Resenha da Bienal de Arte de Veneza 2013, Itália

A 55ª Mostra Internacional de Arte, aberta ao público de 1 de junho a 24 de novembro de 2013 no Giardini e no Arsenale. A Exposição intitulada “Il Palazzo Enciclopedico” (O Palácio Enciclopédico) foi implantada no Pavilhão Central (Giardini) e no Arsenale formando um único itinerário, com obras que abrangem o século passado e várias novas encomendas.

88 Participações Nacionais expostas nos Pavilhões históricos dos Giardini, no Arsenale e na cidade de Veneza. Entre estes 10 países participaram pela primeira vez na Exposição: Angola, Bahamas, Reino do Bahrein, República da Costa do Marfim, República do Kosovo, Kuwait, Maldivas, Paraguai e Tuvalu.

“O Palácio Enciclopédico” manifestou o desejo crescente de colocar os artistas numa perspectiva histórica ou num contexto de afinidades mútuas, evidenciando laços e relações quer com o passado, quer com outros artistas do presente. Cada vez mais as atenções se voltam para a intensidade da relação entre a obra de arte e o espectador que, embora abalado por gestos e provocações artísticas, acaba por buscar na arte a emoção de dialogar com a obra, o que deve gerar uma tensão hermenêutica, um desejo. ir além. Isso é o que se espera da arte.

A Bienal, mais do que apresentar uma lista de artistas contemporâneos, deseja refletir sobre seus impulsos criativos e parece levar ainda mais longe a questão: o que é o mundo dos artistas? O interesse prospectivo vai tão longe quanto a busca de relações com mundos diversos; assim, a Mostra apresenta obras de artistas contemporâneos, mas também obras históricas, diferentes referências, e obras que não se pretendem obras de arte mas que, no entanto, constituem os estímulos que nos permitem imaginar e sonhar para além da realidade, sonhar outra realidade.

A exposição se inspira no modelo de um sonho utópico com o US Patent Office, o Encyclopedic Palace, um museu imaginário que deveria abrigar todo o conhecimento do mundo. O sonho de um conhecimento universal e abrangente surge ao longo da história da arte e da humanidade, para formar uma imagem do mundo que capture sua infinita variedade e riqueza. Hoje, enquanto as pessoas lutam com um fluxo constante de informações, essas tentativas parecem ainda mais necessárias e desesperadas.

É um programa sobre obsessões e sobre o poder transformador da imaginação. A exposição esboça uma progressão das formas naturais aos estudos do corpo humano, ao artifício da era digital, seguindo vagamente o layout típico dos gabinetes de curiosidades dos séculos XVI e XVII. Através dos muitos exemplos de obras de arte e expressões figurativas em exibição, incluindo filmes, fotografias, vídeos, bestiários, labirintos, performances e instalações, o Palácio Enciclopédico emerge como uma construção elaborada, mas frágil, uma arquitetura mental que é tão fantástica quanto delirante.

Desfazendo a linha entre artistas profissionais e amadores, outsiders e insiders, a exposição faz uma abordagem antropológica ao estudo das imagens, focando em particular nos domínios do imaginário e nas funções da imaginação. Que espaço sobra para imagens internas – para sonhos, alucinações e visões – em uma época sitiada por imagens externas? E de que adianta criar uma imagem do mundo se o próprio mundo se tornou cada vez mais como uma imagem? O Palácio Enciclopédico é um espectáculo que ilustra uma condição que todos partilhamos: nós próprios somos media, canalizando imagens, ou por vezes até nos vermos possuídos por imagens.

Palácio Enciclopédico
Mais de cento e cinquenta artistas de mais de trinta e oito países exibem obras de arte contemporâneas, artefatos históricos e objetos encontrados. O Palácio Enciclopédico é amplo, acomodando o trabalho de pessoas altamente treinadas e autodidatas, acadêmicas e difíceis de categorizar. A exposição de Gioni sugere uma coleção de coleções, repleta de bestiários e álbuns de recortes compactos e visões de mundo totalizantes. Freqüentemente, é magistral e provocador, mas também frustrante.

Para uma exposição de cerca de 160 artistas, é coerente e cuidadosamente ritmada, tecendo uma série de refrões: o caso conturbado do surrealismo com a etnografia e o Estranho.

Destaques dos Pavilhões Nacionais
88 Pavilhões, primeira participação para 10 países: Angola, Bahamas, Reino do Bahrein, República da Costa do Marfim, República do Kosovo, Kuwait, Maldivas, Paraguai, Tuvalu e Santa Sé

Pavilhão da Argentina
A obra de Adrián Villar Rojas deriva de uma história, que especula sobre o presente a partir de um futuro hipotético, desdobrando uma dimensão política da fantasia. Focado naquele fim do mundo – o nosso – ele sugere que repensemos o lugar da criação artística como abrigo para a existência, a paixão e a sensibilidade. Esta instalação site-specific de esculturas monumentais é baseada nas teorias de multiversos, que afirmam que muitos universos diferentes podem coexistir; assim, as grandes figuras de barro dispostas por todo o espaço da Artiglierie poderiam ser vistas como aparições simultâneas desses mundos alternativos em nosso, chamando a atenção para os outros caminhos que a humanidade poderia ter percorrido ao longo de sua história evolutiva.

Adrián Villar Rojas vê seu trabalho como uma alternativa à tradicional produção artística latino-americana, ligada à simplicidade e ao ready-made. Sua obra possui um tom pessoal distinto. Combina a experimentação formal com a construção de uma narrativa, o que lhe permite refletir sobre a arte, suas formas de aparecimento e seus significados, como se fosse o fim dos tempos e o fim do mundo. Embarca em projetos ambiciosos e complexos, que pretendem dialogar com as obras dos seus pares internacionais ao mesmo nível de potencialidade e risco.

Pavilhão de Angola
Prêmio Leão de Ouro
O Pavilhão de Angola, intitulado “Luanda, Cidade Enciclopédica”, apresenta a obra fotográfica do artista angolano Edson Chagas. Refletindo sobre o tema geral da Exposição Internacional de Arte deste ano, “O Palácio Enciclopédico”, Chagas foca nas complexidades de Luanda, capital de Angola, apresentando uma série de fotografias, “Found Not Taken”, que captura objetos abandonados reposicionados em contextos urbanos escolhidos pelo artista. Luanda, Cidade Enciclopédica é uma instalação composta por 23 cartazes fotográficos de grande formato abertos à interacção com o público, convidados a reflectir sobre a temática do palácio Enciclopédica também através da possibilidade de criarem a sua própria enciclopédia urbana pessoal de Luanda,em uma comparação estimulada com a Coleção de Arte Antiga exibida na Galeria do Palazzo Cini. Luanda, que nasce da presença de espaços imprevisíveis e da coexistência de programas inconciliáveis: cidade e campo, infra-estruturas e habitações, lixeiras e espaços públicos.

Esse deslocamento e reposicionamento de um objeto atua como um processo sistemático de catalogação, que cria novas relações entre o objeto e seu contexto. As fotografias, apresentadas em pilhas posicionadas em volta dos quartos do Palazzo Cini em justaposição com a arte e arquitetura clássicas do edifício, exploram as relações que se formam entre o espaço e as imagens e o papel da imaginação e da criatividade no ambiente urbano.

Pavilhão da Austrália
O terreno de Simryn Gill, a zona entremarés, a zona intermediária insegura, aquele lugar inconstante em uma praia onde o oceano entra, cobrindo conchas e caranguejos, flebotomíneos e manguezais brotando, e trazendo detritos de produtos artificiais para o mar rotas comerciais, para então recuar novamente. Seu trabalho propõe um espaço de negociação entre o pequeno e o global, entre a natureza e a indústria, pois revela uma compreensão da interconexão de todos em um mundo em fluxo.

Pavilhão das Bahamas
Um ambiente multissensorial único com trabalho de vídeo, som e luz neon. Projetada em torno do tema Eclipse Polar, a exposição explora os sentimentos de deslocamento e pertencimento. O projeto reúne três locais que são geograficamente e culturalmente distintos: o Arsenale de Veneza, o centro de Nassau e o Pólo Norte. Ao enfraquecer o modelo definido nacionalmente dos Pavilhões Nacionais da Bienal, Strachan pede aos espectadores que questionem suas próprias ideias de deslocamento e pertencimento a um determinado lugar.

O principal espaço de exposição dentro do Pavilhão das Bahamas apresenta-se como uma instalação distinta e abrangente, bem como uma coleção de peças de arte individuais. Apresenta uma instalação de vídeo de 360 ​​graus, com quatorze monitores reproduzindo um documentário da reconstituição de Strachan da expedição polar de Peary e Henson em 1909, além de uma instalação de áudio e três esculturas de luz neon que enfocam os temas de pertencimento e deslocamento através uma série de declarações. Intituladas Aqui e Agora, as três esculturas de luz representam as frases ‘Eu pertenço aqui’, ‘Você pertence aqui’ e ‘Nós pertencemos aqui’. Com esta instalação, Strachan visa abordar as mudanças invisíveis em culturas, ambientes físicos e histórias recontadas ao longo do espaço e do tempo,na esteira da globalização e narrativas de progresso.

Pavilhão do Bahrein
Com o título “In A World of Your Own”, o pavilhão do Reino do Bahrein apresenta o trabalho de Mariam Haji, Waheeda Malullah e Camille Zakharia em uma estrutura curatorial frouxa, unida pela exploração subjetiva da cultura e do eu que está no centro de suas práticas artísticas. Com ênfase na importância da identidade, o pavilhão examina a expressão da interioridade e dos significados privados desses artistas.

