Impressionismus

Der Impressionismus ist eine Kunstbewegung des 19. Jahrhunderts, die sich durch relativ kleine, dünne, aber dennoch sichtbare Pinselstriche auszeichnet, offene Komposition, Betonung der akkuraten Darstellung von Licht in seinen wechselnden Qualitäten (häufig die Wirkung des Zeitablaufs betonend), gewöhnliches Sujet, Inklusion der Bewegung als ein entscheidendes Element der menschlichen Wahrnehmung und Erfahrung und ungewöhnliche Blickwinkel. Der Impressionismus entstand mit einer Gruppe von Künstlern aus Paris, die durch unabhängige Ausstellungen in den 1870er und 1880er Jahren bekannt wurden.

Impressionismus allgemein auf eine Bewegung in der Kunst in Frankreich im späten 19. Jahrhundert angewendet. Die Bewegung führte zu solchen Hilfsmitteln wie dem amerikanischen Impressionismus. Der Begriff “Impressionist” wird in erster Linie für eine Gruppe französischer Maler verwendet, die zwischen 1860 und 1900 arbeiteten, um insbesondere ihre Werke der späten 1860er bis Mitte der 1880er Jahre zu beschreiben. Zu diesen Künstlern gehören Frédéric Bazille, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir und Alfred Sisley sowie Mary Cassatt, Gustave Caillebotte (die auch eine wichtige frühe Sammlerin war), Eva Gonzalès Armand Guillaumin und Stanislas Lépine Die Bewegung war in ihren formalen Aspekten anti-akademisch und beinhaltete die Einrichtung von anderen Veranstaltungsorten als dem offiziellen Salon für das Zeigen und Verkaufen von Gemälden.

Die Impressionisten sahen sich in der konventionellen Kunstszene in Frankreich einer harten Opposition ausgesetzt. Der Name des Stils leitet sich vom Titel eines Claude-Monet-Werkes Impression, soleil levant (Impression, Sonnenaufgang) ab, das den Kritiker Louis Leroy dazu veranlasste, den Begriff in einer satirischen Rezension der Pariser Zeitung Le Charivari zu prägen.

Der Entwicklung des Impressionismus in der bildenden Kunst folgten bald analoge Stile in anderen Medien, die als impressionistische Musik und impressionistische Literatur bekannt wurden.

Überblick
Radikale in ihrer Zeit, frühen Impressionisten verletzt die Regeln der akademischen Malerei. Sie konstruierten ihre Bilder aus frei gebürsteten Farben, die Vorrang vor Linien und Konturen hatten, nach dem Vorbild von Malern wie Eugène Delacroix und JMW Turner. Sie malten auch realistische Szenen des modernen Lebens und malten oft draußen. Zuvor wurden Stillleben und Portraits sowie Landschaften meist in einem Atelier gemalt. Die Impressionisten fanden heraus, dass sie die momentanen und vorübergehenden Auswirkungen des Sonnenlichts durch Malen im Freien oder in der Luft erfassen können. Sie stellten allgemeine visuelle Effekte anstelle von Details dar und verwendeten kurze “gebrochene” Pinselstriche gemischter und reiner unvermischter Farbe – die nicht wie üblich glatt oder schattiert gemischt wurde, um einen Effekt intensiver Farbvibration zu erzielen.

Der Impressionismus entstand in Frankreich zur gleichen Zeit, als eine Reihe anderer Maler, darunter die italienischen Künstler Macchiaioli und Winslow Homer in den Vereinigten Staaten, die Pleinair-Malerei erforschten. Die Impressionisten entwickelten jedoch neue stilspezifische Techniken. Das, was seine Anhänger argumentierten, war eine andere Art zu sehen, es ist eine Kunst der Unmittelbarkeit und Bewegung, der offenen Posen und Kompositionen, des Lichtspiels, ausgedrückt in einer hellen und vielfältigen Verwendung von Farbe.

Die anfänglich feindselige Öffentlichkeit kam allmählich zu der Überzeugung, dass die Impressionisten eine frische und originelle Vision hatten, auch wenn die Kunstkritiker und das künstlerische Establishment den neuen Stil missbilligten.

