L’impressionismo è un movimento artistico del XIX secolo caratterizzato da pennellate relativamente piccole, sottili ma visibili, composizione aperta, enfasi sulla rappresentazione accurata della luce nelle sue qualità mutevoli (spesso accentuando gli effetti del passare del tempo), materia ordinaria, inclusione del movimento come elemento cruciale della percezione e dell’esperienza umana e angoli visivi insoliti. L’impressionismo ebbe origine da un gruppo di artisti con sede a Parigi, le cui esposizioni indipendenti li portarono alla ribalta negli anni tra il 1870 e il 1880.
Impressionismo generalmente applicato a un movimento artistico in Francia alla fine del XIX secolo. Il movimento ha dato origine a tali elementi ausiliari come l’impressionismo americano. L’uso principale del termine Impressionista è per un gruppo di pittori francesi che lavorò tra il 1860 e il 1900, in particolare per descrivere le loro opere degli ultimi anni 1860 alla metà del 1880. Questi artisti includono Frédéric Bazille, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir e Alfred Sisley, così come Mary Cassatt, Gustave Caillebotte (che fu anche un importante collezionista dei primi anni), Eva Gonzales , Armand Guillaumin e Stanislas Lépine Il movimento era anti-accademico nei suoi aspetti formali e prevedeva la creazione di luoghi diversi dal Salon ufficiale per mostrare e vendere dipinti.
Gli impressionisti hanno affrontato una dura opposizione dalla comunità artistica convenzionale in Francia. Il nome dello stile deriva dal titolo di un’opera di Claude Monet, Impression, soleil levant (Impression, Sunrise), che ha provocato il critico Louis Leroy a coniare il termine in una recensione satirica pubblicata sul quotidiano parigino Le Charivari.
Lo sviluppo dell’Impressionismo nelle arti visive fu presto seguito da stili analoghi in altri media che divennero noti come musica impressionista e letteratura impressionista.
Panoramica
Radicali nel loro tempo, i primi impressionisti violavano le regole della pittura accademica. Hanno costruito le loro immagini da colori liberamente spazzolati che hanno avuto la precedenza su linee e contorni, seguendo l’esempio di pittori come Eugène Delacroix e J. M. W. Turner. Hanno anche dipinto scene realistiche della vita moderna e spesso dipinte all’aperto. In precedenza, nature morte, ritratti e paesaggi venivano solitamente dipinti in uno studio. Gli impressionisti hanno scoperto che potevano catturare gli effetti momentanei e transitori della luce solare dipingendo all’aperto o en plein air. Hanno interpretato effetti visivi generali anziché dettagli e hanno usato brevi pennellate “rotte” di colore misto e puro non mescolato, non miscelate uniformemente o ombreggiate, come era consuetudine, per ottenere un effetto di intensa vibrazione di colore.
Impressionismo emerse in Francia nello stesso periodo in cui un certo numero di altri pittori, tra cui gli artisti italiani noti come Macchiaioli, e Winslow Homer negli Stati Uniti, stavano anche esplorando la pittura ad aria compressa. Gli impressionisti, tuttavia, svilupparono nuove tecniche specifiche per lo stile. Comprendere ciò che i suoi sostenitori sostenevano era un modo diverso di vedere, è un’arte di immediatezza e movimento, di pose e composizioni schiette, dei giochi di luce espressi in un uso vario e brillante del colore.
Il pubblico, inizialmente ostile, arrivò gradualmente a credere che gli impressionisti avessero catturato una visione nuova e originale, anche se i critici d’arte e l’establishment d’arte disapprovavano il nuovo stile.
Ricreando la sensazione nell’occhio che vede il soggetto, piuttosto che delineare i dettagli del soggetto, e creando un vortice di tecniche e forme, Impressionismo è un precursore di vari stili di pittura, tra cui Neo-Impressionismo, Post-Impressionismo, Fauvismo e cubismo.
