L’architecture totalitaire fait référence au type d’architecture créé par les états totalitaires. Il est généralement conçu pour être imposant et de grande taille pour représenter un sentiment de puissance, de majesté et de virilité.

L’architecture totalitaire se réfère à l’architecture des régimes totalitaires du XXe siècle, le régime fasciste italien (1922-1945), le régime nazi allemand (1933-1945) et le régime soviétique, principalement pendant sa période stalinienne (1929-1953). ). Ce concept est basé sur la reconnaissance de l’importance accordée à l’architecture dans ces régimes et insiste sur le fait que ces régimes, malgré leurs différences, ont abouti à des conceptions architecturales comparables.

Ce type d’architecture est né en Italie dans les années 1920 avec la montée du fascisme. Il se répand rapidement dans les pays totalitaires de L’Europe  comme l’Allemagne nazie et l’Union soviétique de Staline jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale.

L’opposition entre architectes modernes et traditionalistes nous a fait croire que l’architecture des régimes totalitaires s’identifie au retour à la tradition néoclassique, contre le mouvement moderne incarné par les Congrès Internationaux d’Architecture Moderne. (CIAM). En fait, l’architecture néoclassique n’a pas été l’apanage des seuls régimes totalitaires, qui eux-mêmes ont développé des styles architecturaux plus divers.

Caractéristiques
Les lignes générales de l’esthétique totalitaire sont, entre autres, proportions monumentales et grandiloquentes, standardisation des techniques de représentation, style hyperréaliste, simulation de mouvement, lignes droites et homogènes (pointant généralement vers le ciel), prépondérance d’une couleur à l’autre (généralement rouge) , la désindividualisation des personnages et des récits au détriment des caractères collectifs (masse), de la chorégraphie et des coraux, de la vénération de l’effort physique, du travail manuel, de l’athlétisme et du corps.

Une esthétique totalitaire a en commun avec la culture des régimes totalitaires la renaissance des civilisations anciennes qui représentaient ses racines, telles que l’Empire romain, l’Empire byzantin et l’ancienne Grèce , et toutes les manifestations avant – gardistes dans l ‘art ont été poursuivies. À cet égard, il convient de noter que Hitler a créé une liste d’œuvres considérées comme «dégénérées», tandis que Staline a remplacé par programme les avant-gardes russes, comme le cubo-futurisme par le soi-disant «réalisme socialiste».

Les régimes totalitaires utilisaient l’art et d’autres expressions esthétiques (vêtements, design d’objets, production graphique, symboles nationaux) dans le cadre d’une logique de domination totale de la vie humaine. Dans le cas du nazisme et du stalinisme, des politiques d’État réelles ont été établies pour l’esthétique. La politique s’est appropriée la rhétorique de l’art: c’était «l’art dans sa phase romantique tardive», selon Susan Sontag. Sans surprise, beaucoup de l’allemand, italien, et Union soviétique Les rassemblements des années 1930-1940 suivent les mêmes principes que «l’œuvre d’art totale» conceptualisée par le regretté compositeur romantique allemand Richard Wagner: le drame, la musique et la chorégraphie se fondent dans l’émotion et l’idéologie. Les masses ont été converties en même temps en spectateurs et extras. Dans son essai « Fascinating Fascism » (1972), Sontag résume les lignes directrices générales de l’esthétique totalitaire:

« Le goût pour la révérence monumentale et massive pour le héros est commun à l’art fasciste et communiste … La présentation du mouvement dans des modèles grandioses et rigides est un autre élément commun, car une telle chorégraphie reflète l’unité de l’Etat. , les chorégraphies des expositions de corps, sont des activités valorisées dans tous les pays totalitaires. « Les masses sont faites pour prendre forme.

Monumentalité néoclassique
Le concept d’architecture totalitaire est basé sur la similitude observée entre certaines réalisations des régimes fasciste, nazi et soviétique, tant quantitativement (grande période de construction publique, taille des monuments) que qualitatives (récupération des éléments néoclassiques intégrés aux éléments de l’architecture moderne) .

