Impressionnisme

L’impressionnisme est un mouvement artistique du XIXe siècle caractérisé par des coups de pinceau relativement petits, minces mais visibles, une composition ouverte, une représentation précise de la lumière dans ses qualités changeantes (accentuant souvent les effets du passage du temps), un sujet ordinaire, l’inclusion du mouvement en tant qu’élément crucial de la perception et de l’expérience humaines, et des angles visuels inhabituels. L’impressionnisme est né d’un groupe d’artistes parisiens dont les expositions indépendantes les ont fait connaître dans les années 1870 et 1880.

L’impressionnisme s’applique généralement à un mouvement artistique en France à la fin du XIXe siècle. Le mouvement a donné naissance à des ancillaires tels que l’impressionnisme américain. L’utilisation principale du terme impressionniste est pour un groupe de peintres français qui ont travaillé entre 1860 et 1900, en particulier pour décrire leurs travaux de la fin des années 1860 au milieu des années 1880. Ces artistes incluent Frédéric Bazille, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir et Alfred Sisley, ainsi que Mary Cassatt, Gustave Caillebotte (qui était aussi un important collectionneur précoce), Eva Gonzalès , Armand Guillaumin et Stanislas Lépine Le mouvement était anti-académique dans ses aspects formels et impliquait la mise en place de lieux autres que le Salon officiel pour l’exposition et la vente de tableaux.

Les Impressionnistes ont fait face à l’opposition dure de la communauté d’art conventionnelle en France. Le nom du style dérive du titre d’une œuvre de Claude Monet, Impression, soleil levant, qui a provoqué le critique Louis Leroy dans une critique satirique publiée dans le journal parisien Le Charivari.

Le développement de l’impressionnisme dans les arts visuels a été bientôt suivi par des styles analogues dans d’autres médias qui sont devenus connus comme la musique impressionniste et la littérature impressionniste.

Aperçu
Radicaux à leur époque, les premiers impressionnistes ont violé les règles de la peinture académique. Ils ont construit leurs tableaux à partir de couleurs librement brossées qui ont pris le pas sur les lignes et les contours, à l’instar de peintres tels qu’Eugène Delacroix et JMW Turner. Ils ont également peint des scènes réalistes de la vie moderne, et souvent peint à l’extérieur. Auparavant, les natures mortes et les portraits ainsi que les paysages étaient généralement peints dans un studio. Les impressionnistes ont découvert qu’ils pouvaient capturer les effets momentanés et transitoires de la lumière du soleil en peignant à l’extérieur ou en plein air. Ils représentaient des effets visuels globaux au lieu de détails, et utilisaient de courts coups de pinceau «brisés» de couleur mélangée pure et non mélangée – non mélangés en douceur ou ombrés, comme d’habitude – pour obtenir un effet de vibration de couleur intense.

L’impressionnisme est apparu en France en même temps qu’un certain nombre d’autres peintres, y compris les artistes italiens connus sous le nom de Macchiaioli, et Winslow Homer aux États-Unis, exploraient également la peinture en plein air. Les impressionnistes, cependant, ont développé de nouvelles techniques spécifiques au style. Englobant ce que ses adhérents soutenaient était une manière de voir différente, c’est un art de l’immédiat et du mouvement, des poses et des compositions candides, du jeu de la lumière exprimé dans un usage lumineux et varié de la couleur.

Le public, d’abord hostile, en vint à croire que les impressionnistes avaient capturé une vision originale et fraîche, même si les critiques d’art et l’establishment artistique désapprouvaient le nouveau style.

En recréant la sensation dans l’œil qui regarde le sujet, plutôt que de délimiter les détails du sujet, et en créant un ensemble de techniques et de formes, l’impressionnisme est un précurseur de divers styles de peinture, y compris le néo-impressionnisme, le postimpressionnisme et le fauvisme. et le cubisme

Les débuts
Au milieu du 19ème siècle – une époque de changement, alors que l’empereur Napoléon III reconstruisait Paris et menait la guerre – l’Académie des Beaux-Arts dominait l’art français. L’Académie a préservé les standards de la peinture traditionnelle française en termes de contenu et de style. Les sujets historiques, les thèmes religieux et les portraits étaient appréciés; le paysage et la nature morte ne l’étaient pas. L’Académie préférait des images soigneusement finies qui semblaient réalistes lorsqu’on les examinait de près. Les peintures de ce style étaient composées de coups de pinceau précis soigneusement mélangés pour cacher la main de l’artiste dans l’œuvre. La couleur a été retenue et souvent atténuée par l’application d’un vernis d’or.

