인상주의는 비교적 작고 얇지 만 눈에 띄는 브러쉬 스트로크, 열린 구성, 변화하는 특성 (종종 시간의 효과를 강조 함)에서 빛의 정확한 묘사에 중점을 둔 19 세기 미술 운동으로, 일반적인 주제, 포함 인간의 지각과 경험, 그리고 비정상적인 시각적 인 각도의 중요한 요소 인 운동. 인상주의는 파리의 독립 예술가들이 1870 년대와 1880 년대에 두드러지게 각색 한 미술가 그룹에서 시작되었습니다.

인상주의는 일반적으로 19 세기 후반 프랑스의 예술 운동에 적용되었습니다. 운동은 아메리칸 인상파와 같은 부자를 야기했다. 인상파라는 용어의 주된 사용은 1860 년에서 1900 년 사이에 작업 한 프랑스 화가들, 특히 1860 년대 후반에서 1880 년대 중반의 작품을 묘사하기위한 것입니다. 이 작가들은 프레데릭 바질, 폴 세잔, 에드가 드가, 에두아르 마네, 클로드 모네, 베르테 모리소트, 카밀 피사로, 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬리, 메리 카사트, 귀스타브 카일레 보트 (Gustave Caillebotte), 에바 곤살레스 (Eva Gonzalès) , Armand Guillaumin and Stanislas Lépine이 운동은 공식적인면에서 반 학문적이었으며 회화 전시 및 판매를위한 공식 살롱 이외의 장소 설립을 포함했습니다.

인상파 화가들은 프랑스의 전통적인 예술 공동체로부터의 가혹한 반대에 직면했다. 그 스타일의 이름은 Claude Monet의 작품 인 Impression, soleil levant (Impression, Sunrise)에서 유래되었으며 파리의 Le Charivari 지에 게재 된 풍자적 리뷰에서 Louis Leroy가 비평가를 불러 일으켰다.

시각 예술 분야의 인상주의 발전은 곧 다른 매체의 인상주의 음악 및 인상파 문학으로 알려진 유사한 스타일로 이어졌다.

개요
초기 시대의 급진주의 자들은 인상주의자가 학술적 그림의 규칙을 위반했다. 그들은 유진 델라 크로이 (Eugène Delacroix)와 ​​J. M. W. Turner와 같은 화가의 사례를 따라 라인과 윤곽선보다 우선 순위가 높은 자유로운 브러시 색상으로 사진을 구성했습니다. 그들은 또한 현대 생활의 현실적인 장면을 그리고 종종 야외에서 그렸습니다. 이전에는 스틸 라이프와 인물 및 풍경이 일반적으로 스튜디오에 그려져있었습니다. 인상파 학자들은 옥외 또는 희게하는 공기로 그려서 햇빛의 일시적이고 일시적인 영향을 포착 할 수 있다는 것을 발견했습니다. 그들은 세부 사항 대신 전반적인 시각 효과를 묘사하고 강렬한 색상 진동의 효과를 얻기 위해 관습이었던 것처럼 혼합되거나 순수한 혼합되지 않은 색상의 짧은 “깨진”브러시 스트로크를 부드럽게 또는 음영으로 혼합하지 않았습니다.

프랑스에서는 인상주의가 동시에 나타 났으며, 동시에 Macchiaioli라고 알려진 이탈리아 화가와 미국의 Winslow Homer를 비롯한 많은 수의 화가들이 plein-air painting을 탐구하고있었습니다. 그러나 인상주의자는 스타일과 관련된 새로운 기법을 개발했습니다. 그것의 지지자들이 주장한 것을 포괄하는 것은 다른 보는 방법이었습니다. 즉각적이고 움직이는 예술, 솔직한 포즈와 작곡, 밝고 다양한 색깔의 표현으로 표현 된 빛의 놀이입니다.

처음에는 적대적이었던 대중이 인상파가 미술 비평가와 예술 설립이 새로운 스타일을 인정하지 않더라도 신선하고 독창적 인 비전을 점차적으로 포착했다고 믿게되었다.