En effet, les régimes totalitaires ont donné une grande importance à l’architecture comme expression visible à la fois de la «révolution» en mouvement et des valeurs des régimes (primauté de communauté ou de collectivité sur l’individu, ordre, fusion autour d’un projet unique, etc.) . Lénine parle de 1918, à une époque où il n’était pas question de totalitarisme, de «propagande monumentale».

L’assimilation du néoclassicisme des années 1930 aux régimes totalitaires est critiquée par ceux qui préfèrent évoquer un «style des années 1930». Ces derniers soulignent que les constructions contemporaines dans les pays non soumis aux régimes totalitaires ont les mêmes caractéristiques. Comme le rappelle le professeur d’architecture Jean-Louis Cohen: «Les régimes autoritaires sont loin d’être les seuls promoteurs de monuments classiques, comme le développement de la colline de Chaillot à Paris, du triangle fédéral de Washington et des grands bâtiments publics britanniques. les expositions internationales sont aussi le prétexte à des démonstrations d’hystérie architecturale où les conservateurs sont toujours gagnants.

Par exemple, les bâtiments des bâtiments administratifs de Washington (la Cour Suprême, la National Gallery of Art, les Archives Nationales, le Jefferson Memorial) et le New Deal aux Etats-Unis (« marqué par un classicisme épuré dont Paul Philippe Cret être le théoricien « à partir de 1932), les bâtiments de l’Exposition universelle de 1937 à Paris en France (Palais de Chaillot, Palais de Tokyo, etc.) ainsi que de nombreux bâtiments à Bruxelles (Stade du Centenaire, Grand Palais des Expositions du Centenaire , quartier général de la Compagnie Belge des Charpentes, siège de la General Insurance de Trieste, gare de Bruxelles-Central, etc.), où le style monumental se poursuivra après la Seconde Guerre mondiale (siège de la Banque Nationale de Belgique, Galerie Ravenstein, Bruxelles Nord Gare, Palais des Congrès, Bibliothèque royale Albert Ier, Palais de la Dynastie).

L’architecte nazi Albert Speer admet lui-même dans ses mémoires: «On a prétendu plus tard que ce style (néoclassique) était la marque de l’architecture étatique des régimes totalitaires, totalement inexacte, mais plutôt la marque d’une époque, reconnaissable dans Washington , Londres ou Paris , Aussi bien que dedans Rome , Moscou ou dans notre Berlin projets.
Ce style des années 1930 est en effet la conséquence de l’affirmation des États dans le domaine architectural, suite à leur intervention croissante dans l’économie provoquée par la Première Guerre mondiale et les crises économiques et la montée du concept de planification économique, territoriale, etc. .. C’est donc l’expression de l’Etat interventionniste, qu’il s’agisse d’un Etat-providence démocratique ou d’un Etat totalitaire.

Ambiguités
En particulier, l’architecture des régimes totalitaires est destinée à exprimer la volonté de ces régimes d’imposer la supériorité du collectif sur l’individu. Cela s’exprime par une architecture monumentale et la renaissance des valeurs architecturales gréco-romaines classiques.

Cependant, la réalité est plus complexe et l’architecture des régimes totalitaires n’est pas réduite aux vols des colonnades du stade sur les films de propagande.

Premièrement, le modernisme et les traditions architecturales s’interpénétraient dans les années 1930. Le professeur d’architecture Bertrand Lemoine explique (à propos de l’Exposition universelle de 1937): «Il serait trop schématique de simplement opposer classicisme et modernisme car en 1937, comme dans les années 1930, la tendance à l’intégration est assez forte entre les deux.
Deuxièmement, les régimes totalitaires ont mis en œuvre plusieurs styles architecturaux, successivement dans le temps ou en parallèle, non sans débats, sans conflits internes ou ambiguïtés.