L’Académie organisait chaque année une exposition d’art, le Salon de Paris, et les artistes dont le travail était présenté dans le spectacle ont gagné des prix, obtenu des commandes et amélioré leur prestige. Les standards des jurys représentaient les valeurs de l’Académie, représentées par les œuvres d’artistes comme Jean-Léon Gérôme et Alexandre Cabanel.

Au début des années 1860, quatre jeunes peintres – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille – se rencontrent sous la direction de l’artiste académique Charles Gleyre. Ils ont découvert qu’ils partageaient un intérêt pour la peinture du paysage et de la vie contemporaine plutôt que des scènes historiques ou mythologiques. Suivant une pratique qui était devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils se sont souvent aventurés dans la campagne pour peindre en plein air, mais pas dans le but de faire des croquis pour en faire des œuvres soigneusement finies en studio, comme d’habitude Douane. En peignant au soleil directement à partir de la nature, et en utilisant audacieusement les pigments synthétiques vifs qui étaient devenus disponibles depuis le début du siècle, ils ont commencé à développer une peinture plus légère et plus lumineuse qui a étendu le réalisme de Gustave Courbet et de Barbizon. école. Le lieu de rencontre préféré des artistes était le Café Guerbois, avenue de Clichy à Paris, où les discussions étaient souvent dirigées par Édouard Manet, que les plus jeunes artistes admiraient beaucoup. Ils furent bientôt rejoints par Camille Pissarro, Paul Cézanne et Armand Guillaumin.

Au cours des années 1860, le jury du Salon rejeta régulièrement la moitié des œuvres présentées par Monet et ses amis en faveur d’œuvres d’artistes fidèles au style approuvé. En 1863, le jury du Salon a rejeté le Déjeuner sur l’herbe de Manet, principalement parce qu’il représentait une femme nue avec deux hommes vêtus lors d’un pique-nique. Alors que le jury du Salon acceptait régulièrement des nus dans des tableaux historiques et allégoriques, ils condamnaient Manet pour avoir placé un nu réaliste dans un cadre contemporain. Le refus sévèrement exprimé par le jury de la peinture de Manet épouvantait ses admirateurs, et le nombre anormalement élevé d’œuvres rejetées cette année a perturbé de nombreux artistes français.

Après que l’empereur Napoléon III a vu les œuvres rejetées de 1863, il a décrété que le public soit autorisé à juger l’œuvre eux-mêmes, et le Salon des Refusés (Salon des Refusés) a été organisé. Alors que de nombreux spectateurs venaient seulement pour rire, le Salon des Refusés attirait l’attention sur l’existence d’une nouvelle tendance dans l’art et attirait plus de visiteurs que le Salon régulier.

Les pétitions d’artistes demandant un nouveau Salon des Refusés en 1867 et de nouveau en 1872 ont été refusées. En décembre 1873, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Berthe Morisot, Edgar Degas et plusieurs autres artistes fondent la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Association Coopérative et Anonyme de Peintres, Sculpteurs et Graveurs») exposer leurs œuvres indépendamment. Les membres de l’association devaient renoncer à participer au Salon. Les organisateurs ont invité un certain nombre d’autres artistes progressistes à se joindre à eux dans leur exposition inaugurale, y compris le plus âgé Eugène Boudin, dont l’exemple avait d’abord persuadé Monet d’adopter la peinture en plein air des années auparavant. Un autre peintre qui a beaucoup influencé Monet et ses amis, Johan Jongkind, a refusé de participer, tout comme Édouard Manet. Au total, une trentaine d’artistes ont participé à leur première exposition, tenue en avril 1874 au studio du photographe Nadar.