피사체의 세부 묘사가 아닌 피사체를 보는 눈의 감각을 재현하고 기술과 형식의 웰터급을 창조함으로써 인상주의는 네오 – 인상주의, 인상파, 포 비스크 (Fauvism) , 큐비즘.

시작
19 세기 중반, 나폴레옹 3 세 황제가 파리를 재건하고 전쟁을 벌였던 19 세기 중반, Académie des Beaux-Arts가 프랑스 예술을 지배했습니다. 아카데미는 전통적인 프랑스 그림의 내용 및 스타일 표준을 유지합니다. 역사적인 주제, 종교적인 주제 및 초상화가 가치가있었습니다. 풍경과 정물은 그렇지 않았습니다. 아카데미는 면밀히 검사했을 때 사실적으로 보이는 신중하게 완성 된 이미지를 선호했습니다. 이 작풍에있는 회화는 일에있는 예술가의 손을 숨기기 위하여주의 깊게 혼합 된 정확한 붓 스트로크로 위로 만들었다. 색깔은 구속되었고 황금빛 바니시의 적용으로 더 낮아지는 경우가 종종있었습니다.

Académie에는 연례 juried 예술 쇼, 살롱 드 파리가 있었고, 쇼에 전시 된 작품을 수상한 예술가들은 상금을 획득하고 커미션을받으며 명성을 강화했습니다. 배심원들의 기준은 쟝 – 레옹 제롬 (Jean-Léon Gérôme)과 알렉산드르 카바넬 (Alexandre Cabanel)과 같은 예술가들의 작품으로 대표되는 아카데미 (Academie)의 가치를 대표합니다.

1860 년대 초반, 클로드 모네 (Claude Monet), 피에르 오귀스트 르누아르 (Pierre-Auguste Renoir), 알프레드 시슬리 (Alfred Sisley), 프레데릭 바젤 (Frédéric Bazille) 4 명의 화가가 학자 인 Charles Gleyre의 밑에서 공부했습니다. 그들은 역사적인 장면이나 신화적인 장면보다는 풍경과 현대의 삶에 그림을 그리는 것에 관심이 있음을 발견했습니다. 밋도 센츄리 (mid-century)에 의해 점점 인기를 얻은 실습에 따라 그들은 야외에서 페인트 칠하기 위해 함께 시골로 모험을 가긴했지만 평소와 같이 스케치를 스튜디오에서 신중하게 완성 된 작품으로 개발할 목적으로 사용하지 않았습니다. 관습. 자연의 햇빛을 직접 그려 내고 세기의 시작부터 사용 가능한 생생한 합성 안료를 대담하게 사용함으로써 그들은 구스타브 쿠르 베트 (Gustave Courbet)와 바르 비 존 (Barbizon)의 사실주의를 더욱 확장시킨 더 가볍고 밝은 그림을 개발하기 시작했습니다 학교. 아티스트들이 가장 좋아하는 만남의 장소는 파리의 애비뉴 드 클리 치 (Avenue de Clichy)의 카페 게르 보이스 (Café Guerbois)로, 젊은 아티스트들이 크게 존경했던 Édouard Manet이 주도했습니다. 그들은 곧 Camille Pissarro, Paul Cézanne, Armand Guillaumin와 합류했습니다.

1860 년대에 살론 배심원 단은 모네와 그의 친구들이 승인 한 스타일에 충실한 예술가들의 작품에 찬성하여 제출 한 작품의 절반 정도를 일상적으로 거부했습니다. 1863 년 Salon의 배심원은 Manet의 The Luncheon on the Grass (Le déjeuner sur l’ herbe)를 거부했습니다. 그 이유는 주로 피크닉 때 두 명의 옷을 입은 남성이 누드 한 여성을 묘사했기 때문입니다. 살롱 배심원 단은 누드를 역사적, 우화 적 그림으로 일상적으로 받아 들였지만 마뉴는 동시대의 현실에서 누드를 놓았다고 비난했다. 배심원 단은 심하게 마네의 그림에 대한 거부감에 찬사를 보였고, 많은 프랑스 작가들을 혼란스럽게 만들었다.

