第55届国际艺术展于2013年6月1日至11月24日在Giardini和Arsenale向公众开放。名为“Il Palazzo Enciclopedico”（百科全书宫）的展览在中央展馆（Giardini）和军械库中展开，形成了一个单一的行程，作品跨越了过去一个世纪，还有几个新的委托。
在 Giardini、Arsenale 和威尼斯市的历史展馆中展出了88个国家参与项目。首次参展的10个国家中有：安哥拉、巴哈马、巴林王国、科特迪瓦共和国、科索沃共和国、科威特、马尔代夫、巴拉圭和图瓦卢。
“百科宫”通过强调与过去和现在其他艺术家的联系和关系，表达了将艺术家置于历史视角或相互关联的背景下的日益增长的愿望。注意力越来越集中在艺术作品与观众之间关系的强度上，观众虽然被艺术姿态和挑衅所动摇，但最终在艺术中寻求与作品对话的情感，这应该引起解释的张力，一种渴望超越。这是对艺术的期待。
双年展不仅展示了一份当代艺术家的名单，还希望反思他们的创作冲动，似乎更进一步推动了这个问题：艺术家的世界是什么？未来的兴趣甚至是寻找与不同世界的关系；因此，展览展示了当代艺术家的作品，但也展示了历史作品，不同的参考资料，以及那些不声称是艺术作品但仍然构成了刺激，让我们想象和梦想超越现实，梦想另一个现实的作品。
展览从美国专利局的乌托邦梦想模型中汲取灵感，百科全书宫是一个虚构的博物馆，旨在容纳所有世俗知识。一个普遍的、包罗万象的知识的梦想在艺术和人类的历史中不断涌现，以塑造一个捕捉其无限多样性和丰富性的世界形象。今天，当人们努力应对不断涌入的信息时，这种尝试似乎更加必要，甚至更加绝望。
这是一场关于痴迷和想象力的变革力量的节目。展览描绘了从自然形式到人体研究，再到数字时代的技巧，大致遵循 16 世纪和 17 世纪好奇柜的典型布局。通过展出的许多艺术作品和具象表达的例子，包括电影、照片、录像、动物寓言、迷宫、表演和装置，百科全书宫作为一个精致但脆弱的建筑出现，一个既梦幻又疯狂的精神建筑。
展览模糊了专业艺术家和业余爱好者、局外人和局内人之间的界限，以人类学的方法研究图像，特别关注想象的领域和想象的功能。在一个被外在形象包围的时代，内在形象——梦想、幻觉和幻觉——还有什么空间？当世界本身变得越来越像一个形象时，创造一个世界形象的意义何在？《百科全书宫》是一个展示我们所有人都共有的条件的节目：我们自己就是媒体，传播图像，有时甚至发现自己被图像所附。
百科宫
来自超过 38 个国家的 150 多位艺术家展示了当代艺术作品、历史文物和发现的物品。百科全书宫宽敞，可容纳训练有素和自学成才的人、学者和难以归类的人的工作。Gioni 的展览展示了一系列藏品，其中充满了动物寓言和简明的剪贴簿以及汇总的世界观。它经常是权威和挑衅，但也令人沮丧。
对于大约 160 位艺术家的展览来说，它是连贯的、精心安排的，编织了许多副歌：超现实主义与民族志的纠缠不清和不可思议的。
国家馆亮点
88个展馆，10个国家首次参展：安哥拉、巴哈马、巴林王国、科特迪瓦共和国、科索沃共和国、科威特、马尔代夫、巴拉圭、图瓦卢、罗马教廷
阿根廷馆
阿德里安·维拉·罗哈斯 (Adrián Villar Rojas) 的作品源自一个故事，该故事从假设的未来推测现在，展开幻想的政治维度。着眼于世界的尽头——我们的——他建议我们重新思考艺术创作的地方，作为存在、激情和感性的庇护所。这个特定地点的纪念性雕塑装置基于多元宇宙理论，该理论指出许多不同的宇宙可以共存；因此，在 Artiglierie 的整个空间中展示的大型泥塑可以被视为我们这些替代世界的同时出现，唤起人们对人类在其进化历史中可能采取的其他路径的关注。
阿德里安·维拉·罗哈斯 (Adrián Villar Rojas) 将他的作品视为传统拉丁美洲艺术作品的替代品，与简单和现成有关。他的作品具有鲜明的个人基调。它结合了正式的实验和叙事的构建，让他能够反思艺术、它的外观形式和它的意义，就好像它是时代的终结和世界的终结。他着手进行雄心勃勃且复杂的项目，旨在与具有相同潜力和风险水平的国际同行的作品进行对话。
安哥拉馆
金狮奖
安哥拉馆名为“罗安达，百科之城”，展示了安哥拉艺术家埃德森·查加斯的摄影作品。反映今年国际艺术展的总体主题“百科全书宫”，恰加斯聚焦安哥拉首都罗安达的复杂性，展示了一系列照片“发现未采取”，捕捉重新定位的废弃物品艺术家选择的城市环境。罗安达，百科之城是一个由23幅大幅摄影海报组成的装置，向公众开放互动，邀请人们反思宫殿百科的主题，也通过创造自己的罗安达城市百科全书的能力，与在 Palazzo Cini 画廊展出的古代艺术收藏进行了刺激比较。罗安达，它源于不可预测空间的存在和不可调和的项目的共存：城市和乡村、基础设施和住所、垃圾提示和公共空间。
物体的这种位移和重新定位就像一个系统的编目过程，它在物体与其上下文之间建立了新的关系。这些照片以堆叠形式呈现在 Palazzo Cini 的房间周围，与建筑的古典艺术和建筑并列，探索空间与图像之间形成的关系，以及想象力和创造力在城市环境中的作用。
澳大利亚馆
Simryn Gill 的地形、潮间带、不安全的中间带、海洋进来的海滩上不断变化的地方，覆盖着贝壳和螃蟹、白蛉和发芽的红树林，并把人造物品的碎屑带到海上贸易路线，然后再次撤退。她的作品提出了一个小型与全球、自然与工业之间的谈判空间，因为它揭示了对不断变化的世界中所有人之间相互联系的理解。
巴哈马馆
独特的多感官环境，包含视频、声音和霓虹灯作品。展览以极地日食为主题，探索位移和归属感。该项目汇集了三个在地理和文化上截然不同的地点：威尼斯军械库、拿骚市中心和北极。通过削弱双年展国家馆的国家定义模式，斯特拉坎要求观众质疑他们自己关于从某个地方搬离并属于某个地方的想法。
巴哈马馆内的主要展览空间展示了一个独特的、综合性的装置，以及个人艺术作品的收藏。它具有 360 度视频装置，除了音频装置外，还有 14 台监视器播放斯特拉坎对 1909 年皮里和汉森极地探险重演的纪录片，以及三个专注于归属和流离失所主题的霓虹灯雕塑一系列声明。三件名为“此时此地”的灯光雕塑描绘了“我属于这里”、“你属于这里”和“我们属于这里”的短语。通过这个装置，Strachan 旨在解决文化、物理环境和历史在空间和时间上的无形变化，随着全球化和进步的叙述。
巴林馆
以“在你自己的世界”为题，巴林王国展馆以松散的策展框架呈现玛丽亚姆·哈吉、瓦希达·马鲁拉和卡米尔·扎卡里亚的作品，以对文化和自我的主观探索为核心他们的艺术实践。展馆强调身份的重要性，考察了这些艺术家的内在和私人意义的表达。
比利时馆
一棵树倒下：Berlinde De Bruyckere 在法国发现了一棵树，并把它运到比利时，在那里她用蜡重新制作了它。它位于比利时馆内，像人体一样贴着绷带，被仿旧织物覆盖的天窗巧妙地照亮。De Bruyckere 构思了一个新的特定地点装置，该装置建立在她现有的作品之上，但其效力源自与威尼斯历史背景的联系。她的雕塑以最亲密和最令人不安的方式探索生与死，生中的死，死中的生，生前的生，死前的死。它们带来光明，但光明既深又深。
波斯尼亚和黑塞哥维那馆
欢乐花园是一件高度社会参与的艺术作品，它试图从多个历史角度创造效果，并具有借鉴东欧社会的社会政治、伦理、经济和文化背景的强烈内涵。该项目合奏由三个相互关联的较小合奏、一个大理石三联画、一个视频剪辑和一个装置组成，艺术家作为其创作者，将自己定位为一个活动家，其实践和制作以高度特定的方式将自己强加于模型，使得源自当地社区（即环境）的可能参与。
欢乐花园的完整项目背后的想法是人们肆无忌惮的欲望，在整个波斯尼亚感知的同时代集体荒谬之下的个人真相。该项目利用对全球世界的最新知识和相关知识，通过当地背景过滤，创造出一种新的、清晰的艺术洞察力，这是整个合奏的重要决定因素。
