印象派

印象派主義は、比較的小さくて薄いが目に見えるブラシストローク、開いた構図、変化する性質(しばしば時間の経過の影響を強調する)、通常の主題、包含の光の正確な描写に重点を置く19世紀の芸術運動である人間の知覚と経験の重要な要素としての動き、および珍しい視角。 印象派主義は、独立した展覧会が1870年代と1880年代の間に目立つようにした、パリに拠点を置くアーティストのグループから始まりました。

印象派主義は、19世紀後半のフランスの芸術における動きに一般的に適用された。 この動きは、アメリカ印象派のような付属人を生み出しました。 印象派という用語の主な用途は、1860年代から1900年頃にかけて働いたフランスの画家の集まりで、特に1860年代後半から1880年代中期にかけての作品を描くためです。 これらのアーティストにはフレデリック・バズィル、ポール・セザンヌ、エドガー・ドガ、エドゥアール・マネ、クロード・モネ、バート・モリゾット、カミーユ・ピサロ、オーギュスト・ルノワール、アルフレッド・シスレー、メアリー・カサット、ギュスターヴ・カイレボテ(EvaGonzalès 、Armand Guillaumin、StanislasLépineムーブメントは正式な面で反学的であり、絵画を展示し販売する公式サロン以外の会場の設立に関わった。

印象派は、フランスの従来の美術界からの厳しい反対に直面しました。 このスタイルの名前は、パリの新聞Le Charivariに掲載された風刺的なレビューの中で、ルイ・レロイが批評家を誘惑して、Claude Monetの作品「Impression、soleil levant(Impression、Sunrise)」のタイトルから派生したものです。

視覚芸術における印象派の発展に続いて、印象派音楽や印象派の文学として知られるようになった他のメディアの類似のスタイルがすぐに続いた。

概要
彼らの時代の過激派は、初期に印象派は学問の絵画のルールに違反した。 彼らは、EugèneDelacroixやJMW Turnerのような画家の例に従って、線や輪郭よりも優先された、自由にブラシされた色から写真を構築しました。 彼らはまた、現代生活の現実的なシーンを描き、しばしば屋外で描かれた。 以前は、静物と肖像画だけでなく風景もスタジオで塗装されていました。 印象派は、屋外や吹き抜けの空気で絵を描いて日光の瞬間的な過渡的な影響を取り込むことができることを発見しました。 細部の代わりに全体的な視覚効果を表現し、混合色と純粋な混合されていない色の短い「壊れた」ブラシストロークを使用しました – 慣習的なように、強い色の振動の効果を達成するためには、

フランスでは印象派が登場し、同時にMacchiaioliとして知られるイタリアのアーティストや米国のWinslow Homerをはじめ、数多くの画家がplein-air paintingを模索していました。 しかし印象派は、このスタイルに特有の新しいテクニックを開発しました。 その支持者が主張したことを包含することは、見ることの別の方法であった、それは即時性と動き、魅力的なポーズとコンポジションの芸術であり、明るく多様な色彩で表現された光の遊びである。

最初の敵対者は、美術評論家や美術家が新しいスタイルを否定したとしても、印象派が新鮮かつ元のビジョンを捉えたと徐々に信じていた。

印象派は、被写体の詳細を描写するのではなく、被写体を見る眼の感覚を再現し、技法や形のウェルターを作成することで、新印象派、後印象派、フォーウィズム、キュービズム。

始まり
ナポレオン皇帝3世がパリを再建し、戦争を繰り広げた19世紀半ばに、アカデミー・デ・ボザール芸術がフランスの美術を支配しました。 Académieは、伝統的なフランス絵画のコンテンツとスタイルの基準を維持していました。 歴史的な主題、宗教的なテーマ、肖像画が評価されました。 風景や静物はそうではありませんでした。 Académieは、厳密に調べると現実的に見える慎重に完成した画像を優先しました。 このスタイルの絵画は、作品の芸術家の手を隠すために注意深くブレンドされた精密なブラシストロークで構成されていました。 色は拘束され、しばしば金色のワニスを塗布することによってさらに下げられた。