Pavilhão da Bélgica
UMA ÁRVORE CAI: Berlinde De Bruyckere encontrou uma árvore na França e a despachou para a Bélgica, onde a refez em cera. Encontra-se no pavilhão belga, remendado com ligaduras como um corpo humano e delicadamente iluminado por uma clarabóia coberta com um tecido desgastado. De Bruyckere concebeu uma nova instalação site-specific que se baseia em sua obra existente, mas deriva sua potência de conexões com o contexto histórico de Veneza. Suas esculturas exploram a vida e a morte, a morte em vida, a vida na morte, a vida antes da vida, a morte antes da morte, da maneira mais íntima e perturbadora. Eles trazem iluminação, mas a iluminação é tão escura quanto profunda.

Pavilhão da Bósnia e Herzegovina
O Jardim das Delícias é uma obra de arte altamente socialmente engajada, que busca criar efeitos a partir de múltiplas perspectivas históricas, e com fortes conotações baseadas no contexto sociopolítico, ético, econômico e cultural da sociedade do Leste Europeu. O conjunto do projeto é composto por três conjuntos menores interligados, um tríptico de mármore, um videoclipe e uma instalação, e o artista, como seu criador, se posiciona como um ativista cuja prática e produção se impõem temas como modelo de forma bastante específica, fazendo possível envolvimento originado na comunidade local, ou seja, meio ambiente.

A ideia por trás do projeto completo de O Jardim das Delícias é a dos desejos desenfreados das pessoas, das verdades pessoais por trás do absurdo coletivo da contemporaneidade, como percebido em toda a Bósnia. O projeto utiliza o conhecimento do mundo global, atualizado e relevante, filtrado pelo contexto local, cria uma visão artística nova e clara, que é um determinante significativo de todo o conjunto.

Pavilhão do Canadá
Shary Boyle, conhecida por seu uso ousado de ficções de fantasia para explorar estados psicológicos e emocionais humanos, Boyle trabalha em uma variedade de mídias, incluindo performance, escultura, filme e instalações imersivas e emprega um alto nível de artesanato em sua prática. Ela explora a história da arte, o folclore popular e as mitologias antigas para criar uma linguagem simbólica única. O trabalho de Boyle é alimentado por preocupações com a injustiça de classe e gênero. Seu trabalho abraça o hibridismo em todas as suas formas, desafiando as fronteiras tradicionais entre humano e animal, vida e morte, masculino e feminino. Da escultura à projeção, ela traduz sua visão pessoal da sexualidade, dos relacionamentos e da vulnerabilidade humana por meio de lentes poéticas e humanas.Boyle também cria performances multissensoriais envolventes e tem colaborado com músicos como Peaches, Feist, Christine Fellows e Doug Paisley.

Pavilhão do Chile
No pavilhão do Chile, a cada 3 minutos da água emerge uma réplica perfeita do giardini com 28 pavilhões nacionais. os visitantes que entram no espaço do arsenale encontram uma piscina cheia de água da lagoa e só veem os reflexos da água nas paredes. Alfredo Jaar se concentra diretamente no modelo hierárquico e exclusivo não intencional da exposição de arte internacional; um que continuou a ser praticado e inalterado por anos como resultado de seus primeiros lançamentos. “venezia, venezia” mostra jaar reproduzindo todo o espaço dos giardini e a arquitetura do local como é hoje, na forma de uma maquete de 1:60. ao construir a réplica dos pavilhões e de sua natureza circundante, o artista cria uma utopia, na qual vemos o arquétipo sendo submerso em uma piscina de água verde e turva,e então ressurgindo, como um fantasma da história.

Alfredo Jaar é um artista, arquiteto, cineasta e palestrante, cujo compromisso expansivo com a arte em diversos contextos culturais, políticos e públicos o levou a criar algumas das obras mais profundas e instigantes das últimas três décadas. O projeto é antes de tudo uma crítica ao modelo do pavilhão nacional da Bienal, em vez de um reflexo do afundamento físico da cidade sob as marés verdes da lagoa veneziana. A fotografia de Fontana é, na verdade, um símbolo de esperança e renovação, uma mensagem não só de que a Bienal precisa estar em dia com os tempos, mas também de que a cultura como um todo precisa ser repensada.

Pavilhão da China
O pavilhão da China explora o tema da ‘transfiguração’, com foco particular em fazer a ponte entre a vida e a arte, a transformação da vida em arte, do lugar-comum em obras de arte ou performance de arte, da não arte em arte. sete artistas chineses exploram essa noção de mudança por meio de diferentes meios e assuntos – estendendo-se de perspectivas celestiais.

Além de coincidir com o espírito de “confluência de sonhos e imagens de humanos”, preconizado pelo tema da Bienal “O Palácio Enciclopédico”, “transfiguração” também contém conceitos geográficos, espaciais e gráficos, como posição, localização e posição do diagrama, carregando e simbolizando as características do tempo em sua conotação, refletindo as características da comunidade internacional contemporânea: não apenas na China, mas também nas mudanças do mundo através da globalização. Ao mesmo tempo, “Transfiguração” pretende oferecer inovação, iniciativa e criatividade, situando-se nas mudanças devidas ao desenvolvimento, apresentando as diversidades culturais e ideológicas do mundo contemporâneo numa exposição com outros países do mundo.Tem como objetivo mostrar a diversidade, bem como a divergência e convergência de diferentes culturas, práticas artísticas e imagens em tempos de globalização e internacionalização do mundo da arte.

Pavilhão da Dinamarca
O pavilhão dinamarquês apresenta uma instalação de vídeo multicanal e intervenção arquitetônica do artista dinamarquês Jesper Just. Os visitantes são recebidos por uma parede de tijolos que envolve o exterior do edifício, obrigando todos a entrarem por uma única porta lateral. no interior, cinco projeções de filmes de diferentes tamanhos enfeitam várias paredes e salas do interior, seu áudio e visual sangrando um no outro para criar novas experiências narrativas. as projeções traçam as histórias entrelaçadas de três homens em uma única cidade. O centro urbano representado é na realidade um subúrbio de Hangzhou, China, que foi construído como uma réplica quase exata de Paris, com a torre eiffel. Jesper Just mostrar esta cidade como se fosse a ‘real’ paris, usando atores franceses,ao mesmo tempo que deixa um pouco de ambigüidade por causa de certos estereótipos culturais da cidade que existem. estava claro para qualquer um que a proporção e a escala estão um pouco fora do normal.

Pavilhão da Finlândia
“Falling Trees”, combina as exposições individuais dos artistas finlandeses Terike Haapoja e Antti Laitinen em um todo semelhante a um jardim, que ocupa o Pavilhão Nórdico e o Pavilhão Alvar Aalto finlandês. A exposição ‘Falling Trees’ parte conceitual de um evento inesperado na Biennale Arte de 2011, quando uma grande árvore caiu no Pavilhão Aalto, estilhaçando-o e interrompendo a mostra em exibição na época. Este encontro contingente entre arte e natureza forneceu a primeira nota para um processo sinuoso de curadoria e ecoou no conjunto subsequente das duas mostras singulares. Em 2013, Terike Haapoja transformou o Pavilhão Nórdico por meio de gestos arquitetônicos abrangentes em um laboratório de pesquisa.

As exposições formam um jardim particular de conhecimento; aquele em que o conhecimento não pode ser extraído diretamente da árvore, como em jardins botânicos ou zoológicos com base na classificação. Neste jardim, conhecimento significa participação compartilhada, aberta e concreta e reconhecimento da agência ativa da natureza e suas diferentes espécies. Neste lugar, a tecnologia e a ciência encontram seu lugar como ferramentas para investigar as questões básicas da vida e da arte – memória, nossa relação com a natureza e mortalidade. O projeto mostra obras compostas por vídeos e fotografias, instalações e performance, onde conceitualidade intransigente e humor absurdo se encontram no palco criado pela natureza finlandesa. Os artistas nos desafiam a pensar sobre nossas dimensões humanas de uma nova perspectiva,embora funcionem de maneiras muito diferentes e com resultados diferentes. Suas obras revelam a contingência nas bases de nosso cotidiano, ao mesmo tempo em que enriquecem as possibilidades de nossas faculdades imaginativas.

Pavilhão da França e Alemanha
Intitulado “Ravel Ravel Unravel”, é composto por dois filmes. cada tela é focada na mão esquerda de um famoso pianista: louis lortie e jean-efflam bavouzet. Nestes filmes, Anri Sala continua a sua exploração do espaço e do som, bem como a linguagem silenciosa do corpo. Ele oferece uma experiência baseada na diferença e na mesmice, em um trabalho ambicioso que impulsiona ainda mais suas experimentações na espacialização sonora. A obra apela tanto ao intelecto do espectador quanto ao seu corpo, criando uma poderosa experiência física e emocional, submergindo o espectador em sua música.

Ocupando o espaço central do Pavilhão Alemão, a primeira de duas obras, intitulada Ravel Ravel, é composta por dois filmes, cada um focado na mão esquerda de um famoso pianista: Louis Lortie e JeanEfflam Bavouzet. Ambos os artistas foram convidados por Anri Sala para interpretar o Concerto de Ravel, acompanhados pela Orchester National de France, dirigida por Didier Benetti. Nas salas adjacentes, outros dois filmes são apresentados sob o título único, Desvendando. Chloé, uma DJ, é filmada sozinha, misturando cada uma das duas interpretações e tentando unir as duas versões do Concerto através de sua interpretação única.