La réponse critique était mitigée. Monet et Cézanne ont reçu les attaques les plus dures. Le critique et humoriste Louis Leroy écrit une critique cinglante dans le journal Le Charivari dans lequel, faisant des jeux de mots avec le titre de Impression de Claude Monet, Sunrise (Impression, soleil levant), il donne aux artistes le nom par lequel ils se font connaître. Dérobant titéralement son article L’Exposition des Impressionnistes, Leroy déclara que la peinture de Monet était tout au plus un croquis et que l’on pouvait difficilement qualifier d’œuvre achevée.

Il a écrit, sous la forme d’un dialogue entre les téléspectateurs,

Impression-j’en étais certain. Je me disais juste que, puisque j’étais impressionné, il devait y avoir une impression … et quelle liberté, quelle facilité de travail! Le papier peint dans son état embryonnaire est plus fini que ce paysage marin.

Le terme impressionniste a rapidement gagné la faveur du public. Il a également été accepté par les artistes eux-mêmes, même s’ils étaient un groupe diversifié dans le style et le tempérament, unifié principalement par leur esprit d’indépendance et de rébellion. Ils exposèrent ensemble, quoique avec une composition changeante, huit fois entre 1874 et 1886. Le style des impressionnistes, avec ses coups de pinceau spontanés et lâches, allait bientôt devenir synonyme de la vie moderne.

Monet, Sisley, Morisot et Pissarro peuvent être considérés comme les impressionnistes «les plus purs», dans leur recherche constante d’un art de la spontanéité, de la lumière du soleil et de la couleur. Degas a rejeté une grande partie de cela, car il croyait en la primauté de dessiner sur la couleur et a rabaissé la pratique de la peinture en plein air. Renoir se détourna de l’impressionnisme durant les années 1880 et ne retrouva jamais entièrement son engagement à ses idées. Édouard Manet, bien que considéré par les impressionnistes comme leur chef, n’a jamais abandonné son usage libéral du noir comme couleur, et n’a jamais participé aux expositions impressionnistes. Il continua à soumettre ses œuvres au Salon, où sa peinture Spanish Singer avait remporté une médaille de 2ème classe en 1861, et il exhorta les autres à faire de même, arguant que “le Salon est le vrai champ de bataille” où une réputation pourrait être fabriqué.

Parmi les artistes du groupe de base (moins Bazille, mort dans la guerre franco-prussienne en 1870), les défections se produisirent alors que Cézanne, suivi plus tard par Renoir, Sisley et Monet, s’abstinrent des expositions de groupe pour soumettre leurs œuvres. au Salon. Des désaccords résultaient de problèmes tels que l’appartenance de Guillaumin au groupe, défendue par Pissarro et Cézanne contre l’opposition de Monet et Degas, qui le considéraient comme indigne. Degas invite Mary Cassatt à exposer son travail à l’exposition de 1879, mais insiste également sur l’inclusion de Jean-François Raffaëlli, Ludovic Lepic et d’autres réalistes qui ne représentent pas les pratiques impressionnistes. Monet accusera en 1880 les impressionnistes d ‘«ouvrir des portes». aux premiers venus “. Le groupe s’est divisé sur des invitations à Paul Signac et Georges Seurat pour exposer avec eux en 1886. Pissarro était le seul artiste à montrer à tous les huit expositions impressionnistes.

Les artistes individuels ont obtenu peu de récompenses financières des expositions impressionnistes, mais leur art a progressivement gagné un certain degré d’acceptation et de soutien du public. Leur marchand, Durand-Ruel, y a joué un rôle majeur en conservant leur travail devant le public et en organisant des spectacles à Londres et à New York. Bien que Sisley soit mort dans la pauvreté en 1899, Renoir a connu un grand succès au Salon en 1879. Monet est devenu financièrement sûr au début des années 1880, tout comme Pissarro au début des années 1890. A cette époque, les méthodes de la peinture impressionniste, sous une forme diluée, étaient devenues monnaie courante dans l’art du Salon.

Techniques impressionnistes
Les peintres français qui ont ouvert la voie à l’impressionnisme incluent le coloriste romantique Eugène Delacroix, le chef des réalistes Gustave Courbet et des peintres de l’école de Barbizon tels que Théodore Rousseau. Les impressionnistes ont beaucoup appris du travail de Johan Barthold Jongkind, de Jean-Baptiste-Camille Corot et d’Eugène Boudin, qui ont peint de la nature dans un style direct et spontané qui préfigurait l’impressionnisme, et qui se liaient et conseillaient les jeunes artistes.

