Minimalismus Kunst

Minimalismus beschreibt Bewegungen in verschiedenen Formen von Kunst und Design, insbesondere visuelle Kunst und Musik, wobei die Arbeit darauf ausgerichtet ist, die Essenz, das Wesentliche oder die Identität eines Subjekts durch die Eliminierung aller nicht essentiellen Formen, Merkmale oder Konzepte aufzudecken. Als eine spezifische Bewegung in den Künsten wird sie mit Entwicklungen in der westlichen Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg identifiziert, am stärksten mit amerikanischen visuellen Künsten in den 1960er und frühen 1970er Jahren. Prominente Künstler mit dieser Bewegung verbunden sind Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein und Frank Stella. Die Künstler selbst haben manchmal auf das Etikett reagiert, weil die Arbeit zu simpel ist. Minimalismus wird oft als Reaktion auf den abstrakten Expressionismus und eine Brücke zu postminimalen Kunstpraktiken interpretiert.

Minimal Art, Minimalismus in der bildenden Kunst
Minimalismus in der visuellen Kunst, die allgemein als „Minimal Art“, literalistische Kunst und ABC Art bezeichnet wird, entstand Anfang der 1960er Jahre in New York. Anfangs erschien Minimal Art in New York in den 60er Jahren, als neue und ältere Künstler sich der geometrischen Abstraktion näherten. Erforscht durch Malerei in den Fällen von Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman und anderen; und Skulpturen in den Werken verschiedener Künstler wie David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd und anderen. Judds Skulptur wurde 1964 in der Green Gallery in Manhattan gezeigt, ebenso Flavins erste fluoreszierende Lichtarbeiten, während andere führende Manhattan-Galerien wie die Leo Castelli Gallery und die Pace Gallery begannen, Künstler zu präsentieren, die sich auf geometrische Abstraktion konzentrierten. Darüber hinaus gab es zwei wegweisende und einflussreiche Museumsausstellungen: „Primary Structures: Younger American and British Sculpture“ vom 27. April bis zum 12. Juni 1966 im Jüdischen Museum in New York, organisiert von der Kuratorin für Malerei und Skulptur, Kynaston McShine und Systemic Painting im Solomon R. Guggenheim Museum, das 1966 von Lawrence Alloway kuratiert wurde und die geometrische Abstraktion in der amerikanischen Kunstwelt durch Shaped Canvas, Color Field und Hard-Edge-Malerei präsentierte. Im Zuge dieser Ausstellungen und einiger anderer entstand die Kunstbewegung Minimal Art.

Geschichte
Jean Metzinger, nach den Succès de scandale, die aus der kubistischen Ausstellung im Salon des Indépendants von 1911 hervorgegangen sind, erklärte in einem Interview mit Cyril Berger, veröffentlicht im Paris-Journal vom 29. Mai 1911:

Wir Kubisten haben nur unsere Pflicht getan, indem wir einen neuen Rhythmus zum Wohle der Menschheit geschaffen haben. Andere werden nach uns kommen, die dasselbe tun werden. Was werden sie finden? Das ist das gewaltige Geheimnis der Zukunft. Wer weiß, ob eines Tages ein großer Maler, der das oft brutale Spiel vermeintlicher Koloristen verachtet und die sieben Farben in die sie alle einschließende ursprüngliche weiße Einheit zurückführt, nicht ganz weiße Leinwände zeigt, mit nichts, absolut nichts an ihnen . (Jean Metzinger, 29. Mai 1911)

Metzingers (damals) kühne Voraussage, Künstler würden die Abstraktion zu ihrer logischen Schlussfolgerung bringen, indem sie den gegenständlichen Gegenstand ganz verlassen und zu dem zurückkehren, was Metzinger die „ursprüngliche weiße Einheit“, eine „vollständig weiße Leinwand“ nennt, würde zwei Jahre später verwirklicht werden. Der Verfasser eines satirischen Manifests, möglicherweise Francis Picabia, in einer Publikation mit dem Titel Evolution de l’art: Vers l’amorphisme, in Les Hommes du Jour (3. Mai 1913), hatte Metzingers Vision im Sinn, als der Autor die Rohling des Amorphismus rechtfertigte Leinwände mit dem Anspruch „Licht ist genug für uns“. Mit Perspektive, schreibt Kunsthistoriker Jeffery S. Weiss, „Vers Amorphisme kann Kauderwelsch sein, aber es war auch genug einer grundlegenden Sprache, um die extremen reduktivistischen Implikationen der Nicht-Objektivität vorwegzunehmen“.