L’esthétique dans différents régimes
Comme indiqué plus haut, les principales manifestations de ce que l’on peut appeler une esthétique totalitaire se trouvent dans les deux grands régimes totalitaires du XXe siècle, le fascisme nazi de Hitler et le communisme soviétique de Staline. La façon dont une telle esthétique est utilisée dans les deux, cependant, a des différences, maintenant c’est (b) tis et maintenant tout à fait flagrant. L’esthétique nazie a cherché à rejeter absolument toute référence aux innovations artistiques frappées par les premières avant-gardes du début du XXe siècle, qu’elles considéraient comme la dérive mentale, la débauche ou même «l’art communiste». D’autre part, l’esthétique adoptée par le régime stalinien est venue incorporer certaines des recherches constructivistes, tout en les appliquant de manière antagoniste à leurs origines.

Réalisme socialiste
Le réalisme socialiste était l’ensemble officiel des directives formelles, stylistiques et poétiques du Union soviétique entre les années 1930 et la mort de Staline et le processus subséquent de déstalinisation. Le réalisme socialiste était, plus qu’un style, une politique officielle visant à adapter la production culturelle soviétique (et d’autres artistes militants communistes dans le monde) à la réalité marxiste-léniniste (en fait, stalinienne).

L’architecte principal du réalisme socialiste était Andrei Zhdanov.

Contre le réalisme socialiste surgirent plusieurs critiques et détracteurs actifs, comme Pablo Picasso, Piet Mondriaan et Clement Greenberg. Dans le contexte historique de la Révolution russe, le réalisme socialiste a été consacré comme politique esthétique officielle de l’État en opposition aux diverses tendances esthétiques dénommées génétiquement avant-gardistes russes, par la répudiation de Staline à l’aspect prétendument libérateur de l’esthétique précédente. Les membres de l’avant-garde russe, les artistes en général liés au constructivisme, à l’abstractionnisme et au suprématisme, ont joué un rôle important dans la première phase de la révolution, proposant la création de grands ateliers d’art public. Etat dans la recherche de la libération, individuelle et collective, des valeurs pré-révolutionnaires. Avec la politique totalitaire stalinienne, ce type de positionnement artistique était durement combattu, avec des noms associés à l’art abstrait en particulier. Kasimir Malievith est considéré comme le cas exemplaire: interdit de poursuivre sa recherche suprématiste (considéré comme révolutionnaire par plusieurs critiques et savants de l’art occidental), il commence à peindre uniquement des œuvres figuratives et réalistes au moment de la promulgation du réalisme soviétique. Même ce poète qui était considéré comme la voix dominante de la révolution littéraire, Vladimir Mayakovsky, fut critiqué par les idéologues de l’esthétique gouvernementale, une telle pression étant considérée comme l’une des causes de son suicide par Trotsky, tandis que d’autres envisagent la possibilité d’un pouvoir politique assassiner créé par le régime stalinien lui-même .

Pendant pratiquement toute la période d’existence du Union soviétique , l’avant-garde russe originale a été oubliée et peu étudiée, donnant la priorité au réalisme socialiste. Seulement avec la chute du communisme stalinien L’Europe de l’Est Un tel mouvement a-t-il commencé à susciter de nouveaux intérêts?

Esthétique nazi
L’esthétique, pour le national-socialisme, était un point central de sa politique de réorganisation du monde. Pour l’idéologie de Hitler, la société occidentale subissait un processus de décadence, attribué à une contamination sociale qui avait comme deux facteurs principaux les Juifs ethniques et les communistes idéologiquement. Une fois les deux éradiquées, la nation allemande serait purifiée et libre de remplir son rôle de suprématie dans l’Humanité, selon la promesse nazie. Ainsi, la réforme du monde serait un processus de «purification», de «désinfection» et d ‘«embellissement», même si cela signifiait l’extermination physique des individus (y compris les soi-disant «Aryens» avec difformités physiques et maladies mentales). ).

Les nazis ont également décidé de bannir l’art moderniste produit par les avant-gardes artistiques, en particulier dans la peinture et la sculpture, en exposant leurs œuvres pour l’exécution publique dans les soi-disant « Expositions d’art dégénéré ».