Un certain nombre de techniques et d’habitudes de travail identifiables ont contribué au style novateur des impressionnistes. Bien que ces méthodes aient été utilisées par de précédents artistes – et sont souvent remarquées dans le travail d’artistes comme Frans Hals, Diego Velázquez, Peter Paul Rubens, John Constable et JMW Turner – les impressionnistes furent les premiers à les utiliser tous ensemble, et avec une telle consistance. Ces techniques comprennent:

Des coups de peinture courts et épais capturent rapidement l’essence du sujet plutôt que ses détails. La peinture est souvent appliquée en empâtement.
Les couleurs sont appliquées côte à côte avec le moins de mélange possible, une technique qui exploite le principe du contraste simultané pour rendre la couleur plus vivante pour le spectateur.
Les gris et les tons foncés sont produits en mélangeant des couleurs complémentaires. L’impressionnisme pur évite l’utilisation de la peinture noire.
La peinture mouillée est placée dans de la peinture humide sans attendre que les applications successives soient sèches, produisant des bords plus doux et un mélange de couleurs.
Les peintures impressionnistes n’exploitent pas la transparence des minces pellicules de peinture (glaçures), que les premiers artistes manipulaient avec soin pour produire des effets. La surface de peinture impressionniste est généralement opaque.
La peinture est appliquée sur un fond blanc ou de couleur claire. Auparavant, les peintres utilisaient souvent des motifs gris foncé ou fortement colorés.
Le jeu de la lumière naturelle est souligné. Une attention particulière est portée à la réflexion des couleurs de l’objet à l’objet. Les peintres travaillaient souvent le soir pour produire des effets de soir, les effets ténébreux du soir ou du crépuscule.
Dans les peintures faites en plein air (extérieur), les ombres sont hardiment peintes avec le bleu du ciel tel qu’il se reflète sur les surfaces, donnant une sensation de fraîcheur qui n’était pas représentée auparavant dans la peinture. (Les ombres bleues sur la neige ont inspiré la technique.)
La nouvelle technologie a joué un rôle dans le développement du style. Les impressionnistes ont profité de l’introduction au milieu du siècle des peintures pré-mélangées dans des tubes en étain (ressemblant à des tubes de dentifrice modernes), ce qui a permis aux artistes de travailler plus spontanément, à l’extérieur et à l’intérieur. Auparavant, les peintres fabriquaient leurs propres peintures individuellement, en broyant et en mélangeant des poudres de pigments secs avec de l’huile de lin, qui étaient ensuite stockées dans des vessies d’animaux.

Beaucoup de pigments synthétiques vifs sont devenus disponibles commercialement aux artistes pour la première fois au 19ème siècle. Celles-ci incluaient le bleu de cobalt, le viridian, le jaune de cadmium et le bleu outremer synthétique, qui étaient tous utilisés dans les années 1840, avant l’impressionnisme. La manière de peindre des impressionnistes a fait un usage audacieux de ces pigments, et même des couleurs plus récentes telles que le bleu céruléen, qui est devenu commercialement disponible pour les artistes dans les années 1860.

Les progrès des impressionnistes vers un style de peinture plus lumineux ont été graduels. Au cours des années 1860, Monet et Renoir peignent parfois sur des toiles préparées avec le sol rouge-brun ou gris traditionnel. Dans les années 1870, Monet, Renoir et Pissarro choisissaient généralement de peindre sur un fond gris clair ou beige, qui servait de ton moyen à la peinture terminée. Dans les années 1880, certains impressionnistes en vinrent à préférer les terres blanches ou légèrement blanchâtres et ne permirent plus à la couleur du sol de jouer un rôle important dans la peinture achevée.

Contenu et composition
Avant les impressionnistes, d’autres peintres, notamment des peintres hollandais du XVIIe siècle comme Jan Steen, avaient mis l’accent sur des sujets communs, mais leurs méthodes de composition étaient traditionnelles. Ils ont arrangé leurs compositions pour que le sujet principal commande l’attention du spectateur. Les impressionnistes ont assoupli la frontière entre le sujet et l’arrière-plan de sorte que l’effet d’une peinture impressionniste ressemble souvent à un instantané, une partie d’une réalité plus vaste captée comme par hasard. La photographie gagnait en popularité et, à mesure que les appareils photo devenaient plus mobiles, les photographies devenaient plus candides. La photographie a inspiré les impressionnistes pour représenter une action momentanée, non seulement dans les lumières éphémères d’un paysage, mais dans la vie quotidienne des gens.