Indem der Impressionismus das Gefühl im Auge wiedergibt, das das Subjekt anblickt, anstatt die Details des Themas zu skizzieren, und indem er eine Vielzahl von Techniken und Formen schafft, ist er ein Vorläufer verschiedener Malstile, einschließlich Neoimpressionismus, Postimpressionismus, Fauvismus und Kubismus.

Anfänge
In der Mitte des 19. Jahrhunderts – einer Zeit des Umbruchs, als Kaiser Napoleon III Paris wiederaufbaute und Krieg führte – beherrschte die Académie des Beaux-Arts die französische Kunst. Die Académie war die Bewahrerin der traditionellen französischen Malerei Standards von Inhalt und Stil. Historische Themen, religiöse Themen und Porträts wurden geschätzt; Landschaft und Stillleben waren nicht. Die Académie zog sorgfältig fertige Bilder vor, die bei genauerer Betrachtung realistisch wirkten. Gemälde in diesem Stil bestanden aus präzisen Pinselstrichen, die sorgfältig gemischt wurden, um die Hand des Künstlers in der Arbeit zu verstecken. Die Farbe wurde zurückgehalten und oft durch den Auftrag eines goldenen Lackes weiter abgeschwächt.

Die Académie hatte eine jährliche, jurierte Kunstausstellung, den Salon de Paris, und Künstler, deren Werke in der Ausstellung gezeigt wurden, gewannen Preise, sammelten Aufträge und erhöhten ihr Prestige. Die Standards der Jurys repräsentierten die Werte der Académie, vertreten durch Werke von Künstlern wie Jean-Léon Gérôme und Alexandre Cabanel.

In den frühen 1860er Jahren trafen sich vier junge Maler – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Frédéric Bazille – während des Studiums unter dem akademischen Künstler Charles Gleyre. Sie entdeckten, dass sie ein Interesse daran hatten, Landschaften und zeitgenössisches Leben zu malen, anstatt historische oder mythologische Szenen. Einer Praxis folgend, die seit Mitte des Jahrhunderts immer populärer wurde, wagten sie sich oft ins Freie hinaus, um im Freien zu malen, aber nicht, um Skizzen zu entwickeln, die wie üblich zu sorgfältig ausgeführten Arbeiten im Atelier entwickelt wurden Brauch. Indem sie im Sonnenlicht direkt aus der Natur malten und die lebhaften synthetischen Pigmente, die seit Beginn des Jahrhunderts zur Verfügung standen, kühn verwendeten, entwickelten sie eine hellere und hellere Malweise, die den Realismus von Gustave Courbet und Barbizon weiter ausdehnte Schule. Ein beliebter Treffpunkt für die Künstler war das Café Guerbois in der Avenue de Clichy in Paris, wo die Diskussionen oft von Édouard Manet geleitet wurden, den die jüngeren Künstler sehr bewunderten. Ihnen schlossen sich bald Camille Pissarro, Paul Cézanne und Armand Guillaumin an.

Während der 1860er Jahre lehnte die Salonjury routinemäßig etwa die Hälfte der von Monet und seinen Freunden eingereichten Werke zugunsten von Werken ab, die dem anerkannten Stil treu geblieben waren. 1863 lehnte die Salonjury Manets The Luncheon auf dem Gras (Le déjeuner sur l’herbe) ab, hauptsächlich weil es eine nackte Frau mit zwei bekleideten Männern bei einem Picknick darstellte. Während die Jury des Salons routinemäßig Akte in historischen und allegorischen Gemälden akzeptierte, verurteilten sie Manet, weil sie einen realistischen Akt in einer zeitgenössischen Umgebung platziert hatten. Die streng formulierte Ablehnung von Manets Malerei durch die Jury entsetzte seine Bewunderer, und die ungewöhnlich große Anzahl von abgelehnten Werken in diesem Jahr beunruhigte viele französische Künstler.