加拿大馆
莎莉·博伊尔 (Shary Boyle) 以大胆使用幻想小说来探索人类心理和情感状态而闻名，博伊尔在一系列媒体中工作，包括表演、雕塑、电影和沉浸式装置，并在实践中采用高水平的手工制作工艺。她挖掘艺术史、流行传说和古代神话，创造出一种独特的象征语言。 Boyle 的工作受到对阶级和性别不公正的担忧的推动。她的作品包含各种形式的混合性，挑战人与动物、生与死、男性与女性之间的传统界限。从雕塑到投影，她通过诗意和人性化的视角，将她对性、人际关系和人类脆弱性的个人看法转化为自己的观点。博伊尔还创造了身临其境的多感官表演，并与包括 Peaches、Feist、Christine Fellows 和 Doug Paisley 在内的音乐家合作。
智利馆
在智利馆中，每隔 3 分钟就会从水中出现一个带有 28 个国家馆的 giardini 的完美复制品。进入军械库空间的游客会遇到一个充满泻湖水的游泳池，只能看到水在墙壁上的倒影。 Alfredo Jaar 直指国际艺术展无意识的分层排他模式；由于其早期问题，多年来一直在实践并保持不变。 “威尼斯，威尼斯”展示了 jaar 以 1:60 比例模型的形式再现了整个 giardini 场地和该场地今天的建筑。在建造展馆及其周围自然的复制品时，艺术家创造了一个乌托邦，我们看到原型被淹没在浑浊的绿色水池中，然后重新出现，就像历史上的幽灵。
阿尔弗雷多·贾尔 (Alfredo Jaar) 是一位艺术家、建筑师、电影制片人和讲师，他对不同文化、政治和公共环境中的艺术的广泛投入，使他在过去的三十年中创作了一些最深刻、最发人深省的作品。该项目首先是对双年展国家馆模型的批判，而不是对威尼斯泻湖绿色潮汐下城市物理下沉的反映。丰塔纳的照片实际上是希望和更新的象征，它不仅表明双年展需要与时俱进，而且整个文化需要重新思考。
中国馆
中国馆以“立变”为主题，特别关注弥合生活与艺术之间的鸿沟，将生活转化为艺术，将平凡转化为艺术或艺术表演，将非艺术转化为艺术。七位中国艺术家通过不同的媒介和主题探索了这种变化的概念——从天堂的角度延伸。
“立变”除了与双年展主题“百科宫殿”所倡导的“人的梦想与影像的汇合”精神相吻合，“立变”还包含了地理、空间和图形的概念，如位置、位置、图位等，在内涵上承载和象征着时间的特征，反映了当代国际社会的特征：不仅在中国，而且在全球化的世界变化中。同时，“立变”旨在提供创新、主动性和创造力，将其置于因发展而产生的变化中，在与世界其他国家的展览中展示当代世界的文化和意识形态多样性。它旨在展示艺术世界全球化和国际化时代不同文化、艺术实践和意象的多样性以及差异和融合。
丹麦馆
丹麦馆设有多通道视频装置和丹麦艺术家 Jesper Just 的建筑干预。建筑物外部的砖墙迎接游客，迫使所有人从一侧的一扇门进入。在里面，五部不同大小的电影投影为室内的不同墙壁和房间增光添彩，它们的音频和视觉效果相互渗透，创造出新的叙事体验。这些投影描绘了一个城市中三个人交织在一起的故事。所描绘的城市中心实际上是中国杭州的一个郊区，它几乎是巴黎的复制品，配有埃菲尔铁塔。 Jesper 用法国演员来展示这座城市，就好像它是“真正的”巴黎一样，同时由于城市存在的某些文化刻板印象而在那里留下了一些歧义。任何人都清楚比例和规模略有偏差。
芬兰馆
《倒下的树》，将芬兰艺术家泰瑞克·哈波亚和安蒂·莱蒂宁的个展组合成一个花园式的整体，同时接管了北欧馆和芬兰阿尔瓦·阿尔托馆。“倒下的树木”展览的概念起点来自 2011 年艺术双年展的一个意外事件，当时一棵大树倒在了阿尔托馆上，将其打碎并缩短了当时正在展出的展览。艺术与自然之间的偶然相遇为曲折的策展过程提供了第一个音符，并在随后的两个单一展览中产生了呼应。2013 年，Terike Haapoja 通过综合的建筑姿态将北欧馆改造成一个研究实验室。
展览形成了一个特殊的知识花园；一种不能直接从树上提取知识的地方，如基于分类的植物园或动物园。在这个花园中，知识意味着对自然及其不同物种的积极作用的共享、开放和具体的参与和认可。在这个地方，技术和科学找到了它们作为研究生命和艺术基本问题——记忆、我们与自然的关系和死亡——的工具的位置。该项目展示了由视频和照片、装置和表演组成的作品，在芬兰大自然创造的舞台上，不妥协的概念和荒谬的幽默相遇。艺术家们挑战我们从新的角度思考我们的人类维度，尽管它们以非常不同的方式工作并产生不同的结果。他们的作品揭示了我们日常生活基础中的偶然性，同时丰富了我们想象力的可能性。
法国和德国馆
题为“拉威尔拉威尔Unravel”，由两部电影组成。每个屏幕都集中在一位著名钢琴家的左手上：路易斯·洛蒂和让-埃弗拉姆·巴沃泽。在这些影片中，安里·萨拉继续探索空间和声音，以及身体的无声语言。他在一项雄心勃勃的作品中提供了基于差异和相同的体验，进一步推动了他在声音空间化方面的实验。这部作品既能吸引观众的智力，也能吸引他的身体，创造出强大的身体和情感体验，让观众沉浸在其音乐中。
占据德国馆中央空间的两部作品中的第一部名为《拉威尔·拉威尔》，由两部电影组成，每部都聚焦一位著名钢琴家的左手：路易斯·洛蒂和让·埃弗拉姆·巴武泽。这两位表演者都应安里·萨拉的邀请，在迪迪埃·贝内蒂指挥的法兰西国家管弦乐团的伴奏下演奏拉威尔的协奏曲。在相邻的房间里，另外两部电影以单一标题 Unravel 放映。DJ Chloé 是单独拍摄的，混合了两种诠释中的每一种，并试图通过她独特的诠释将两个版本的协奏曲结合起来。
英国馆
题为“English Magic”，反映了 Jeremy Deller 大部分作品的根源，重点关注英国社会、人民、偶像、神话、民俗以及文化和政治历史。 Deller 以一种既现代又忠实于原始主题的方式构建了这些实例，编织了一种近乎迷幻的叙事；微妙地徘徊在事实与虚构、真实与想象之间。针对过去、现在和想象中的未来，Deller 与各种各样的合作者合作，包括考古学家、音乐家、鸟类保护区、囚犯和画家。
杰里米·戴勒的新电影《English Magic》是他展览的重要组成部分。这部电影汇集了展馆作品背后的许多想法，其视觉和主题元素反映了戴勒对英国社会多元化性质及其广泛的文化、社会政治和经济历史的兴趣。
希腊馆
标题为“历史零”，包括三集的电影以及文本和图像档案，探索金钱在人际关系形成中的作用。随附的档案材料选择替代货币档案和宣言，提供了替代非货币交换系统的例子和证据，重点关注此类模型侵蚀或质疑共同货币同质化政治权力的能力，以及在困难时期，社区在商品交换方面发挥作用。
伊拉克馆
该项目以“欢迎来到伊拉克”为题，展示了在伊拉克生活和工作的伊拉克艺术家在一个国际艺术平台上的表现。参加展览的 11 位艺术家也受邀参加展览的开幕周，他们从国际艺术界以及这座城市的丰富遗产中汲取了新的想法。由于这个广受好评的展览，许多艺术家被邀请在全球领先的画廊、博览会和节日上展示他们的作品。
展览包括漫画家阿卜杜勒·拉希姆·亚西尔（Abdul Raheem Yassir）的作品，他用冷漠的幽默来解决社会和政治混乱和腐败问题；来自 Sulaymaniyah 的 Jamal Penjweny，他展示了一系列题为“萨达姆在这里”的照片，描绘了伊拉克人在日常生活中将这位前独裁者的肖像蒙在脸上；Cheeman Ismaeel 是入选的两位女性艺术家之一，她通过华丽的装饰将家居用品个性化。
爱尔兰馆
“飞地”是一个多通道电影装置，展示了理查德·莫斯2012年在刚果民主共和国东部制作的作品。艺术家充分利用了爱尔兰馆的空间结构。 Enclave 出现在安装在更大的黑暗房间内的多个屏幕上。屏风挂在椽子上，每个屏风都接触一根柱子。通过将每个屏幕与柱子相邻放置以激活架构，使用它而不是抵抗难以解决的柱子。屏风可以从两侧观看，在空间内营造出一种雕塑般的迷宫。观众必须在空间上积极参与到作品中，根据作品对声音和视觉的强调在房间中移动。
