El impresionismo es un movimiento artístico del siglo XIX caracterizado por trazos de pincel relativamente pequeños, delgados pero visibles, composición abierta, énfasis en la descripción precisa de la luz en sus cualidades cambiantes (a menudo acentuando los efectos del paso del tiempo), tema común, inclusión de movimiento como un elemento crucial de la percepción y experiencia humana, y ángulos visuales inusuales. El impresionismo se originó con un grupo de artistas radicados en París, cuyas exhibiciones independientes les dieron prominencia durante los años 1870 y 1880.
El impresionismo generalmente se aplica a un movimiento en el arte en Francia a fines del siglo XIX. El movimiento dio lugar a elementos complementarios como el impresionismo estadounidense. El uso principal del término impresionista es para un grupo de pintores franceses que trabajaron entre 1860 y 1900, especialmente para describir sus obras de finales de la década de 1860 hasta mediados de la década de 1880. Estos artistas incluyen a Frédéric Bazille, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley, así como a Mary Cassatt, Gustave Caillebotte (que también fue un importante coleccionista temprano), Eva Gonzalès , Armand Guillaumin y Stanislas Lépine El movimiento fue antiacadémico en sus aspectos formales e implicó el establecimiento de lugares además del Salón oficial para mostrar y vender pinturas.
Los impresionistas se enfrentaron a la dura oposición de la comunidad de arte convencional en Francia. El nombre del estilo deriva del título de una obra de Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, Sunrise), que provocó que el crítico Louis Leroy acuñara el término en una crítica satírica publicada en el periódico parisino Le Charivari.
El desarrollo del Impresionismo en las artes visuales pronto fue seguido por estilos análogos en otros medios que se conocieron como música impresionista y literatura impresionista.
Visión de conjunto
Radicales en su época, los primeros impresionistas violaron las reglas de la pintura académica. Construyeron sus imágenes a partir de colores libremente cepillados que tenían precedencia sobre las líneas y los contornos, siguiendo el ejemplo de pintores como Eugène Delacroix y JMW Turner. También pintaron escenas realistas de la vida moderna y, a menudo, las pintaron al aire libre. Anteriormente, las naturalezas muertas, los retratos y los paisajes solían pintarse en un estudio. Los impresionistas descubrieron que podían capturar los efectos momentáneos y transitorios de la luz solar pintando al aire libre o en pleno aire. Representaban efectos visuales generales en lugar de detalles, y usaban trazos de pincel cortos «rotos» de color mixto puro y sin mezclar, sin mezclar suavemente ni sombrear, como era habitual, para lograr un efecto de vibración de color intenso.
El impresionismo surgió en Francia al mismo tiempo que varios otros pintores, incluidos los artistas italianos conocidos como Macchiaioli, y Winslow Homer en los Estados Unidos, también exploraron la pintura plein-air. Los impresionistas, sin embargo, desarrollaron nuevas técnicas específicas para el estilo. Abarcando lo que sus partidarios argumentaban era una forma diferente de ver, es un arte de inmediatez y movimiento, de poses y composiciones cándidas, del juego de luz expresado en un uso brillante y variado del color.
El público, al principio hostil, gradualmente llegó a creer que los impresionistas habían capturado una visión fresca y original, incluso si los críticos de arte y el establecimiento artístico desaprobaban el nuevo estilo.
Al recrear la sensación en el ojo que ve al sujeto, en lugar de delinear los detalles del tema y al crear un sinfín de técnicas y formas, el Impresionismo es un precursor de varios estilos de pintura, incluidos el Neoimpresionismo, el Postimpresionismo y el Fauvismo. y el cubismo
Principios
A mediados del siglo XIX, una época de cambios, cuando el emperador Napoleón III reconstruyó París y emprendió la guerra, la Académie des Beaux-Arts dominó el arte francés. La Académie fue la preservadora de los estándares tradicionales de pintura y estilo francés. Temas históricos, temas religiosos y retratos fueron valorados; el paisaje y la naturaleza muerta no. La Académie prefirió imágenes cuidadosamente terminadas que parecían realistas cuando se examinaban de cerca. Las pinturas en este estilo se componen de pinceladas precisas cuidadosamente mezcladas para ocultar la mano del artista en la obra. El color fue restringido y, a menudo atenuado aún más por la aplicación de un barniz dorado.