L’esthétique nazie a été appliquée par le personnel du parti NSDAP sous la direction personnelle d’Adolf Hitler, qui était un designer (graphique et produit) par la formation et la profession, et un artiste plasticien frustré dans sa jeunesse. Le principal collaborateur de Hitler dans ce domaine était le conférencier et propagandiste Josef Goebbels.

Pour les nazis, l’art devrait avoir un effet, comme la monumentalité et la grandiloquence. Il devrait aussi glorifier la pureté de la race aryenne. Ainsi, les juifs dans le champ ethnique et les communistes dans le champ idéologique – les êtres, selon eux, contaminés – devraient être combattus. Le concept de l’art dégénéré a cet objectif.

Modernisme et totalitarisme
Après la Première Guerre mondiale et la fin de la Belle Époque, le pessimisme a pris le dessus sur l’intelligentsia et a fait que de nombreux artistes cherchent à oublier le passé et à construire de nouvelles valeurs à partir de zéro. L’art ne pouvait pas manquer d’accompagner ce changement, et a commencé à chercher une nouvelle esthétique pour rompre avec ce qui s’était produit dans tous les siècles précédents. Un idéal commun à plusieurs artistes avant-gardistes de l’époque était la démocratisation de l’art, c’est-à-dire la production d’un genre artistique atteignant toutes les classes sociales, également, à travers des formes et des thèmes universels communs à tous les hommes.

Il y avait plusieurs artistes qui ont poursuivi cette « scène ». Les styles modernistes, dans leurs nuances, font presque tous partie de cette quête de l’art universel. Cependant, nous avons pu distinguer clairement deux groupes d’artistes qui cherchaient cette universalité, en fonction de leurs comportements par rapport au phénomène totalitaire qui se tenait: le «pour», qui était d’accord avec la réforme esthétique proposée par les nouveaux régimes, qui ne aligner dans l’hypothèse des uns avec les avant-gardes, à l’exception du futurisme de Marinetti, seulement dans son éloge à la force; et la « contra », qui proposait aussi une réforme esthétique, mais justement à travers la distanciation du passadisme, l’utilisation, aussi, de l’abstraction et de la rupture définitive avec les styles antérieurs.

Dans l’ensemble, cependant, les artistes apolitiques étaient pratiquement inexistants à l’époque. La participation de beaucoup d’entre eux à la guerre civile espagnole, tant dans les Brigades de l’Internationale Socialiste que dans les forces phalangistes, en témoignait.

Dans le deuxième groupe, nous avons le travail exceptionnel de Piet Mondriaan, le peintre hollandais qui a proposé un véritable plan de réforme sociale par l’esthétique. Pour lui, l’esthétique idéale et était ce non-figuratif, composé uniquement d’éléments géométriques abstraits, donc universels. En faisant des représentations de la réalité, l’artiste présenterait ses propres impressions de la vérité, influençant ainsi l’observateur – ce que Mondrian condamne fermement. Il justifie cette condamnation en affirmant que la figuration (en particulier le réalisme) suppose le pré-apprentissage de certains concepts pour leur compréhension, à la fois formelle et symbolique, alors que l’abstraction ne le fait pas. Pour Mondrian, si le but est l’universalisation, il ne peut y avoir de représentation figurative ou significative dans une œuvre d’art: les seuls éléments visuels qui soient également perceptibles par tous les hommes sont les formes géométriques régulières.

Dans l’après-guerre de 1918, plusieurs tendances avant-gardistes qui ont émergé à la fin du siècle XIX ont été affirmant et consolidant. Le modernisme n’était pas la seule avant-garde de l’époque, ni celle qui a causé les plus grandes conséquences au vingtième siècle. Cependant, c’était l’avant-garde gagnante et, de cette façon, c’est l’histoire qui a été écrite, celle du gagnant.