Le développement de l’impressionnisme peut être considéré en partie comme une réaction des artistes au défi présenté par la photographie, qui semblait dévaloriser l’habileté de l’artiste à reproduire la réalité. Les peintures de portrait et de paysage ont été jugées quelque peu déficientes et manquant de vérité car la photographie «produisait des images réalistes beaucoup plus efficacement et de manière fiable».

Malgré cela, la photographie a incité les artistes à rechercher d’autres moyens d’expression créative, et plutôt que de rivaliser avec la photographie pour imiter la réalité, les artistes se concentraient sur «la seule chose qu’ils pouvaient faire mieux que la photographie». sa subjectivité même dans la conception de l’image, la subjectivité même que la photographie a éliminée “. Les impressionnistes ont cherché à exprimer leurs perceptions de la nature, plutôt que de créer des représentations exactes. Cela permettait aux artistes de représenter subjectivement ce qu’ils voyaient avec leurs «impératifs tacites de goût et de conscience». La photographie a encouragé les peintres à exploiter des aspects du médium de la peinture, comme la couleur, dont la photographie manquait alors: «Les impressionnistes ont été les premiers à proposer consciemment une alternative subjective à la photographie».

Une autre influence majeure a été l’impression japonaise d’ukiyo-e (japonisme). L’art de ces estampes a contribué de manière significative aux angles «instantanés» et aux compositions non conventionnelles qui sont devenues caractéristiques de l’impressionnisme. Un exemple est le Jardin à Sainte-Adresse de Monet, 1867, avec ses blocs de couleur et sa composition sur une forte oblique diagonale montrant l’influence des estampes japonaises.

Edgar Degas était à la fois un photographe avide et un collectionneur d’estampes japonaises. Sa classe de danse (1874) montre les deux influences dans sa composition asymétrique. Les danseurs sont apparemment pris au dépourvu dans diverses poses maladroites, laissant une étendue d’espace vide dans le quadrant inférieur droit. Il a également capturé ses danseurs dans la sculpture, comme le petit danseur de quatorze ans.

Principaux impressionnistes
Les figures centrales du développement de l’impressionnisme en France, classées par ordre alphabétique, étaient:

Frédéric Bazille (qui a participé à titre posthume aux expositions impressionnistes) (1841-1870)
Gustave Caillebotte (qui, plus jeune que les autres, s’est associé avec eux au milieu des années 1870) (1848-1894)
Mary Cassatt (née aux États-Unis, elle a vécu à Paris et a participé à quatre expositions impressionnistes) (1844-1926)
Paul Cézanne (bien qu’il ait plus tard rompu avec les impressionnistes) (1839-1906)
Edgar Degas (qui a méprisé le terme impressionniste) (1834-1917)
Armand Guillaumin (1841-1927)
Édouard Manet (qui n’a participé à aucune des expositions impressionnistes) (1832-1883)
Claude Monet (le plus prolifique des impressionnistes et celui qui incarne le mieux leur esthétique) (1840-1926)
Berthe Morisot (qui participa à toutes les expositions impressionnistes sauf en 1879) (1841-1895)
Camille Pissarro (1830-1903)
Pierre-Auguste Renoir (qui participa à des expositions impressionnistes en 1874, 1876, 1877 et 1882) (1841-1919)
Alfred Sisley (1839-1899)