Académieには、毎年開催されるjuried art show、Salon de Parisがあり、ショーに作品が展示されたアーティストは賞を獲得し、手数料を獲得し、威信を強化しました。 審査員の基準は、ジャン=レオン・ジェロームやアレクサンドル・カバネルのような芸術家の作品に代表されるアカデミーの価値を表しています。

1860年代初め、クロード・モネ、ピエールオーギュスト・ルノワール、アルフレッド・シスレー、フレデリック・バズィールの4人の若手画家が、学術芸術家のチャールズ・グレイレのもとで勉強していました。 彼らは、歴史的または神話的なシーンではなく、風景や現代の生活を描くことに関心を共有していることを発見しました。 19世紀半ばにかけてますます人気が高まっていた習慣に続いて、彼らは屋外で絵を描くために一緒に田舎に集まりましたが、スタジオで慎重に完成された作品にスケッチを展開する目的ではありませんでした。カスタム。 自然から直接日光に当て、世紀の初めから利用可能になった鮮やかな合成顔料を大胆に使用することで、ギュスターヴ・クールベールとバルビゾンのリアリズムをさらに広げた明るく明るい絵を描き始めました学校。 芸術家のための好きな会場は、パリのアベニュー・ド・クリシーにあるカフェ・ゲールボーです。そこでは、若手アーティストが大いに賞賛してくれたエドワール・マネットが主導しました。 彼らはすぐにCamille Pissarro、PaulCézanne、Armand Guillauminに加わりました。

1860年代、サロンの審査員は、承認されたスタイルに忠実なアーティストの作品に賛成して、モネとその友人が提出した作品の約半分を日常的に拒否しました。 1863年にSalonの陪審員はManetのThe Luncheon on the Grass(Ledéjeunersur l’herbe)を拒否しました。なぜならそれはピクニックに2人の男性を持つ裸の女性を描いたからです。 Salonの陪審員は、歴史的で寓意的な絵画でヌードを日常的に受け入れていましたが、Manetは現代的な雰囲気の中で現実的なヌードを描いていると非難しました。 陪審員の厳格な言葉でマネットの絵画を拒否したことは、彼の崇拝者たち、そしてその年に異常に多数の拒絶された作品がフランスの多くの芸術家を混乱させたことに嫌悪感を与える。

皇帝ナポレオン3世が1863年に拒否された作品を見た後、彼は公衆が作品を判断することを許可されたと宣言し、拒否されたサロンは整理された。 多くの視聴者が笑うだけであったが、Salon desRefusésはアートの新しい傾向の存在に注目し、通常のサロンよりも多くの訪問者を集めた。

1867年、そして再び1872年に新しいサロン・デ・レスフェウスを要求したアーティストの請願は拒否された。 1873年12月、モネ、ルノワール、ピサロ、シスレー、セザンヌ、ベート・モリソット、エドガー・デガースなど数人のアーティストがソシエテアノニム協同作曲家ペイントレス、Sculpteurs、Graveurs( “Painter、Sculptors、and Engraversの協同と匿名組合”独自に作品を展示すること。 協会のメンバーはサロンへの参加を拒否することが期待された。 オーガナイザーは、数年前にプレイン・エア・ペインティングを採用するようモネに説得した古いユーゲーヌ・ブーダンなど、初の展覧会に参加する他の数々のプログレッシブ・アーティストを招待しました。 ÉdouardManetのように、モネと彼の友人、ヨハン・ヨンカンドに大きな影響を与えた別の画家が参加を拒否しました。 合計で、30人のアーティストが最初の展覧会に参加しました。写真家Nadarのスタジオで1874年4月に開催されました。