Enclave自始至终都在改变风格，在人类学、隐喻、抒情、超现实主义和荒诞之间转换。这件作品是关于真实（在拉康意义上）和卷轴（如在新闻片中）。这与 Richard Mosse 早期在刚果拍摄的照片完全不同，仅仅因为电影和静态摄影是非常不同的动物。电影立即触动人心，就像音乐一样，而静态摄影更具反射性，更无休止，但不那么贴近。英克雷深藏不露，有时令人恐惧。
以色列馆
吉拉德·拉特曼 (Gilad Ratman) 的“工作室”(The Workshop) 是基于一个虚构的由一小群人从以色列到威尼斯的地下旅程。该项目通过视频、装置、声音的非线性呈现以及对展馆本身结构的物理干预，记录了一个人群从以色列到威尼斯的旅程。他们的史诗般的航行始于以色列的洞穴，穿过险恶的地下通道，然后冲破以色列馆的地板。抵达后，该团队将展馆变成了一个工作室，用他们从以色列运来的粘土雕刻自己。将双年展视为国家连通性的乌托邦模型。
该团体的研讨会活动以粘土半身像代表自己，伴随着喉音录音，暗示着回到早期人类社会的前语言阶段。作为他作品中反复出现的主题，拉特曼一方面探索了人类行为的普遍模式与另一方面的语言、国籍或政府部门之间的紧张关系。 “工作室”，视频和声音，为观众提供了在那个地方发生的事件的反映。通过这样做，作品创造了一段虚构但真实的历史。 Ratman 展示了一个可以在隐藏网络中跨越国界进行传输的世界：免费、未被发现和无法识别。在乌托邦、前社会甚至前语言阶段的小社区中运作，因为在 Ratman 的作品中反复出现的那些是必不可少的。
意大利馆
意大利馆展示了当今意大利艺术的理想之旅，该行程讲述了身份、历史和风景——真实和想象——探索了该国艺术变迁的复杂性和层次。近期艺术的肖像，作为与历史遗产和时事对话的主题和态度的地图集，具有本地和国际维度。广受赞誉的大师与后世艺术家之间的对应、衍生和差异的交叉对话。一个不寻常的地形，它允许重新评估最近意大利艺术的一些基本轨迹，回顾被遗忘的道路，治愈文化健忘症，并为孤独的作者提供新的知名度。展览分为七个空间、六个房间和一个花园，每一位都收藏了两位艺术家的作品，他们基于各自诗学的亲和力以及对主题、思想和实践的共同兴趣而走到一起。
围绕项目的七个二项式：身体/历史、视图/地点、声音/沉默、透视/表面、熟悉/陌生、系统/片段和悲剧/喜剧。在艺术家与艺术家、房间与房间之间的对话中，展览展示了大部分是专门为这一场合创作的作品——十四个中有十二个——并被提议作为反思意大利文化特征和矛盾的平台，回归我们最近的艺术的重要复杂性是由直觉和矛盾创造的，其中反之亦然的游戏是其基本要素之一，从而断言了它应得的原创性和国际重要性。
日本馆
田中功纪以“抽象演讲——分享不确定性和集体行动”为题，考察了 2011 年日本发生大地震和海啸的有形和情感后遗症。展览展示了一个仍在从大地震、海啸和海啸中恢复的日本。 2011 年随后的核事故。这项工作旨在解决感知和分享他人的问题和痛苦的困难。他的装置计划将日本馆变成了一个平台，通过不同的任务以交互方式分享以前或虚构的灾后经历。具体而言，这些任务将参与者置于不寻常的情况下，并促使他们处理非典型情况。
设计的灾难式演习的例子包括让一群人尽可能安静地一起从高层建筑的紧急楼梯下降；手电筒在夜间的街道上行走；模仿在完全黑暗中疏散建筑物的“集体行为”；并使用几个破碎的碎片重建一块陶器。这旨在描绘保护者在尝试重建物体时所需的合作，并隐喻建立新的地震后社会所面临的挑战。由几个人组成的小组被要求共同应对这些情况，他们的努力通过九个视频和摄影作品记录下来。通过这些群体互动，田中调查了我们如何通过自己的观点来同情他人的经历。通过录像、摄影装置和互动团体体验，田中表达了一个正在恢复和恢复活力的国家的情绪。
科索沃馆
Petrit Halilaj 将合作者、家庭成员的纪念品汇集在一起，并在展馆内为他们创造了一个庇护所，唤起了他的个人焦虑和他家乡令人担忧的历史。 Petrit Halilaj 的艺术实践是由对现实是什么以及现实如何通过艺术表现的不断探索所驱动。他对农村童年的记忆，他对战争、破坏、流亡和流离失所的个人经历，是他对生活和人类状况进行反思的基础。他的作品描绘了他在科索沃、柏林和意大利之间的不断迁徙，而他独特的怀旧品牌是恢复性的，而不是反思性的。打通与公众的沟通渠道，克服他与家乡鲁尼克世界之间的联系，在他生命的不同阶段之间架起桥梁。
Petrit Halilaj 的作品特别具有个人特色，通过各种个人物品的收藏唤起了科索沃的历史和文化。为此，哈利拉吉在他的作品中运用了怀旧的思想。他将这些有共鸣的物体与对自然世界的超现实主义相结合，在科索沃馆中，自然世界在用树枝和树枝制成的庇护所中得到表达，就像异物从某个潜意识和被遗忘的时代或领土迁移到附近的地方一样而不是西方世界历史文化和艺术成就的著名标志。包括两只曾住在艺术家工作室的金丝雀是另一种模棱两可的象征，这是哈利拉杰作品的典型代表。
立陶宛和塞浦路斯馆
标题为“oO”，该项目以非常自信的方式抵制国界；通过共同工作、共同制作和共同委托举办在不确定的经济环境中可能无法实现的活动。 oO 挑战观众理解展示、分类和建议新的和可能的组织形式。这场展览分布在宫殿的各个楼层，似乎是按照寻宝的方式设计的，邀请参观者在空间中自由走动。艺术家和策展人以一种独特的风格希望您同时品尝展览的开始和结束。展览确实出人意料，因为它以不可思议的地点和艺术品展开：吸尘器机器人四处游荡，铃木兰迪和本田查利摩托车靠墙堆放。体操运动员的黑白图像并列在这些装置中，并完美地融入空间。
新西兰馆
标题为“Front Door Out Back”，比尔·卡尔伯特（Bill Culbert）的作品被放置在整个大型建筑的地板、墙壁、天花板和室外区域。艺术家通过将这些作品与大量荧光灯管形成雕塑般的融合，将这些物体从它们的普通环境中剥离出来，引导游客穿过 la pietà 的庭院、房间和走廊，在他的雕塑周围流动并经常与他的雕塑相交。当人们走过 la pietà 遗址时，他们会看到 culvert 的每件作品如何展开，发挥 la pietà 遗址的品质。该项目旨在为环境引入活力和简约，点燃通常无人居住的房间和通道，将它们转变为充满活力的生活空间。
展览是一个与家庭世界主题相关的八部分装置，我们看到涵洞使用家具（从椅子、衣柜、边桌）、彩色洗涤剂瓶，结合他的标志性媒介，灯光，创造一个完全为观众带来身临其境的体验。平凡的物品被组合成简单的布置，进一步强调了与家庭相关的想法和观念——塑料容器的放置覆盖了建筑物主房间的地板，提供了色彩和光线的密集地毯，或椅子和桌子的网络向下层叠，结合荧光灯管照明，悬挂在场地的走廊上，让人联想到枝形吊灯。
挪威馆
标题为“当心圣妓：爱德华蒙克，莱内伯格和解放的困境”，该项目包括一系列罕见的爱德华蒙克作品以及莱内伯格的新委托电影，始终围绕解放作为一个问题在自由领域与追求品质不同的“另类”生活时常常伴随着孤立的后果之间存在矛盾。这部电影专注于三个不同的角色，他们被问及在复杂情况下作为受害者或肇事者的角色。这部电影探讨了基于先入为主的概念和既定规范对人类行为的解释。就像整个展览一样，这部电影呈现了对原始场景的解构，该场景充当了修正解放政治、性别斗争和内部冲突的催化剂：解放的困境。
在边缘运作、在外部试图闯入或在内部重新定义背景的冲动是艺术史上的关键驱动力之一。对“新的感性”的努力包括从既定系统的合理性以及试图改变该系统的逻辑中释放出一种迷幻的麻醉剂。这种存在于现有秩序与真正解放之间的差距中的新感觉可能会导致根本性的转变——在这种转变中，艺术作为一种技术发挥作用，通过这种技术将现实从幻觉、模仿、和谐中重建，转向现实。事情还没有给出，还有待实现。展览探讨了艺术、其社会背景和不断变化的性别关系之间的关系，无论是在蒙克生活的解放时代还是今天。