Associés et artistes influencés
Parmi les proches collaborateurs des impressionnistes figuraient plusieurs peintres qui ont adopté leurs méthodes dans une certaine mesure. Parmi ceux-ci, Jean-Louis Forain (qui a participé aux expositions impressionnistes en 1879, 1880, 1881 et 1886) et Giuseppe De Nittis, artiste italien vivant à Paris, ont participé à la première exposition impressionniste à l’invitation de Degas. son travail. Federico Zandomeneghi était un autre ami italien de Degas qui a montré avec les impressionnistes. Eva Gonzalès était une adepte de Manet qui n’a pas exposé avec le groupe. James Abbott McNeill Whistler était un peintre d’origine américaine qui a joué un rôle dans l’impressionnisme, bien qu’il ne se soit pas joint au groupe et ait préféré les couleurs grisées. Walter Sickert, un artiste anglais, était à l’origine un disciple de Whistler, et plus tard un disciple important de Degas; il n’a pas exposé avec les impressionnistes. En 1904, l’artiste et écrivain Wynford Dewhurst a écrit la première étude importante des peintres français publiés en anglais, Impressionist Painting: sa genèse et son développement, qui a beaucoup contribué à populariser l’impressionnisme en Grande-Bretagne.

Au début des années 1880, les méthodes impressionnistes affectent, au moins superficiellement, l’art du Salon. Les peintres à la mode comme Jean Béraud et Henri Gervex ont connu un succès critique et financier en éclaircissant leurs palettes tout en conservant la finition lisse attendue de l’art du Salon. Les œuvres de ces artistes sont parfois dénommées impressionnisme, malgré leur éloignement de la pratique impressionniste.

L’influence des impressionnistes français a duré longtemps après la plupart d’entre eux étaient morts. Des artistes comme JD Kirszenbaum empruntaient des techniques impressionnistes tout au long du XXe siècle.

Au-delà de la France
Alors que l’influence de l’impressionnisme s’étendait au-delà de la France, les artistes, trop nombreux pour être répertoriés, se sont identifiés comme des praticiens du nouveau style. Certains des exemples les plus importants sont:

Les impressionnistes américains, y compris Mary Cassatt, William Merritt Chase, Frédéric Carl Frieseke, Childe Hassam, Willard Metcalf, Lilla Cabot Perry, Theodore Robinson, Edmund Charles Tarbell, John Henry Twachtman, Catherine Wiley et J. Alden Weir.
Les impressionnistes australiens, dont Tom Roberts, Arthur Streeton, Walter Withers, Charles Conder et Frederick McCubbin (qui étaient des membres éminents de l’école de Heidelberg), et John Peter Russell, un ami de Van Gogh, Rodin, Monet et Matisse.
Les impressionnistes d’Amsterdam aux Pays-Bas, y compris George Hendrik Breitner, Isaac Israëls, Willem Bastiaan Tholen, Willem de Zwart, Willem Witsen et Jan Toorop.
Anna Boch, l’amie de Vincent van Gogh, Eugène Boch, Georges Lemmen et Théo van Rysselberghe, peintres impressionnistes de Belgique.
Ivan Grohar, Rihard Jakopič, Matija Jama et Matej Sternen, impressionnistes de Slovénie. Ils ont commencé à l’école d’Anton Ažbe à Munich et ont été influencés par Jurij Šubic et Ivana Kobilca, peintres slovènes travaillant à Paris.
Wynford Dewhurst, Walter Richard Sickert, et Philip Wilson Steer étaient des peintres impressionnistes bien connus du Royaume-Uni. Pierre Adolphe Valette, né en France mais travaillant à Manchester, était le précepteur de LS Lowry.
Les impressionnistes allemands, dont Lovis Corinth, Max Liebermann, Ernst Oppler, Max Slevogt et August von Brandis.
László Mednyánszky en Hongrie
Theodor von Ehrmanns et Hugo Charlemont qui étaient des impressionnistes rares parmi les peintres sécessionnistes de Vienne les plus dominants en Autriche
William John Leech, Roderic O’Conor et Walter Osborne en Irlande
Konstantin Korovin et Valentin Serov en Russie
Francisco Oller y Cestero, originaire de Porto Rico et ami de Pissarro et Cézanne
James Nairn en Nouvelle-Zélande.
William McTaggart en Écosse.
Laura Muntz Lyall, artiste canadienne
Władysław Podkowiński, impressionniste et symboliste polonais
Nicolae Grigorescu en Roumanie
Nazmi Ziya Güran, qui a apporté l’impressionnisme en Turquie
Chafik Charobim en Egypte
Eliseu Visconti au Brésil
Joaquín Sorolla en Espagne
Faustino Brughetti, Fernando Fader, Candido Lopez, Martin Malharro, Walter de Navazio, Ramón Silva en Argentine
Skagen Painters un groupe d’artistes scandinaves qui ont peint dans un petit village de pêcheurs danois
Nadežda Petrović en Serbie
Ásgrímur Jónsson en Islande
Fujishima Takeji au Japon
Frits Thaulow en Norvège et plus tard en France.
Sculpture, photographie et film
Le sculpteur Auguste Rodin est parfois appelé un impressionniste pour la façon dont il a utilisé des surfaces grossièrement modelées pour suggérer des effets de lumière transitoires.