La Académie tuvo un espectáculo anual de arte con jurado, el Salón de París, y artistas cuyo trabajo se exhibió en el programa ganó premios, obtuvo comisiones y mejoró su prestigio. Los estándares de los jurados representaban los valores de la Académie, representados por las obras de artistas como Jean-Léon Gérôme y Alexandre Cabanel.
A principios de la década de 1860, cuatro pintores jóvenes (Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille) se conocieron mientras estudiaban con el artista académico Charles Gleyre. Descubrieron que compartían un interés en pintar el paisaje y la vida contemporánea en lugar de escenas históricas o mitológicas. Siguiendo una práctica que se hizo cada vez más popular a mediados de siglo, a menudo se aventuraban juntos al campo para pintar al aire libre, pero no con el propósito de hacer bocetos para desarrollar trabajos cuidadosamente terminados en el estudio, como era habitual personalizado. Al pintar a la luz del sol directamente de la naturaleza y hacer un uso audaz de los vívidos pigmentos sintéticos disponibles desde el comienzo del siglo, comenzaron a desarrollar una pintura más ligera y brillante que amplió aún más el realismo de Gustave Courbet y Barbizon. colegio. Un lugar de encuentro favorito para los artistas fue el Café Guerbois en la Avenue de Clichy en París, donde las discusiones a menudo estaban dirigidas por Édouard Manet, a quien los artistas más jóvenes admiraban mucho. Pronto se les unieron Camille Pissarro, Paul Cézanne y Armand Guillaumin.
Durante la década de 1860, el jurado del Salón rechazó rutinariamente alrededor de la mitad de las obras presentadas por Monet y sus amigos a favor de obras de artistas fieles al estilo aprobado. En 1863, el jurado del Salón rechazó el Almuerzo en la hierba de Manet (Le déjeuner sur l’herbe) principalmente porque representaba a una mujer desnuda con dos hombres vestidos en un picnic. Si bien el jurado del Salón aceptó habitualmente desnudos en pinturas históricas y alegóricas, condenaron a Manet por colocar un desnudo realista en un escenario contemporáneo. El severo rechazo del jurado a la pintura de Manet consternó a sus admiradores, y la cantidad inusualmente grande de obras rechazadas ese año perturbó a muchos artistas franceses.
Después de que el emperador Napoleón III viera las obras rechazadas de 1863, decretó que se permitiera que el público juzgara la obra por sí mismo, y se organizó el Salón de Refusés. Mientras que muchos espectadores solo vinieron a reírse, el Salon des Refusés llamó la atención sobre la existencia de una nueva tendencia en el arte y atrajo a más visitantes que el Salón regular.
Las peticiones de los artistas pidiendo un nuevo Salon des Refusés en 1867, y nuevamente en 1872, fueron denegadas. En diciembre de 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas y varios otros artistas fundaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Asociación Cooperativa y Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores») para exhibir sus obras de arte de forma independiente. Se esperaba que los miembros de la asociación renunciaran a la participación en el Salón. Los organizadores invitaron a otros artistas progresistas a unirse a ellos en su exposición inaugural, incluido el mayor Eugène Boudin, cuyo ejemplo había convencido a Monet para adoptar la pintura al aire libre años antes. Otro pintor que influyó mucho en Monet y sus amigos, Johan Jongkind, se negó a participar, al igual que Édouard Manet. En total, treinta artistas participaron en su primera exposición, realizada en abril de 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar.