Pavilhão da Grã-Bretanha
O título “English Magic” refletiu as raízes de grande parte da obra de Jeremy Deller, com foco na sociedade britânica, seu povo, ícones, mitos, folclore e sua história cultural e política. Deller enquadra essas instâncias de uma maneira que é contemporânea, mas também fiel ao assunto original, tecendo uma narrativa que é quase psicodélica; pairando delicadamente entre o fato e a ficção, real e imaginário. Abordando eventos do passado, presente e um futuro imaginado, Deller trabalhou com uma variedade de colaboradores, incluindo arqueólogos, músicos, santuários de pássaros, prisioneiros e pintores.

English Magic, uma nova obra cinematográfica de Jeremy Deller, constituiu a maior parte de sua exposição. O filme reúne muitas das ideias por trás das obras no Pavilhão, apresentando elementos visuais e temáticos que refletem o interesse de Deller pela natureza diversa da sociedade britânica e sua ampla história cultural, sócio-política e econômica.

Pavilhão da Grécia
O título “História Zero”, composto por um filme de três episódios ao lado de um arquivo de texto e imagens, explora o papel do dinheiro na formação das relações humanas. A seleção de materiais de arquivo Alternative Currencies An Archive And A Manifesto, fornece exemplos e evidências de sistemas alternativos de câmbio não monetário, enfocando a capacidade de tais modelos de erodir ou questionar o poder político homogeneizador da moeda comum, e as formas em que as comunidades funcionam em relação à troca de bens em tempos difíceis.

Pavilhão do Iraque
Com o título “Bem-vindo ao Iraque”, o projeto apresenta artistas iraquianos que vivem e trabalham no Iraque em uma plataforma internacional de arte. Os 11 artistas que participaram da mostra também foram convidados para a semana de abertura da mostra, onde buscaram novas ideias do cenário artístico internacional e do rico patrimônio da cidade. Graças a esta exposição amplamente aclamada, muitos dos artistas foram convidados a apresentar o seu trabalho nas principais galerias, feiras e festivais mundiais.

A exposição inclui trabalhos do cartunista Abdul Raheem Yassir, que usa um humor impassível para abordar o caos político e social e a corrupção; Jamal Penjweny, de Sulaymaniyah, que mostra uma série de fotos intitulada Saddam is Here mostrando iraquianos em lugares cotidianos segurando um retrato do ex-ditador sobre seus próprios rostos; e Cheeman Ismaeel, uma das duas artistas selecionadas, que personaliza objetos domésticos por meio de uma decoração ornamentada.

Pavilhão da Irlanda
“The Enclave” é uma instalação cinematográfica multicanal que mostra o trabalho de Richard Mosse que foi produzido no leste da República Democrática do Congo em 2012. O artista faz pleno uso da estrutura espacial do Pavilhão Irlandês. O Enclave foi apresentado em várias telas instaladas dentro da câmara escura maior. As telas estão penduradas nas vigas, cada uma tocando uma coluna. Colocando cada tela adjacente a uma coluna para ativar a arquitetura, trabalhando com ela em vez de resistir às colunas, que são difíceis de contornar. As telas podem ser vistas de ambos os lados, criando uma espécie de labirinto escultural dentro do espaço. O espectador deve participar ativamente da peça espacialmente, movendo-se pela câmara de acordo com a ênfase da obra no som e na visão.

O Enclave muda de estilo, mudando as marchas entre o antropológico, o metafórico, o lírico, o surrealismo e o absurdo. A peça é sobre o Real (no sentido lacaniano) e a bobina (como no cinejornal). É bem diferente das fotografias anteriores de Richard Mosse do Congo simplesmente porque o cinema e a fotografia são animais extremamente diferentes. O cinema atinge o coração imediatamente, como a música, enquanto a fotografia estática é mais reflexiva, mais infinita, embora menos próxima. O Enclave é profundamente visceral, às vezes assustador.

Pavilhão de Israel
“The Workshop”, de Gilad Ratman, é baseado em uma jornada subterrânea fictícia de Israel a Veneza feita por uma pequena comunidade de pessoas. O projeto documenta a jornada de uma comunidade de pessoas de Israel a Veneza, por meio de uma apresentação não linear de vídeo, instalação, som e uma intervenção física na própria estrutura do Pavilhão. Sua viagem épica começa nas cavernas de Israel, serpenteia por traiçoeiras passagens subterrâneas antes de explodir no chão do pavilhão israelense. Na chegada, o grupo transforma o pavilhão em uma oficina, esculpindo-se no barro que transportaram de Israel. reflete sobre a Bienal como um modelo utópico de conectividade das nações.

Representando-se em bustos de argila, que são acompanhados por gravações de vozes guturais, o workshop do grupo sugere um retorno a um estágio pré-linguístico da sociedade humana primitiva. Um tema recorrente em seu trabalho, aqui Ratman explora a tensão entre os padrões universais de comportamento humano, por um lado, e as divisões de língua, nacionalidade ou governo, por outro. “A Oficina”, os vídeos e o som, oferecem ao espectador a reflexão de um acontecimento que se passa naquele mesmo local. Ao fazer isso, a obra cria uma história fictícia, mas verdadeira. Ratman mostra um mundo onde o trânsito pode ocorrer através das fronteiras nacionais em redes ocultas: livre, não detectado e não identificado. Atuando em pequenas comunidades em um estágio utópico, pré-social e até pré-lingüístico,como as recorrentes na obra de Ratman são essenciais.

Pavilhão da Itália
O Pavilhão Italiano apresenta uma viagem ideal pela arte italiana de hoje, um itinerário que conta identidades, histórias e paisagens – reais e imaginárias – explorando a complexidade e as camadas que caracterizam as vicissitudes artísticas do país. Um retrato da arte recente, lido como um atlas de temas e atitudes em diálogo com o legado histórico e a atualidade, com dimensão local e internacional. Um diálogo cruzado de correspondências, derivações e diferenças entre maestros aclamados e artistas de gerações posteriores. Uma topografia inusitada, que permite uma reavaliação de algumas trajetórias básicas da arte italiana recente, um retrocesso de caminhos esquecidos, a cura da amnésia cultural e dá nova visibilidade a autores solitários. A exposição está dividida em sete espaços, seis salas e um jardim,que cada uma abrigue a obra de dois artistas, que se unem em função da afinidade de suas respectivas poéticas e de interesses comuns em temas, ideias e práticas.

Sete binômios em torno do projeto: corpo / história, visão / lugar, som / silêncio, perspectiva / superfície, familiar / estranho, sistema / fragmento e tragédia / comédia. Num diálogo entre artista e artista, sala e sala, a mostra apresenta obras que, na sua maioria, foram criadas especificamente para a ocasião – doze em quatorze – e propõe-se como uma plataforma de reflexão sobre as características e contradições da cultura italiana, retomando que complexidade vital para a nossa arte recente que é criada a partir de intuições e contradições em que o jogo do inverso é um dos seus elementos fundamentais, afirmando assim o estatuto de originalidade e importância internacional que merece.

Pavilhão do Japão
O título “Abstract Speaking – Sharing Incerteza and Collective Acts”, de Koki Tanaka examinou os efeitos tangíveis e emocionais do massivo terremoto e tsunami que atingiu o Japão em 2011. A exposição apresenta um Japão que ainda está se recuperando do massivo terremoto, tsunami e acidentes nucleares subsequentes de 2011. O trabalho busca abordar a dificuldade de perceber e compartilhar os problemas e a dor dos outros. Seu plano de instalação transformou o Pavilhão do Japão em uma plataforma para compartilhar experiências anteriores ou fictícias de pós-calamidade de forma interativa por meio de atribuições distintas. Especificamente, essas atribuições colocaram os participantes em situações incomuns e os levaram a lidar com circunstâncias atípicas.

Exemplos de exercícios planejados em estilo de desastre incluem ter um grupo de pessoas descendo a escada de emergência de um prédio alto juntas o mais silenciosamente possível; andando pelas ruas noturnas com lanternas nas mãos; um ‘ato coletivo’ que imita a evacuação de um edifício na escuridão completa; e reconstruindo uma única peça de cerâmica usando os cacos de várias peças quebradas. O objetivo era retratar a colaboração necessária entre os conservadores em suas tentativas de reconstruir um objeto e atua como uma metáfora para os desafios na construção de uma nova sociedade pós-terremoto. Grupos compostos por várias pessoas foram solicitados a lidar com essas circunstâncias juntos, e seus esforços foram documentados por meio de nove trabalhos de vídeo e fotografia. Por meio dessas interações de grupo,Tanaka investigou como temos empatia com as experiências dos outros por meio de nossas próprias perspectivas. Por meio de vídeos, instalações fotográficas e experiências de grupo interativas, Tanaka expressou os sentimentos de uma nação em recuperação e resiliente.