Beginnings
A metà del XIX secolo – un tempo in cui l’imperatore Napoleone III ricostruì Parigi e intraprese la guerra – l’Académie des Beaux-Arts dominò l’arte francese. L’Académie era il conservatore degli standard tradizionali di pittura francese di contenuto e stile. Sono stati valutati temi storici, temi religiosi e ritratti; il paesaggio e la natura morta no. L’Académie preferiva immagini accuratamente rifinite che apparivano realistiche se esaminate attentamente. I dipinti di questo stile erano costituiti da precise pennellate accuratamente miscelate per nascondere la mano dell’artista nel lavoro. Il colore è stato trattenuto e spesso attenuato ulteriormente dall’applicazione di una vernice dorata.
L’Académie aveva una mostra d’arte annuale, giurata, il Salon de Paris, e artisti i cui lavori erano esposti nello spettacolo vinti premi, raccolto commissioni e aumentato il loro prestigio. Gli standard delle giurie rappresentavano i valori dell’Académie, rappresentati dalle opere di artisti come Jean-Léon Gérôme e Alexandre Cabanel.
Nei primi anni del 1860, quattro giovani pittori – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille – si incontrarono mentre studiavano sotto l’artista accademico Charles Gleyre. Scoprirono che condividevano l’interesse per la pittura del paesaggio e della vita contemporanea piuttosto che per le scene storiche o mitologiche. Seguendo una pratica che era diventata sempre più popolare verso la metà del secolo, spesso si avventuravano in campagna insieme per dipingere all’aperto, ma non allo scopo di far sviluppare gli schizzi in lavori accuratamente rifiniti in studio, come era il solito personalizzato. Dipingendo alla luce del sole direttamente dalla natura e facendo audace uso dei vivaci pigmenti sintetici che erano diventati disponibili dall’inizio del secolo, iniziarono a sviluppare un modo di dipingere più leggero e luminoso che estese ulteriormente il realismo di Gustave Courbet e del Barbizon. scuola. Un luogo d’incontro preferito per gli artisti era il Café Guerbois in Avenue de Clichy a Parigi, dove le discussioni erano spesso guidate da Édouard Manet, che gli artisti più giovani ammiravano molto. Furono presto raggiunti da Camille Pissarro, Paul Cézanne e Armand Guillaumin.
Durante il 1860, la giuria del Salon respinse sistematicamente circa metà delle opere presentate da Monet e dai suoi amici a favore di opere di artisti fedeli allo stile approvato. Nel 1863, la giuria del Salon respinse Manet’s The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l’herbe) principalmente perché raffigurava una donna nuda con due uomini vestiti durante un picnic. Mentre la giuria del Salon accettava abitualmente i nudi nei dipinti storici e allegorici, condannava Manet per aver messo un nudo realistico in un ambiente contemporaneo. Il rifiuto della giurisprudenza della pittura di Manet da parte della giuria ha spaventato i suoi ammiratori, e il numero insolitamente elevato di opere rifiutate quell’anno ha perturbato molti artisti francesi.
Dopo che l’imperatore Napoleone III vide le opere rifiutate del 1863, decretò che il pubblico fosse autorizzato a giudicare l’opera stessa, e fu organizzato il Salon des Refusés (Salone dei Rifiuti). Mentre molti spettatori venivano solo a ridere, il Salon des Refusés attirò l’attenzione sull’esistenza di una nuova tendenza nell’arte e attirò più visitatori del solito Salon.
Le petizioni degli artisti che richiedevano un nuovo Salon des Refusés nel 1867, e ancora nel 1872, furono negate. Nel dicembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas e diversi altri artisti fondarono la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (“Associazione cooperativa e anonima di pittori, scultori e incisori”) per esporre le proprie opere in modo indipendente. Ci si aspettava che i membri dell’associazione rinunciassero alla partecipazione al Salon. Gli organizzatori hanno invitato un certo numero di altri artisti progressisti a unirsi a loro nella loro mostra inaugurale, tra cui il più anziano Eugène Boudin, il cui esempio aveva prima persuaso Monet ad adottare la pittura ad aria compressa anni prima. Un altro pittore che ha fortemente influenzato Monet e i suoi amici, Johan Jongkind, ha rifiutato di partecipare, così come ha fatto Édouard Manet. In totale, trenta artisti hanno partecipato alla loro prima esposizione, tenutasi nell’aprile del 1874 nello studio del fotografo Nadar.