La respuesta crítica fue mixta. Monet y Cézanne recibieron los ataques más duros. El crítico y humorista Louis Leroy escribió una reseña mordaz en el periódico Le Charivari en la que, haciendo juegos de palabras con el título de Impression, Sunrise (Impression, soleil levant) de Claude Monet, les dio a los artistas el nombre por el cual se hicieron conocidos. Titulado Derisivamente su artículo La Exposición de los Impresionistas, Leroy declaró que la pintura de Monet era a lo sumo, un boceto, y difícilmente podría calificarse como una obra terminada.
Él escribió, en la forma de un diálogo entre los espectadores,
Impresión, estaba seguro de eso. Solo me decía a mí misma que, desde que estaba impresionado, tenía que haber algo de impresión … ¡y qué libertad, qué facilidad de ejecución! El papel tapiz en su estado embrionario está más acabado que ese paisaje marino.
El término Impresionista ganó rápidamente el favor del público. También fue aceptado por los propios artistas, a pesar de que eran un grupo diverso en estilo y temperamento, unificado principalmente por su espíritu de independencia y rebelión. Exhibieron juntos, aunque con una membresía variable, ocho veces entre 1874 y 1886. El estilo de los impresionistas, con sus pinceladas sueltas y espontáneas, pronto se convertiría en sinónimo de la vida moderna.
Monet, Sisley, Morisot y Pissarro pueden considerarse los Impresionistas «más puros», en su constante búsqueda de un arte de espontaneidad, luz solar y color. Degas rechazó mucho de esto, ya que creía en la primacía del dibujo sobre el color y menospreciaba la práctica de pintar al aire libre. Renoir se apartó del Impresionismo durante un tiempo durante la década de 1880, y nunca recuperó completamente su compromiso con sus ideas. Édouard Manet, aunque considerado por los impresionistas como su líder, nunca abandonó su uso liberal del negro como color, y nunca participó en las exposiciones impresionistas. Continuó presentando sus obras en el Salón, donde su pintura Cantante español había ganado una medalla de segunda clase en 1861, e instó a los demás a hacer lo mismo, argumentando que «el Salón es el verdadero campo de batalla» donde una reputación podría ser hecho.
Entre los artistas del grupo central (menos Bazille, que había muerto en la guerra franco-prusiana en 1870), las deserciones se produjeron cuando Cézanne, seguido más tarde por Renoir, Sisley y Monet, se abstuvo de las exposiciones colectivas para poder enviar sus obras al salón. Los desacuerdos surgieron de cuestiones como la membresía de Guillaumin en el grupo, defendida por Pissarro y Cézanne contra la oposición de Monet y Degas, que lo consideraron indigno. Degas invitó a Mary Cassatt a mostrar su trabajo en la exposición de 1879, pero también insistió en la inclusión de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic y otros realistas que no representaban las prácticas impresionistas, lo que provocó que Monet acusara en 1880 a los impresionistas de «abrir puertas» a los primeros daubers «. El grupo se dividió en invitaciones a Paul Signac y Georges Seurat para exhibir con ellos en 1886. Pissarro fue el único artista en mostrar las ocho exposiciones impresionistas.
Los artistas individuales obtuvieron pocas recompensas financieras de las exposiciones impresionistas, pero su arte ganó gradualmente un grado de aceptación y apoyo del público. Su distribuidor, Durand-Ruel, jugó un papel importante en esto ya que mantuvo su trabajo ante el público y organizó espectáculos para ellos en Londres y Nueva York. Aunque Sisley murió en la pobreza en 1899, Renoir tuvo un gran éxito en el Salón en 1879. Monet se hizo financieramente seguro durante la década de 1880 y también lo hizo Pissarro a principios de la década de 1890. En este momento los métodos de la pintura impresionista, en una forma diluida, se habían convertido en algo común en el arte del Salón.