Pavilhão do Kosovo
Petrit Halilaj reúne lembranças de colaboradores e familiares e cria um abrigo para eles dentro do Pavilhão, evocando suas ansiedades pessoais e a história carregada de sua terra natal. A prática artística de Petrit Halilaj é impulsionada por uma busca constante do que é a realidade e como a realidade pode ser representada através da arte. Suas memórias de uma infância rural, sua experiência pessoal de guerra, destruição, êxodo e deslocamento são a base de suas reflexões sobre a vida e a condição humana. Seu trabalho enquadra suas migrações constantes entre Kosovo, Berlim e Itália, enquanto seu tipo particular de nostalgia é restaurador ao invés de reflexivo. Abra canais de comunicação com o público e supere as lacunas em sua ligação com o mundo de Runik, sua cidade natal,construir pontes entre as diferentes fases de sua vida.

O trabalho de Petrit Halilaj é particularmente pessoal e evoca a história e a cultura de Kosovo por meio de uma coleção variada de objetos pessoais. Para tanto, Halilaj usa a ideia de nostalgia com grande efeito em suas obras. Ele combina esses objetos ressonantes com evocações surreais do mundo natural, que no Pavilhão de Kosovo encontram expressão em um abrigo feito de galhos e galhos, como um corpo estranho migrado de alguma era ou território subconsciente e esquecido para uma vizinhança que não é nada menos do que um ícone renomado das realizações culturais e artísticas do mundo ocidental histórico. A inclusão de dois canários, que a certa altura viveram no ateliê do artista, é outro gesto de simbolismo ambíguo, típico da obra de Halilaj.

Pavilhão da Lituânia e Chipre
Com o título “oO”, o projeto resiste às fronteiras nacionais de uma forma muito assertiva; co-trabalhando, coproduzindo e co-comissionando um evento que pode não ter sido considerado possível em climas econômicos incertos. oO desafia o visualizador a dar sentido à tela, categorizar e sugerir novas e possíveis formas de organização. Espalhado pelos andares do palazzetto, o espetáculo parece ser desenhado nos moldes de uma caça ao tesouro, convidando o visitante a passear livremente pelo espaço. Num estilo idiossincrático, o artista e curador querem que você experimente o início e o fim da mostra simultaneamente. A exposição é verdadeiramente inesperada, uma vez que se desenrola com locais e obras de arte improváveis: um robô aspirador de pó vagueia e motocicletas Suzuki Landie e Honda Chaly estão empilhadas contra as paredes.Imagens em preto e branco de ginastas se justapõem entre essas instalações e se integram perfeitamente ao espaço.

Pavilhão da Nova Zelândia
intitulado “Front Door Out Back”, as obras de Bill Culbert foram distribuídas por todo o grande edifício, em pisos, paredes, tectos e áreas exteriores. O artista levanta esses objetos de seu contexto comum, formando um amálgama escultural dessas peças com uma abundância de tubos de luz fluorescente, guiando os visitantes pelos pátios, salas e corredores de la pietà, circulando e muitas vezes cruzando fisicamente suas esculturas. conforme alguém caminha pelo site de la pietà, eles vêem como cada uma das obras de bueiro se desdobra, jogando com as qualidades do site de la pietà. O projeto é trazer energia e simplicidade ao ambiente, dando vida aos cômodos e corredores que costumam ficar desabitados, transformando-os em espaços de convivência vibrantes.

A exposição é uma instalação em oito partes tematicamente relacionada ao mundo doméstico, na qual vemos bueiros empregando móveis (de cadeiras, guarda-roupas, mesas laterais), frascos de detergente coloridos, em combinação com seu meio de assinatura, a iluminação, para criar um ambiente inteiramente experiência envolvente para o espectador. os objetos mundanos são compostos em arranjos simples que enfatizam ainda mais as idéias e noções relacionadas à casa – a colocação dos vasos de plástico cobrindo o chão da sala principal do edifício, oferece um tapete denso de cor e luz, ou a rede de cadeiras e mesas cascateando para baixo, tudo em combinação com iluminação fluorescente, suspensa no corredor do local que lembra a de um lustre.

Pavilhão da Noruega
Com o título “Cuidado com a puta sagrada: Edvard Munch, Lene Berg e o dilema da emancipação”, o projeto inclui uma série de obras raramente exibidas por Edvard Munch além de um filme recém-encomendado por Lene Berg, gira em torno da emancipação como uma questão sempre atormentado pela contradição, entre o reino da liberdade e as consequências do isolamento que muitas vezes acompanham a busca por uma vida “alternativa” qualitativamente diferente. O filme se concentra em três personagens diferentes que são interrogados sobre seus papéis como vítimas ou perpetradores em uma situação complexa. O filme explora a interpretação do comportamento humano com base em conceitos pré-concebidos e normas estabelecidas. Assim como a exposição como um todo,o filme apresenta a desconstrução de uma cena original que funciona como catalisador para uma revisão da política de libertação, da luta de gênero e do conflito interno: o dilema da emancipação.

O impulso de atuar nas margens, por fora tentando invadir ou por dentro redefinindo o contexto, é uma das principais forças motrizes da história da arte. O esforço em direção a uma “nova sensibilidade” envolve uma liberação psicodélica e narcótica da racionalidade de um sistema estabelecido, bem como da lógica que tenta mudar esse sistema. Essa nova sensibilidade, que reside na lacuna entre a ordem existente e a verdadeira libertação, pode levar a uma transformação radical – e nessa mudança a arte funciona como uma técnica para reconstruir a realidade a partir de sua ilusão, sua imitação, sua harmonia, em direção a um matéria ainda não dada, ainda a ser realizada. A exposição explora a relação entre a arte, seu contexto social e as mudanças nas relações de gênero,tanto na era da emancipação em que Munch viveu como hoje.

Pavilhão de portugal
A Trafaria Praia é uma balsa de Lisboa, ou cacilheiro, que foi desativada em 2011. Antes usada para transportar passageiros de ida e volta pelo rio Tejo, a Trafaria Praia foi transformada no pavilhão flutuante de Vasconcelos, que atracou perto dos Giardini em Veneza e navegou ao redor a lagoa em intervalos regulares durante a Bienal. A exposição aborda as semelhanças entre Lisboa e Veneza, nomeadamente as suas ricas histórias marítimas, que durante séculos ajudaram a expandir a visão de mundo da Europa.

O readymade assistido em grande escala consiste em várias camadas de arte e simbolismo. Primeiro, há o próprio barco, que em Lisboa é um símbolo dos operários que usam o ferry para cruzar o rio a trabalho. O barco também representa a relação de Lisboa com Veneza, “que evoluiu através do comércio, diplomacia e arte … examinando três aspectos fundamentais que compartilham: água, navegação e navio.” Ao criar um pavilhão flutuante, Vasconcelos está desterritorializando o território – contornando metaforicamente as lutas pelo poder que tantas vezes marcam as relações internacionais. “O exterior do navio é revestido a azulejos, pintados à mão, que retratam o horizonte moderno de Lisboa. Interior do navio contém a obra Valkyrie Azulejo.O espaço é coberto do teto ao chão com tecidos em vários tons de azul. Grandes formas irregulares de crochê envoltas em luzes de led invadem o espaço enfatizando a relação do corpo com o espaço. Uma experiência geral de imersão é criada e o espaço foi comparado ao fundo do oceano ou à barriga de uma baleia.

Pavilhão da República da Coréia
Com o título “Respirar: Bottari”, Seungduk Kim transforma o pavilhão coreano em um lugar de experiência transcendental. lidar com questões relacionadas ao corpo, a si mesmo e aos outros, e a relação de ‘yin’ e ‘yan’ com a vida e a morte. Seungduk Kim envolveu todo o interior do pavilhão nacional com um filme translúcido, separando o ambiente construído da natureza. a pele difrata a luz do dia, banhando a estrutura interna com espectros de luz, a intensidade dos arco-íris de cor refletidos nas paredes e no chão. esta metamorfose está em correspondência direta com o movimento do sol nascendo e se pondo em todo o edifício, respirando às flutuações naturais do sol.

“Para respirar: bottari” celebra a existência dual de som e ausência de som e a realidade das trevas como uma extensão da luz e a luz como parte das trevas. questionando a hierarquia do conhecimento visual sobre o ‘invisível’, na respiração bottari pólos opostos são tratados como parte de um mesmo todo. A artista deseja convidar o público a contemplar um momento especial e uma sensação de seu corpo experimentando uma consciência das condições do conhecimento humano e da ignorância e sua psicologia no espaço e no tempo. essa é a ‘noção de totalidade’ que ela vem perseguindo em sua prática até agora, como forma de questionar as condições da civilização nesta época.

Pavilhão da Rússia
A instalação de Vadim Zakharov uniu os andares superior e inferior do Pavilhão Russo. O tema da instalação gira em torno do antigo mito grego de Danaë. No hall central do Pavilhão foi feito um grande orifício quadrado no teto do espaço expositivo inferior, e um corrimão com almofadas para ajoelhar-se no piso superior, ao redor do orifício. Olhando para baixo, o visitante pode perceber e sentir que estamos presentes em um processo único de materialização do mito. Pelo enorme buraco no chão, os visitantes caem em outro espaço semântico e poético, no qual moedas de ouro voam de um teto piramidal. Abaixo vemos mulheres com guarda-chuvas, que as protegem de serem atingidas pelas moedas. O salão inferior só pode ser visitado por mulheres.Não se trata de sexismo, mas apenas segue a lógica da construção anatômica do mito. O que é masculino só pode cair de cima, na forma de chuva dourada. O nível inferior do Pavilhão é um “útero de caverna”, mantendo a tranquilidade, o conhecimento e a memória intactos.