Nachdem Kaiser Napoleon III. Die abgewiesenen Werke von 1863 gesehen hatte, verfügte er, dass die Öffentlichkeit das Werk selbst beurteilen durfte und der Salon des Refusés (Salon der Abgelehnten) organisiert wurde. Während viele Zuschauer nur zum Lachen kamen, machte der Salon des Refusés auf die Existenz einer neuen Tendenz in der Kunst aufmerksam und zog mehr Besucher an als der normale Salon.

Die Petitionen der Künstler, die 1867 und 1872 einen neuen Salon des Refusés beantragten, wurden abgelehnt. Im Dezember 1873 gründeten Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas und einige andere Künstler die Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Kooperative und anonyme Vereinigung von Malern, Bildhauern und Graveuren”). um ihre Kunstwerke unabhängig auszustellen. Es wurde erwartet, dass Mitglieder des Vereins die Teilnahme am Salon ablehnen würden. Die Organisatoren luden eine Reihe weiterer progressiver Künstler zu ihrer Eröffnungsausstellung ein, darunter auch der ältere Eugène Boudin, dessen Beispiel Monet schon vor Jahren dazu bewogen hatte, sich für die Freilichtmalerei zu entscheiden. Ein anderer Maler, der Monet und seine Freunde Johan Jongkind stark beeinflusste, lehnte die Teilnahme ab, ebenso wie Edouard Manet. Insgesamt nahmen 30 Künstler an ihrer ersten Ausstellung im April 1874 im Atelier des Fotografen Nadar teil.

Die kritische Antwort war gemischt. Monet und Cézanne erhielten die härtesten Angriffe. Der Kritiker und Humorist Louis Leroy schrieb eine vernichtende Rezension in der Zeitung Le Charivari, in der er den Künstlern mit dem Titel Claude Monets Impression, Sonnenaufgang (Impression, soleil levant) den Namen gab, unter dem sie bekannt wurden. Den Titel der Ausstellung der Impressionisten verzeichnend, erklärte Leroy, Monets Gemälde sei höchstens eine Skizze und könne kaum als fertiges Werk bezeichnet werden.

Er schrieb in Form eines Dialogs zwischen den Zuschauern,

Eindruck – ich war mir sicher. Ich sagte mir gerade, dass, da ich beeindruckt war, ein Eindruck darin sein musste … und welche Freiheit, welche Leichtigkeit der Verarbeitung! Tapeten in ihrem embryonalen Zustand sind mehr fertig als diese Seestücke.

Der Begriff Impressionist fand schnell Zustimmung in der Öffentlichkeit. Es wurde auch von den Künstlern selbst akzeptiert, obwohl sie eine vielfältige Gruppe in Stil und Temperament waren, die vor allem durch ihren Geist der Unabhängigkeit und Rebellion vereint wurde. Sie stellten zusammen – mit wechselnden Mitgliedern – acht Mal zwischen 1874 und 1886 aus. Der Stil des Impressionismus mit seinen lockeren, spontanen Pinselstrichen würde bald zum Synonym für das moderne Leben werden.

Monet, Sisley, Morisot und Pissarro können als die “reinsten” Impressionisten betrachtet werden, die konsequent eine Kunst der Spontaneität, des Sonnenlichts und der Farben verfolgen. Degas lehnte vieles ab, da er an das Primat des Überziehens von Farbe glaubte und die Praxis des Malens im Freien gering schätzte. Renoir wandte sich in den 1880er Jahren für einige Zeit vom Impressionismus ab und gewann nie wieder sein Engagement für seine Ideen. Édouard Manet, obwohl von den Impressionisten als ihr Führer angesehen, verließ nie seine liberale Verwendung von Schwarz als Farbe und nahm nie an den impressionistischen Ausstellungen teil. Er übertrug seine Arbeiten weiterhin dem Salon, wo sein Gemälde Spanischer Sänger 1861 eine Medaille der zweiten Klasse gewann, und er forderte die anderen auf, dies ebenfalls zu tun, mit dem Argument, dass “der Salon das wahre Schlachtfeld” sei, wo ein Ruf sein könnte gemacht.