Técnicas impresionistas
Los pintores franceses que prepararon el camino para el Impresionismo incluyen al colorista romántico Eugène Delacroix, el líder de los realistas Gustave Courbet y pintores de la escuela de Barbizon como Théodore Rousseau. Los impresionistas aprendieron mucho de la obra de Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot y Eugène Boudin, quienes pintaron de la naturaleza en un estilo directo y espontáneo que prefiguraba el impresionismo, y que se hizo amigo y asesoró a los artistas más jóvenes.
Una serie de técnicas y hábitos de trabajo identificables contribuyeron al estilo innovador de los impresionistas. Aunque estos métodos habían sido utilizados por artistas anteriores -y a menudo son visibles en el trabajo de artistas como Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable y JMW Turner-, los impresionistas fueron los primeros en usarlos todos juntos, y con tal consistencia Estas técnicas incluyen:
Los trazos cortos y gruesos de pintura capturan rápidamente la esencia del sujeto, en lugar de sus detalles. La pintura a menudo se aplica impasto.
Los colores se aplican uno al lado del otro con la menor cantidad de mezcla posible, una técnica que explota el principio del contraste simultáneo para hacer que el color parezca más vívido para el espectador.
Los tonos grises y oscuros se producen mezclando colores complementarios. El impresionismo puro evita el uso de pintura negra.
La pintura húmeda se coloca en la pintura húmeda sin esperar a que las aplicaciones sucesivas se sequen, produciendo bordes más suaves y mezcla de color.
Las pinturas impresionistas no explotan la transparencia de las películas delgadas (esmaltes), que los artistas anteriores manipularon cuidadosamente para producir efectos. La superficie de pintura impresionista es típicamente opaca.
La pintura se aplica a un suelo blanco o de color claro. Anteriormente, los pintores solían usar motivos de color gris oscuro o de colores intensos.
El juego de luz natural se enfatiza. Se presta especial atención al reflejo de los colores de un objeto a otro. Los pintores a menudo trabajaban por la noche para producir efectos de socorro: los efectos oscuros de la tarde o del crepúsculo.
En las pinturas realizadas en plein air (al aire libre), las sombras se pintan audazmente con el azul del cielo al reflejarse sobre las superficies, dando una sensación de frescura que antes no se representaba en la pintura. (Las sombras azules en la nieve inspiraron la técnica).
La nueva tecnología jugó un papel en el desarrollo del estilo. Los impresionistas aprovecharon la introducción a mediados de siglo de pinturas premezcladas en tubos de estaño (parecidos a los modernos tubos de pasta de dientes), lo que permitió a los artistas trabajar de forma más espontánea, tanto en el exterior como en el interior. Anteriormente, los pintores fabricaban sus propias pinturas individualmente, moliendo y mezclando polvos de pigmentos secos con aceite de linaza, que luego se almacenaban en vejigas de animales.
Muchos pigmentos sintéticos vívidos llegaron a estar disponibles comercialmente para los artistas por primera vez durante el siglo XIX. Estos incluían azul cobalto, viridiano, amarillo de cadmio y azul ultramar sintético, todos los cuales estaban en uso en la década de 1840, antes del impresionismo. La manera de pintar de los impresionistas hizo un uso audaz de estos pigmentos, y de colores aún más nuevos como el azul cerúleo, que se hizo comercialmente disponible para los artistas en la década de 1860.
El progreso de los impresionistas hacia un estilo de pintura más brillante fue gradual. Durante la década de 1860, Monet y Renoir a veces pintaban en lienzos preparados con el suelo tradicional de color marrón rojizo o gris. En la década de 1870, Monet, Renoir y Pissarro solían pintar con un color gris claro o beige, que funcionaba como un tono medio en la pintura acabada. En la década de 1880, algunos de los impresionistas preferían los motivos blancos o ligeramente blancos, y ya no permitían que el color de la tierra tuviera un papel significativo en la pintura terminada.