황제 나폴레옹 3 세가 1863 년에 거절 된 작품을 본 후, 대중이 그 작품을 스스로 판단 할 수 있도록 명령했고, 살롱 데 거제 (Salon des of Refusés)가 조직되었습니다. 많은 시청자들이 웃을 뿐이었지만 Salon des Refusés는 미술계의 새로운 경향에 주목하고 일반 살롱보다 더 많은 방문객을 끌어 들였습니다.

1867 년에 새로운 살롱 데 레 퓨세 (Salon des Refusés)를 요청하고 다시 1872 년에 요청한 예술가들의 청원은 거절당했습니다. 1873 년 12 월 모네, 르느와르, 피사로, 시슬리, 세잔, 베르테 모리 옷, 에드가 드가와 다른 몇몇 예술가들은 소시에 테 익명의 공동 작곡가 인 페인 트레스, 조각가, 그레이브르 ( “페인터, 조각가, 조각가들의 협동 및 익명 협회” 예술 작품을 독립적으로 전시 할 수 있습니다. 협회 회원은 살롱에 대한 참가를 거부 할 것으로 예상되었습니다. 주최측은 여러 다른 진보적 인 예술가들을 초청하여 전시회를 개최했습니다. 예전에는 유네 부 딘 (Eugène Boudin)이있었습니다. 예를 들어, 모네 (Monet)가 처음으로 수 년전에 공중파 그림을 채택하도록 설득 한 사례가있었습니다. 모네 (Montet)와 그의 친구들 인 요한 종 카인 드 (Johan Jongkind)는 Édouard Manet과 마찬가지로 참여를 거부했다. 총 30 명의 작가가 1874 년 4 월 Nadar의 사진 스튜디오에서 열리는 첫 번째 전시회에 참가했습니다.

비판적인 반응은 혼재되었다. 모네와 세잔은 가장 가혹한 공격을 받았습니다. 비평가 겸 유머가 된 Louis Leroy는 Claude Monet의 인상, Sunrise (Impression, soleil levant)라는 제목으로 단어를 만들어 Le Charivari라는 신문에 썼다. Dererively 인상주의 자의 전시 그의 기사 제목, 르네 이는 모네의 그림이 스케치이며, 거의 완료 작업이라고 할 수 있다고 선언했다.

그는 시청자들 사이의 대화 형식으로,

인상 – 나는 확신했다. 나는 인상 깊었 기 때문에 약간의 인상을 주어야한다고 … 자유가 무엇인지, 솜씨는 어땠는지 말해주었습니다. 배아 상태의 벽지는 그 바다 풍경보다 더 완성되었습니다.

인상파라는 용어는 대중에게 빨리 호의적이었습니다. 비록 독립과 반역의 정신으로 주로 통일 된 스타일과 기질의 다양한 그룹 이었지만, 예술가들도이를 받아 들였습니다. 그들은 1874 년에서 1886 년 사이에 8 번 회원으로 전환하면서 함께 전시했습니다. 느슨하고 자연스럽고 멍한 인상파의 스타일은 곧 현대인의 삶과 동의어가됩니다.

Monet, Sisley, Morisot 및 Pissarro는 자발성, 햇빛 및 색상의 예술을 지속적으로 추구하면서 “가장 순수한”인상파로 간주 될 수 있습니다. 드가는 색채 이상을 우선시한다고 믿었고 옥외에서 그림을 그리는 관행을 얕잡 았기 때문에이 부분을 많이 거절했다. 르누아르는 1880 년대 인상주의를 잠시 접어 들었고 결코 아이디어에 대한 헌신을 완전히 회복하지 못했습니다. Édouard Manet은 인상파 주의자들에 의해 그들의 지도자로 여겨졌지만 결코 자유주의적인 색의 사용을 포기한 적이 결코 없었으며 결코 인상주의의 전람회에 참가하지 않았다. 그는 1861 년 그의 스페인 가수가 2 등 급 메달을 획득 한 살롱 (Salon)에 그의 작품을 계속 제출했으며, 다른 사람들도 마찬가지로 “살롱은 명성이있을 수있는 진정한 전투의 장”이라고 주장했다. 만든.