Die monochrome Malerei wurde 1882 auf der Ausstellung der ersten Inkoherenten Künste in Paris mit einem schwarzen Gemälde des Dichters Paul Bilhaud unter dem Titel „Kampf der Neger in einem Tunnel“ initiiert. In den darauffolgenden Ausstellungen der Inkohärenten Künste (auch in den 1880er Jahren) schlug der Schriftsteller Alphonse Allais sieben andere monochrome Gemälde vor, wie zum Beispiel „Erstkommunion der anämischen jungen Mädchen im Schnee“ „, weiß), oder“ Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Rouge „(“ Tomatenernte durch apoplektische Kardinäle am Ufer des Roten Meeres „, rot). Diese Art von Aktivität ähnelt jedoch eher der Dada, dem Neo-Dada des 20. Jahrhunderts, und insbesondere den Werken der Fluxus-Gruppe der 1960er Jahre, als der monochromen Malerei des 20. Jahrhunderts seit Malewitsch.

In einem breiten und allgemeinen Sinne findet man europäische Wurzeln des Minimalismus in den geometrischen Abstraktionen der mit dem Bauhaus verbundenen Maler, in den Arbeiten von Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian und anderen mit der De Stijl – Bewegung verbundenen Künstlern und der russischen konstruktivistischen Bewegung in der Arbeit des rumänischen Bildhauers Constantin Brâncuşi. Minimalistische Kunst wird auch durch die Malereien von Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers und die Arbeiten von so unterschiedlichen Künstlern wie Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi und anderen inspiriert. Der Minimalismus war auch eine Reaktion auf die malerische Subjektivität des Abstrakten Expressionismus, die in den 1940er und 1950er Jahren an der New Yorker Schule dominierte.

Die breite Palette von Möglichkeiten (einschließlich der Unmöglichkeit) der Interpretation monochromer Gemälde ist wohl der Grund, warum das Monochrom für so viele Künstler, Kritiker und Schriftsteller so einnehmend ist. Obwohl das Monochrome nie dominant wurde und nur wenige Künstler sich ausschließlich diesem gewidmet haben, ist es nie weggegangen. Es taucht wieder auf, als ob ein Gespenst, das in Zeiten ästhetischer und gesellschaftspolitischer Umwälzungen in der Hochmoderne oder als Symbol dafür auftritt.

Malen Minimalismus
Die minimalistischen Maler sind von zwei großen Schutzfiguren inspiriert: Malevich und Ad Reinhardt. Die erste, erste, ist ein großer Vertreter des Suprematismus, einer Bewegung, die 1915 in Russland geboren wurde und die „reine“ und abstrakte Malerei fördert. Malewitsch sagt, dass sich Malerei von jeder symbolischen oder figürlichen Darstellung befreien und unsubjektiv werden muss. Er schuf das berühmte Schwarze Quadrat auf weißem Grund im Jahre 1915, das die alte Bildtradition, die er von der Renaissance geerbt hatte, sauber machte und seinen Tod erklärte. In dieser Linie schuf Ad Reinhardt in den 1960er Jahren und bis zu seinem Tod monochrome Gemälde in Serien, die Leere und Nichts durchsetzen.