Contenido y composición
Antes de los impresionistas, otros pintores, especialmente pintores holandeses del siglo XVII como Jan Steen, habían enfatizado temas comunes, pero sus métodos de composición eran tradicionales. Organizaron sus composiciones para que el sujeto principal ordenara la atención del espectador. Los impresionistas relajaron el límite entre el sujeto y el fondo de modo que el efecto de una pintura impresionista a menudo se asemeja a una instantánea, una parte de una realidad más amplia capturada como por casualidad. La fotografía estaba ganando popularidad y, a medida que las cámaras se volvían más portátiles, las fotografías se volvían más sinceras. Los impresionistas inspirados en la fotografía representan una acción momentánea, no solo en las luces fugaces de un paisaje, sino también en la vida cotidiana de las personas.
El desarrollo del Impresionismo puede considerarse en parte como una reacción de los artistas ante el desafío presentado por la fotografía, que parecía devaluar la habilidad del artista en la reproducción de la realidad. Tanto los retratos como las pinturas de paisajes se consideraron algo deficientes y carentes de verdad ya que la fotografía «producía imágenes realistas de forma mucho más eficiente y confiable».
A pesar de esto, la fotografía en realidad inspiró a los artistas a buscar otros medios de expresión creativa, y en lugar de competir con la fotografía para emular la realidad, los artistas se centraron «en lo único que inevitablemente podrían hacer mejor que la fotografía» al desarrollarse en una forma artística. su misma subjetividad en la concepción de la imagen, la misma subjetividad que la fotografía eliminó «. Los impresionistas buscaban expresar sus percepciones de la naturaleza, en lugar de crear representaciones exactas. Esto permitió a los artistas representar subjetivamente lo que vieron con sus «imperativos tácitos de gusto y conciencia». La fotografía alentó a los pintores a explotar aspectos del medio pictórico, como el color, que luego carecía la fotografía: «Los impresionistas fueron los primeros en ofrecer conscientemente una alternativa subjetiva a la fotografía».
Otra gran influencia fueron las impresiones japonesas de arte ukiyo-e (japonismo). El arte de estas impresiones contribuyó significativamente a los ángulos de «instantánea» y las composiciones no convencionales que se convirtieron en características del Impresionismo. Un ejemplo es el Jardin à Sainte-Adresse de Monet, 1867, con sus intrépidos bloques de color y composición en una fuerte inclinación diagonal que muestra la influencia de estampados japoneses.
Edgar Degas era un fotógrafo ávido y un coleccionista de grabados japoneses. Su The Dance Class (La classe de danse) de 1874 muestra ambas influencias en su composición asimétrica. Al parecer, los bailarines son tomados por sorpresa en varias poses incómodas, dejando una extensión de espacio vacío en el cuadrante inferior derecho. También capturó a sus bailarines en escultura, como Little Dancer of Catorce años.