重大な対応は混在していた。 モネとセザンヌは最も厳しい攻撃を受けました。 批評家、ユーモア主義者のルイ・リロイは、ル・シャリバリという新聞で、クロード・モネの印象であるサンライズ(印象派、ソレイル・レバント)のタイトルを語りながら、彼らの名前を知ったアーティストに捧げた。 ルーロイは、印象派の展覧会である「展覧会の印象派」を派生させ、モネの絵画はせいぜいスケッチであり、完成作品とは言い難いと宣言した。

彼は、視聴者間の対話の形で、

印象 – 私はそれを確信していました。 私は感心していたので、そこに印象がなければならなかったこと、そしてどのような自由、どのような仕上がりやすさがあるのか​​、自分自身に語っていました! その胚の状態の壁紙は、その海景よりも完成です。

印象派という言葉は、すぐに一般に好まれました。 主に独立と反乱の精神によって統一されたスタイルと気質の多様なグループであったにもかかわらず、彼ら自身も受け入れられました。 彼らは1874年から1886年の間に8倍のメンバーシップを持ちながらも、一緒に展示しました。印象派のスタイルは、緩やかな自発的なブラシストロークで、まもなく現代生活の同義語になります。

モネ、シスレー、モリソー、ピサロは、自発性、日光、色彩の芸術を一貫して追求することで、「最も純粋な」印象派とみなされます。 ドガはこれを拒否しました。色を引き継ぐことの優位性を信じ、屋外で絵を描く練習を嫌っていました。 ルノワールは1880年代にしばらくの間、印象派から離れましたが、そのアイデアへのコミットメントを完全に取り戻すことはできませんでした。 ÉdouardManetは、印象派主義者であるとはいえ、色彩としての黒人の自由な使用を放棄したことはなく、決して印象派の展覧会に参加したことはありません。 彼は自分の作品をサロンに提出し続けた。サロンは1861年にスペインの歌手が第2種のメダルを獲得したが、他の人たちも同様に「サロンは本当の戦場だ」と主張し、評判は製。

中核グループ(1870年にフランコ・プルシア戦争で死亡したBazilleを除く)の芸術家の中には、セザンヌ、その後ルノワール、シスレー、モネが亡くなり、グループ展に参加して作品を提出できるようになったサロンに。 意見の相違は、ギラミンのメンバーであるピサロとセザンヌが、モネとデガスの反対に反対して、彼が価値がないと思ったことなどから生じたものである。 ドガは1879年の展覧会で彼女の作品を展示するようMary Cassattを招待したが、Jean-FrançoisRaffaëlli、Ludovic Lepic、そして印象派の習慣を代表しない現実主義者を主張し、1880年にMonetに印象派を “最初に来るダーバに」。 このグループは、1886年にPaul SignacとGeorges Seuratへの招待状を分けて展示しました.Pissarroは、8回の印象派展に出席する唯一のアーティストでした。

個々の芸術家は、印象派の展覧会からの財政的報酬はほとんど得られなかったが、彼らの芸術は徐々に公衆の受容と支持を得た。 彼のディーラー、Durand-Ruelは、ロンドンとニューヨークで彼らのためにショーを開催し、公開する前に仕事を続けていたため、これに大きな役割を果たしました。 シズレーは1899年に貧困で亡くなりましたが、ルネールは1879年にサロンの成功を収めました。モネは1880年代初期に財政的に安全になり、1890年代初期にはピサロもそうしました。 現時点では、印象派の絵画の方法は、希釈された形で、サロンアートでは一般的になっていました。

印象派の技法
印象派の道を開いたフランスの画家には、現実主義者ギュスターヴ・クールベの指導者であるロマンティック・カラーオーストリアのユージーン・ドラクロワと、テオドール・ルソーなどのバルビゾン派の画家が含まれます。 印象派は、印象派を予感させる直接的かつ自発的なスタイルで自然から描かれ、若い芸術家と友好的でアドバイスを受けたJohan Barthold Jongkind、Jean-Baptiste-Camille Corot、EugèneBoudinの作品から多くを学びました。