La risposta critica è stata mista. Monet e Cézanne hanno ricevuto gli attacchi più duri. Il critico e umorista Louis Leroy ha scritto una scrupolosa recensione sul quotidiano Le Charivari in cui, facendo gioco di parole con il titolo di Impression di Claude Monet, Sunrise (Impression, soleil levant), diede agli artisti il nome con cui divennero noti. Titolando in modo derisorio il suo articolo The Exhibition of the Impressionists, Leroy dichiarò che il dipinto di Monet era tutt’al più, uno schizzo, e difficilmente poteva essere definito un lavoro finito.
Ha scritto, sotto forma di un dialogo tra gli spettatori,
Impressione: ne ero certo. Mi stavo solo dicendo che, dato che ero impressionato, ci doveva essere una certa impressione … e che libertà, che facilità di lavorazione! La carta da parati allo stato embrionale è più rifinita di quel paesaggio marino.
Il termine Impressionista guadagnò rapidamente il favore del pubblico. Era anche accettato dagli stessi artisti, anche se erano un gruppo eterogeneo di stile e temperamento, unificato principalmente dal loro spirito di indipendenza e ribellione. Esibirono insieme, anche se con un cambio di appartenenza, otto volte tra il 1874 e il 1886. Lo stile degli impressionisti, con le sue pennellate spontanee e spontanee, sarebbe presto diventato sinonimo di vita moderna.
Monet, Sisley, Morisot e Pissarro possono essere considerati gli impressionisti più “puri”, nella loro costante ricerca di un’arte di spontaneità, luce solare e colore. Degas respinse molto di ciò, poiché credeva nel primato del disegno sul colore e sminuì la pratica della pittura all’aperto. Renoir si allontanò dall’impressionismo per un periodo durante il 1880 e non riacquistò mai completamente il suo impegno per le sue idee. Édouard Manet, sebbene considerato dagli impressionisti come il loro capo, non abbandonò mai il suo uso liberale del nero come colore, e non partecipò mai alle mostre impressioniste. Continuò a presentare le sue opere al Salon, dove il suo pittore spagnolo Singer aveva vinto una medaglia di seconda classe nel 1861, e sollecitò gli altri a fare altrettanto, sostenendo che “il Salon è il vero campo di battaglia” dove una reputazione potrebbe essere fatto.
Tra gli artisti del gruppo principale (meno Bazille, che era morto nella guerra franco-prussiana nel 1870), le defezioni avvenivano come Cézanne, seguito in seguito da Renoir, Sisley e Monet, astenendosi dalle mostre collettive in modo da poter presentare i loro lavori al salone. I disaccordi sono sorti da questioni come l’appartenenza di Guillaumin al gruppo, sostenute da Pissarro e Cézanne contro l’opposizione di Monet e Degas, che lo ritenevano indegno. Degas invitò Mary Cassatt a esporre le sue opere nella mostra del 1879, ma insistette anche sull’inclusione di Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic e altri realisti che non rappresentavano le pratiche impressioniste, facendo in modo che Monet nel 1880 accusasse gli impressionisti di “aprire le porte” ai primi arrivati daubers “. Il gruppo si divise su inviti a Paul Signac e Georges Seurat ad esporre con loro nel 1886. Pissarro fu l’unico artista a mostrare in tutte e otto le mostre impressioniste.
I singoli artisti hanno ottenuto pochi premi finanziari dalle mostre impressioniste, ma la loro arte ha gradualmente conquistato un certo grado di accettazione e sostegno da parte del pubblico. Il loro rivenditore, Durand-Ruel, ha avuto un ruolo importante in questo, poiché ha mantenuto il loro lavoro davanti al pubblico e ha organizzato spettacoli per loro a Londra e New York. Sebbene Sisley morì in povertà nel 1899, Renoir ebbe un grande successo nel Salon nel 1879. Monet divenne finanziariamente sicuro all’inizio del 1880 e così fece Pissarro all’inizio degli anni ’90. A quel tempo i metodi della pittura impressionista, in una forma diluita, erano diventati comuni in Salon art.