1870 년 프랑코 – 프러시아 전쟁으로 사망 한 바실리의 예술가들 가운데 세자뉴 (Cézanne), 이후 르노와르 (Renoir), 시슬리 (Sisley), 모네 (Monet) 등의 단체전에서 탈퇴하여 단체전에서 기권했으며 살롱에. 불일치는 그룹에있는 Guillaumin의 회원 자격과 같은 문제에서 Pissarro와 Cézanne가 Monet와 Degas의 반대에 반대하여 옹호했다. 드가는 1879 년 전시회에서 자신의 작품을 전시하기 위해 Mary Cassatt를 초청했으나 Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic 및 인상파 관행을 대표하지 않은 다른 현실 주의자들을 포함시켜 1880 년 Monet에 인상주의자를 “문을 열었다”고 비난했다 선착순으로 ” 이 그룹은 1886 년에 Paul Signac과 Georges Seurat에게 초대전을 나누어 보여주었습니다. Pissarro는 8 개의 인상파 전시회에 모두 참여할 수있는 유일한 예술가였습니다.

개별 예술가들은 인상파 전시회에서 얻은 재정적 보상을 거의받지 못했지만 예술은 점점 대중 수용과지지를 얻었다. 그들의 딜러 인 Durand-Ruel은 대중 앞에서 작품을 보관하고 런던과 뉴욕에서 쇼를 준비하면서 중요한 역할을 담당했습니다. 시슬리가 1899 년에 빈곤에서 사망했지만, 르누아르는 1879 년에 살롱의 성공을 거두었습니다. 모네는 1880 년대 초반에 재정적으로 안전 해졌으며 1890 년대 초 피사로도 그렇게되었습니다. 이 무렵에는 희랍한 형태로 인상주의 회화의 방법이 살롱 미술에서 평범 해졌다.

인상파 기법
인상주의의 길을 예비 한 프랑스 화가에는 현실 주의자 Gustave Courbet의 리더 인 Eugène Delacroix와 Théodore Rousseau와 같은 Barbizon 학교의 화가가 포함됩니다. 인상주의자는 Johann Barthold Jongkind, Jean-Baptiste-Camille Corot 및 Eugène Boudin의 작업에서 많은 것을 배웠습니다. 자연에서 직접 인상파를 미리 묘사 한 자연스럽고 자연스러운 스타일로 페인트하고 젊은 아티스트와 친구가되어 조언했습니다.

식별 가능한 기술과 작업 습관이 인상파의 혁신적인 스타일에 기여했습니다. 이 방법은 이전의 예술가들에 의해 사용되었지만 종종 Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable, JMW Turner와 같은 예술가들의 작업에서 눈에 띄기도하지만 인상주의자는 그들을 모두 처음으로 사용했습니다. 그러한 일관성과. 이러한 기술에는 다음이 포함됩니다.

짧고 두꺼운 페인트 칠은 세부 사항이 아닌 주제의 본질을 빠르게 포착합니다. 페인트는 흔히 팽창제로 적용됩니다.
가능한 한 혼합을 최소화하면서 색상을 나란히 적용하여 동시 대비의 원리를 활용하여 색상을 보는 사람에게 더 생생하게 표시하는 기술입니다.
회색과 어두운 톤은 보색을 혼합하여 생성됩니다. 순수한 인상주의는 검은 색 페인트의 사용을 피합니다.
젖은 페인트는 연속적인 응용 프로그램이 건조 될 때까지 기다리지 않고 젖은 페인트에 배치되어 부드러운 가장자리와 색상의 혼합이 발생합니다.
인상주의 그림은 얇은 페인트 필름 (유약)의 투명성을 악용하지 않습니다. 이전의 예술가는 효과를 내기 위해 조심스럽게 조작했습니다. 인상파 그림 표면은 일반적으로 불투명합니다.
페인트는 흰색 또는 밝은 색상의 바닥에 적용됩니다. 예전에는 화가들이 짙은 회색 또는 강하게 착색 된 부지를 자주 사용했습니다.
자연광의 재생이 강조됩니다. 물체에서 물체로의 색상 반영에주의를 기울입니다. 화가는 밤에 저녁이나 황혼의 그림자 효과를 만들어내는 데 종종 일했습니다.
공기 (야외)에서 찍은 그림에서는 그림자가 하늘의 파란색으로 대담하게 그려지면서 표면에 반사되어 이전에 그림으로 표현되지 않은 신선함을 제공합니다. (눈의 푸른 그림자는 기술에 영감을주었습니다.)
신기술은 스타일 개발에 중요한 역할을했습니다. 인상주의자는 틴 튜브 (현대 치약 튜브와 유사 함)에 미리 혼합 된 페인트를 밋도 세기에 도입하여 유리 예술가가 옥외와 실내에서 자발적으로 작업 할 수 있도록했습니다. 이전에 화가들은 마른 안료 분말을 아마 인유로 분쇄하고 혼합하여 동물 용 방광에 보관하여 페인트를 개별적으로 제조했습니다.

