passadismo, el uso, también, de la abstracción y la ruptura definitiva con los estilos anteriores.

En general, sin embargo, los artistas apolíticos eran prácticamente inexistentes en ese momento. La participación de muchos de ellos en la Guerra Civil Española, tanto en las Brigadas de la Internacional Socialista como en las fuerzas falangistas, fue evidencia de esto.

En el segundo grupo tenemos el trabajo sobresaliente de Piet Mondriaan, el pintor holandés que propuso un plan real de reforma social a través de la estética. Para él, la estética ideal era aquella no figurativa, compuesta solo de elementos geométricos abstractos, por lo tanto universales. Al hacer representaciones de la realidad, el artista presentaría sus propias impresiones de la verdad, influyendo así en el observador, que Mondrian condena enérgicamente. Justifica esta condena argumentando que la figuración (especialmente el realismo) presupone el preaprendizaje de ciertos conceptos para su comprensión, tanto formal como simbólica, mientras que el abstraccionismo no. Para Mondrian, si el objetivo es la universalización, de ninguna manera puede haber representación figurativa o significativa en una obra de arte: los únicos elementos visuales que son perceptibles por igual por todos los hombres son las formas geométricas regulares.

En la posguerra de 1918, varias tendencias vanguardistas que surgieron a partir de finales del siglo XIX fueron afirmando y consolidando. El modernismo no fue la única vanguardia de la época, ni fue el que causó las mayores consecuencias en el siglo XX. Sin embargo, fue la vanguardia ganadora y, de esta manera, esta es la historia que se escribió, la del ganador.

Manifestaciones estéticas totalitarias
Artes graficas
Las artes gráficas, especialmente el Posterismo, fueron ampliamente utilizadas en la propaganda de los regímenes totalitarios, así como en la creación de una estética impregnada de ideología oficial.

Es interesante observar, sin embargo, que uno de los principales focos del desarrollo del diseño gráfico en el siglo XX fue a través de la escuela Bauhaus alemana y sus seguidores (especialmente la Escuela de la Forma de Ulm), es decir, movimientos antagónicos al totalitarismo y políticamente vinculado, de manera muy general, al proyecto del mundo socialdemócrata. La Bauhaus incluso fue cerrada por el gobierno Nazi. Del mismo modo, en Rusia , los principales nombres del cartelismo estaban vinculados a la vanguardia rusa, todos ellos socialistas, con orientación antitotalitaria, habiendo sido los principales propagandistas de la revolución y teniendo que abandonar posteriormente sus postulados estéticos innovadores. En ambos regímenes (nazi y comunista), los institutos oficiales de propaganda aprovecharon, de una manera u otra, la investigación sobre la comunicación de masas promovida por sus rivales.

Cine
Después de la pintura y la escultura, las artes más producidas en Europa El cine fue la forma de expresión artística que más sufrió la estética totalitaria. Y, al mismo tiempo, el que más se extendió entre la población, tanto para el propósito de la apreciación estética como para el carácter de la comunicación de masas.

En el cine, algunos de los principales representantes de estas corrientes estéticas fueron el documentalista alemán Leni Riefenstahl y el director y editor soviético Sergei Eisenstein. Las películas chinas producidas después de la revolución de 1949, como el reciente Red Turn, también son impulsadas por la estética totalitaria del régimen chino.

En su obra maestra, El triunfo de la voluntad, Leni Riefenstahl «utiliza grandes tomas de imágenes concentradas de masas que se alternan con primeros planos que aíslan una pasión singular» (como Susan Sontag comenta en su ensayo de 1986 «fascismo fascinante»). La intención es transmitir el concepto de Ordnung, columnas que marchan en líneas rígidas, jóvenes con mirada obstinada. Leni Riefenstahl tenía una noción exacta de los recursos técnicos que necesitaba para poder captar el efecto de la masa uniforme y ordenada. La cámara debe subir, la lente debe capturar toda la escena, y si no hubiera una grúa, se inventaría. La construcción del pro-filmic (el objeto que es fotografiado / filmado) en la obra de Leni es parte del juego ideológico totalitario: una verdad única, una mirada unívoca al objeto. Buscando la verdadera apariencia, los documentales apelan a un recurso discursivo en particular: el «efecto real». Después de todo, es solo un registro de hechos, como insiste el director.

Arquitectura y escultura
Los principales exponentes de la estética nazi en la construcción y en las artes de la forma concreta fueron Albert Speer en arquitectura y Arno Becker en escultura.