Tecniche impressioniste
I pittori francesi che hanno preparato la strada all’impressionismo includono il colorista romantico Eugène Delacroix, il leader dei realisti Gustave Courbet e pittori della scuola di Barbizon come Théodore Rousseau. Gli impressionisti impararono molto dal lavoro di Johan Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot e Eugène Boudin, che dipingeva dalla natura in uno stile diretto e spontaneo che prefigurava l’impressionismo e che faceva amicizia e consigliava gli artisti più giovani.
Un certo numero di tecniche identificabili e abitudini di lavoro hanno contribuito allo stile innovativo degli impressionisti. Sebbene questi metodi fossero stati usati da artisti precedenti – e spesso sono vistosi nel lavoro di artisti come Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable e JMW Turner – gli impressionisti furono i primi ad usarli tutti insieme, e con una tale coerenza Queste tecniche includono:
I tratti di vernice brevi e spessi catturano rapidamente l’essenza del soggetto, piuttosto che i suoi dettagli. La vernice viene spesso applicata all’impasto.
I colori vengono applicati fianco a fianco con il minor mix possibile, una tecnica che sfrutta il principio del contrasto simultaneo per rendere il colore più vivido allo spettatore.
Grigi e toni scuri sono prodotti mescolando colori complementari. L’impressionismo puro evita l’uso di vernice nera.
La vernice bagnata viene immersa nella vernice umida senza attendere che le successive applicazioni si asciughino, producendo bordi più morbidi e mescolanza di colori.
I dipinti impressionisti non sfruttano la trasparenza di sottili pellicole di pittura (smalti), che i precedenti artisti manipolavano attentamente per produrre effetti. La superficie pittorica impressionista è tipicamente opaca.
La vernice viene applicata su un fondo bianco o di colore chiaro. In precedenza, i pittori usavano spesso motivi grigio scuro o fortemente colorati.
Il gioco di luce naturale è enfatizzato. Viene prestata particolare attenzione al riflesso dei colori da oggetto a oggetto. I pittori lavoravano spesso la sera per produrre effets de soir – gli effetti di ombre della sera o del crepuscolo.
Nei dipinti realizzati en plein air (all’aperto), le ombre sono dipinte in modo audace con il blu del cielo che si riflette sulle superfici, dando un senso di freschezza che prima non era rappresentato nella pittura. (Le ombre blu sulla neve hanno ispirato la tecnica).
La nuova tecnologia ha avuto un ruolo nello sviluppo dello stile. Gli impressionisti hanno approfittato dell’introduzione a metà del secolo di pitture premiscelate in tubi di latta (simili ai moderni tubi per dentifricio), che hanno permesso agli artisti di lavorare più spontaneamente, sia all’aperto che al chiuso. In precedenza, i pittori producevano le loro pitture singolarmente, macinando e mescolando polveri di pigmenti a secco con olio di lino, che venivano poi immagazzinate in vesciche animali.
Molti pigmenti sintetici vivaci divennero commercialmente disponibili per gli artisti per la prima volta durante il XIX secolo. Questi includevano il blu cobalto, il viridian, il giallo cadmio e il blu oltremare sintetico, che erano tutti in uso negli anni Quaranta dell’Ottocento, prima dell’impressionismo. Il modo di dipingere degli impressionisti fece un uso audace di questi pigmenti e di colori ancora più recenti come il blu ceruleo, che divenne disponibile commercialmente agli artisti negli anni ’60 dell’Ottocento.
Il progresso degli impressionisti verso uno stile di pittura più luminoso è stato graduale. Durante il 1860, Monet e Renoir a volte dipingevano su tele preparate con il tradizionale terreno rosso-marrone o grigio. Negli anni Settanta del XIX secolo, Monet, Renoir e Pissarro di solito sceglievano di dipingere su un colore più chiaro grigio o beige, che fungeva da tono intermedio nel dipinto finito. Intorno al 1880, alcuni impressionisti erano venuti a preferire motivi bianchi o leggermente bianchi, e non consentivano più al colore del terreno un ruolo significativo nel dipinto finito.