An einer Neudefinition von Kunst und insbesondere Malerei setzt Frank Stella Ad Reinhardts Impuls fort, indem er sich der geometrischen Abstraktion zuwendet. Er kreiert Tableau-Objekte mit originalen Rahmenformen, die geradlinige, konzentrische oder diagonale, regelmäßige und homogene Linien zeigen, die mehr der Breite des verwendeten Pinsels als der Hand des Künstlers zu verdanken sind. Er lehnt die Interpretation in der Kunst ab: Was er will, ist die Entpersonalisierung des Kunstwerks, um mit den genialen Figuren zu enden, die dem übergroßen Ego zum Jackson Pollock gefoltert wurden. „Meine Malerei basiert auf der Tatsache, dass dort nur das ist, was dort zu sehen ist“, sagt Stella.

Die minimalistischen Maler wollen jede Spur von Bildrechnung oder Eingriff der Hand des Malers begrenzen. Minimalistische Werke bestehen in der Regel aus zwei oder drei Farben und Grundformen: rund, quadratisch, gerade Linien usw. Einfachheit steht im Vordergrund und hinter dem Minimalismus gibt es keine subjektive Darstellung; er ist frei von jeglicher Symbolik und versucht, nur auf Formen und Farben zu spielen, die Emotionen im wörtlichen Sinne des Wortes vermeiden: eine Kunst ohne Gefühle.

Minimalismus in der Skulptur
Minimalist Künstler verwenden einfache, elementare Strukturen, aus einfachen Materialien und oft roh (poliertes Kupfer, Stahl) und saubere Formen, aus Elementen, unter denen sich die Form selbst löst: Pflaster aus Metallfliesen (Carl Andre), große gefaltet oder gewalzte Bleche (Richard Serra), Wiederholung ähnlicher Formen / Volumina (Donald Judd), durch Schwerkraft allein deformierte und deformierte Filze (Robert Morris), lineare Kompositionen in neonweißen oder farbigen Tuben (Dan Flavin) Englisch: www.db-artmag.de/2003/8/e/2/63.php Quadratische, in Kurven und gegen Kurven geschmiedete Hohlprofile (Albert Hirsch) sind charakteristische Beispiele minimalistischer Arbeiten. Die Wahl einfacher geometrischer Volumen ist unmittelbar für das zu verstehen, was sie sind (ohne Kunstgriffe). Die Farben, die einzelnen Materialien lassen Objekte entstehen, die keine emotionale Geschichte haben und daher ist der Inhalt der Skulptur nichts anderes als die Skulptur selbst, es ist eine minimale Darstellung, weil sie auf „wesentlich“ beschränkt ist.

Minimalismus setzt sich zudem für eine Verschmelzung künstlerischer Genres ein. Zum Beispiel lud Richard Serras Promenade im Grand Palais 2008 den Betrachter dazu ein, sich um das Gebäude um die fünf Stahlplatten zu bewegen. Diese Spaziergänge wurden von der Musik „unterbrochen“, besonders von Philip Glass, wie Olivier Mongin in der Zeitschrift Esprit schreibt.

Minimalismus in der Musik
Minimalist Musik ist eine Strömung der zeitgenössischen Musik, die in den 1960er Jahren in den Vereinigten Staaten erschien. Seine berühmtesten Vertreter sind: Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, Der Monte Young, Arvo Pärt … Der Begriff Minimalist wird allgemein als ungeeignet für diese Musik angesehen, die auch „Repetitive“ genannt wird. weil es teilweise auf einem Wiederholungsprinzip beruht. Sie hat verschiedene Einflüsse, Serialismus, die amerikanische musikalische Avantgarde um John Cage, sowie Jazz und nicht-westliche Musik.

Der Begriff minimalistische Musik umfasst ein breites Spektrum von Stilen und wird manchmal mit postmoderner Musik verwechselt. Die ersten minimalistischen Arbeiten verwenden tatsächlich ein eher spärliches Material, mit dem Einsatz von Drohnen in La Monte Young oder Wiederholungstechniken, durch Phasenverschiebung bei Steve Reich oder durch Addition / Subtraktion von Motiven bei Philip Glass. Spätere Werke weichen jedoch mehr und mehr von einem „minimalen“ Gebrauch musikalischen Materials ab, besonders bei John Adams.