많은 생생한 합성 안료가 19 세기에 처음으로 상업적으로 예술가들에게 제공되었습니다. 여기에는 코발트 블루, 비리 디안, 카드뮴 옐로우 및 합성 울트라 마린 블루가 포함되며, 모두 인상주의 이전의 1840 년대에 사용되었습니다. 인상파의 회화 방식은 이러한 색소의 대담한 사용을 가능하게했으며, 심지어는 세룰 리언 블루와 같은 새로운 색을 사용하여 1860 년대 예술가들에게 상업적으로 판매되었습니다.

더 인상적인 회화 풍으로의 인상파의 진보는 점진적이었다. 1860 년대에 모네 (Monet)와 르누아르 (Renoir)는 전통적인 적갈색 또는 회색 바탕으로 준비된 캔버스에 그림을 그렸습니다. 1870 년대까지, 모네, 르느와르, 피사로는 보통 밝은 회색 또는 베이지 색으로 칠하기를 선택했는데, 완성 된 그림에서 중간 톤으로 기능했습니다. 1880 년대까지 몇몇 인상주의 자들은 흰색이거나 약간 회색이없는 곳을 선호하게되었고, 완성 된 그림에서 지상색이 더 이상 중요한 역할을하지 않게되었습니다.

내용 및 구성
인상파 이전에는 다른 화가들, 특히 얀 스틴 (Jan Steen)과 같은 17 세기 네덜란드 화가들은 공통 과목을 강조했지만 구성 방법은 전통적이었습니다. 그들은 주요 주제가 시청자의주의를 끌도록 작곡을 조정했다. 인상파 화가들은 피사체와 배경 사이의 경계를 완화하여 인상주의 그림의 효과가 종종 스냅 샷과 유사하게 보였으며, 우연히 캡처 한 더 큰 현실의 일부였습니다. 사진이 인기를 얻었고 카메라가 더 휴대 가능 해짐에 따라 사진이 더욱 솔직하게되었습니다. 사진은 인상파가 풍경의 한순간뿐 아니라 사람들의 일상 생활에서 순간적 행동을 표현할 수 있도록 고무 시켰습니다.

인상파의 발달은 부분적으로 사진 작가가 제시 한 도전에 대한 작가의 반응으로 간주 될 수 있는데, 이는 예술가의 실재를 재현하는 기술을 평가 절하 한 것으로 보였다. 인물 사진과 풍경 사진은 모두 사진이 “훨씬 실용적인 이미지를 훨씬 더 효율적이고 안정적으로 만들어 냈기 때문에 다소 부족하고 진실이 아닌 것으로 간주됩니다”.