O mito grego da fecundação de Danaë é sujeito a inúmeras leituras: uma chuva de ouro caindo faz referência à sedução de Danaë como uma alegoria para o desejo humano e a ganância, mas também para a influência corruptora do dinheiro. Por meio de sua encenação artística, Zakharov permite que esse antigo mito encontre uma dimensão temporal contemporânea. Fragmentos filosóficos, sexuais, psicológicos e culturais concentram-se em uma composição geral semelhante a um teatro em todas as salas do Pavilhão. O projeto conta com elementos escultóricos e pictóricos e convida a participação ativa dos visitantes para garantir o escoamento dos bens materiais como um processo contínuo. Nesta Performance in Five Acts, Zakharov apresenta o significado da personificação dos mitos para uma sociedade que já não lhes dá qualquer crédito.Chegou a hora de confessar nossa grosseria, luxúria, narcisismo, demagogia, falsidade, banalidade e ganância, cinismo, roubo, especulação, desperdício, gula, sedução, inveja e estupidez.

Pavilhão da Sérvia
Com o título “Nothing Between Us”, Vladimir Peric e Miloš Tomic encontram uma forma particular de apresentar alguns segmentos das coleções que acumularam ao longo dos anos através da acumulação obsessiva de vários objetos usados. As instalações de Peric no Pavilhão formam um conjunto muito precisamente concebido e ordenado expressamente para o espaço do Pavilhão. Inclui várias partes de várias de suas coleções, mas consiste principalmente no Museu da Infância. Os trabalhos de Tomic são, em vez disso, diários de vídeo de sua pesquisa em um amplo espectro de tentativas espontâneas, não convencionais, amadoras, não sofisticadas, inocentemente despretensiosas e até ingenuamente arrogantes de fazer algum tipo de música fora dos cânones aceitos da produção musical profissional.Todas essas gravações documentais de conteúdo totalmente anarquista, evocando as tradições da anti-arte anteriores ao olhar do observador, são apenas pontos de partida e matérias-primas autenticamente que infundem o projeto com uma vivacidade particular.

Vladimir Peric remodela o conteúdo em montagens alegóricas que contam histórias dos lugares e cenários de onde foram reunidos, e recontam os tempos agora perdidos, quando seus elementos tinham alguma função prática na vida de seus antigos proprietários. A ideia é questionar a problemática com a atualidade, bem como o posicionamento que os artistas assumem com suas obras na mostra. Esses objetos reunidos em instalações minimalistas, cujos elementos são ordenados de acordo com esquemas repetitivos, fazendo com que as características individuais desses elementos desapareçam no jogo de ilusões de ótica. A obra de Miloš Tomic apresenta aspectos formais subjacentes. Partindo de qualquer ordem estabelecida estável, a natureza aparentemente fora de controle. Tomic muda constantemente os fundamentos de aplicação de habilidades e conhecimentos profissionais,a fim de possibilitar o surgimento de coisas não planejadas, inesperadas e até indesejadas, exigindo a invenção de novas estratégias e métodos de trabalho.

Pavilhão da Espanha
Lara Almarcegui transformou o Pavilhão Espanhol em um amontoado de entulho e outros objetos encontrados em terrenos baldios como um exame do processo de transformação urbana. O projeto examina o processo de transformação urbana como resultado de mudanças econômicas, políticas e sociais. Concentrando-se em terrenos baldios, ruínas modernas dentro das cidades, Almercegui tenta chamar a atenção para esses espaços urbanos que muitas vezes escapam à nossa consciência. Em particular, ela se concentra em estudar os elementos muitas vezes esquecidos que compõem um lugar – as ruínas modernas e os desertos urbanos que os compõem; ela descobre relações entre os locais que escava e investiga com seu passado e avalia seu possível futuro.

O pavilhão espanhol é composto por duas partes: a instalação no local dos giardini, fala diretamente ao edifício de 1922 construído por javier de luque; é uma intervenção que ocupa todo o seu interior. alguém se depara com montanhas imponentes de vários materiais de construção, entulho de cimento, telhas e tijolos transformados em cascalho, paralelamente ao tipo e quantidade usados ​​pelos trabalhadores para construir o local, tornando virtualmente impossível para alguém entrar diretamente. nas salas do outro lado encontram-se montes menores e menos robustos, cada um dividido por material (serragem, vidro e uma mistura de escória de ferro e cinzas).

Pavilhão da Santa Sé
O Pavilhão do Vaticano escolheu um tema fundamental para a cultura e para a tradição da Igreja. É também fonte de inspiração para muitos cujas obras marcaram a história da arte: a história contada no livro do Génesis. Especificamente, os primeiros onze capítulos foram escolhidos, pois são dedicados ao mistério das origens do homem, a introdução do mal na história e nossa esperança e projetos futuros após a devastação simbolicamente representada pelo Dilúvio. As amplas discussões sobre a multiplicidade de temas oferecidos por esta fonte inesgotável levaram à escolha de três áreas temáticas com as quais os artistas se engajaram: Creazione (Criação), De-Creazione (Incriação) e o Novo Homem ou Ri-Creazione ( Lazer).

O tema da Criação concentra-se na primeira parte da narrativa bíblica, quando o ato criativo é introduzido por meio da Palavra e do sopro do Espírito Santo, gerando uma dimensão temporal e espacial, e todas as formas de vida incluindo o ser humano. A incriação, por outro lado, nos convida a focar na escolha de ir contra o plano original de Deus por meio de formas de destruição ética e material, como o pecado original e o primeiro assassinato (Caim e Abel), nos convidando a refletir sobre a “desumanidade do homem.” A violência e a desarmonia que se seguiram desencadeiam um novo começo para a humanidade, que começa com o evento punitivo / purificador do Dilúvio. Nesta história bíblica, o conceito de viagem e os temas de busca e esperança,representado pela figura de Noé e sua família e depois por Abraão e sua progênie, acabam levando à designação de um Novo Homem e uma criação renovada, onde uma profunda mudança interna dá novo significado e vitalidade à existência.

Pavilhão da Turquia
Os vídeos de Ali Kazma se concentram em temas de trabalho e produção, ele acredita que o mundo mudou em alta velocidade, que o mundo se tornou uma superestrada de informação, que é móvel etc., mas Ali Kazma queria lembrar às pessoas que ainda estamos viver em um mundo onde existam trabalhos como estampar papéis. O trabalho de Kazma investiga as idiossincrasias mecânicas de várias ocupações, da taxidermia à cerâmica de estúdio, da fabricação de doces ao trabalho de notários turcos. Derivando ideias sobre o trabalho e o significado da economia a partir de tarefas diárias repetitivas e ritualísticas, suas obras levantam questões sobre a organização social e o valor da atividade humana.

Pavilhão dos Estados Unidos da América
Com o título “Ponto triplo”, o trabalho de Sarah Sze responde diretamente aos locais para os quais foram encomendados, transformando a perspectiva do espaço e da arquitetura por meio de mudanças radicais de escala, ocupando as áreas muitas vezes esquecidas ou periféricas do edifício endereçado com seus grandes escala de intervenções. Experimenta-se o ‘ponto triplo’ imediatamente no pátio onde ‘respiga’, uma estrutura oscilante sobe e desce pelo exterior, situada à direita da entrada principal do pavilhão. aglutinando-se para formar um espaço exterior que só se revela totalmente mais tarde, sua posição redireciona o acesso ao interior para uma antiga porta de saída à esquerda da rotunda de entrada, onde se encontram as estruturas improvisadas de Sze, os conjuntos parecendo inacabados,mas notavelmente lembrando modelos, máquinas e instalações como um laboratório, planetário, observatório e pêndulo.

Uma série de peças inter-relacionadas, estendeu sua exposição para fora para abarcar exterior, abordagem e saída, envolvendo-se com o design neoclássico em outro nível, desafiando seu senso de ordem paladiano. o layout do pavilhão dos EUA normalmente convida os visitantes a uma rotunda por meio de uma entrada central. Porém, a partir daqui, as quatro galerias são divididas (duas posicionadas de cada lado do foyer abobadado), obrigando uma a escolher a direção de entrada e, em seguida, retrocedendo para visualizar as demais salas. Querendo criar uma experiência mais intuitiva, Sze fechou o acesso principal, orientando os visitantes para a lateral do prédio para entrar pela esquerda, orientando-os a percorrer a estrutura de forma lógica. passamos por uma série de instalações aparentemente rudimentares, mas calculadas,feito de um conjunto de objetos que sze encontrou e coletou em veneza, o esforço do artista para inscrever uma ordem pessoal muito frágil em um universo desordenado.

Eventos colaterais
Instituições nacionais e internacionais sem fins lucrativos, apresentam suas exposições e iniciativas em diversos locais da cidade.

25%: Catalunha em Veneza
Cantieri Navali, Organização: Institut Ramon Llull
Oito desempregados são escolhidos para representar o mais amplo espectro social (um senegalês sem papéis, uma jovem arquiteta altamente qualificada, uma pesquisadora científica e um operário na casa dos cinquenta anos ..) todos para serem fotografados por Francesc Torres durante um período de convivência com a artista que documenta seu cotidiano. Além dos documentos visuais do dia a dia, Torres faz um retrato oficial de cada um deles. Depois dessa primeira fase em que foram documentadas as atividades cotidianas e as situações econômicas de todos os personagens, a cineasta Mercedes Álvarez realiza filmagens onde cada personagem expressa sua opinião sobre o papel da arte em sua vida. Assim, os oito desempregados tornam-se sujeitos ativos da exposição.