葡萄牙馆
Trafaria Praia 是一艘里斯本渡船，或 cacilheiro，于 2011 年退役。 Trafaria Praia 曾经用于运送乘客穿越塔霍河，现在被改造成 Vasconcelos 的漂浮亭，停靠在威尼斯的 Giardini 附近并航行在整个双年展期间定期参观泻湖。展览探讨了里斯本和威尼斯之间的共同点，即它们丰富的航海历史，几个世纪以来，这有助于扩大欧洲的世界观。
大型辅助现成品由多层艺术品和象征意义组成。首先是船本身，它在里斯本是蓝领工人的象征，他们使用渡轮过河工作。这艘船还代表了里斯本与威尼斯的关系，“它通过贸易、外交和艺术发展起来……考察了它们共有的三个基本方面：水、航海和船只。”通过创建一个漂浮的展馆，瓦斯康塞洛斯正在对领土进行解域化——隐喻地规避了经常标志着国际关系的权力斗争。”船的外部覆盖着手绘瓷砖，描绘了里斯本的现代天际线。船的内部包含作品 Valkyrie Azulejo。这个空间从天花板到地板都覆盖着深浅不一的蓝色纺织品。包裹在 LED 灯中的大型钩编不规则形状侵入空间，强调身体与空间的关系。创造了整体身临其境的体验，该空间被比作海底或鲸鱼的腹部。
大韩民国馆
以“呼吸：Bottari”为题，Seungduk Kim 将韩国馆变成了一个超凡体验的地方。处理有关身体、自我和他人的问题，以及“阴”和“颜”与生死的关系。Seungduk Kim 用半透明薄膜包裹了整个国家馆的内部，将建筑环境与自然区分开来。皮肤衍射日光，将光谱洒在内部结构上，彩虹的强度反射到墙壁和地板上。这种变形与太阳升起和落下穿过建筑物的运动直接对应，呼吸太阳的自然波动。
“呼吸：bottari”颂扬有声和无声的双重存在，以及作为黑暗一部分的光和光的延伸的黑暗的现实。质疑“看不见”的视觉知识层次，在呼吸bottari中，对立的两极被视为同一整体的一部分。艺术家希望邀请观众思考他们身体的特殊时刻和感觉，体验对人类知识和无知的状况及其在空间和时间上的心理的认识。这就是她至今在实践中所追求的“整体性观念”，以此来质疑这个时代的文明状况。
俄罗斯馆
瓦迪姆·扎哈罗夫 (Vadim Zakharov) 的装置将俄罗斯馆的上下两层结合在一起。装置的主题围绕着古希腊神话中的达娜厄展开。在展馆的中央大厅，在较低的展览空间的天花板上做了一个大方孔，并在上层的孔周围建造了一个带有跪垫的祭坛栏杆。往下看，参观者可以领会并感觉到我们正处于神话具体化的独特过程中。穿过地板上的大洞，参观者落入另一个语义和诗意的空间，金币从金字塔天花板飞入其中。下面我们看到带雨伞的妇女，以保护她们不被硬币击中。下层大厅仅供女性参观。这与性别歧视无关，而只是遵循神话的解剖结构逻辑。阳刚之气只能自上而下，以金雨的形式。亭的下层是一个“洞穴子宫”，保持宁静、知识和记忆完好无损。
达娜厄受孕的希腊神话被多次解读：金雨般的下落将达娜厄的诱惑作为人类欲望和贪婪的寓言，但也提到了金钱的腐化影响。通过他的艺术舞台，扎哈罗夫让这个古老的神话找到了当代的时间维度。哲学的、性的、心理的和文化的碎片在整个展馆房间集中成一个剧院般的整体构图。该项目具有雕塑和图画元素，并邀请参观者积极参与，以保证物质商品的流动作为一个持续的过程。在这部五幕表演中，扎哈罗夫向一个不再信任神话的社会展示了神话化身的重要性。是时候承认我们的粗鲁、欲望、自恋、煽动、谎言、平庸和贪婪、犬儒主义、抢劫、投机、浪费、暴食、诱惑、嫉妒和愚蠢。
塞尔维亚馆
以“我们之间没有任何东西”为题，弗拉基米尔·佩里克和米洛什·托米奇找到了一种特殊的方式来展示他们多年来通过对各种二手物品的痴迷积累而积累的收藏品的一些片段。佩里克在展馆中的装置形成了一个整体，为展馆空间进行了非常精确的构思和安排。它包括他的几个藏品的各个部分，但主要由童年博物馆组成。相反，托米奇的作品是他对各种自发的、非常规的、业余的、朴素的、天真的朴实甚至天真的傲慢的研究的视频日记，试图在专业音乐制作的公认大炮之外制作某种音乐。所有这些完全无政府主义内容的纪录片记录，唤起了旁观者凝视之前的反艺术传统，只是起点和真实的原材料，为项目注入了特别的活力。
Vladimir Peric 将内容重塑为寓言式的组合，讲述了他们聚集的地方和环境的故事，并讲述了他们的元素在其前主人的生活中具有一些实用功能的现在失去的时代。这个想法是质疑当代的问题，以及艺术家在展览中对他们的作品所采取的立场。这些将收集到的物品组装成极简主义的装置，其元素按照重复的图式排列，使这些元素的个体特征在视错觉中消失。 Miloš Tomic 的作品展示了潜在的形式方面。背离任何稳定的既定秩序，看似失控的本质。 Tomic不断转换专业技能和知识的应用范围，为了使各种计划外的、意料之外的甚至不需要的东西出现，需要发明新的工作策略和方法。
西班牙馆
Lara Almarcegui 将西班牙馆变成了各种各样的瓦砾和其他从荒地中发现的物品，作为对城市转型过程的检查。该项目考察了由于经济、政治和社会变化而导致的城市转型过程。Almercegui 以荒地、城市内的现代废墟为重点，试图将注意力集中在这些经常被我们忽视的城市空间上。特别是，她专注于研究构成一个地方的经常被忽视的元素——构成它们的现代废墟和城市荒地；她揭示了她挖掘和调查的遗址与其过去之间的关系，并评估了它们可能的未来。
西班牙馆由两部分组成： giardini 场地的装置，直接与哈维尔·德·卢克 (javier de luque) 于 1922 年建造的建筑相呼应；这是一种占据其整个内部空间的干预措施。一是各种建筑材料、水泥瓦砾、屋顶瓦片和碎石砖的压倒性高耸的山脉，与工人建造场地的类型和数量相匹配，几乎无法直接进入。在另一侧的房间里，发现较小的、不太重的土堆，每个土堆都根据材料（锯末、玻璃和铁渣和灰烬的混合物）分开。
教廷馆
梵蒂冈馆选择了一个对文化和教会传统至关重要的主题。它也是许多在艺术史上留下印记的作品的灵感来源：创世纪中讲述的故事。具体而言，选择了前 11 章，因为它们致力于讲述人类起源的奥秘、将邪恶引入历史，以及洪水象征性地代表的灾难之后我们的希望和未来计划。关于这个取之不尽的资源所提供的主题多样性的广泛讨论导致艺术家们选择了三个主题领域：Creazione（创造）、De-Creazione（非创造）和新人或Ri-Creazione（娱乐）。
创造的主题集中在圣经叙述的第一部分，当创造性的行为通过圣言和圣灵的气息引入时，产生了时间和空间的维度，以及包括人类在内的所有生命形式。另一方面，非创造邀请我们专注于选择通过道德和物质破坏的形式违背上帝的原始计划，例如原罪和第一次谋杀（该隐和亚伯），邀请我们反思“非人道”的人。”随之而来的暴力和不和谐引发了人类的新起点，从洪水的惩罚/净化事件开始。在这个圣经故事中，航海的概念，以及寻求和希望的主题，以诺亚和他的家人为代表，然后以亚伯拉罕和他的后代为代表，最终导致了新人和更新的创造，深刻的内在变化赋予了存在新的意义和活力。
土耳其馆
Ali Kazma 的视频聚焦于劳动和生产主题，他相信世界在高速发展，世界已经成为信息高速公路，它是移动的等等，但 Ali Kazma 想提醒人们我们仍然生活在一个存在诸如邮票纸之类的工作的世界中。Kazma 的作品调查了各种职业的机械特性，从动物标本剥制到工作室陶瓷，从糖果制作到土耳其公证人的工作。他的作品从仪式性、重复性的日常工作中衍生出关于劳动和经济意义的思想，提出了关于社会组织和人类活动价值的问题。
美国馆