識別可能な技術や作業習慣の数は、印象派の革新的なスタイルに貢献しました。 これらの方法は以前のアーティストによって使用されていましたが、Frans Hals、DiegoVelázquez、Peter Paul Rubens、John Constable、JMW Turnerのようなアーティストの作品ではしばしば目立っていますが、印象派はそれらを一括して使用しました。そのような一貫性をもって。 これらの手法には、

短くて厚い塗料のストロークは、その詳細よりもむしろ被写体の本質を素早く捕らえる。 塗料はしばしば刷り込みを施される。
可能な限り混合を少なくして色を並べて適用します。これは、同時コントラストの原理を利用して、色をより鮮明に表示するテクニックです。
グレーとダークトーンは、補色を混合することによって生成されます。 純粋な印象主義は黒い塗料の使用を避けます。
湿った塗料は、連続的なアプリケーションが乾燥するのを待つことなく、湿った塗料に置かれ、より柔らかい縁部および色の混合が生じる。
印象派の絵画は、薄いペイントフィルム(グレーズ)の透明性を利用していません。以前の芸術家は、効果を生み出すために注意深く操作しました。 印象派の絵の表面は、通常不透明です。
塗料は白色または薄い色の地面に塗布されます。 以前は、灰色の灰色や強く色の付いた土地を使用していました。
自然光の遊びが強調されています。 オブジェクトからオブジェクトへの色の反射には細心の注意が払われます。 画家たちは、夕方には夕方や夕方の影のような効果を作り出すためによく働きました。
空気(屋外)で描かれた絵画では、影が表面に映りこんで空の青色で大胆に描かれ、以前は絵画で表現されていなかった鮮やかさが感じられます。 (雪の青い影が技術を刺激した。)
新しい技術がスタイルの発展に果たしました。 印象派は、彫刻された管のような錫管に半世紀前に導入された塗料を利用して、アーティストが屋内外でより自発的に作業できるようにしました。 これまで、画家は乾燥顔料粉末を粉砕してアマニ油と混合し、それを動物の膀胱に貯蔵することによって、個々に塗料を製造していました。

多くの生き生きとした合成顔料は、19世紀初めにアーティストに商業的に入手可能となった。 これらはコバルトブルー、ビリジアン、カドミウムイエロー、合成ウルトラマリンブルーを含み、いずれも印象派の前に1840年代に使用されていました。 印象派の絵画様式は、これらの顔料の大胆な使用を可能にし、1860年代にアーティストに商業的に利用可能になったセルリアンブルーのようなさらに新しい色のものを作った。

印象派の明るい絵画への進歩は徐々に進みました。 1860年代、モネとルノワールは、伝統的な赤茶色または灰色の地面で作られたキャンバスに絵を描くことがありました。 1870年代までに、モネ、ルノワール、ピサロは、通常、より明るい灰色またはベージュ色の色調で塗装することを選択しました。これは完成した絵画の中間調として機能しました。 1880年代になると、印象派の中には、白いややオフホワイトの敷地を好むようになり、完成した絵画では地色が重要な役割を果たさなくなりました。

内容と構成
印象派の前に、他の画家、特にJan Steenのような17世紀のオランダの画家たちは共通の主題を強調していたが、その構成方法は伝統的だった。 彼らは主題が視聴者の注意を喚起するように構成を並べた。 印象派は主題と背景の境界を緩和し、印象派絵画の効果はしばしばスナップショットと似ていました。 写真は人気を得ていて、カメラがよりポータブルになるにつれて、写真はより誠実になった。 写真は印象派が風景の一瞬の光だけでなく、人々の日々の生活の中で、瞬間的な行動を表現するよう促しました。