Um Sussurro Remoto – PEDRO CABRITA REIS
Palazzo Falier, Organização: Direção-Geral das Artes
Pedro Cabrita Reis, um dos principais artistas portugueses da sua geração, apresenta uma intervenção in loco intitulada A Remote Whisper, que cobre toda a área expositiva de 700 m2 do ‘piano nobile’ do Palazzo Falier. Um sussurro remoto flui pelos quartos, envolvendo as paredes, portas e pisos com tubos de alumínio, lâmpadas fluorescentes e cabos como desenhos no espaço. É uma construção semiprecária, tosca, mas quase arquitetônica, que integra fragmentos de obras de seu ateliê antes abandonado por ele, material documental, fotos e também desenhos e pinturas ao lado de destroços e jatos encontrados na cidade.

About Turn: Newfoundland in Venice, Gill & Peter Wilkins
Galleria Ca ‘Rezzonico, Organização: Terra Nova Art Foundation
About Turn: Newfoundland in Venice, Gill & Peter Wilkins apresenta novos corpos de trabalho de Gill e Peter Wilkins, artistas contemporâneos baseados em Newfoundland, Canadá. A exposição é estimulada por explorações complementares de narrativas mundanas. O trabalho, que abrange vídeo, fotografia e pintura, habilmente joga dentro dos limites da abstração e da narrativa; o reconhecível e o intangível. Os trabalhos de Gill combinam uma ingenuidade fingida com controle formal, retirado da vida familiar e de sonhos fugazes. As imagens de Wilkins unem a arte histórica e contemporânea, empregando abstrações sutis e destiladas de duração e forma.

Ai Weiwei – Disposição
Zuecca Project Space / Complesso delle Zitelle, Organização: Zuecca Project Space
A única grande mostra individual do artista em 2013, foi apresentada em dois locais: o complexo Zitelle, casa do Zuecca Project Space, e a igreja de Sant’Antonin. Ai Weiwei apresenta Straight, o primeiro projeto desenvolvido com as barras de reforço de aço recuperadas das escolas que desabaram durante o terremoto de Sichuan em 2008. Este trabalho, apresentado pela primeira vez no Museu Hirshhorn em Washington DC, está instalado em uma escala maior em Zuecca Espaço do projeto. Seu segundo trabalho, intitulado SACRED, é uma nova apresentação site-specific para a Bienal de Veneza na Igreja de Sant’Antonin, oferecendo uma sensação imediata do drama de um evento que sublinha o desenvolvimento contraditório da China contemporânea.

Arte e Conhecimento – O espírito do lugar nos 5 sólidos platônicos
Biblioteca Nazionale Marciana, Organização: Van der Koelen Foundation for Arts and Science
Na Sala Monumental da prestigiada Biblioteca Nazionale Marciana (Praça de São Marcos), Lore Bert expõe 5 esculturas de espelho em um ambiente de papel junto com 11 obras de grande formato, em uma exposição intitulada Arte e Conhecimento – O espírito do lugar nos 5 Sólidos Platônicos . Os 5 sólidos platônicos representam 5 elementos: terra, água, fogo, ar e universo. Lore Bert estudou na Academia de Belas Artes de Berlim. Ela organizou mais de 200 exposições e 125 ambientes em mais de 26 países ao redor do mundo, incluindo 40 exposições pessoais em museus. Diversas publicações, entre elas 38 monografias, documentam seu trabalho que está exposto em várias coleções internacionais.

Back to Back to Biennale – Free Expression
Campo Sant’Agnese, Organização: Associazione Eventi d’arte e d’architettura
A arte contemporânea, desde o período pós-guerra até hoje, teorizou e explicou as muitas e diferentes formas de auto-expressão. Os escritores são um movimento artístico fenomenal que surgiu das cinzas das sociedades altamente urbanizadas, onde as periferias são consideradas guetos e onde ser cidadão significa ver a cidade como uma grande paleta para interpretar a noção de realidade. O projeto Back to Back to Biennale é um evento cultural, que de um certo ponto de vista coletivo e geracional se caracteriza por performances que os artistas realizam, sem nenhum filtro do Curador ou do ponto de vista temático, há liberdade. de expressão, como afirma o subtítulo.

Bart Dorsa. Katya
Dorsoduro 417, Organização: Museu de Arte Moderna de Moscou (MMOMA)
Bart Dorsa. Katya é uma exposição de placas fotográficas de vidro de prata e colódio e esculturas de bronze apresentadas em um espaço escuro especificamente organizado. O projeto conta a história íntima de uma garota russa descoberta em Moscou pelo artista americano. A jornada de Katya da estrita vida monástica ortodoxa, onde ela passou 10 anos dos 3 aos 13 anos, para o movimento subterrâneo de Moscou é narrada em sua pele, rosto e corpo. Sua forma foi impressa em vidro e escultura de bronze para descrever a jornada de Katya e o arquétipo da encruzilhada mítica, que é o tema principal do trabalho de Dorsa.

Bedwyr Williams: o mensageiro estrelado
Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), Organização: Cymru yn Fenis / Wales in Venice
Se um poeta olha através de um microscópio ou de um telescópio, ele sempre vê a mesma coisa (Gaston Bachelard). O Starry Messenger de Bedwyr Williams leva o nome de um estudo publicado por Galileo Galilei sobre suas descobertas através de um telescópio. Em uma série de salas e corredores em Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), este novo trabalho pondera a exploração do espaço infinito e minuto. A vigília noturna de um astrônomo amador ou a busca de um adorador nas galáxias polidas do piso de cerâmica abaixo de seus sapatos.

Respiração
Torre di Porta Nuova
Shirazeh Houshiary apresenta Breath, um vídeo de quatro canais que foi concebido pela primeira vez em 2003, em uma versão remasterizada e como parte de uma instalação nova e única específica do local. Em Breath (2013), os cantos evocativos de orações budistas, cristãs, judaicas e islâmicas emanam de quatro telas de vídeo. O som é coreografado com imagens que captam a respiração em expansão e contração dos vocalistas. A instalação é um gabinete retangular revestido de feltro preto e é acessado por uma passagem estreita que leva a um interior branco mal iluminado. Há quatro telas penduradas ao nível dos olhos, das quais os cantos das diferentes tradições sobem e descem, aumentam e se dissipam em um coro assustador que preenche a sala e permeia além de cada uma de suas paredes. Onde dentro há unidade, fora há multiplicidade.

Cultura • Mente • Tornar-se
Palazzo Mora, Organização: Global Art Center Foundation
Culture • Mind • Becoming – uma exposição de um grupo de destacados artistas chineses – visa justapor o impacto cultural, apropriação, reflexão e reinvenção existente na cultura chinesa através das lentes da globalização. Em uma época em que os artistas geralmente refletem sobre o empirismo individual como o corpo principal de sua prática artística, os artistas chineses retornaram à sua herança cultural após adquirirem o conhecimento da arte ocidental. Por meio de experimentação e evolução constantes, eles apresentam uma base comum de contexto único e criativo. Os artistas chineses foram mais ou menos influenciados pela cultura ocidental em diferentes momentos de suas vidas. Vivendo em uma sociedade de cultura diversa, eles são inspirados a redefinir e reinventar seu componente comum – a experiência cultural oriental,que se manifesta por meio de apresentações artísticas.

Pavilhão de emergência: reconstruindo a utopia
Teatro Fondamenta Nuove, Organização: MAC (Museu de Arte Contemporânea de Santiago do Chile); Fundacion CorpArtes
Quarenta anos se passaram. Quando o mundo começou a mudar? Foi em 1973 ou 1989? Quando a “imaginação no poder” morreu, foi em 68 ou 2012? Ou foi no dia 1º de janeiro de 2013?

Prêmio de Arte da Geração Futura em Veneza 2013
Palazzo Contarini Polignac, Organização: Victor Pinchuk Foundation; PinchukArtCentre
O Future Generation Art Prize @ Venice apresenta a segunda edição do primeiro prêmio global de arte com 21 artistas de quase todos os continentes e 16 países diferentes. 21 declarações de artistas independentes, incluindo a vencedora do prêmio principal, Lynette Yiadom-Boakye e vencedores do prêmio especial: Ryanne Tabet, Marwa Arsanios, Jonathas de Andrade, Micol Assaël e Ahmet Ögüt oferecem um rico escopo de posições artísticas, mapeando e descobrindo tendências inovadoras e futuras de uma nova geração de artistas.

Glasstress, White Light / White Heat
Berengo Centre for Contemporary Art and Glass, Organização: LCF-London College of Fashion
Os artistas convidados são convidados a responder ao tema da luz e do calor, os componentes do fogo, o elemento destrutivo / criativo ligado à formação do universo e a matéria primal do caos. A energia dos raios do sol fornece a luz e o calor essenciais para todas as formas de vida e sobrevivência neste planeta. Luz e calor são fundamentais para a fabricação de vidro – a luz é parte integrante de nossa percepção do vidro, enquanto o calor é necessário para moldá-lo.