题为“三重点”，Sarah Sze 的作品直接回应了他们受委托的地点，通过规模的根本转变改变了人们对空间和建筑的看法，用她的大-规模干预。人们立即在院子里体验“三重点”，在“拾穗者”中，一个摇摇欲坠的结构在外部爬升和下降，位于展馆正门的右侧。合并形成一个外部空间，只有在以后才能完全展现出来，它的位置将人们进入内部的通道重定向到入口圆形大厅左侧的前出口门，在那里他们遇到了 sze 的临时结构，这些组合看起来未完成，但值得注意的是回忆模型、机器和设施，如实验室、天文馆、天文台和钟摆。
一系列相互关联的作品，将她的展览向外延伸，包括外观、接近和出口，在另一个层面上与新古典主义设计相结合，挑战其帕拉第奥式的秩序感。美国馆的布局通常会邀请游客通过中央入口进入圆形大厅。然而，从这里开始，四个画廊被分开（两个位于圆顶门厅的两侧），迫使一个人选择进入哪个方向，然后让他们回到原路以查看其他房间。为了创造更直观的体验，Sze 关闭了主要通道，引导游客绕过建筑物的一侧从左侧进入，引导他们以合乎逻辑的方式穿过建筑物。一个人蜿蜒穿过一系列看似粗糙但经过计算的装置，由 sze 在整个威尼斯发现和收集的一系列物品组成，艺术家努力在无序的宇宙中刻下非常脆弱的个人秩序。
附带事件
非营利性国家和国际机构在城市内的不同地点展示他们的展览和倡议。
25%：威尼斯的加泰罗尼亚
Cantieri Navali，组织：Institut Ramon Llull
八名失业者被选中，代表最广泛的社会范围（一个没有论文的塞内加尔人、一个年轻而高素质的女建筑师、一个女科学研究人员和一个 50 多岁的蓝领……）所有这些人都将由 Francesc Torres 拍摄在与记录他们日常生活的艺术家同居期间。除了他们日常生活的视觉文件外，托雷斯还为他们每个人制作了一张官方肖像。在记录了所有角色的日常活动和经济状况的第一阶段之后，电影制片人梅赛德斯·阿尔瓦雷斯 (Mercedes Álvarez) 进行拍摄，其中每个角色都表达了他/她对艺术在他们生活中的作用的看法。于是，这八名失业者成为了展览的活跃主题。
遥远的耳语 – PEDRO CABRITA REIS
Palazzo Falier，组织：Direção-Geral das Artes
佩德罗·卡布里塔·雷斯（Pedro Cabrita Reis）是他那一代的主要葡萄牙艺术家之一，展示了一项名为“遥远的耳语”的现场干预，涵盖了 Palazzo Falier 的“piano nobile”整个 700 平方米的展览区。一个遥远的耳语流过房间，用铝管、荧光灯和电缆拥抱墙壁、门口和地板，就像太空中的图画。这是一个半不稳定、粗糙但几乎是建筑的建筑，它整合了他曾经被他遗弃的工作室的作品片段、纪录片材料、照片以及在城市中发现的漂浮物和喷射物旁边的素描和绘画。
关于转弯：威尼斯的纽芬兰，吉尔和彼得威尔金斯
Galleria Ca’ Rezzonico，组织：Terra Nova 艺术基金会
About Turn：威尼斯的纽芬兰，Gill & Peter Wilkins 展示了加拿大纽芬兰当代艺术家 Gill 和 Peter Wilkins 的新作品。展览的灵感来自于对世俗叙事的互补探索。这部跨越视频、摄影和绘画的作品巧妙地在抽象和叙事的界限内发挥作用；可识别的和无形的。吉尔的作品将假装天真与正式控制融为一体，从家庭生活和转瞬即逝的梦想中解脱出来。威尔金斯的图像在历史和当代艺术之间架起了桥梁，采用了对持续时间和形式的微妙、提炼的抽象。
艾未未——性格
Zuecca 项目空间/Complesso delle Zitelle，组织：Zuecca 项目空间
这位艺术家在 2013 年唯一的大型新个展，在两个地点展出：Zitelle 综合体、Zuecca Project Space 的所在地和圣安东尼教堂。艾未未展示 Straight，这是第一个使用从 2008 年四川地震中倒塌的学校恢复过来的长钢筋开发的项目。这项工作首先在华盛顿特区的赫希霍恩博物馆展出，现在在 Zuecca 进行了更大规模的安装项目空间。他的第二部作品名为《SACRED》，是在圣安东尼教堂举办的威尼斯双年展的新场域专题展示，让观众直接感受到一场突显当代中国矛盾发展的事件的戏剧性。
艺术与知识 – 5 柏拉图立体中的地方精神
Biblioteca Nazionale Marciana，组织：van der Koelen Foundation for Arts and Science
在著名的 Biblioteca Nazionale Marciana（圣马可广场）的纪念室，Lore Bert 在名为“艺术与知识——5 种柏拉图立体中的地方精神”的展览中，将 5 件镜面雕塑和 11 件大幅面作品展示在纸环境中. 5个柏拉图立体代表5个元素：地球、水、火、空气和宇宙。Lore Bert 曾就读于柏林美术学院。她在全球超过 26 个国家组织了 200 多个展览和 125 个环境，其中包括 40 个在博物馆的个人展览。一些出版物，其中 38 部专着记录了她的作品，并在多个国际收藏中展出。
背靠背双年展——自由表达
Campo Sant’Agnese，组织：Associazione Eventi d’arte e d’architettura
从战后至今，当代艺术已经对自我表达的多种不同方式进行了理论化和解释。作家是一种非凡的艺术运动，它起源于高度城市化社会的灰烬，在那里外围被视为贫民窟，作为公民意味着将城市视为一个伟大的调色板，通过它来解释一个人的现实概念。背靠背双年展项目是一项文化活动，从某种集体和代际角度来看，其特点是艺术家提供的表演，没有从策展人或主题的角度进行任何过滤，有自由正如副标题所声称的那样。
巴特·多萨。卡佳
Dorsoduro 417，组织：莫斯科现代艺术博物馆（MMOMA）
巴特·多萨。Katya 是在一个特别组织的黑暗空间中展示的火棉胶和银色玻璃照相板和青铜雕塑的展览。该项目讲述了一位美国艺术家在莫斯科发现的俄罗斯女孩的私密故事。卡佳从严格的东正教修道院生活（她从 3 岁到 13 岁在那里度过了 10 年）到莫斯科地下的旅程记录在她的皮肤、面部和身体上。她的形象被印在玻璃和青铜雕塑上，以描述卡佳的旅程和神话十字路口的原型，这是多尔萨作品的主要主题。
贝德维尔·威廉姆斯：星空信使
Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca)，组织：Cymru yn Fenis / 威尔士在威尼斯
如果一个诗人通过显微镜或望远镜看，他总是看到同样的东西（加斯顿巴切拉德）。Bedwyr Williams 的 Starry Messenger 得名于伽利略·伽利莱发表的一项关于他通过望远镜发现的研究。在 Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca) 的一系列房间和通道中，这项新作品思考了对无限和微小空间的探索。业余天文学家的夜间守夜活动或崇拜者对鞋子下方水磨石地板抛光星系的探索。
呼吸
Torre di Porta Nuova
Shirazeh Houshiary 展示了 Breath，这是一部于 2003 年首次构思的四频道视频，是重新制作的版本，是新的、独特的、特定于站点的装置的一部分。在《呼吸》（2013 年）中，四个视频屏幕发出令人回味的佛教、基督教、犹太教和伊斯兰教祈祷的圣歌。声音是用图像编排的，可以捕捉到歌手的呼吸扩张和收缩。该装置是一个覆盖着黑色毛毡的矩形外壳，通过一条狭窄的通道进入，通向昏暗的白色内部。四个屏风悬挂在视线高度，不同传统的圣歌从这些屏风中起起落落，在令人难以忘怀的合唱中升起和消散，这种合唱充满了整个房间，并渗透到每一面墙之外。内有统一，外有多样性。
文化•思想•成为
Palazzo Mora，组织：全球艺术中心基金会