Minimalismus im Design
Das aktuelle minimalistische Design passt in den Ansatz des Bauhauses zu Beginn des XX. Jahrhunderts; vor allem von Architekten und Designern wie Ludwig Mies van der Rohe und Marcel Breuer. Einige Vorkriegskreationen wie Gerrit Rietvelds Zick-Zack-Stuhl können auch als „minimal“ bezeichnet werden.

Die Arbeit von Bildhauern wie Frank Stella oder Donald Judd hat Designer wie Shiro Kuramata beeinflusst. Donald Judd entwarf auch Möbel.

Unter den Designern, die als minimalistisch bezeichnet werden können, sind Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan & Erwan Bouroullec oder Shiro Kuramata mit seinen fast immateriellen Kreationen.

Monochrome Wiederbelebung
In Frankreich konzipierte Yves Klein zwischen 1947 und 1948 seine Monotone Symphony (1949, formal Die Monotone-Silence Symphony), die aus einem einzigen 20-minütigen Akkord bestand, gefolgt von einer 20-minütigen Stille – ein Präzedenzfall für die Drohnenmusik von La Monte Young und John Cages 4’33 „. Obwohl Klein schon 1949 Monochromes malte und 1950 die erste private Ausstellung dieses Werkes veranstaltete, war seine erste öffentliche Ausstellung die Veröffentlichung des Künstlerbuches Yves: Peintures im November 1954.

Der Künstler und Kritiker Thomas Lawson bemerkte in seinem Essay „Last Exit: Painting“ Artforum, Oktober: 40-47, 1981, dass der Minimalismus Clement Greenbergs Behauptungen über die Reduktion auf Oberflächen und Materialien nicht zurückwies, sondern seine Behauptungen wörtlich nahm. Laut Lawson war Minimalismus das Ergebnis, obwohl der Begriff „Minimalismus“ von den damit verbundenen Künstlern nicht allgemein akzeptiert wurde und viele von Kritikern als Minimalist bezeichnete Kunstschaffende ihn nicht als eine Bewegung an sich identifizierten. Auch Clement Greenberg selbst nahm eine Ausnahme von dieser Behauptung ein; in seinem Nachsatz zu seinem Essay Modernist Painting 1978 verleugnete er diese falsche Interpretation dessen, was er sagte; Greenberg schrieb:

Es gab einige weitere Konstruktionen dessen, was ich geschrieben habe, die ins Absurde übergehen: Ich betrachte Flachheit und das Einschließen von Flachheit nicht nur als die einschränkenden Bedingungen der Bildkunst, sondern als Kriterien ästhetischer Qualität in der Bildkunst; Je weiter eine Arbeit die Selbstdefinition einer Kunst vorantreibt, desto besser ist die Arbeit. Der Philosoph oder Kunsthistoriker, der mich oder irgendjemanden auf diese Weise zu ästhetischen Urteilen erwecken kann, liest erschreckend mehr in sich selbst als in meinen Artikel.

Im Gegensatz zu den subjektiveren Abstrakten Expressionisten des vorhergehenden Jahrzehnts, mit Ausnahme von Barnett Newman und Ad Reinhardt; Minimalisten wurden auch von den Komponisten John Cage und LaMonte Young, dem Dichter William Carlos Williams und dem Landschaftsarchitekten Frederick Law Olmsted beeinflusst. Sie erklärten sehr explizit, dass es in ihrer Kunst nicht um Selbstdarstellung ging, im Gegensatz zu der subjektiveren Philosophie des vergangenen Jahrzehnts, die Kunst als „objektiv“ zu betrachten. Im Allgemeinen umfassten die Merkmale des Minimalismus geometrische, oft kubische Formen, die von viel Metapher, Gleichheit von Teilen, Wiederholung, neutralen Oberflächen und industriellen Materialien gereinigt wurden.