Unter den Künstlern der Kerngruppe (minus Bazille, die 1870 im Deutsch-Französischen Krieg gefallen war) kam es zu Abtrünnigen, als Cézanne, später Renoir, Sisley und Monet sich der Gruppenausstellungen enthielten, damit sie ihre Werke einreichen konnten zum Salon. Meinungsverschiedenheiten ergaben sich aus Themen wie Guillaumins Mitgliedschaft in der Gruppe, die von Pissarro und Cézanne gegen die Opposition von Monet und Degas verteidigt wurde, die ihn für unwürdig hielten. Degas lud Mary Cassatt ein, ihre Arbeiten in der Ausstellung von 1879 zu zeigen, bestand aber auch auf der Einbeziehung von Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic und anderen Realisten, die keine impressionistischen Praktiken vertraten. 1880 beschuldigte Monet die Impressionisten, “Türen zu öffnen” Werde zuerst kommen “. Die Gruppe teilte sich 1886 Einladungen von Paul Signac und Georges Seurat, um mit ihnen auszustellen. Pissarro war der einzige Künstler, der auf allen acht impressionistischen Ausstellungen zu sehen war.

Die einzelnen Künstler erzielten durch die impressionistischen Ausstellungen wenig finanzielle Belohnungen, aber ihre Kunst gewann allmählich an Akzeptanz und Unterstützung in der Öffentlichkeit. Ihr Händler, Durand-Ruel, spielte dabei eine wichtige Rolle, da er ihre Arbeit der Öffentlichkeit vorlegte und für sie Shows in London und New York veranstaltete. Obwohl Sisley 1899 in Armut starb, hatte Renoir 1879 einen großen Salon-Erfolg. Monet wurde in den frühen 1880er Jahren finanziell abgesichert, ebenso Pissarro in den frühen 1890ern. Zu dieser Zeit waren die Methoden der impressionistischen Malerei in verdünnter Form in der Salonkunst alltäglich geworden.

Impressionistische Techniken
Zu den französischen Malern, die den Weg zum Impressionismus vorbereiteten, gehören der romantische Kolorist Eugène Delacroix, der Anführer der Realisten Gustave Courbet und Maler der Schule von Barbizon wie Théodore Rousseau. Die Impressionisten lernten viel von den Werken von Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot und Eugène Boudin, die aus der Natur in einem direkten und spontanen Stil malten, der den Impressionismus vorwegnahm und sich mit den jüngeren Künstlern anfreundete und beriet.

Eine Reihe von identifizierbaren Techniken und Arbeitsgewohnheiten trugen zum innovativen Stil der Impressionisten bei. Obwohl diese Methoden von früheren Künstlern verwendet wurden – und häufig in den Werken von Künstlern wie Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable und JMW Turner auffallen – waren die Impressionisten die ersten, die sie alle zusammen benutzten, und mit solcher Konsistenz. Diese Techniken umfassen:

Kurze, dicke Farbstriche erfassen schnell die Essenz des Motivs und nicht seine Details. Die Farbe wird oft pastos aufgetragen.
Farben werden nebeneinander mit möglichst wenig Mischen aufgetragen, eine Technik, die das Prinzip des gleichzeitigen Kontrasts nutzt, um die Farbe für den Betrachter lebendiger erscheinen zu lassen.
Graue und dunkle Töne werden durch Mischen von Komplementärfarben erzeugt. Purer Impressionismus vermeidet die Verwendung von schwarzer Farbe.
Nasse Farbe wird in die nasse Farbe gegeben, ohne darauf zu warten, dass die nachfolgenden Anwendungen trocknen, wodurch weichere Kanten und Farbvermischung erzeugt werden.
Impressionistische Gemälde nutzen nicht die Transparenz dünner Lackfilme (Glasuren), die von früheren Künstlern sorgfältig manipuliert wurden, um Effekte zu erzielen. Die impressionistische Maloberfläche ist typischerweise opak.
Die Farbe wird auf einen weißen oder hellen Boden aufgetragen. Zuvor verwendeten Maler oft dunkelgraue oder stark gefärbte Böden.
Das Spiel von natürlichem Licht wird betont. Der Reflexion der Farben von Objekt zu Objekt wird besondere Aufmerksamkeit geschenkt. Maler arbeiteten oft abends, um effets de soir zu produzieren – die Schatteneffekte des Abends oder der Dämmerung.
In Freiluftgemälden werden die Schatten kühn mit dem Blau des Himmels gemalt, das auf Oberflächen reflektiert wird und ein Gefühl von Frische vermittelt, das zuvor in der Malerei nicht dargestellt wurde. (Blaue Schatten auf Schnee inspirierten die Technik.)
Bei der Entwicklung des Stils spielte neue Technologie eine Rolle. Impressionisten nutzten Mitte des Jahrhunderts die Einführung vorgemischter Farben in Zinnröhren (ähnlich modernen Zahnpastatuben), mit denen Künstler spontaner arbeiten konnten, sowohl im Freien als auch in Innenräumen. Zuvor hatten die Maler ihre eigenen Farben hergestellt, indem sie trockene Pigmentpulver mit Leinöl mahlten und mischten, die dann in Tierbälgen gelagert wurden.

Viele lebendige synthetische Pigmente wurden im 19. Jahrhundert erstmals für Künstler kommerziell verfügbar. Diese umfassten Kobaltblau, Viridian, Cadmiumgelb und synthetisches Ultramarinblau, die alle in den 1840er Jahren vor dem Impressionismus verwendet wurden. Die Malweise der Impressionisten machte von diesen Pigmenten und sogar von neueren Farben, wie z. B. Celine-Blau, das in den 1860er Jahren für Künstler kommerziell erhältlich war, einen mutigen Gebrauch.

Der Fortschritt der Impressionisten hin zu einer helleren Malerei war graduell. Während der 1860er Jahre malten Monet und Renoir manchmal auf Leinwände, die mit dem traditionellen rot-braunen oder grauen Grund vorbereitet wurden. In den 1870er Jahren wählten Monet, Renoir und Pissarro meist eine hellgraue oder beige Farbe, die im fertigen Bild als Mittelton fungierte. In den 1880er Jahren hatten einige der Impressionisten weiße oder leicht cremefarbene Böden bevorzugt und erlaubten der Grundfarbe keine wesentliche Rolle mehr in dem fertigen Gemälde.

Inhalt und Zusammensetzung
Vor den Impressionisten hatten andere Maler, insbesondere solche holländischen Maler des 17. Jahrhunderts wie Jan Steen, gemeinsame Themen betont, aber ihre Kompositionsmethoden waren traditionell. Sie arrangierten ihre Kompositionen so, dass das Hauptthema die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zog. Die Impressionisten lockern die Grenze zwischen Subjekt und Hintergrund, so dass die Wirkung eines impressionistischen Gemäldes oft wie eine Momentaufnahme aussieht, ein Teil einer größeren Realität, die wie zufällig aufgenommen wird. Die Fotografie gewann an Popularität, und als die Kameras tragbarer wurden, wurden Fotos offener. Die Fotografie inspirierte Impressionisten, um nicht nur in den flüchtigen Lichtern einer Landschaft, sondern im täglichen Leben der Menschen eine momentane Aktion darzustellen.

Die Entwicklung des Impressionismus kann teilweise als eine Reaktion der Künstler auf die Herausforderung der Fotografie betrachtet werden, die die Fähigkeit des Künstlers, die Wirklichkeit zu reproduzieren, zu entwerten schien. Sowohl die Porträt- als auch die Landschaftsmalerei wurden als etwas defizitär und wenig wahrheitsgetreu angesehen, da die Fotografie “lebensechte Bilder viel effizienter und zuverlässiger produzierte”.