Culture•Mind•Becoming——由一群杰出的中国艺术家举办的展览——旨在通过全球化的镜头将中国文化中存在的文化影响、挪用、反思和再创造并置。在艺术家普遍以个体经验主义为艺术实践主体的时代，中国艺术家在对西方艺术的了解后回归文化传统。通过不断的实验和进化，他们提出了一个独特的、创造性的背景的共同点。中国艺术家在生活的不同阶段或多或少都受到西方文化的影响。生活在多元文化的社会中，他们受到启发重新定义和重塑他们的共同组成部分——东方文化体验，这通过艺术表现来体现。
应急馆：重建乌托邦
Teatro Fondamenta Nuove，组织：MAC（智利圣地亚哥当代艺术博物馆）；基金会法人
四十年过去了。世界是什么时候开始变化的？是 1973 年还是 1989 年？“权力的想象力”何时消亡，是在 68 年还是 2012 年？还是在 2013 年 1 月 1 日？
未来一代艺术奖@威尼斯 2013
Palazzo Contarini Polignac，组织机构：Victor Pinchuk Foundation；平丘克艺术中心
威尼斯未来一代艺术奖是第二届全球艺术奖，共有来自几乎所有大陆和 16 个不同国家的 21 位艺术家参加。21 位独立艺术家的陈述，包括主要奖项获得者 Lynette Yiadom-Boakye 和特别奖获得者：Ryanne Tabet、Marwa Arsanios、Jonathas de Andrade、Micol Assaël 和 Ahmet Ögüt 提供了丰富的艺术定位，映射和发现开创性和未来趋势新一代艺术家。
玻璃应力，白光/白热
贝伦戈当代艺术和玻璃中心，组织：LCF-伦敦时装学院
受邀艺术家被要求回应光与热的主题、火的成分、与宇宙形成相关的破坏性/创造性元素以及来自混沌的原始物质。来自太阳光线的能量提供了这个星球上所有生命形式和生存所必需的光和热。光和热是玻璃制造的基础——光是我们对玻璃的感知不可或缺的一部分，而需要热量来塑造它。
我的图书馆
Monastero di San Nicolò，组织：EIUC – 欧洲大学间人权和民主化中心
在他的工作中心，诺塞拉经常将一些与基本人权相关的关键方面放在首位。在他的项目 I libri d’acqua 中，艺术家将注意力集中在作为完全成熟的社会现象的移民上。他的谈话的精髓在于人类的流动性，被视为基本的运动自由和对解放的渴望的表达，艺术家将其视为象征性的旅程。安东尼奥·诺塞拉的书是没有文字的旅行笔记本，是一个个不成文的故事，受书页保护，在我们眼前展开。书籍似乎是从水中涌出的神话记忆的神物
伊玛戈·蒙迪
Fondazione Querini Stampalia，组织：Fondazione Querini Stampalia onlus
展览展示了由卢西亚诺·贝纳通 (Luciano Benetton) 在世界各地旅行时收集的一千多幅小画作（均采用 10×12 厘米格式）组成的系列。该藏品展示了在澳大利亚、印度、韩国、美国和日本购得的作品。这个系列确实类似于一个开放的库存，能够贡献和展示艺术家看待、研究和代表世界的方式有多么不同，以及他们的经历如何帮助我们了解保存在不同和远离世界的任何事物中的财富提供我们的解释。
在格里马尼。三岛律江玻璃工场
Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa，组织机构：Ministero per i Beni e le Attività Culturali、Soprintendenza speciale per il patrimonio Storico、Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo muuseale della città di Venezia e dei comuni della lagunare
在格里马尼。Ritsue Mishima Glass Works 是第一个为博物馆房间创建的当代艺术展览，博物馆曾经是一个强大的 16 世纪威尼斯家庭的故居。Ritsue Mishima 的玻璃作品是在宫殿中度过的长时间的心血结晶。这位艺术家自 1989 年以来一直住在威尼斯，她使用古老的熔炉工艺文化表达自己，穆拉诺玻璃大师塑造了她的想法，从 Rinko Kawauchi 拍摄的照片中可以看出，专门为他设计了一个房间，让我们看到了玻璃加工和熔炉奥秘的诗意景象。
墨•笔•心，西双版纳
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello，组织：当代艺术馆，上海
2012年底，Simon Ma受邀参观中国南方的西双版纳热带雨林。在马云沉醉在热带雨林的宁静中时，我越来越惊叹大自然的至高无上。虽然我日常环境的颜色每天都在逐渐向灰色褪色，但这里的颜色感觉如此生机勃勃和明亮。 Simon Ma 观察到的树木高达 90 米，可与中国城市的大多数新建建筑相媲美。为了长得这么高，这些树需要有非常深的根。西蒙马意识到，我们的社会为了达到更高的水平，需要更深入地坚持自己的传统。树叶与孔雀的羽毛形成迷人的组合。百眼之尾，被认为是天上凤凰的化身。在风水学传统中，它被认为是中国南方的神兽，代表着力量和美丽。
劳伦斯·韦纳：手势的优雅
Palazzo Bembo，组织：书面艺术基金会
手势的恩典是劳伦斯·韦纳 (Lawrence Weiner) 的艺术品，构成了由书面艺术基金会组织的展览的核心，并在里亚托桥附近的本博宫一楼展出。一个组成部分是安装了手势的恩典，它出现在威尼斯的五个主要交通工具上，即汽艇。它通过大运河、军械库、贾尔迪尼和其他地方运送作品。该作品以十种不同的语言展示，从中文到日语，从阿拉伯语到希伯来语。本博宫的展览中还包括韦纳的另外四件作品，这些作品最初是为他于 1991 年在纽约迪亚艺术中心举办的展览《流离失所》而创作的。
迷失在翻译中
Università Ca’ Foscari，组织：莫斯科现代艺术博物馆（MMOMA）
迷失在翻译是过去四十年一百多件俄罗斯当代艺术作品的大型展览，重点关注与“翻译”艺术作品过程相关的历史、政治、社会和经济问题。全球化。展览为那些不熟悉他们出生和参考的“俄罗斯语境”的观众展示了特别难以解读的作品。每部作品都与其“扩展翻译”一起展示，它指出并解释了为更清晰地理解所传达的信息所必需的基本参考资料。
“爱我，不爱我”
Tesa 100，组织：YARAT当代艺术组织
阿塞拜疆及其邻国的当代艺术
由非盈利组织 YARAT 制作和支持，该组织致力于培养对阿塞拜疆当代艺术的理解，并在国内和国际上为阿塞拜疆艺术创造一个平台，爱我，爱我不提供关于多样化和阿塞拜疆及其邻国文化丰富的文化。目前对该地区存在同样的好奇和误解；展出的作品深入了解每个国家的动态，揭示历史中被遗忘或未知的方面，并展示其境内发挥作用的视野和创造力的广度。
头脑 • 跳动
Centro Ricerca Arte Contemporanea，组织机构：南京三川现代美术馆
“心”是心理学意义上的思维和意识，与大脑一样，是接收和分类信息的巨大中枢。展览的目的是将心灵作为一个容器，延伸至思维系统，通过人类共同的信息接收器官“心脏”及其跳动频率，探索视觉创作与多维世界的关系。虽然“全球化”、“跨界”等词被反复使用，但我们还是要从相似的角度分析最新的作品和创作者的想法，才能找到更合适的词。
Nell’acqua capisco
Ateneo Veneto，组织：CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea Castello Colonna Genazzano；哈特基金会