Contenuto e composizione
Prima degli impressionisti, altri pittori, in particolare pittori olandesi del XVII secolo come Jan Steen, avevano enfatizzato argomenti comuni, ma i loro metodi di composizione erano tradizionali. Organizzarono le loro composizioni in modo che il soggetto principale comandasse l’attenzione dello spettatore. Gli impressionisti rilassarono il confine tra soggetto e sfondo in modo che l’effetto di una pittura impressionista spesso somigliasse a un’istantanea, una parte di una realtà più grande catturata come per caso. La fotografia stava guadagnando popolarità e, man mano che le videocamere diventavano più portatili, le fotografie diventavano più sincere. Gli impressionisti ispirati alla fotografia rappresentano l’azione momentanea, non solo nelle fugaci luci di un paesaggio, ma nella vita quotidiana delle persone.
Lo sviluppo dell’impressionismo può essere considerato in parte come una reazione degli artisti alla sfida presentata dalla fotografia, che sembrava svalutare l’abilità dell’artista nel riprodurre la realtà. Sia i ritratti che i paesaggi sono stati giudicati in qualche modo carenti e privi di verità poiché la fotografia “produceva immagini realistiche in modo molto più efficiente e affidabile”.
Nonostante ciò, la fotografia in realtà ispirò gli artisti a perseguire altri mezzi di espressione creativa, e piuttosto che competere con la fotografia per emulare la realtà, gli artisti si concentrarono “sull’unica cosa che potevano inevitabilmente fare meglio della fotografia – sviluppando ulteriormente in una forma d’arte” la sua stessa soggettività nella concezione dell’immagine, la stessa soggettività che la fotografia ha eliminato “. Gli impressionisti hanno cercato di esprimere la loro percezione della natura, piuttosto che creare rappresentazioni esatte. Ciò ha permesso agli artisti di rappresentare soggettivamente ciò che vedevano con i loro “taciti imperativi di gusto e coscienza”. La fotografia ha incoraggiato i pittori a sfruttare aspetti del mezzo pittorico, come il colore, a cui poi mancava la fotografia: “Gli impressionisti sono stati i primi a offrire consapevolmente un’alternativa soggettiva alla fotografia”.
Un’altra grande influenza è stata la stampa giapponese di ukiyo-e (japonismo). L’arte di queste stampe ha contribuito in modo significativo agli angoli “istantanei” e alle composizioni non convenzionali che sono diventate caratteristiche dell’Impressionismo. Un esempio è il Jardin à Sainte-Adresse di Monet, 1867, con i suoi audaci blocchi di colore e composizione su una forte inclinazione diagonale che mostra l’influenza delle stampe giapponesi
Edgar Degas era un appassionato fotografo e un collezionista di stampe giapponesi. La sua The Dance Class (La classe de danse) del 1874 mostra entrambe le influenze nella sua composizione asimmetrica. I ballerini sono apparentemente presi alla sprovvista in varie pose scomode, lasciando una distesa di spazio vuoto nel quadrante in basso a destra. Ha anche catturato i suoi ballerini in scultura, come il Little Dancer of Fourteen Years.