I libri d’acqua
Monastero di San Nicolò, Organização: EIUC – Centro Interuniversitário Europeu para os Direitos Humanos e a Democratização
No centro de seu trabalho, Nocera muitas vezes colocou alguns aspectos cruciais relacionados aos direitos humanos fundamentais. Com seu projeto I libri d’acqua, o artista concentrou sua atenção na migração como um fenômeno social desenvolvido. A essência de sua conversa é colocada sobre a mobilidade humana vista como expressão da liberdade fundamental de movimento e da aspiração à libertação que o artista representa como uma jornada simbólica. Os livros de Antonio Nocera são cadernos de viagem sem palavras, histórias não escritas que se sucedem, protegidas pelas páginas e que se abrem aos nossos olhos. Os livros parecem brotar da água como objetos divinos da memória mitológica

Imago Mundi
Fondazione Querini Stampalia, Organização: Fondazione Querini Stampalia onlus
A exposição apresenta o acervo, composto por mais de mil pequenas pinturas (todas no formato 10×12 cm) que Luciano Benetton colecionou viajando pelo mundo. A coleção expõe as obras adquiridas na Austrália, Índia, Coréia, Estados Unidos e Japão. Esta coleção é de facto semelhante a um inventário aberto capaz de contribuir e mostrar quão variada é a forma como o mundo é visto, estudado e representado pelos artistas e como as suas experiências nos ajudam a compreender as riquezas guardadas no que é diferente e distante que o mundo oferece às nossas interpretações.

Em Grimani. Ritsue Mishima Glass Works
Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa, Organização: Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza speciale per il patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia e dei comuni della Gronda lagunare
Em Grimani. Ritsue Mishima Glass Works é a primeira exposição de arte contemporânea criada para as salas de um museu, que costumava ser a antiga residência de uma poderosa família veneziana do século XVI. As obras de vidro de Ritsue Mishima são fruto da imaginação de longos períodos passados ​​no palácio. A artista, que vive em Veneza desde 1989, expressa-se a partir da cultura milenar do artesanato da fornalha e os mestres do vidro de Murano dão forma às suas ideias, como testemunham as fotografias tiradas por Rinko Kawauchi, a quem foi dedicado um quarto, permitindo-nos ter uma visão poética dos mistérios do trabalho do vidro e da fornalha.

Tinta • Pincel • Coração, XiShuangBanNa
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Organização: Museu de Arte Contemporânea, Xangai
No final de 2012 Simon Ma foi convidado a visitar a floresta tropical de XiShuangBanNa, no sul da China. Enquanto Simon Ma se entregava à serenidade da floresta tropical, eu ficava cada vez mais surpreso com a supremacia da natureza. Enquanto as cores do meu ambiente diário desbotam cada vez mais para o cinza, as cores aqui pareciam tão vitais e brilhantes. Simon Ma observou as árvores que atingem até 90 metros de altura, comparáveis ​​à maioria dos novos prédios construídos nas cidades chinesas. Para serem tão altas, essas árvores precisam ter raízes extremamente profundas. Simon Ma percebeu então que nossa sociedade, a fim de alcançar maiores necessidades, precisa ir mais fundo e manter suas próprias tradições. As folhas das árvores formam uma composição intrigante com as penas do pavão.Com sua cauda de 100 olhos, é considerada uma manifestação da Fênix celestial na terra. Na tradição do Feng Shui é indicado como o animal celeste do sul da China, representando poder e beleza.

LAWRENCE WEINER: A GRAÇA DE UM GESTO
Palazzo Bembo, Organização: Fundação de Arte Escrita
A GRAÇA DE UM GESTO, obra de Lawrence Weiner, é a peça central de uma exposição organizada pela Fundação de Arte Escrita e apresentada no andar térreo do Palazzo Bembo, próximo à ponte de Rialto. Um componente foi a instalação de A GRAÇA DE UM GESTO, que aparece em cinco das principais fontes de transporte de Veneza, o vaporetti. Ele transporta a obra através do Canal Grande, do Arsenale, do Giardini e além. A obra foi exibida em dez idiomas diferentes, do chinês ao japonês, do árabe ao hebraico. Incluídos na exposição no Palazzo Bembo estavam outras quatro obras de Weiner originalmente criadas para sua exposição Displaced no New York Dia Center for the Arts em 1991.

Perdido na tradução
Università Ca ‘Foscari, Organização: Museu de Arte Moderna de Moscou (MMOMA)
Lost in Translation é uma exposição em grande escala de mais de cem obras de arte contemporânea russa das últimas quatro décadas com foco em questões históricas, políticas, sociais e econômicas relacionadas ao processo de “tradução” de uma obra de arte na era de globalização. A exposição apresenta obras particularmente difíceis de decifrar para um público que não conhece o “contexto russo” em que nasceu e a que se refere. Cada obra é apresentada juntamente com a sua “tradução expandida” que aponta e explica as referências essenciais para uma compreensão mais clara da mensagem transmitida.

“Bem me Quer Mal Me Quer”
Tesa 100, Organização: YARAT Contemporary Art Organisatio
Arte Contemporânea do Azerbaijão e seus vizinhos
Produzido e apoiado pela YARAT, uma organização sem fins lucrativos dedicada a cultivar a compreensão da arte contemporânea no Azerbaijão e a criar uma plataforma para a arte do Azerbaijão, tanto nacional quanto internacionalmente, Love me, Love me not fornecer novas perspectivas sobre os diversos e cultura culturalmente rica do Azerbaijão e seus vizinhos. Atualmente, há igual curiosidade e equívoco sobre esta região; os trabalhos em exibição fornecem uma visão sobre a dinâmica de cada nação, trazendo à tona aspectos esquecidos ou desconhecidos da história e demonstrando a amplitude de visão e criatividade em jogo dentro de suas fronteiras.

Mente • Batendo
Centro Ricerca Arte Contemporanea, Organização: Museu de Arte Moderna de Nanjing Sanchuan
“Mente” significa pensamento e consciência no sentido psicológico, e é o mesmo que cérebro, que é um grande centro central para receber e classificar informações. O objetivo da exposição é considerar a mente como um contêiner, estender o sistema de pensamento e explorar a relação entre a criação visual e o mundo multidimensional por meio do “coração”, o órgão comum de recepção de informações dos seres humanos e sua frequência de batimento. Embora palavras como “globalização” e “além das fronteiras”, etc. tenham sido usadas repetidamente, ainda devemos analisar as últimas obras e os pensamentos dos criadores de perspectivas semelhantes antes de encontrarmos palavras mais adequadas.

Nell’acqua capisco
Ateneo Veneto, Organização: CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea Castello Colonna Genazzano; The Hart Foundation
A água é protagonista deste projeto, ela nos conta as relações, comunicações, sentimentos e aspirações que percorrem este elemento como veículo de expressão de um estado de espírito. A água é a característica comum a todas as obras expostas, o seu som errante tenta disfarçar sentimentos de angústia, o mergulho na água pode ser uma forma de recuperar o mundo exterior. Além disso, água significa compartilhar, interpretar mensagens inclusivas, a água nos dá a possibilidade de reconverter um bem comum em elementos mais produtivos. Tudo isso é contado por meio de obras de artistas que conseguiram criar um diálogo original com a água, ora alegre, ora doloroso, mas sempre pensativo.

Ruído
Ex Magazzini di San Cassian, Organização: De Arte Associazione
Cem anos depois de The Art of Noise de Luigi Russolo, a exposição reflete sobre o ruído como condição necessária e parte integrante de qualquer processo de comunicação. O papel da arte é tornar denso de significado aquela parte da comunicação que geralmente escapa à codificação e ao entendimento, de modo a retornar a um princípio essencial de indeterminação. Ao assumir um modus operandi de escuta, ou imersão, os artistas escolhidos para a exposição colocam a processualidade em posição privilegiada em relação às demandas de representação, ao mesmo tempo que localizam no que se pode denominar de erro uma condição essencial para se chegar à compreensão da complexidade do existência.

Ocupado de outra forma
Liceo Artistico Statale di Venezia, Organização: Al Hoash
Caso contrário, o Occupied apresenta dois artistas palestinos de renome internacional, Bashir Makhoul e Aissa Deebi. Ambos os artistas nasceram dentro das fronteiras de 1948, nas margens de outro estado em sua terra natal e fora da Cisjordânia ocupada e dos centros da cultura palestina contemporânea. Eles emigraram para se tornarem cidadãos de outros estados que operam em um mundo da arte globalizado. Eles ainda se consideram palestinos e estão em busca de novas maneiras de imaginar a nação à distância. A arte é capaz de ocupar espaços culturais que de outra forma seriam inacessíveis ou invisíveis. Caso contrário, Ocupado descreve outras maneiras de imaginar a nação fora e além do conflito; é, portanto, um meio de pensamento artístico e crítico através da desterritorialização da Palestina.

OVERPLAY
Associazione Culturale Italo-Tedesca, Organização: Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia
OVERPLAY enfoca de forma interdisciplinar a relação entre arte e crise. Partindo do levantamento histórico da história da arte (Caporali, Correggio, Jordaens, Guardi, Rousseau, von Stuck, Schifano, Vedova, Santomaso) leva-nos à “criticidade do sentido” que está presente na instalação de Emiliano Bazzanella onde o iPad torna-se o assustador de perguntas sem respostas sem resposta criadas por um software, ou para tentativas de fuga, rebelião, sublimação e reconversão imaginárias, que caracterizam um grande grupo de grandes artistas contemporâneos.