印象派の発達は、部分的に、現実を再現する芸術家の技量を評価していないと思われる、写真による挑戦に対する芸術家の反応と考えることができる。 肖像画と風景の両方の絵画は、写真が「生き生きしたイメージをはるかに効率的かつ確実に生み出した」ように、幾分欠陥があり、真実に欠けると考えられていました。

それにもかかわらず、写真は実際にはアーティストが創造的表現の他の手段を追求するように実際に鼓舞し、現実をエミュレートするために写真と競争するのではなく、「アートよりも必然的に優れているそのイメージの概念における主観、すなわち写真撮影が排除した主観性」である。 印象派は、正確な表現を作成するのではなく、自然に対する認識を表現しようとしました。 これにより、アーティストは「味と良心の暗黙の命令」で見たものを主観的に描写することができました。 写真は画家が色のような絵画媒体の側面を利用することを奨励しました。「印象派は意識的に写真への主観的な代替手段を意識して最初に提供しました」

もう一つの大きな影響力は日本の浮世絵芸術(日本藝術)でした。 これらのプリントの芸術は印象派の特徴となった「スナップショット」の角度や独創的でない作品に大きく貢献しました。 一例はMonte’s JardinàSainte-Adresse(1867年)であり、太字の色と構図が強く斜め上にあり、日本の版画の影響を示しています

エドガー・ドガは、熱心な写真家であり、日本の版画の収集家でもあった。 1874年の彼のダンス・クラス(La classe de danse)は、その非対称的な構成の両方の影響を示しています。 ダンサーは、一見右下の四分円に空きスペースを広げて、様々な気まぐれなポーズでガードされています。 彼はまた、14年の小さなダンサーのような彫刻家のダンサーを捉えました。

主要印象派
アルファベット順に掲載されたフランスの印象派の発展における中心的な人物は、

フレデリック・バズィル(印象派の展覧会に於いて死後に出席した者)(1841-1870)
ギュスターヴ・カイユボッテ(1870年代半ばに他者より若い者たち)が(1848-1894)
メアリー・カサット(アメリカ生まれ、パリに住み、4回の印象派展に参加)(1844-1926)
ポールセザンヌ(後で印象派から逃げたが)(1839-1906)
Edgar Degas(印象派という言葉を軽蔑した者)(1834-1917)
Armand Guillaumin(1841-1927)
ÉdouardManet(印象派の展覧会に参加しなかった人)(1832-1883)
クロード・モネ(印象派の中で最も多かった人、そして最も美しいものを最もよく表現している人)(1840-1926)
Berthe Morisot(1879年を除くすべての印象派の展覧会に参加)(1841-1895)
カミーユ・ピサロ(1830-1903)
ピエールオーギュスト・ルノワール(1874年、1876年、1877年、1882年の印象派展に参加した人)(1841〜1919年)
アルフレッド・シスレー(Alfred Sisley、1839-1899)

アソシエイツと影響を受けたアーティスト
印象派の密接な関係者の中には、ある程度彼らの方法を採用した数人の画家がいました。 Jean-Louis Forain(1879年、1880年、1881年、1886年の印象派の展覧会に参加した人)とパリに住むイタリア人アーティストGiuseppe De Nittis(Degasの招待で最初の印象派の展覧会に参加した人物)彼の仕事。 Federico Zandomeneghiは、印象派と一緒に見せたDegasのもうひとりのイタリア人の友人でした。 EvaGonzalèsはグループと一緒に展示しなかったManetの信者でした。 James Abbott McNeill Whistlerはアメリカ人生まれの画家であり、印象派に参加したが、グループに参加していないがグレーの色を好みました。 英国のアーティスト、ウォルター・シッカート(Walter Sickert)は、最初はウィスラーの追随者であり、後にはデガの重要な弟子でした。 彼は印象派と出会いませんでした。 1904年、芸術家Wynford Dewhurstは、イギリスで印象派を大衆化するために多くを行った、印象派の絵画:その起源と発展、英語で出版されたフランスの画家の最初の重要な研究を書いた。