Trotzdem inspirierte die Fotografie die Künstler dazu, anderen Mitteln des kreativen Ausdrucks nachzustreben, und statt sich mit der Fotografie der Realität zu nähern, konzentrierten sich Künstler auf “das eine, was sie zwangsläufig besser machen könnten als das Foto”, indem sie sich zu einer Kunstform weiterentwickelten seine Subjektivität in der Konzeption des Bildes, die Subjektivität, die die Fotografie eliminierte “. Die Impressionisten versuchten, ihre Wahrnehmung der Natur auszudrücken, anstatt exakte Darstellungen zu schaffen. Dies ermöglichte es den Künstlern subjektiv darzustellen, was sie mit ihren “stillschweigenden Imperativen des Geschmacks und Gewissens” sahen. Die Fotografie ermunterte die Maler, Aspekte des Mediums Malerei zu nutzen, wie die Farbe, die der Fotografie fehlte: “Die Impressionisten waren die ersten, die bewusst eine subjektive Alternative zur Fotografie anboten”.

Ein weiterer Haupteinfluss waren japanische Ukiyo-e-Kunstdrucke (Japonismus). Die Kunst dieser Drucke trug wesentlich zu den “Schnappschuss” -Winkeln und unkonventionellen Kompositionen bei, die für den Impressionismus charakteristisch wurden. Ein Beispiel ist Monets Jardin à Sainte-Adresse, 1867, mit kräftigen Farb- und Kompositionsblöcken, die den Einfluss japanischer Drucke stark diagonal zeigen

Edgar Degas war sowohl ein begeisterter Fotograf als auch ein Sammler japanischer Drucke. Seine Tanzklasse (La classe de danse) von 1874 zeigt beide Einflüsse in ihrer asymmetrischen Komposition. Die Tänzer sind scheinbar in verschiedenen unbeholfenen Posen überrascht und hinterlassen eine leere Fläche im unteren rechten Quadranten. Er nahm auch seine Tänzer in der Skulptur gefangen, wie die Kleine Tänzerin von Vierzehn Jahren.

Hauptimpressionisten
Die zentralen Figuren der Entwicklung des Impressionismus in Frankreich, alphabetisch geordnet, waren:

Frédéric Bazille (der nur posthum an den Impressionisten-Ausstellungen teilnahm) (1841-1870)
Gustave Caillebotte (der, jünger als die anderen, sich Mitte der 1870er Jahre zu ihnen gesellte) (1848-1894)
Mary Cassatt (Amerikanerin, lebte in Paris und nahm an vier impressionistischen Ausstellungen teil) (1844-1926)
Paul Cézanne (obwohl er sich später von den Impressionisten trennte) (1839-1906)
Edgar Degas (der den Begriff Impressionismus verachtete) (1834-1917)
Armand Guillaumin (1841-1927)
Édouard Manet (der an keiner der impressionistischen Ausstellungen teilgenommen hat) (1832-1883)
Claude Monet (der produktivste der Impressionisten und derjenige, der ihre Ästhetik am offensichtlichsten verkörpert) (1840-1926)
Berthe Morisot (die an allen impressionistischen Ausstellungen außer 1879 teilgenommen hat) (1841-1895)
Camille Pissarro (1830-1903)
Pierre-Auguste Renoir (der 1874, 1876, 1877 und 1882 an impressionistischen Ausstellungen teilnahm) (1841-1919)
Alfred Sisley (1839-1899)

Mitarbeiter und beeinflusste Künstler
Zu den engen Verbündeten der Impressionisten gehörten mehrere Maler, die ihre Methoden einigermaßen annahmen. Dazu gehören Jean-Louis Forain (der an den impressionistischen Ausstellungen 1879, 1880, 1881 und 1886 teilgenommen hat) und Giuseppe De Nittis, ein in Paris lebender italienischer Künstler, der auf Einladung von Degas an der ersten impressionistischen Ausstellung teilnahm, obwohl die anderen Impressionisten verunglimpft wurden seine Arbeit. Federico Zandomeneghi war ein weiterer italienischer Freund von Degas, der mit den Impressionisten auftrat. Eva Gonzalès war eine Anhängerin von Manet, die nicht mit der Gruppe ausstellte. James Abbott McNeill Whistler war ein in Amerika geborener Maler, der eine Rolle im Impressionismus spielte, obwohl er der Gruppe nicht beitrat und graue Farben bevorzugte. Walter Sickert, ein englischer Künstler, war zunächst ein Anhänger von Whistler und später ein wichtiger Schüler von Degas; er stellte nicht mit den Impressionisten aus. Im Jahr 1904 schrieb der Künstler und Schriftsteller Wynford Dewhurst die erste wichtige Studie der Französisch Maler in Englisch, impressionistische Malerei veröffentlicht: seine Entstehung und Entwicklung, die viel zur Impressionismus in Großbritannien popularisiert.