Impresionistas principales
Las figuras centrales en el desarrollo del Impresionismo en Francia, enumeradas alfabéticamente, fueron:
Frédéric Bazille (que solo participó póstumamente en las exposiciones impresionistas) (1841-1870)
Gustave Caillebotte (quien, más joven que los otros, unió fuerzas con ellos a mediados de la década de 1870) (1848-1894)
Mary Cassatt (nacida en los Estados Unidos, vivió en París y participó en cuatro exposiciones impresionistas) (1844-1926)
Paul Cézanne (aunque más tarde se separó de los impresionistas) (1839-1906)
Edgar Degas (quien despreció el término impresionista) (1834-1917)
Armand Guillaumin (1841-1927)
Édouard Manet (que no participó en ninguna de las exposiciones impresionistas) (1832-1883)
Claude Monet (el más prolífico de los impresionistas y el que encarna su estética más obviamente) (1840-1926)
Berthe Morisot (que participó en todas las exposiciones impresionistas excepto en 1879) (1841-1895)
Camille Pissarro (1830-1903)
Pierre-Auguste Renoir (que participó en exposiciones impresionistas en 1874, 1876, 1877 y 1882) (1841-1919)
Alfred Sisley (1839-1899)
Asociados y artistas influenciados
Entre los asociados más cercanos de los impresionistas se encontraban varios pintores que adoptaron sus métodos hasta cierto punto. Estos incluyen a Jean-Louis Forain (que participó en exposiciones impresionistas en 1879, 1880, 1881 y 1886) y Giuseppe De Nittis, un artista italiano residente en París que participó en la primera exposición impresionista por invitación de Degas, aunque los demás impresionistas lo menospreciaron su trabajo. Federico Zandomeneghi fue otro amigo italiano de Degas que se presentó con los impresionistas. Eva Gonzalès era una seguidora de Manet que no exhibió con el grupo. James Abbott McNeill Whistler fue un pintor nacido en Estados Unidos que participó en el Impresionismo aunque no se unió al grupo y prefirió los colores grisáceos. Walter Sickert, un artista inglés, fue inicialmente un seguidor de Whistler, y más tarde un importante discípulo de Degas; él no exhibió con los Impresionistas. En 1904, el artista y escritor Wynford Dewhurst escribió el primer estudio importante de los pintores franceses publicado en inglés, Impressionist Painting: su génesis y desarrollo, que hizo mucho para popularizar el Impresionismo en Gran Bretaña.
A principios de la década de 1880, los métodos impresionistas estaban afectando, al menos superficialmente, el arte del Salón. Los pintores de moda como Jean Béraud y Henri Gervex encontraron el éxito crítico y financiero al iluminar sus paletas al tiempo que conservan el acabado liso que se espera de Salon Art. Las obras de estos artistas a veces se conocen como Impresionismo, a pesar de su lejanía de la práctica impresionista.
La influencia de los impresionistas franceses duró mucho después de la mayoría de ellos había muerto. Artistas como JD Kirszenbaum tomaron prestadas técnicas impresionistas a lo largo del siglo XX.
Más allá de Francia
A medida que la influencia del Impresionismo se extendió más allá de Francia, los artistas, demasiado numerosos para enumerar, se identificaron como practicantes del nuevo estilo. Algunos de los ejemplos más importantes son:
Los impresionistas estadounidenses, incluidos Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley y J. Alden Weir.
Los impresionistas australianos, incluidos Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder y Frederick McCubbin (que eran miembros destacados de la Escuela Heidelberg), y John Peter Russell, amigo de Van Gogh, Rodin, Monet y Matisse.
Los impresionistas de Amsterdam en los Países Bajos, entre ellos George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen y Jan Toorop.
Anna Boch, amigo de Vincent van Gogh Eugène Boch, Georges Lemmen y Théo van Rysselberghe, pintores impresionistas de Bélgica.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama y Matej Sternen, impresionistas de Eslovenia. Comenzaron en la escuela de Anton Ažbe en Munich y fueron influenciados por Jurij Šubic e Ivana Kobilca, pintores eslovenos que trabajan en París.
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert y Philip Wilson Steer eran pintores impresionistas bien conocidos del Reino Unido. Pierre Adolphe Valette, nacido en Francia pero que trabajaba en Manchester, era el tutor de LS Lowry.
Los impresionistas alemanes, incluidos Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt y August von Brandis.
László Mednyánszky en Hungría
Theodor von Ehrmanns y Hugo Charlemont, que fueron pintores impresionistas entre los pintores secesionistas de Viena más dominantes en Austria
William John Leech, Roderic O’Conor y Walter Osborne en Irlanda
Konstantin Korovin y Valentin Serov en Rusia
Francisco Oller y Cestero, nativo de Puerto Rico y amigo de Pissarro y Cézanne
James Nairn en Nueva Zelanda.
William McTaggart en Escocia.