Robert Morris, ein einflussreicher Theoretiker und Künstler, schrieb einen dreiteiligen Essay „Notes on Sculpture 1-3“, der ursprünglich 1966 in drei Ausgaben von Artforum erschien. In diesen Essays versuchte Morris, einen konzeptionellen Rahmen und formale Elemente für sich selbst zu definieren und eine, die die Praktiken seiner Zeitgenossen umfassen würde. Diese Aufsätze haben der Idee der Gestalt große Aufmerksamkeit geschenkt – „Teile …, die so miteinander verbunden sind, dass sie der Wahrnehmungstrennung einen maximalen Widerstand entgegensetzen.“ Morris beschrieb später eine Kunst, die durch eine „markante seitliche Ausbreitung und keine regularisierten Einheiten oder symmetrischen Intervalle …“ in „Anmerkungen zu Skulptur: Über Objekte“, ursprünglich veröffentlicht in Artforum, 1969, weiterhin „Unbestimmtheit der Anordnung der Teile ist ein wörtlicher Aspekt der physischen Existenz der Sache. “ Die generelle Verlagerung der Theorie, auf die sich dieser Aufsatz bezieht, deutet auf die Übergänge hin zu dem, was später als Postminimalismus bezeichnet wurde. Einer der ersten Künstler, die mit dem Minimalismus in Verbindung gebracht wurden, war der Maler Frank Stella, dessen frühe „Nadelstreifen“ -Bilder in der 1959 von Dorothy Miller im Museum of Modern Art in New York organisierten Ausstellung „Americans“ gezeigt wurden.

Die Breite der Streifen in Frank Stellas ‚Nadelstreifengemälden wurde durch die Abmessungen des für die Tragbahren verwendeten Holzes bestimmt, sichtbar als die Tiefe des Gemäldes, von der Seite betrachtet, um das tragende Chassis zu bilden, auf dem die Leinwand gespannt war. Die Entscheidungen über Strukturen auf der Vorderseite der Leinwand waren daher nicht ausschließlich subjektiv, sondern durch ein „gegebenes“ Merkmal der physischen Konstruktion des Trägers bedingt. Im Katalog der Ausstellung merkt Carl Andre an: „Kunst schließt das Unnötige aus. Frank Stella hat es für nötig befunden, Streifen zu streichen. Es gibt nichts anderes in seinem Gemälde.“ Diese reduktiven Arbeiten standen in scharfem Gegensatz zu den energiegeladenen und scheinbar höchst subjektiven und emotional aufgeladenen Gemälden Willem de Koonings oder Franz Kline und orientierten sich im Präzedenzfall der vorangegangenen Generation abstrakter Expressionisten eher an den weniger gestischen, oft düsteren , Farbfeldmalereien von Barnett Newman und Mark Rothko. Obwohl Stella sofort von der MoMA-Show begeistert war, begannen auch Künstler wie Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell und Robert Ryman Streifen-, Monochrom- und Hard-Edge-Formate von den späten 50ern bis zu den 1960ern zu erforschen.

Aufgrund einer Tendenz in der Minimal Art, das Bildhafte, Illusionshafte und Fiktive zugunsten des Literalen auszuschließen, gab es eine Bewegung weg von malerischen und skulpturalen Anliegen. Donald Judd hatte als Maler angefangen und endete als Schöpfer von Objekten. Sein bahnbrechender Essay „Specific Objects“ (veröffentlicht im Arts Yearbook, 1965) war ein Prüfstein für die Theorie minimalistischer Ästhetik. In diesem Essay fand Judd einen Ausgangspunkt für ein neues Territorium der amerikanischen Kunst und eine gleichzeitige Ablehnung der verbliebenen ererbten europäischen künstlerischen Werte. Er wies auf Beweise dieser Entwicklung in den Arbeiten einer Reihe von Künstlern in New York zu der Zeit, einschließlich Jasper Johns, Dan Flavin und Lee Bontecou. Von vorläufiger Bedeutung für Judd war das Werk von George Earl Ortman, der die Formen des Gemäldes zu stumpfen, zähen und philosophisch aufgeladenen Geometrien konkretisiert und destilliert hatte. Diese spezifischen Objekte bewohnten einen Raum, der nicht einfach als Malerei oder Skulptur klassifiziert werden konnte. Dass die kategorische Identität solcher Objekte selbst in Frage gestellt wurde und dass sie eine leichte Verbindung mit abgenutzten und übervertrauten Konventionen vermieden, war ein Teil ihres Wertes für Judd.