그럼에도 불구하고 사진은 사실 예술가들이 창의적 표현의 다른 수단을 추구하도록 고무 시켰고 현실을 에뮬레이션하기 위해 사진과 경쟁하기보다는 작가가 “사진보다 더 필연적으로 할 수있는 것 중 하나는 미술 형식 이미지의 개념에 대한 주관성, 즉 사진 촬영이 제거한 주관성 “이라고 설명했다. 인상주의자는 정확한 묘사를하기보다는 자연에 대한 인식을 표현하고자했습니다. 이것은 예술가들이 자신들이 “맛과 양심의 암묵적 필수품”으로 본 것을 주관적으로 묘사하도록 허용했다. 사진은 색칠과 같은 그림 매체의 측면을 활용하여 화가가 사진을 찍지 못하도록 유도했습니다. “인상파는 의식적으로 사진에 대한 주관적인 대안을 먼저 제공했습니다.”

또 하나의 큰 영향은 일본의 우키요 미술품 (일본의 우키요 미술)이었다. 이 지문의 예술은 인상주의의 특징이 된 “스냅 샷”각과 독창적 인 구도에 크게 기여했습니다. 예를 들어 Monet의 Jardin à Sainte-Adresse (1867)는 대담한 색채와 구성으로 강한 대각선으로 기울어 져 일본 판화의 영향을 보여줍니다

Edgar Degas는 열렬한 사진 작가이자 일본 판화의 수집가였습니다. 1874 년의 The Dance Class (La classe de danse)는 비대칭적인 구성에서 두 가지 영향을 모두 보여줍니다. 댄서들은 다양한 우스꽝스러운 자세로 가려져있어 오른쪽 아래 사분면에 빈 공간을 남긴다. 그는 14 세의 리틀 댄서 (Little Dancer of 14 years)와 같은 조각가들도 데려왔다.

주요 인상파
알파벳 순으로 나열된 프랑스의 인상주의 발전의 중심 인물은 다음과 같습니다.

Frédéric Bazille (인상파 박람회에만 출품 한 사람) (1841-1870)
Gustave Caillebotte (다른 이들보다 젊은 이들은 1870 년대 중반에 그들과 힘을 합쳤습니다) (1848-1894)
메리 카삿 (Mary-Cassatt, 미국 출생. 파리에서 살았으며 인상파 박람회에 참가) (1844-1926)
Paul Cézanne (나중에 그는 인상파로부터 헤어졌지만) (1839-1906)
Edgar Degas (인상파라는 용어를 폄하 한 사람) (1834-1917)
아르망 기 믈민 (Armand Guillaumin, 1841-1927)
Édouard Manet (인상파 전람에 참가하지 않은) (1832-1883)
Claude Monet (인상파 중 가장 많은 사람들과 그들의 심미를 가장 분명하게 구현 한 사람) (1840-1926)
Berthe Morisot (1879 년을 제외하고 모든 인상파 박람회에 참가한 사람) (1841-1895)
카밀 피사로 (Camille Pissarro, 1830-1903)
Pierre-Auguste Renoir (1874 년, 1876 년, 1877 년 및 1882 년 인상파 전시회에 참가) (1841-1919)
알프레드 시슬리 (Alfred Sisley, 1839-1899)

준회원 및 영향받은 아티스트
인상주의 자의 친밀한 동료 중에는 어느 정도 그들의 방법을 채택한 몇몇 화가들이 있었다. Jean-Louis Forain (1879 년, 1880 년, 1881 년 및 1886 년 인상파 전시회에 참가한)과 Giuseppe De Nittis (파리에 살고있는 이탈리아 예술가)는 Degas의 초청으로 최초의 인상파 전시회에 참가했으나 다른 인상주의 자들은 그의 일. Federico Zandomeneghi는 인상파와 함께 보여준 Degas의 또 다른 이탈리아 친구였습니다. Eva Gonzalès는 그룹과 함께 전시하지 않은 Manet의 추종자였습니다. 제임스 애보트 맥닐 휘슬러 (James Abbott McNeill Whistler)는 미국 출신의 화가로 인상파주의에 참여했다. 영어 작가 Walter Sickert는 처음에는 휘슬러의 추종자였으며 나중에는 Degas의 중요한 제자였습니다. 그는 인상파와 함께 전시하지 않았다. 1904 년 작가이자 작가 인 Wynford Dewhurst는 영국의 인상파 그림 : 영국의 인상주의를 대중화시키는 데 큰 역할을 한 인상파의 그림 인 영어로 출판 된 프랑스 화가에 대한 최초의 중요한 연구를 저술했습니다.