La arquitectura de los grandes palacios nazi-fascistas eventualmente incorporó elementos estilísticos clásicos, pero su principal característica fue la búsqueda constante de una altanería y una monumentalidad tan grandes que se volvieron opresivas. Los edificios públicos deberían, por su grandeza en relación con el individuo, mostrar el estado en su plenitud y superioridad. En general, dicha producción puede considerarse «ecléctica», ya que tenía referencias a estilos actualmente en boga, como el art déco y ciertos resurgimientos, aunque no se publicó.

Estética totalitaria en la música
Estética totalitaria y militarista son inherentes a algunos grupos musicales, por ejemplo, Laibach, Joy Division, Death en junio, Haus Arafna, en parte Pink Floyd (período de The Wall), Rammstein, Marilyn Manson, Pet Shop Boys, artistas de rock soviéticos Alice, Nautilus Pompilio, etc. En la letra de estos y otros grupos uno puede enfrentar la dura crítica del totalitarismo, incluido el totalitarismo de la cultura de masas occidental. Algunas veces esta crítica se da en una forma irónica, y puede parecer que incluso apoya un sistema totalitario. Las referencias directas o indirectas al totalitarismo son características de muchos grupos industriales, en particular, representantes del estilo industrial marcial.

Totalitarismo estético hoy
Algunos de los países que, por supuesto, producen una cultura de masas siguiendo los parámetros de la estética totalitaria son Corea del Norte , la República Popular de China y Turkmenistán . Los monumentos franquistas en España comenzó a ser retirado por la Ley de Memoria Histórica de 2007, que establece que los símbolos del franquismo deberían prohibirse en lugares públicos.

Además, la estética totalitaria se revive en los productos de la cultura pop cuando se desea relegar a la cultura de los países que han vivido estos regímenes en sus analogías con los regímenes democráticos occidentales. Algunos ejemplos de esto son el famoso video clip de la banda Pet Shop Boys por su re-grabación de la canción Go West, representando al Ejército Rojo bajo un diseño de gráficos por computadora, o el video de apertura del álbum HIStory de Michael Jackson que utilizó el ejército búlgaro para revelar una estatua gigantesca del cantante.

Ciertas producciones cinematográficas que buscan retratar ambientes distópicos (como el Brasil y películas de 1984) también usan las referencias estéticas totalitarias en su composición y caracterización escenográfica.

Los críticos de la estética totalitaria a menudo asocian sus obras y sus valores estilísticos con el concepto de kitsch, asociando la masificación de la cultura con los regímenes totalitarios en sus analogías con los regímenes supuestamente democráticos. Noam Chomsky considera la existencia como una forma de totalitarismo, basada principalmente en la publicidad. Chomsky dice que «la propaganda significa para la democracia lo mismo que el club significa para el estado totalitario». De esta manera, para Chomsky, la masificación de la cultura ocurre a través de un artificio totalitario, al servicio de los intereses económicos e impidiendo la visibilidad de las manifestaciones originales del pensamiento, que incluiría cualquier forma de estética, conduciendo a una cierta estandarización de las formas de expresión y a otro tipo de totalitarismo estético.

Logros y proyectos de arquitectura totalitaria

nazi Alemania
Berlina : Welthauptstadt Germania, propuesta nueva capital del Reich desarrollada por el arquitecto Albert Speer (1942). Solo el Neue Reichskanzlei («nueva Cancillería») fue construido y destruido durante el conflicto.
Berlina : el estadio olímpico.
Berlina : El Reichsluftfahrtministerium («Reich Air Ministry») ahora alberga las oficinas del Ministerio Federal de Finanzas de Alemania.
Nuremberg : El Reichsparteitagsgelände.

Corea del Norte
Ryugyong Hotel

Fascista Italia
Como : Casa de los sindicatos fascistas de Giuseppe Terragni, que ahora pertenece a la «Guardia di Finanza».
Roma : distrito de la Esposizione Universale di Roma o «EUR» (exposición planeada en 1942, pero no celebrada), incluido el «Palacio de la Civilización del Trabajo» (también llamado «Plaza del Coliseo» e inspirado en las pinturas de Chirico), el » Museo de Civilización romana » o el Palacio de Deporte .
Roma : Estación de Termini.
Nuevas ciudades en las Marismas Pontinas: Latina , Pontinia, Sabaudia.
Palacio de justicia de Milán o Palermo .

Polonia
Warsaw : un rascacielos estalinista, el palacio de la cultura y la ciencia.
República Democrática Alemana
Berlín Este : Karl-Marx-Allee, a 2 km Bulevar estalinista .

Rumania
Bucarest : la «Casa Scânteii», la Palacio de Parlamento (o «Casa del Pueblo» – «Casa Poporului») y Casa Radio.

URSS
Moscú : los siete rascacielos estalinistas.
Moscú : metro (formas monumentales y decoración neobarroca).
Ereván ( Armenia ): centro de la ciudad.