In den frühen 1880er Jahren beeinflussten impressionistische Methoden zumindest oberflächlich die Kunst des Salons. Modische Maler wie Jean Béraud und Henri Gervex fanden einen kritischen und finanziellen Erfolg, indem sie ihre Palette aufhellen und gleichzeitig die glatte Oberfläche der Salonkunst beibehalten. Werke dieser Künstler werden gelegentlich als Impressionismus bezeichnet, trotz ihrer Abgelegenheit von der impressionistischen Praxis.

Der Einfluss der französischen Impressionisten dauerte lange, nachdem die meisten von ihnen gestorben waren. Künstler wie JD Kirszenbaum borgten im 20. Jahrhundert impressionistische Techniken.

Jenseits von Frankreich
Als der Einfluss des Impressionismus sich über Frankreich ausbreitete, wurden Künstler, die zu zahlreich waren, um sie aufzulisten, als Praktiker des neuen Stils identifiziert. Einige der wichtigeren Beispiele sind:

Die amerikanischen Impressionisten, darunter Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley und J. Alden Weir.
Die australischen Impressionisten, darunter Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Coder und Frederick McCubbin (prominente Mitglieder der Heidelberger Schule), und John Peter Russell, ein Freund von Van Gogh, Rodin, Monet und Matisse.
Die Amsterdamer Impressionisten in den Niederlanden, darunter George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen und Jan Toorop.
Anna Boch, Vincent van Goghs Freund Eugène Boch, Georges Lemmen und Théo van Rysselberghe, Impressionisten aus Belgien.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama und Matej Sternen, Impressionisten aus Slowenien. Ihr Anfang war in der Schule von Anton Ažbe in München und sie wurden von den slowenischen Malern Jurij Šubic und Ivana Kobilca beeinflusst, die in Paris arbeiteten
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert und Philip Wilson Steer waren bekannte Impressionisten aus dem Vereinigten Königreich. Pierre Adolphe Valette, der in Frankreich geboren wurde, aber in Manchester arbeitete, war der Tutor von LS Lowry.
Die deutschen Impressionisten, darunter Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt und August von Brandis.
László Mednyánszky in Ungarn
Theodor von Ehrmanns und Hugo Charlemont waren seltene Impressionisten unter den dominanteren Wiener Secessionisten in Österreich
William John Leech, Roderic O’Conor und Walter Osborne in Irland
Konstantin Korovin und Valentin Serov in Russland
Francisco Oller y Cestero, gebürtiger Puerto Rico und ein Freund von Pissarro und Cézanne
James Nairn in Neuseeland.
William McTaggart in Schottland.
Laura Muntz Lyall, eine kanadische Künstlerin
Władysław Podkowiński, ein polnischer Impressionist und Symbolist
Nicolae Grigorescu in Rumänien
Nazmi Ziya Güran, der den Impressionismus in die Türkei brachte
Chafik Charobim in Ägypten
Eliseu Visconti in Brasilien
Joaquín Sorolla in Spanien
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva in Argentinien
Skagen Painters eine Gruppe skandinavischer Künstler, die in einem kleinen dänischen Fischerdorf gemalt haben
Nadežda Petrović in Serbien
Ásgrímur Jónsson in Island
Fujishima Takeji in Japan
Frits Thaulow in Norwegen und später in Frankreich.
Skulptur, Fotografie und Film
Der Bildhauer Auguste Rodin wird manchmal als Impressionist bezeichnet, weil er grob modellierte Oberflächen verwendet hat, um vorübergehende Lichteffekte vorzuschlagen.