1880 년대 초반, 인상파의 방식은 적어도 표면적으로 살롱의 예술에 영향을 미치고있었습니다. Jean Béraud 및 Henri Gervex와 같은 세련된 화가들은 Salon art에서 예상되는 매끄러운 마무리를 유지하면서 팔레트를 밝게함으로써 비판적이고 재정적 인 성공을 발견했습니다. 이 예술가들에 의한 작품은 종종 인상파의 관행으로부터의 거리감에도 불구하고 우연히 인상주의라고 불린다.

프랑스 인상파의 영향은 대다수가 죽은 지 오래되었습니다. J.D. Kirszenbaum과 같은 예술가들은 20 세기 내내 인상파 기술을 차용하고있었습니다.

프랑스 너머
인상파의 영향이 프랑스를 넘어 확산됨에 따라 목록에 올 수 없을만큼 많은 예술가들이 새로운 스타일의 실천가로 인식되었습니다. 몇 가지 중요한 예는 다음과 같습니다.

Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frederick Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley 및 J. Alden Weir를 포함한 미국 인상파 주의자.
Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder, Frederick McCubbin (하이델베르크 학교의 저명한 회원), Van Gogh, Rodin, Monet 및 Matisse의 친구 인 John Peter Russell을 비롯한 호주 인상파 인물.
조지 Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen 및 Jan Toorop 등 네덜란드 암스테르담 인상파.
안나 보흐, 빈센트 반 고흐의 친구 유진 보흐, 조르쥬 렘먼, 테오 반 리셀벨 베헤, 벨기에 출신의 인상파 화가.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama, Matej Sternen, 슬로베니아 인상파 그들의 시작은 뮌헨의 Anton Ažbe 학교에서 시작되었으며 파리에서 일하는 슬로베니아 화가 인 Jurij ububic과 Ivana Kobilca의 영향을 받았습니다.
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert 및 Philip Wilson Steer는 영국의 유명한 인상파 화가들이었습니다. 프랑스에서 태어 났지만 맨체스터에서 일했던 Pierre Adolphe Valette는 L. S. Lowry의 교사였습니다.
Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt 및 August von Brandis를 포함한 독일 인상파 작가.
헝가리의 라즐로 메디안 스키
테오도르 폰 Ehrmanns와 Hugo Charlemont는 오스트리아에서 더 지배적 인 비엔나 세속 주의자 화가 중 희귀 한 인상파였습니다.
아일랜드의 William John Leech, Roderic O’Conor, Walter Osborne
콘스탄틴 코 로빈 (Konstovin Korovin)과 발렌틴 세루 프 (Valentin Serov)
Francisco Oller y Cestero, 푸에르토 리코 출신이고 Pisarro와 Cézanne의 친구
뉴질랜드의 James Nairn.
스코틀란드에있는 윌리엄 McTaggart.
Laura Muntz Lyall, 캐나다 예술가
Władysław Podkowiński, 폴란드 인상파 및 상징 주의자
루마니아의 Nicolae Grigorescu
터키에 인상주의를 가져온 Nazmi Ziya Güran
이집트의 Chafik Charobim
브라질의 Eliseu Visconti
스페인의 Joaquín Sorolla
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martín Malharro, Walter de Navazio, 아르헨티나의 Ramón Silva
Skagen Painters 스칸디나비아 예술가 그룹으로 덴마크의 작은 어촌 마을에서 그렸습니다.
세르비아의 나데 즈다 페트로 비치
아이슬란드의 Ásgrímur Jónsson
일본 후지 시마 다케 지
노르웨이와 프랑스의 Frits Thaulow.
조각, 사진 및 영화
조각가 오귀스트 로댕 (Auguste Rodin)은 때로 일시적 조명 효과를 제안하기 위해 대략 모델링 된 표면을 사용하는 방식에 대해 인상파 (Impressionist)라고 불립니다.

소프트 포커스와 대기 효과가 특징 인 화가 사진가들도 인상파라고 불립니다.