Laura Muntz Lyall, una artista canadiense
Władysław Podkowiński, un impresionista polaco y simbolista
Nicolae Grigorescu en Rumania
Nazmi Ziya Güran, quien llevó el Impresionismo a Turquía
Chafik Charobim en Egipto
Eliseu Visconti en Brasil
Joaquín Sorolla en España
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Cándido López, Martín Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva en Argentina
Skagen Painters un grupo de artistas escandinavos que pintaron en un pequeño pueblo pesquero danés
Nadežda Petrović en Serbia
Ásgrímur Jónsson en Islandia
Fujishima Takeji en Japón
Frits Thaulow en Noruega y luego en Francia.
Escultura, fotografía y película
El escultor Auguste Rodin a veces es llamado impresionista por la forma en que usó superficies modeladas para sugerir efectos de luz transitorios.
Los fotógrafos pictorialistas cuyo trabajo se caracteriza por un enfoque suave y efectos atmosféricos también han sido llamados impresionistas.
El cine impresionista francés es un término aplicado a un grupo de cine y cineastas vagamente definidos en Francia de 1919 a 1929, aunque estos años son discutibles. Los cineastas impresionistas franceses incluyen a Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Louis Delluc y Dmitry Kirsanoff.
Música y literatura
Impresionismo musical es el nombre dado a un movimiento en la música clásica europea que surgió a fines del siglo XIX y continuó a mediados del siglo XX. Originario de Francia, el impresionismo musical se caracteriza por sugestión y atmósfera, y evita los excesos emocionales de la época romántica. Los compositores impresionistas favorecían las formas cortas, como la nocturna, el arabesco y el preludio, y con frecuencia exploraban escalas poco comunes, como la escala tonal completa. Quizás las innovaciones más notables de los compositores impresionistas fueron la introducción de los acordes séptimos principales y la extensión de las estructuras de acordes en 3rds a las armonías de cinco y seis partes.
La influencia del Impresionismo visual en su contraparte musical es discutible. Claude Debussy y Maurice Ravel son generalmente considerados los mejores compositores impresionistas, pero Debussy rechazó el término, llamándolo la invención de la crítica. Erik Satie también fue considerado en esta categoría, aunque su enfoque fue considerado como menos serio, más novedad musical en la naturaleza. Paul Dukas es otro compositor francés a veces considerado impresionista, pero su estilo está quizás más alineado con los románticos tardíos. El impresionismo musical más allá de Francia incluye el trabajo de compositores como Ottorino Respighi (Italia), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott y John Ireland (Inglaterra), y Manuel De Falla, e Isaac Albeniz (España).
El término Impresionismo también se ha utilizado para describir obras literarias en las que bastan algunos detalles para transmitir las impresiones sensoriales de un incidente o escena. La literatura impresionista está estrechamente relacionada con el simbolismo, con sus principales ejemplos son Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud y Verlaine. Autores como Virginia Woolf, DH Lawrence y Joseph Conrad han escrito obras que son impresionistas en la forma en que describen, en lugar de interpretar, las impresiones, sensaciones y emociones que constituyen la vida mental de un personaje.
Post impresionismo
Postimpresionismo desarrollado a partir del impresionismo. Durante la década de 1880, varios artistas comenzaron a desarrollar diferentes preceptos para el uso del color, el patrón, la forma y la línea, derivados del ejemplo impresionista: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec. Estos artistas eran un poco más jóvenes que los impresionistas, y su trabajo se conoce como postimpresionismo. Algunos de los artistas impresionistas originales también se aventuraron en este nuevo territorio; Camille Pissarro pintó brevemente de una manera puntillista, e incluso Monet abandonó la estricta pintura al aire libre. Paul Cézanne, que participó en la primera y la tercera exposición impresionista, desarrolló una visión altamente individual que enfatiza la estructura pictórica, y con más frecuencia se lo denomina postimpresionista. Aunque estos casos ilustran la dificultad de asignar etiquetas, el trabajo de los pintores Impresionistas originales puede, por definición, ser categorizado como Impresionismo.