水是这个项目的主角，它告诉我们通过这个元素作为表达情绪的载体的关系、交流、感受和愿望。水是所有展出作品的共同特征，其漫游的声音试图隐藏痛苦的感觉，潜入水中是一种恢复外部世界的方式。此外，水意味着分享、解释包容性信息，水让我们有可能将共同利益重新转化为更具生产力的元素。所有这一切都是通过艺术家的作品来讲述的，他们能够创造出与水的原创对话，有时是快乐的，有时是痛苦的，但总是深思熟虑。
噪音
Ex Magazzini di San Cassian，组织：De Arte Associazione
在 Luigi Russolo 的《噪音艺术》之后一百年，展览将噪音视为任何交流过程的必要条件和组成部分。艺术的作用是使交流中通常逃避编纂和理解的部分充满意义，从而回到不确定性的基本原则。通过假设一种基于聆听或沉浸的作案手法，为展览选择的艺术家将过程性置于表现要求方面的特权地位，同时将可能被称为错误的地方定位为理解复杂性的必要前提存在。
否则被占用
Liceo Artistico Statale di Venezia，组织：Al Hoash
《其他被占领》中有两位国际知名的巴勒斯坦艺术家，巴希尔·马库尔和艾莎·迪比。两位艺术家都出生在 1948 年的边界内，在他们家乡另一个国家的边缘，在被占领的西岸和当代巴勒斯坦文化中心之外。他们移居国外，成为在全球化艺术世界中运作的其他国家的公民。他们仍然认为自己是巴勒斯坦人，并正在寻找从远处想象这个国家的新方法。艺术能够占据原本无法进入或不可见的文化空间。否则被占领描述了在冲突之外和冲突之外想象国家的其他方式；因此，它是通过巴勒斯坦去领土化进行艺术和批判性思维的一种手段。
重叠
Associazione Culturale Italo-Tedesca, 组织: Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia
OVERPLAY 以跨学科的方式关注艺术与危机之间的关系。从艺术史的历史调查（Caporali、Correggio、Jordaens、Guardi、Rousseau、von Stuck、Schifano、Vedova、Santomaso）开始，它把我们带到了“意义的批判性”，它出现在 Emiliano Bazzanella 的装置中，其中 iPad成为由软件创造的无穷无尽的悬而未决的问题，或者试图逃避、反叛、想象升华和重新转换，这是一大群主要当代艺术家的特征。
通向历史：威尼斯双年展二十年与中国当代艺术
Nappa 89，组织机构：成都当代艺术馆
2013年是中国当代艺术家参加威尼斯双年展国际美展二十周年；也标志着中西经济、文化、艺术交流二十年。在这段时间里，西方世界对中国文化及其国际认同的接受态度，以及中国对当代艺术，特别是绘画的贡献，都发生了有记录的变化。展览主题，穿越历史，由此而来？其实，我们可以清楚地看到，正是中国当代艺术家和国内外评论家的共同努力，以及那些对艺术充满热情的西方策展人的共同努力，才成就了中国当代艺术史的这一宝贵时期。
帕托·曼，卡洛斯·马雷罗斯
军械库，组织机构：澳门市民政事务局（IACM）；澳门艺术博物馆 (MAM)
这个艺术装置项目鼓励对信息和知识的反思，它的有序排列与否，以及它的操纵。从诺亚之弧到文艺复兴，从朱利奥·卡米洛的记忆剧场到史蒂夫·乔布斯的记忆剧场，都是马里诺·奥里蒂的百科全书宫。几个世界剧院对全球剧院的秩序提出异议，但仍然有道德的地方。PATO·MEN & Women 是少数，但数量却非常多。他们是奇怪的生物，非常有秩序和机智，几乎是享乐主义者，实践道德。这个艺术装置项目基本上是黑白的。
个人结构
Palazzo Bembo，组织：全球艺术事务基金会
展览展示了艺术作品的非凡组合，展示了关于时间、空间、存在主题的广泛的个人方法。艺术作品在每个给定的空间内做出真诚的强烈陈述，同时有助于创造一个整体的复杂展览。从艺术家的角度来看，每个房间都应该为观众提供有关每个展示的艺术品、项目或想法的内部信息。
约翰·波森的观点
Isola di San Giorgio Maggiore，组织：施华洛世奇基金会
John Pawson 揭示了圣乔治马焦雷大教堂的新视角。Perspectives 为参观者提供了一个独特的视角，欣赏安德里亚·帕拉迪奥 (Andrea Palladio) 的建筑杰作之美。凹形施华洛世奇水晶弯月面和更大的反射半球相结合，营造出戏剧性的光学体验，为著名的本笃会大教堂的内部带来新的光线。施华洛世奇基金会的使命是通过与建筑师、艺术家和设计师合作来促进创造力和创新，这体现了其对艺术界及其他领域的承诺。
绿色狂想曲
Istituto Santa Maria della Pietà，组织：中国台湾博物馆
1924年，乔治·格什温创作蓝色狂想曲时，台湾第一位现代主义中国艺术家黄土水（1895-1930）铸铜于郊外，描绘了南亚稻田常见的景象.绿色，在中国传统中语义模糊，在青铜铸件中没有，但在黄的创作中明显暗示，是绿色狂想曲的出发点。本次展览探讨了三位当代中国台湾艺术家，高赞兴（1945）、黄铭昌（1952）和周玉成（1976）如何对绿色做出艺术反应，要么采取光学、一种主体间的或概念的方法，提醒我们它在我们目前的生活环境中的正确位置。
RHIZOMA（等待中的一代）
Magazzino del Sale，组织：阿拉伯边缘
阿拉伯边缘是一项独立的艺术倡议，旨在培养对当代阿拉伯艺术和文化的欣赏，特别关注沙特阿拉伯。他们为第 55 届威尼斯双年展 RHIZOMA（等待中的一代）举办的展览，由 Sara Raza 和 Ashraf Fayadh 策展，从沙特年轻一代艺术家那里汲取灵感，将视觉艺术与技术、科学和自然结合在一起哲学。策展人 Sara Raza 解释说：“在策展上，展览的标题和前提重新使用了根茎的概念，根茎是一种植物的地下茎，横向而不是向上生根，作为当代沙特阿拉伯蓬勃发展的艺术场景的隐喻。”
瑞士沙龙
Palazzo Trevisan degli Ulivi，组织：瑞士艺术委员会 Pro Helvetia
瑞士沙龙是瑞士参加双年展国际艺术展的官方配套项目。它包括小组讨论和阅读，但也包括实验形式，如视听表演、重演和表演讲座。今年的版本致力于欧洲启蒙运动在当代艺术界的遗产。瑞士沙龙策展人Jörg Scheller邀请国际理论家和艺术家从多角度探讨启蒙运动。所有活动都在历史悠久的特雷维森宫举行。
苏格兰 + 威尼斯 2013
Palazzo Pisani di Santa Marina，组织：苏格兰+威尼斯
今天在苏格兰工作的三位与众不同的艺术家的新作品展览。Corin Sworn 创作的装置作品探索物品流通的方式，以传播故事和创造历史。邓肯坎贝尔制作的电影将档案材料与他自己的镜头相结合，质疑所呈现的信息。海莉·汤普金斯 (Hayley Tompkins) 制作的彩绘物品可以改变熟悉的、司空见惯的东西——例如刀、锤、手机或家具。该展览由格拉斯哥公共协会策划和组织。苏格兰 + 威尼斯是创意苏格兰、苏格兰英国文化协会和苏格兰国家美术馆之间的合作伙伴关系。
钢铁-生命，静物
Loggia del Temanza，组织：Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena
一个女人在生活中充满活力，并通过我们看到另一边。另一边是什么？残钢闪烁着强大的冗余；一种无法创造它本来可以创造的生活的残留物。诺雷尔·卡斯帕 (Norayr Kasper) 的摄影作品的时间性充满了电影摄影的变化，与照片报道一样远离怀旧。这些作品的关键不是消失，而是存在。Steel-Lives, Still-Life 是一种叙事，包含在帕拉第奥式的轻盈中。这个女人也知道她被一个没有她的世界包围了。这是静物，但却是一种令人震惊的现实。
欧亚之梦。987 感言：意大利的态度