Photographes pictorialistes dont le travail est caractérisé par le flou artistique et les effets atmosphériques ont également été appelés impressionnistes.

Le cinéma impressionniste français est un terme appliqué à un groupe vaguement défini de films et de cinéastes en France de 1919-1929, bien que ces années soient discutables. Les cinéastes impressionnistes français incluent Abel Gance, Jean Epstein, Germaine Dulac, Marcel L’Herbier, Louis Delluc et Dmitry Kirsanoff.

Musique et littérature
L’impressionnisme musical est le nom donné à un mouvement dans la musique classique européenne qui a surgi à la fin du 19ème siècle et s’est poursuivi au milieu du 20ème siècle. Originaire de France, l’impressionnisme musical est caractérisé par la suggestion et l’atmosphère, et évite les excès émotionnels de l’époque romantique. Les compositeurs impressionnistes ont privilégié les formes courtes telles que le nocturne, l’arabesque et le prélude, et ont souvent exploré des échelles inhabituelles telles que l’échelle des tons. Les innovations les plus remarquables des compositeurs impressionnistes ont peut-être été l’introduction de grands accords de septième et l’extension des structures d’accords dans les troisièmes aux harmonies à cinq et six parties.

L’influence de l’impressionnisme visuel sur son homologue musical est discutable. Claude Debussy et Maurice Ravel sont généralement considérés comme les plus grands compositeurs impressionnistes, mais Debussy a désavoué le terme, l’appelant l’invention des critiques. Erik Satie était également considéré dans cette catégorie, bien que son approche ait été considérée comme moins sérieuse, plus de nouveauté musicale dans la nature. Paul Dukas est un autre compositeur français parfois considéré comme un impressionniste, mais son style est peut-être plus proche des romanciers tardifs. L’impressionnisme musical au-delà de la France comprend le travail de compositeurs tels qu’Ottorino Respighi (Italie), Ralph Vaughan Williams, Cyril Scott et John Ireland (Angleterre), et Manuel De Falla, et Isaac Albeniz (Espagne).

Le terme impressionnisme a également été utilisé pour décrire des œuvres littéraires dans lesquelles quelques détails choisis suffisent à transmettre les impressions sensorielles d’un incident ou d’une scène. La littérature impressionniste est étroitement liée au symbolisme, avec ses principaux exemples étant Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud et Verlaine. Des auteurs tels que Virginia Woolf, DH Lawrence et Joseph Conrad ont écrit des œuvres impressionnistes dans la façon dont ils décrivent, plutôt qu’interprètent, les impressions, les sensations et les émotions qui constituent la vie mentale d’un personnage.

Post-impressionnisme
Post-impressionnisme développé à partir de l’impressionnisme. Au cours des années 1880, plusieurs artistes commencèrent à développer différents préceptes pour l’utilisation de la couleur, du motif, de la forme et de la ligne, dérivés de l’exemple impressionniste: Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat et Henri de Toulouse-Lautrec. Ces artistes étaient légèrement plus jeunes que les impressionnistes, et leur travail est connu comme post-impressionnisme. Certains des artistes impressionnistes d’origine se sont également aventurés dans ce nouveau territoire; Camille Pissarro peignit brièvement d’une manière pointilliste, et même Monet abandonna la stricte peinture de plein air. Paul Cézanne, qui a participé aux première et troisième expositions impressionnistes, a développé une vision hautement individuelle mettant l’accent sur la structure picturale, et il est plus souvent appelé un post-impressionniste. Bien que ces cas illustrent la difficulté d’attribuer des étiquettes, le travail des peintres impressionnistes originaux peut, par définition, être classé comme l’impressionnisme.