1880年代初めまでに、印象派の方法は、少なくとも表面的にサロンの芸術に影響を与えていました。 JeanBéraudやHenri Gervexなどのファッショナブルな画家は、サロンアートの期待通りの滑らかな仕上がりを保ちながら、パレットを明るくすることで、クリティカルで財務的な成功を見出しました。 これらのアーティストによる作品は、印象派の実践から離れているにもかかわらず、しばしば印象派と呼ばれています。

フランス印象派の影響は、ほとんどが死亡してからずっと続いた。 JD Kirszenbaumのようなアーティストは、20世紀を通じて印象派の技法を借りていました。

フランスを超えて
印象派の影響がフランスを越えて広がるにつれて、あまりにも多くの芸術家がリストアップされ、新しいスタイルの実践者として認識されました。 より重要な例のいくつかは次のとおりです。

メアリー・カサット、ウィリアム・メリット・チェース、フレデリック・カール・フリーエスケ、チルド・ハッサム、ウィラード・メタルカルフ、リラ・キャボット・ペリー、テオドール・ロビンソン、エドモンド・チャールズ・ターベル、ジョン・ヘンリー・トワートマン、キャサリン・ウィリー、ジェイ・アルデン・ウィアーを含むアメリカ印象派。
トム・ロバーツ、アーサー・ストリートン、ウォルター・ウィザーズ、チャールズ・コンダー、フレデリック・マッカビン(ハイデルベルク校の著名人)、ヴァン・ゴッホ、ロダン、モネ、マティスの友人であるジョン・ピーター・ラッセルなどオーストラリア印象派。
ジョージHendrik Breitner、IsaacIsraëls、Willem Bastiaan Tholen、Willem de Zwart、Willem Witsen、Jan Tooropなど、オランダのアムステルダム印象派。
アンナ・ボッシュ、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホの友人ユージーン・ボッシュ、ジョルジュ・レームマン、テオ・ファン・リセセルベルゲ、ベルギーの印象派画家。
Ivan Grohar、RihardJakopič、Matija Jama、Matej Sternen、スロベニア出身の印象派。 彼らの始まりはミュンヘンのアントン・アズベの学校であり、パリで働くスロベニアの画家、ジュリエ・シュビッチとイヴァナ・コビルカの影響を受けました
ウィンフォード・デューハースト、ウォルター・リチャード・シッカート、フィリップ・ウィルソン・スティールは、英国からも有名な印象派の画家でした。 フランスで生まれたが、マンチェスターで働いていたピエール・アドルフ・バレットは、LSローリーの先生でした。
Lovis Corinth、Max Liebermann、Ernst Oppler、Max Slevogt、August von Brandisを含むドイツの印象派。
ハンガリーのLászlóMednyánszky
テオドール・フォン・エールマンズとヒューゴ・シャレモントは、オーストリアのより支配的なウィーン・セプタシストの画家の中のまれな印象派でした
アイルランドのWilliam John Leech、Roderic O’Conor、Walter Osborne
ロシアのコンスタンチンコロービンとバレンティンセロフ
Francisco Oller y Cestero、プエルトリコのネイティブ、ピサロとセザンヌの友人
ニュージーランドのJames Nairn
ウィリアムMcTaggartスコットランドで。
Laura Muntz Lyall、カナダのアーティスト
WładysławPodkowiński、ポーランドの印象派と象徴主義者
ルーマニアのNicolae Grigorescu
トルコに印象派をもたらしたナズミ・ジヤ・グラン
エジプトのChafik Charobim
ブラジルのEliseu Visconti
スペインのホアキン・ソローヤ
Faustino Brughetti、フェルナンド・フェーダー、Candido Lopez、MartínMalharro、Walter de Navazio、アルゼンチンのRamónSilva
Skagen Painters小さなデンマークの漁村で描かれたスカンジナビアのアーティストのグループ
セルビアのナデシュダ・ペトロビッチ
アイスランドのÁsgrímurJónsson
日本の藤島武二
ノルウェーとフランスのフリッツ・サウロー。
彫刻、写真、映画
彫刻家オーギュスト・ロダン(Auguste Rodin)は、過渡的な光の影響を示唆するために大まかにモデル化されたサーフェスを使用する方法の印象派とも呼ばれます。