Palazzo Barbarigo Minotto，组织：Fondazione Antonio Mazzotta
该装置包含两个方面：Omar Galliani 的艺术语言，它借鉴了伟大的意大利文艺复兴传统，以及他在欧洲和亚洲文化之间建立对话的能力。理解这种新配置的潜在隐喻是分形：欧亚人脸的椭圆形代表了圆柱所植根的数百万人的脸。形态和文化多样性在共享源于差异结合的新价值中得到承认。为了实施该项目，艺术家和策展人与意大利公司合作，涉及 987 份推荐书，这些推荐书以照片和视频片段的形式记录在案。
大运河
教区博物馆，组织：中国大运河扬州世界遗产名录办公室；西湖国际美术家协会。
中国大运河是活生生的文化遗产，也是本次展览的主题，旨在开辟人力和物质资源的交流，并导致与当今全球化相一致的艺术、思想和文化的百科全书式传播。本次展览展示了中国当代艺术、历史、传统和物质世界的融合。在探索大运河的文化和现实意义的过程中，中国艺术家处理了包括人造/自然、传统/当代、男性/女性和物质/精神在内的互补二分法。
安赫尔·马科斯的亲密颠覆
Scuola di San Pasquale，组织：MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León；卡斯蒂利亚和莱昂军政府
“如果你不改变方向，你最终可能会到达你要去的地方。” 中国谚语。我们可以做什么？这个问题构成了该项目的基本主体，尽管添加了一个综合：我们可以采取的建立可持续文明的行动可能必须与我们的亲密感受和思想相关联，那些充满活力的创造性和情感思维领域和非常困难的破坏。我们知道靠近财产的领土可以给予自己什么，以及对消费心理状态的模仿；所以，让我们带着感情去尝试吧，因为我们别无选择。
乔伊斯协会
Spazio Punch，组织：皮埃尔·德摩纳哥王子基金会
多拉·加西亚 (Dora Garcia) 是摩纳哥国际当代艺术奖 (PIAC) 皮埃尔王子基金会的获得者，她的作品《越轨的多数》(2010) 由策展人奥古斯丁·佩雷斯·卢比奥 (Agustin Perez Rubio) 提名。2013 年，加西亚提议制作一部新作品《乔伊斯协会》（2012-2013），她认为这是系列中的第三部。这件艺术品（视频装置）的灵感来自阅读团体和文学俱乐部，特别是那些定期聚会大声朗读詹姆斯乔伊斯作品的人。在这项工作中，艺术家观察并记录了社区成员试图理解与写作所翻译的叙事和故事相关的文学语言的时刻。
万物博物馆
Serra dei Giardini Viale Giuseppe Garibaldi，组织：万物博物馆
万物博物馆是世界上第一个为我们这个时代未经训练、无意和未被发现的艺术家而设的流浪博物馆。自 2009 年以来，它在英国、法国、意大利、土耳其和俄罗斯的备受赞誉的装置已接待了超过 500,000 名游客。万物博物馆与领先的作家、思想家、策展人和艺术家合作，是 19、20 和 21 世纪艺术另类历史的世界领先倡导者。
这不仅是一个展馆
Palazzo delle Prigioni，组织机构：中华台北市立美术馆
通过提出陌生人的身份，本次展览表达了对当今世界共存紧迫性的共同关注。Bernd Behr、Chia-Wei Hsu 和 Katerina Šedá + BATEŽO MIKILU 的三个项目捕捉了想象与现实之间的政治关系，并研究了如何利用主观化或疏远中产生的批判性可能性来感知文化身份的多种潜在形式。
Thomas Zipp – 关于圆的宽度配置的比较研究
Palazzo Rossini-Revedin，组织：Arthena 基金会
德国艺术家 Thomas Zipp 的项目与 David Bowie 的 The Width of a Circle 相关，他的歌词使用尼采的寓言中的寓言来表达他与“恶魔药物”的关系，以及 l’arc de circle，它隐喻地表示反应Jean-Maria Charcot (1825-1983) 出于歇斯底里研究目的在被催眠的患者中触发。Zipp 安装了一个处理歇斯底里症和二元性（精神分裂症）的精神病单元版本——艺术家既是病人又是医生。Zipp 研究无意识，探索药物、重金属音乐、哲学、宗教以及精神病学和精神分析的隐藏方面的影响。
过渡
Dorsoduro 453，组织：Nuova Icona
尽管他们的背景、艺术媒介和地域不同，维克多·马修斯和保罗·尼古拉·罗西尼的艺术作品共同探索了过渡主题，并以此讲述了他们的故事。两位艺术家都质疑生活、记忆、梦想和潜意识、现实、时间和空间等普遍主题，以及从一个时刻或想法到下一个时刻的过渡。然而，从同一个起点出发，两者到达的目的地却截然不同。这两位艺术家展示了他们内心所感知的现实观点，并质疑人们对周围景观的看法以及我们所看到的。他们通过过渡来挑战这个形象——通过他们的绘画和摄影将它外化。
联合国文化组织
Palazzo Bacchini delle Palme，组织：同里学术交流中心基金会
文化联合国由米秋创立。这个词来自他的日常口头禅，既有趣又严肃。时间和地点在这一刻，虽然人美，酒香，什么都不重要。我们摆脱了物质和具体的感情。
唐娜大学
Museo Storico Navale，组织：Marina Militare
这位艺术家为意大利海军完成了许多作品，甚至是宗教作品，并开发了一个艺术课程——由 Pericle Fazzini 和 Emilio Greco 的“学校”组成——通过“物理和体积”向这个人展示了生命的奥秘. 艺术家想要实现的展览主题实际上是“通过物理和体积对女性灵魂的理解和描述”。
看不见的声音：中国独立艺术1979/今天
Tesa alle Nappe 91，组织机构：广东美术馆
1979年北京西单“民主之墙”画展这一历史事件，催生了中国独立当代艺术流，他们是谁，他们在哪里，现在在做什么？本次活动是迄今为止对这些问题进行全面回答的最雄心勃勃的尝试，通过来自 80 年代和 90 年代的后前卫艺术家的创作，突出了过去三十年中国艺术的历史，非官方或独立的中国艺术运动。
爱丽丝是谁？
Spazio Lightbox，组织：韩国国立当代艺术博物馆
爱丽丝是谁？是一个特别的主题展览，展示了韩国国立现代艺术博物馆的永久收藏。此次展览展出了16位韩国艺术家的30件作品，跨越了物理空间和时间的限制，涵盖了跨越“现实与非现实”、“梦想与现实”界限的各种概念和形式。观众被邀请在穿越时空的“时间旅行”中，就像突然跃入兔子洞的爱丽丝梦游仙境。观众梦想行走在现实与想象的神秘空间中，成为自己故事“皮影戏”中的主角。
“你（你）。” – 李杰，香港
军械库，组织：M+，视觉文化博物馆；香港艺术发展局
“你（你）。” 继续他对日常生活的日常领域的探索。展览完全由新的委托组成，通过对个人和集体时刻的回忆来构思。“你（你）”以标题所暗示的普遍但不存在的实体为出发点，凝视着缺席的概念，反思记忆、时间和地点的构建。Lee 结合了各种元素，如运动图像、现成的物体和声音，以暗示非物质对话的痕迹，使唤起日常质感的可能性成为可能。
项目
La Biennale 还组织了艺术会议，一系列讲座、表演和辩论，今年由 Gioni 邀请参加第 55 届展览的艺术家之一 Marco Paolini 的项目丰富了内容。秋季有四场不同的艺术会议：一场关于自学艺术家的神话，存在在别处；一场关于图像人类学和艺术史，图像世界；还有一本关于百科全书和其他想象的书，没有什么比知道一切更甜蜜。最后一次会议，让我们谈谈我们，定于2013年11月24日，第55届国际美展闭幕日。
为各个年级的个人和学生团体、大学和美术学院以及专业人士、公司、专家、粉丝和家庭组织了教育活动。这些举措由经过威尼斯双年展培训的精选展览指南团队实施，旨在让参与者积极参与教育路线和实验室以及创意研讨会。