Manifestations esthétiques totalitaires
Arts graphiques
Les arts graphiques, en particulier le posterismo, ont été largement utilisés dans la propagande des régimes totalitaires, ainsi que dans la création d’un esthétiquement imprégné par l’idéologie officielle.

Il est intéressant de noter, cependant, que l’un des principaux axes de développement du design graphique au XXe siècle fut l’école allemande du Bauhaus et ses disciples (en particulier l’Ulm School of Form), mouvements antagonistes du totalitarisme et de la politique. lié, d’une manière très générale, au projet social-démocrate mondial. Le Bauhaus a même été fermé par le gouvernement nazi. De même, dans Russie , les principaux noms du cartelisme étaient liés à l’avant-garde russe, tous socialistes, avec une orientation anti-totalitaire, ayant été les principaux propagandistes de la révolution et devant abandonner plus tard leurs postulats esthétiques novateurs. Dans les deux régimes (nazi et communiste), les instituts de propagande officiels ont profité, d’une manière ou d’une autre, des recherches sur la communication de masse promues par leurs rivaux.

Cinéma
Après la peinture et la sculpture, les arts les plus produits L’Europe  , le cinéma était la forme d’expression artistique qui souffrait le plus de l’esthétique totalitaire. Et, en même temps, celui qui s’est le plus répandu parmi la population, tant pour l’appréciation esthétique que pour le caractère de la communication de masse.

Au cinéma, certains des principaux représentants de ces courants esthétiques étaient le cinéaste documentariste allemand Leni Riefenstahl et le réalisateur et éditeur soviétique Sergei Eisenstein. Les films chinois produits après la révolution de 1949, comme le récent Tour Rouge, sont également mus par l’esthétique totalitaire du régime chinois.

Dans son chef-d’œuvre, Le triomphe de la volonté, Leni Riefenstahl «utilise de larges plans d’images de masse concentrées alternant avec des gros plans qui isolent une passion singulière» (comme le remarque Susan Sontag dans son essai «Fascinating Fascism» de 1986). L’intention est de transmettre le concept d’Ordnung, colonnes qui défilent en lignes rigides, jeunes avec un regard obstiné. Leni Riefenstahl avait une idée exacte des ressources techniques dont il avait besoin pour saisir l’effet de la masse uniforme et ordonnée. La caméra devrait monter, l’objectif devrait capturer toute la scène, et s’il n’y avait pas de grue, on serait inventé. La construction du film pro-filmique (l’objet qui est photographié / filmé) dans l’œuvre de Leni fait partie du jeu idéologique totalitaire: une seule vérité, un regard univoque sur l’objet. À la recherche de la véritable apparence, les documentaires font appel à une ressource discursive particulière: l ‘«effet réel». Après tout, c’est juste un enregistrement de faits, comme le directeur insiste.

Architecture et sculpture
Les principaux représentants de l’esthétique nazie dans la construction et dans les arts de la forme en béton étaient Albert Speer en architecture et Arno Becker en sculpture.

L’architecture des grands palais nazi-fascistes a finalement incorporé des éléments stylistiques classiques, mais sa caractéristique principale était la recherche constante d’une hauteur et d’une monumentalité si grandes qu’elles sont devenues oppressives. Les bâtiments publics devraient, par leur grandeur par rapport à l’individu, afficher l’état dans sa plénitude et sa supériorité. En général, une telle production peut être considérée comme «éclectique», car elle fait référence à des styles actuellement en vogue, tels que l’art déco et certains revivalismes, bien que non publiés.

L’esthétique totalitaire en musique
L’esthétique totalitaire et militariste est inhérente à certains groupes musicaux, par exemple Laibach, Joy Division, Death en juin, Haus Arafna, en partie Pink Floyd (période de The Wall), Rammstein, Marilyn Manson, Pet Shop Boys, les rockeurs soviétiques Alice, Nautilus Pompilius etc. Dans les paroles de ces groupes et d’autres, on peut rencontrer la dure critique du totalitarisme, y compris le totalitarisme de la culture de masse occidentale. Parfois, cette critique est donnée sous une forme ironique, et il peut sembler qu’elle soutient même un système totalitaire. Les références directes ou indirectes au totalitarisme sont caractéristiques de nombreux groupes industriels, en particulier des représentants du style industriel martial.