Pictorialist-Fotografen, deren Arbeiten sich durch Weichzeichnung und atmosphärische Effekte auszeichnen, wurden auch als Impressionisten bezeichnet.

Das französische Impressionist-Kino ist ein Begriff, der in Frankreich von 1919-1929 auf eine lose Gruppe von Film- und Filmemachern angewendet wurde, obwohl diese Jahre umstritten sind. Zu den französischen Impressionisten gehören Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Louis Delluc und Dmitry Kirsanoff.

Musik und Literatur
Musikalischer Impressionismus ist der Name einer Bewegung in der europäischen klassischen Musik, die im späten 19. Jahrhundert entstand und bis in die Mitte des 20. Jahrhunderts fortdauerte. Der in Frankreich entstandene musikalische Impressionismus ist geprägt von Suggestion und Atmosphäre und meidet die emotionalen Exzesse der Romantik. Impressionistische Komponisten bevorzugten kurze Formen wie Nocturne, Arabeske und Präludium und erkundeten oft ungewöhnliche Tonleitern wie die ganze Tonskala. Die vielleicht bemerkenswertesten Neuerungen der impressionistischen Komponisten waren die Einführung von großen Septakkorden und die Erweiterung von Akkordstrukturen in Terzen zu fünf- und sechsteiligen Harmonien.

Der Einfluss des visuellen Impressionismus auf sein musikalisches Gegenstück ist umstritten. Claude Debussy und Maurice Ravel gelten allgemein als die größten Komponisten des Impressionismus, aber Debussy verleugnete den Begriff und nannte ihn die Erfindung der Kritiker. Erik Satie wurde auch in dieser Kategorie berücksichtigt, obwohl sein Ansatz als weniger ernst, musikalischer Neuheit in der Natur angesehen wurde. Paul Dukas ist ein weiterer französischer Komponist, der manchmal als Impressionist gilt, aber sein Stil ist vielleicht eher mit den Spätromantikern verbunden. Musikalischer Impressionismus außer Frankreich schließt die Arbeit von Komponisten wie Ottorino Respighi (Italien) Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott und John Ireland (England), und Manuel De Falla, und Isaac Albeniz (Spanien) ein.

Der Begriff Impressionismus wurde auch verwendet, um Werke der Literatur zu beschreiben, in denen einige ausgewählte Details ausreichen, um die Sinneseindrücke eines Ereignisses oder einer Szene zu vermitteln. Die impressionistische Literatur ist eng mit dem Symbolismus verwandt, mit den Hauptdarstellern Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud und Verlaine. Autoren wie Virginia Woolf, DH Lawrence und Joseph Conrad haben impressionistische Werke geschrieben, die die Eindrücke, Empfindungen und Emotionen, die das geistige Leben eines Charakters ausmachen, beschreiben, anstatt sie zu interpretieren.

Post-Impressionismus
Der Post-Impressionismus entstand aus dem Impressionismus. In den 1880er Jahren begannen mehrere Künstler, verschiedene Regeln für den Gebrauch von Farbe, Muster, Form und Linie zu entwickeln, die aus dem impressionistischen Beispiel stammen: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat und Henri de Toulouse-Lautrec. Diese Künstler waren etwas jünger als die Impressionisten und ihre Arbeiten sind als Postimpressionismus bekannt. Einige der ursprünglichen impressionistischen Künstler wagten sich auch in dieses neue Gebiet; Camille Pissarro malte kurz pointillistisch, und selbst Monet gab die strenge Freiluftmalerei auf. Paul Cézanne, der an der ersten und dritten impressionistischen Ausstellung teilnahm, entwickelte eine höchst individuelle Vision, die die Bildstruktur betont, und er wird häufiger als Post-Impressionist bezeichnet. Obwohl diese Fälle die Schwierigkeit der Zuordnung von Etiketten illustrieren, kann die Arbeit der ursprünglichen impressionistischen Maler definitionsgemäß als Impressionismus kategorisiert werden.