Diese Bewegung wurde von modernistischen formalistischen Kunstkritikern und Historikern heftig kritisiert. Einige Kritiker waren der Meinung, dass Minimal Art ein Missverständnis der modernen Dialektik von Malerei und Bildhauerei darstelle, wie sie vom Kritiker Clement Greenberg definiert wurde, dem wohl vorherrschenden amerikanischen Kunstkritiker der Malerei in den 60er Jahren. Die bemerkenswerteste Kritik am Minimalismus wurde von Michael Fried, einem formalistischen Kritiker, produziert, der sich aufgrund seiner „Theatralität“ gegen die Arbeit wandte. In Art and Objecthood (veröffentlicht im Artforum im Juni 1967) erklärte er, dass das minimale Kunstwerk, insbesondere die minimale Skulptur, auf einer Auseinandersetzung mit der Körperlichkeit des Betrachters beruhte. Er argumentierte, dass Arbeiten wie Robert Morris den Akt des Sehens zu einer Art von Spektakel machten, in dem die Künstlichkeit der Aktbeobachtung und die Beteiligung des Betrachters an der Arbeit enthüllt wurde. Fried sah diese Verschiebung der Erfahrung des Betrachters von einer ästhetischen Auseinandersetzung mit sich selbst zu einem Ereignis außerhalb des Kunstwerks als ein Versagen der Minimal Art. Fried’s Essay wurde sofort von dem Postminimalisten und Erdkünstler Robert Smithson in einem Leserbrief in der Oktober-Ausgabe des Artforum in Frage gestellt. Smithson sagte folgendes: „Was Fried am meisten fürchtet, ist das Bewusstsein dessen, was er tut – nämlich selbst theatralisch zu sein.“

Neben den bereits erwähnten Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman und Donald Judd gehören zu den weiteren Minimal-Künstlern: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Ronald Bladen, Agnes Martin, Jo Baer, ​​Paul Mogensen, Ronald Davis, Charles Hinman, David Novos, Brice Marden, Blinky Palermo, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson und Anne Truitt.

Ad Reinhardt, eigentlich ein Künstler der Generation des Abstrakten Expressionismus, aber einer, dessen reduktive fast ganz schwarze Malerei dem Minimalismus vorwegzunehmen schien, hatte zu dem Wert einer reduktiven Herangehensweise an die Kunst zu sagen:

Je mehr Zeug drin ist, je beschäftigt das Kunstwerk, desto schlimmer ist es. Mehr ist weniger. Weniger ist mehr. Das Auge ist eine Bedrohung für die Sicht. Das Entblößen ist obszön. Die Kunst beginnt mit der Beseitigung der Natur.

Reinhardts Bemerkung spricht und widerspricht Hans Hofmanns Respekt für die Natur als Quelle seiner eigenen abstrakten expressionistischen Malerei. In einem berühmten Austausch zwischen Hofmann und Jackson Pollock, erzählt von Lee Krasner in einem Interview mit Dorothy Strickler (1964-11-02) für das Smithsonian Institution Archives of American Art. In Krasners Worten,

„Als ich Hofmann nach Pollock holte, um seine Arbeit zu sehen, bevor wir hierhergezogen sind, war Hofmanns Reaktion – eine der Fragen, die er an Jackson stellte: Arbeitest du aus der Natur? Es gab keine Stilleben oder Models und Jacksons Antwort war, ich bin Natur. Und Hofmanns Antwort war, Ah, aber wenn Sie auswendig arbeiten, werden Sie sich wiederholen. Darauf antwortete Jackson überhaupt nicht. “ Das Treffen zwischen Pollock und Hofmann fand 1942 statt.