프랑스 인상파 시네마 (French Impressionist Cinema)는 1919 년에서 1929 년까지 프랑스의 느슨하게 정의 된 영화 및 영화 제작자 그룹에 적용되는 용어입니다. 프랑스 인상주의 영화 제작자로는 아벨 갠스 (Abel Gance), 장 엡스타인 (Jean Epstein), 제르맹 듀락 (Germaine Dulac), 마르셀 르 헤르 비어 (Marcel L’ Herbier), 루이 델 루크 (Louis Delluc) 및 드미트리 키르 사 노프 (Dmitry Kirsanoff)

음악 및 문학
뮤지컬 인상주의는 19 세기 후반에 생겨나 고 20 세기 중반까지 계속 된 유럽 고전 음악 운동에 부여 된 이름입니다. 프랑스에서 시작된 뮤지컬 인상주의는 제안과 분위기가 특징이며, 낭만주의 시대의 정서적 인 과잉을 피합니다. 인상파 작곡가들은 녹턴, 아라베스크, 서곡과 같은 짧은 형식을 좋아했으며 종종 전체 음계와 같은 흔한 음계를 탐구했다. 아마도 인상파 작곡가의 가장 주목할만한 혁신은 주요 7th 코드의 도입과 3 ~ 5 단계 및 6 가지 부분의 화음 구조로의 코드 구조 확장이었습니다.

시각적 인상주의가 음악에 미치는 영향에 대해서는 논쟁의 여지가 있습니다. Claude Debussy와 Maurice Ravel은 일반적으로 가장 인상파 작곡가로 간주되지만 Debussy는이 용어를 비평가의 발명이라고 부른 것에 동의하지 않습니다. 에릭 사티 (Erik Satie)도이 범주에서 고려되었다. Paul Dukas는 때때로 인상파로 여겨지는 프랑스 작곡가이기도하지만 그의 스타일은 늦은 낭만 주의자들과 더 밀접하게 조화를 이루고 있습니다. 프랑스 외의 뮤지컬 인상주의에는 Ottorino Respighi (이탈리아) Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott, John Ireland (영국), Manuel De Falla 및 Isaac Albeniz (스페인)와 같은 작곡가의 작품이 포함됩니다.

인상파라는 용어는 사건이나 장면의 감각적 인 느낌을 전하는 데 필요한 몇 가지 세부 사항만으로 충분할 정도로 문학 작품을 묘사하는데도 사용되었습니다. 인상주의 문학은 심벌리즘과 밀접한 관련이 있으며, 그 대표적인 사례로는 Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud, Verlaine이있다. 버지니아 울프 (Virginia Woolf), 로렌스 (D. Lawrence), 조셉 콘래드 (Joseph Conrad)와 같은 저자는 캐릭터의 정신적 삶을 구성하는 인상, 감각 및 감정을 해석하는 대신 인상주의적인 작품을 저술했습니다.

포스트 인상파
인상파는 인상주의에서 발전했습니다. 1880 년대에 몇 명의 예술가들은 인상파의 예에서 파생 된 색, 패턴, 형태 및 선을 사용하는 다양한 교훈을 개발하기 시작했습니다. 빈센트 반 고흐, 폴 고갱, 조르주 쥐라, 헨리 드 툴루즈 – 로트 렉. 이 예술가들은 인상파보다 약간 젊었고, 작품은 인상파 이후로 알려져 있습니다. 원래의 인상주의 화가 중 일부는이 새로운 영역으로 모험했다. 카밀 피사로 (Camille Pissarro)는 간단히 점묘 주의적 방식으로 그렸다. 심지어 모네 (Monet)조차도 엄격한 공평 (plein air) 그림을 포기했다. 제 1 회와 제 3 회 인상파 전시회에 참여한 폴 세잔 (Paul Cézanne)은 회화 구조를 강조하는 개인적인 비전을 개발했으며, 종종 포스트 인상파 (post-인상파)라고 불린다. 이러한 경우가 라벨 지정의 어려움을 나타낼지라도 원래의 인상파 화가의 작업은 정의에 따라 인상파로 분류 될 수 있습니다.