ソフトフォーカスや大気の影響を特徴とする絵画家の写真家も印象派と呼ばれています。

フランス印象派シネマは、1919年から1929年の間に、フランスの映画や映画制作者のグループにゆるやかに定義された用語です。 フランスの印象派の映画制作者には、アベル・ガンス、ジャン・エプスタイン、ジェルマン・デュラック、マルセル・ラビエル、ルイス・デルルク、ドミトリー・キルサノフが含まれる。

音楽と文学
ミュージカル印象派は、19世紀後半に起きて20世紀半ばに続いたヨーロッパのクラシック音楽の運動に与えられた名前です。 フランスで生まれたミュージカルの印象派は、示唆と雰囲気が特徴で、ロマン派時代の感情的過ぎを避けています。 印象派の作曲家は、夜想曲、アラベスク、プレリュードなどの短い形式を好んでおり、トーンスケールのような珍しい音階を頻繁に調べました。 おそらく印象派の作曲家の最も顕著な革新は、主要な第7コードの導入、第3〜第5パートと第6パートの和音のコード構造の拡張でした。

視覚的印象主義が音楽的に与える影響は議論の余地があります。 クロード・ドビュッシーとモーリス・ラヴェルは、最も印象派的な作曲家と一般的に考えられていますが、ドビュッシーはこの言葉を否定し、批評家の発明と呼んでいます。 エリック・サテイ(Erik Satie)もまた、このカテゴリーでは考慮されていたが、彼のアプローチはそれほど深刻ではなく、より多くの音楽的ノベルティと見なされていた。 Paul Dukasは時には印象派と見なされるフランスの作曲家でもあるが、彼のスタイルはおそらく後期のロマン主義者たちともっと密接に関連している。 フランス以外の音楽的印象派には、Ottorino Respighi(イタリア)、Ralph Vaughan Williams、Cyril Scott、John Ireland(イギリス)、Manuel De Falla、Isaac Albeniz(スペイン)などの作曲家の作品があります。

印象派という言葉は、事件や場面の感覚的な印象を伝えるのに、いくつかの細部の詳細が十分である文学作品を記述するためにも使われています。 印象派の文学は記号学に密接に関連しており、その主な例はボーデレール、マラルメ、ランボー、ベーレーヌである。 ヴァージニア・ウルフ、DHローレンス、ジョセフ・コンラッドなどの著者は、印象派的な作品を書いているが、キャラクターの精神的な人生を構成する印象、感情、感情を解釈するのではなく記述する方法で書かれている。

ポスト印象派
ポスト印象派は印象派から発展した。 1880年代には、いくつかの芸術家が、印象派の例に由来する色、模様、形、線の使用のために、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ポール・ゴーギャン、ジョルジュ・スラット、アンリ・ド・トゥールーズ・ロートレックの異なる戒律を開発し始めました。 これらのアーティストは印象派より若干若かったが、彼らの作品は印象派後の印象として知られている。 元の印象派の芸術家の中には、この新しい領域にも挑戦していた人もいます。 カミーユ・ピサロは簡潔に点描の様式で描かれ、モネも厳格な空白の絵を放棄した。 第一印象派と第三印象派の展覧会に参加したポール・セザンヌは、絵画的な構造を強調した非常に個性的なビジョンを描いており、ポスト印象派と呼ばれることが多い。 これらのケースでは、ラベルを割り当てることの難しさを示していますが、元の印象派の画家の作業は、定義上、印象派として分類されることがあります。