Le totalitarisme esthétique aujourd’hui
Certains des pays qui, bien sûr, produisent une culture de masse suivant les paramètres de l’esthétique totalitaire sont Corée du Nord , la République populaire de Chine et Turkménistan . Les monuments franquistes en Espagne a commencé à être retiré par la loi de mémoire historique, 2007, qui stipule que les symboles du franquisme devraient être bannis des lieux publics.

De plus, l’esthétique totalitaire est relancée dans les produits de la culture pop chaque fois que l’on veut reléguer à la culture des pays qui ont vécu ces régimes dans leurs analogies avec les régimes démocratiques occidentaux. Par exemple, le célèbre clip du groupe Pet Shop Boys pour leur ré-enregistrement de la chanson Go West, représentant l’Armée Rouge sous un graphisme informatique, ou la vidéo d’ouverture de l’album HIStory de Michael Jackson qui utilisait l’armée bulgare pour révéler une statue gigantesque du chanteur.

Certaines productions cinématographiques qui cherchent à représenter des environnements dystopiques (tels que Brésil et 1984) utilisent également les références esthétiques totalitaires dans leur composition scénographique et leur caractérisation.

Les critiques de l’esthétique totalitaire associent souvent leurs œuvres et leurs valeurs stylistiques au concept de kitsch, associant la massification de la culture aux régimes totalitaires dans leurs analogies avec des régimes prétendument démocratiques. Noam Chomsky considère l’existence comme une forme de totalitarisme, basé principalement sur la publicité. Chomsky dit que « la propagande signifie pour la démocratie la même chose que le club signifie pour l’état totalitaire ». Ainsi, pour Chomsky, la massification de la culture se fait à travers un artifice totalitaire servant les intérêts économiques et empêchant la visibilité des manifestations originales de la pensée, qui inclurait toute forme d’esthétique conduisant à une certaine standardisation des formes d’expression et à une autre. type de totalitarisme esthétique.

Réalisations et projets d’architecture totalitaire

nazi Allemagne
Berlin : Welthauptstadt Germania, nouvelle capitale du Reich proposée par l’architecte Albert Speer (1942). Seule la Neue Reichskanzlei («nouvelle chancellerie») a été construite et détruite pendant le conflit.
Berlin : le stade olympique
Berlin : Le Reichsluftfahrtministerium («Reich Air Ministry») abrite désormais les bureaux du ministère fédéral allemand des Finances.
Nuremberg : Le Reichsparteitagsgelände.

Corée du Nord
Ryugyong Hôtel

Fasciste Italie
Côme : Maison des syndicats fascistes de Giuseppe Terragni, appartenant maintenant à la « Guardia di Finanza ».
Rome : quartier de l’Esposizione Universale di Roma ou « EUR » (exposition prévue en 1942, mais non tenue), y compris le « Palais de la Civilisation du Travail » (aussi appelé « Colisée » et inspiré par les peintures de Chirico), le  » Musée de Civilisation romaine  » ou la Palais de sport .
Rome : Gare Termini.
Nouvelles villes dans les Marais Pontins: Latina , Pontinia, Sabaudia.
Palais de justice Milan ou Palerme .

Pologne
Varsovie : un gratte-ciel stalinien, le palais de la culture et de la science.
République démocratique allemande
Berlin Est : Karl-Marx-Allee, 2 km Boulevard stalinien .

Roumanie
Bucarest : la « Casa Scânteii », la Palais de Parlement (ou « Maison du Peuple » – « Casa Poporului ») et Casa Radio.

URSS
Moscou : les sept gratte-ciels staliniens.
Moscou : métro (formes monumentales et décoration néo-baroque).
Erevan ( Arménie ): centre-ville.