Principali impressionisti
Le figure centrali dello sviluppo dell’Impressionismo in Francia, elencate in ordine alfabetico, erano:
Frédéric Bazille (che ha partecipato solo postumo alle mostre impressioniste) (1841-1870)
Gustave Caillebotte (che, più giovane degli altri, ha unito le loro forze a metà degli anni 1870) (1848-1894)
Mary Cassatt (di origine americana, ha vissuto a Parigi e ha partecipato a quattro mostre impressioniste) (1844-1926)
Paul Cézanne (anche se in seguito si staccò dagli impressionisti) (1839-1906)
Edgar Degas (che ha disprezzato il termine Impressionista) (1834-1917)
Armand Guillaumin (1841-1927)
Édouard Manet (che non ha partecipato a nessuna delle mostre impressioniste) (1832-1883)
Claude Monet (il più prolifico degli impressionisti e quello che incarna la loro estetica più chiaramente) (1840-1926)
Berthe Morisot (che ha partecipato a tutte le mostre impressioniste tranne nel 1879) (1841-1895)
Camille Pissarro (1830-1903)
Pierre-Auguste Renoir (che ha partecipato a mostre impressioniste nel 1874, 1876, 1877 e 1882) (1841-1919)
Alfred Sisley (1839-1899)
Associati e artisti influenzati
Tra gli stretti collaboratori degli impressionisti c’erano molti pittori che adottarono i loro metodi in una certa misura. Tra questi Jean-Louis Forain (che partecipò a mostre impressioniste nel 1879, 1880, 1881 e 1886) e Giuseppe De Nittis, un artista italiano residente a Parigi che partecipò alla prima mostra impressionista su invito di Degas, anche se gli altri impressionisti screditarono il suo lavoro. Federico Zandomeneghi era un altro amico italiano di Degas che ha mostrato con gli impressionisti. Eva Gonzales era un seguace di Manet che non esibiva con il gruppo. James Abbott McNeill Whistler era un pittore di origine americana che ha avuto un ruolo in Impressionismo anche se non si è unito al gruppo e ha preferito i colori grigi. Walter Sickert, un artista inglese, inizialmente era un seguace di Whistler, e in seguito un importante discepolo di Degas; non ha esibito con gli impressionisti. Nel 1904 l’artista e scrittore Wynford Dewhurst scrisse il primo importante studio dei pittori francesi pubblicato in inglese, Impressionist Painting: la sua genesi e sviluppo, che fece molto per diffondere l’impressionismo in Gran Bretagna.
Agli inizi degli anni ottanta, i metodi impressionisti influivano, almeno superficialmente, sull’arte del Salon. Pittori alla moda come Jean Béraud e Henri Gervex hanno trovato un successo critico e finanziario illuminando le loro tavolozze mantenendo la finitura liscia prevista per l’arte del Salon. Le opere di questi artisti a volte vengono casualmente definite Impressionismo, nonostante la loro lontananza dalla pratica impressionista.
L’influenza degli impressionisti francesi è durata molto tempo dopo che molti di loro erano morti. Artisti come J.D. Kirszenbaum stavano prendendo in prestito tecniche impressioniste nel corso del ventesimo secolo.
Oltre la Francia
Mentre l’influenza dell’Impressionismo si diffondeva oltre la Francia, gli artisti, troppo numerosi per elencarli, si identificarono come praticanti del nuovo stile. Alcuni degli esempi più importanti sono:
Gli impressionisti americani, tra cui Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley e J. Alden Weir.
Gli impressionisti australiani, tra cui Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder e Frederick McCubbin (che erano membri di spicco della scuola di Heidelberg), e John Peter Russell, amico di Van Gogh, Rodin, Monet e Matisse.
Gli impressionisti di Amsterdam nei Paesi Bassi, tra cui George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen e Jan Toorop.
Anna Boch, l’amica di Vincent van Gogh Eugène Boch, Georges Lemmen e Théo van Rysselberghe, pittori impressionisti belgi.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama e Matej Sternen, impressionisti dalla Slovenia. Il loro inizio è stato nella scuola di Anton Ažbe a Monaco e sono stati influenzati da Jurij Šubic e Ivana Kobilca, pittori sloveni che lavorano a Parigi
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert e Philip Wilson Steer erano noti pittori impressionisti del Regno Unito. Pierre Adolphe Valette, nato in Francia ma che lavorava a Manchester, era il tutore di L.Slowry.
Gli impressionisti tedeschi, tra cui Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt e August von Brandis.
László Mednyánszky in Ungheria
Theodor von Ehrmanns e Hugo Charlemont, che erano rari impressionisti tra i più importanti pittori secessionisti viennesi in Austria
William John Leech, Roderic O’Conor e Walter Osborne in Irlanda
Konstantin Korovin e Valentin Serov in Russia
Francisco Oller y Cestero, originario di Porto Rico e amico di Pissarro e Cézanne
James Nairn in Nuova Zelanda.
William McTaggart in Scozia.
Laura Muntz Lyall, artista canadese
Władysław Podkowiński, un impressionista e simbolista polacco
Nicolae Grigorescu in Romania
Nazmi Ziya Güran, che ha portato l’impressionismo in Turchia
Chafik Charobim in Egitto
Eliseu Visconti in Brasile
Joaquín Sorolla in Spagna
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva in Argentina
Skagen Painters un gruppo di artisti scandinavi che dipinsero in un piccolo villaggio di pescatori danese
Nadežda Petrović in Serbia
Ásgrímur Jónsson in Islanda
Fujishima Takeji in Giappone
Frits Thaulow in Norvegia e poi in Francia.
Scultura, fotografia e film
Lo scultore Auguste Rodin è talvolta definito un impressionista per il modo in cui ha usato superfici modellate approssimativamente per suggerire effetti di luce transitori.
Anche i fotografi pittorialisti, il cui lavoro è caratterizzato da effetti soft focus ed effetti atmosferici, sono stati definiti impressionisti.
Il cinema impressionista francese è un termine applicato a un gruppo vagamente definito di film e registi in Francia dal 1919 al 1929, sebbene questi anni siano discutibili. I registi impressionisti francesi comprendono Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Louis Delluc e Dmitry Kirsanoff.
Musica e letteratura
Impressionismo musicale è il nome dato a un movimento nella musica classica europea sorto alla fine del XIX secolo e continuato fino alla metà del XX secolo. Originario della Francia, l’impressionismo musicale è caratterizzato da suggestioni e atmosfera, e si sottrae agli eccessi emotivi dell’era romantica. I compositori impressionisti prediligevano forme brevi come il notturno, l’arabesco e il preludio, e spesso esploravano scale non comuni come l’intera scala tonale. Forse le innovazioni più importanti dei compositori impressionisti sono state l’introduzione dei principali 7 accordi e l’estensione delle strutture di accordi in 3a alle armonie di cinque e sei parti.
L’influenza dell’impressionismo visivo sulla sua controparte musicale è discutibile. Claude Debussy e Maurice Ravel sono generalmente considerati i più grandi compositori impressionisti, ma Debussy ha sconfessato il termine, definendolo l’invenzione dei critici. Anche Erik Satie era considerato in questa categoria, sebbene il suo approccio fosse considerato come una novità meno seria, più musicale in natura. Paul Dukas è un altro compositore francese a volte considerato un impressionista, ma il suo stile è forse più strettamente allineato al tardo romanticismo. L’impressionismo musicale oltre la Francia include il lavoro di compositori come Ottorino Respighi (Italia) Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott e John Ireland (Inghilterra), Manuel De Falla e Isaac Albeniz (Spagna).
Il termine Impressionismo è stato anche usato per descrivere opere letterarie in cui pochi dettagli selezionati bastano a trasmettere le impressioni sensoriali di un incidente o di una scena. La letteratura impressionista è strettamente legata al Simbolismo, con i suoi principali esempi come Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud e Verlaine. Autori come Virginia Woolf, D.H. Lawrence e Joseph Conrad hanno scritto lavori che sono impressionisti nel modo in cui descrivono, piuttosto che interpretare, le impressioni, le sensazioni e le emozioni che costituiscono la vita mentale di un personaggio.
Post impressionismo
Post-impressionismo sviluppato dall’impressionismo. Durante il 1880 diversi artisti iniziarono a sviluppare diversi precetti per l’uso del colore, del modello, della forma e della linea, derivati dall’esempio dell’impressionismo: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat e Henri de Toulouse-Lautrec. Questi artisti erano leggermente più giovani degli impressionisti e il loro lavoro è noto come post-impressionismo. Alcuni degli artisti impressionisti originali si sono avventurati anche in questo nuovo territorio; Camille Pissarro dipinse brevemente in modo puntinista, e persino Monet abbandonò la rigorosa pittura ad aria compressa. Paul Cézanne, che ha partecipato alla prima e alla terza mostra impressionista, ha sviluppato una visione altamente individuale che enfatizza la struttura pittorica, ed è più spesso chiamato post-impressionista. Sebbene questi casi illustrino la difficoltà di assegnare etichette, il lavoro dei pittori impressionisti originali può, per definizione, essere categorizzato come Impressionismo.