Passagem para a história: vinte anos de La Biennale di Venezia e a arte contemporânea chinesa
Nappa 89, Organização: Museu de Arte Contemporânea, Chengdu
O ano de 2013 marca o vigésimo aniversário da participação de artistas contemporâneos chineses na Exposição Internacional de Arte da Bienal de Veneza; também marca vinte anos de intercâmbio econômico, cultural e artístico entre a China e o Ocidente. Ao longo desse período, há uma mudança registrada nas atitudes aceitas em relação à cultura chinesa e sua identidade internacional no mundo ocidental, bem como em relação à contribuição da China para a arte contemporânea, particularmente na pintura. O tema da exposição, passagem à história, deriva disso? Na verdade, podemos ver claramente que foram os esforços combinados de artistas e críticos chineses contemporâneos no país e no exterior, bem como daqueles curadores ocidentais apaixonados pela arte, que tornaram possível esse período precioso da história da arte contemporânea chinesa.

PATO · MEN, CARLOS MARREIROS
Arsenale, Organização: Instituto para os Assuntos Cívicos e Municipais de Macau (IACM); Museu de Arte de Macau (MAM)
Este projeto de instalação artística estimula uma reflexão sobre a informação e o conhecimento, sua disposição ordenada ou não, e sua manipulação. Do Arco de Noé ao Renascimento, do Teatro da Memória de Giulio Camillo ao Teatro da Memória de Steve Jobs, sendo o Palácio Enciclopédico de Marino Auriti a causa. Diversos Teatros do Mundo disputam a ordem no Global Theatre, e ainda há lugar para a Ética. PATO · MEN & Women são uma minoria, mas, ainda assim, em número significativamente grande. São seres estranhos, muito ordeiros e espirituosos, quase hedonistas, que praticam a Ética. Este projeto de instalação de arte foi essencialmente em preto e branco.

ESTRUTURAS PESSOAIS
Palazzo Bembo, Organização: GlobalArtAffairs Foundation
A exposição apresenta uma extraordinária combinação de obras de arte, mostrando um amplo leque de abordagens individuais sobre os temas Tempo, Espaço, Existência. Obras de arte que fazem uma declaração forte e sincera em cada espaço dado e ao mesmo tempo ajudam a criar uma exposição complexa como um todo. Cada sala deve proporcionar ao espectador um interior sobre cada obra, projeto ou ideia apresentada do ponto de vista do artista.

Perspectivas por John Pawson
Isola di San Giorgio Maggiore, Organização: Fundação Swarovski
John Pawson revela uma nova perspectiva da Basílica di San Giorgio Maggiore. Perspectives oferece ao visitante uma visão única da beleza da obra-prima arquitetônica de Andrea Palladio. A combinação de um menisco côncavo Swarovskicrystal e um hemisfério reflexivo maior cria uma experiência ótica dramática que traz uma nova luz para o interior da famosa basílica beneditina. A missão da Fundação Swarovski de promover a criatividade e a inovação por meio do trabalho com arquitetos, artistas e designers demonstra seu compromisso com a comunidade artística e além.

Rapsódia em verde
Istituto Santa Maria della Pietà, Organização: China National Taiwan Museum
Em 1924, quando George Gershwin criou sua Rapsódia em Azul, Huang Tu-Shui, (1895-1930), o primeiro artista modernista de Chinses de Taiwan, lançou seu bronze Nos arredores, representando um boi e garças, uma visão comum nos campos de arroz do sul da Ásia . A cor verde, semanticamente ambígua na tradição chinesa e ausente do molde de bronze, embora obviamente implícita na criação de Huang, é o ponto de partida de Rapsódia em verde. Esta exposição explora como três artistas contemporâneos de Chinses Taiwan, Kao, Tsan-Hsing (1945), Huang, Ming-Chang (1952) e Chou, Yu-Cheng (1976), reagem artisticamente à cor verde, seja usando uma ótica, uma abordagem intersubjetiva ou conceitual, lembrando-nos de seu lugar CERTO em nosso ambiente atual.

RHIZOMA (geração em espera)
Magazzino del Sale, Organização: Edge of Arabia
Edge of Arabia é uma iniciativa artística independente que desenvolve a apreciação da arte e cultura árabes contemporâneas, com foco particular na Arábia Saudita. Sua exposição para a 55ª Exposição Internacional de Arte da Bienal de Veneza, RHIZOMA (Generation in Waiting), com curadoria de Sara Raza e Ashraf Fayadh, inspira-se em uma geração mais jovem de artistas sauditas e abraça a arte visual ao lado da tecnologia, ciência e natural filosofia. A curadora Sara Raza explica “Curatorialmente o título e a premissa da exposição se reapropriam do conceito de um rizoma, o caule subterrâneo de uma planta que lança raízes lateralmente em oposição a para cima, como uma metáfora para a atual geração da próspera cena artística da Arábia Saudita.”

Salon Suisse
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Organização: Swiss Arts Council Pro Helvetia
O Salon Suisse é o programa oficial de acompanhamento da participação suíça na Exposição Internacional de Arte da Bienal. Inclui painéis de discussão e leituras, mas também formatos experimentais como performances audiovisuais, reencenações e palestras performáticas. A edição deste ano é dedicada ao legado do Iluminismo europeu no mundo da arte contemporânea. O curador do Salon Suisse, Jörg Scheller, convidou teóricos e artistas internacionais para participar de uma discussão sobre o Iluminismo a partir de uma visão multi-perspectiva. Todos os eventos acontecem no histórico Palazzo Trevisan.

Escócia + Veneza 2013
Palazzo Pisani di Santa Marina, Organização: Escócia + Veneza
Uma exposição de novos trabalhos de três artistas distintos que trabalham hoje na Escócia Corin Sworn cria instalações que exploram a forma como os objetos circulam para disseminar histórias e criar histórias. Duncan Campbell produz filmes que combinam material de arquivo com suas próprias filmagens, questionando as informações apresentadas. Hayley Tompkins faz objetos pintados que transformam coisas familiares e comuns – como facas, martelos, telefones celulares ou móveis. A exposição é comissariada e organizada por The Common Guild, Glasgow. Scotland + Venice é uma parceria entre a Creative Scotland, o British Council Scotland e as National Galleries of Scotland.

Vidas de aço, natureza-morta
Loggia del Temanza, Organização: Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena
Uma mulher olha com intensa energia para a vida e através de nós para o outro lado. O que há do outro lado? O aço residual brilha com uma redundância poderosa; um resíduo que falhou em criar as vidas que poderia ter feito. Um fluxo cinematográfico permeia a temporalidade da fotografia de Norayr Kasper, tão distante da nostalgia quanto da foto-reportagem. O que está em jogo nessas obras não é o desaparecimento, é a existência. Steel-Lives, Still-Life é uma narrativa entre uma leveza paladiana. A mulher também sabe que foi cercada por um mundo que continuou sem ela. Ainda é vida, mas tem a realidade para chocar.

O Sonho da Eurásia. 987 Testemunhos: A atitude italiana
Palazzo Barbarigo Minotto, Organização: Fondazione Antonio Mazzotta
A instalação engloba dois aspectos: a linguagem artística de Omar Galliani, inspirada na grande tradição do Renascimento italiano, e sua capacidade de estabelecer um diálogo entre as culturas européia e asiática. A metáfora subjacente para a compreensão dessa nova configuração é o fractal: o oval da face eurasiana representa as faces de milhões nas quais a coluna está enraizada. A diversidade morfológica e cultural é reconhecida na partilha de um novo valor que nasce da união das diferenças. Para a implementação do projeto, o artista e curadores, em sinergia com empresas italianas, envolvem 987 depoimentos, cuja presença foi documentada em fotos e vídeos.

O grande canal
Museo Diocesano, Organização: China Grand Canal Candidatura ao Patrimônio Mundial em Yangzhou; Associação Internacional de Artistas de West Lake.
O Grande Canal da China, uma herança cultural viva e o tema desta exposição colateral, foi escavado para abrir o intercâmbio de recursos humanos e materiais e levou a uma disseminação enciclopédica de arte, ideias e cultura consistente com a globalização atual. Esta exposição mostra a fusão da arte contemporânea chinesa, história, tradição e mundo material. Em uma exploração do significado cultural e prático do Grande Canal, os artistas chineses lidam com dicotomias complementares, incluindo artificial / natural, tradicional / contemporâneo, masculino / feminino e material / espiritual.

The Intimate Subversion de Ángel Marcos
Scuola di San Pasquale, Organização: MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; Junta de Castilla y León
“Se você não mudar de direção, pode terminar onde está indo.” Provérbio chinês. O que podemos fazer? Esta questão constitui o corpo fundamental do projeto, embora adicionando uma síntese: possivelmente as ações que podemos empreender para construir uma civilização sustentável devem estar ligadas aos nossos sentimentos e pensamentos íntimos, esses territórios do pensamento criativo e afetivo, carregados de energia e de destruição muito difícil. Sabemos o que os territórios próximos aos pertences podem dar de si, bem como a personificação dos estados de ânimo para consumo; assim, tentemos com os afetos porque não temos outra escolha.

The Joycean Society
Spazio Punch, Organização: Fondation Prince Pierre de Monaco
Dora Garcia é a vencedora do Prêmio Internacional de Arte Contemporânea da Fundação Príncipe Pierre de Mônaco (PIAC), por sua obra The Deviant Majority (2010), indicada pelo curador Agustin Perez Rubio. Para 2013, Garcia se propõe a produzir um novo trabalho, The Joycean Society (2012-2013), que ela considera o terceiro de uma série. Esta obra (videoinstalação) é inspirada em grupos de leitura e clubes literários, notadamente aqueles que se reúnem regularmente para ler as obras de James Joyce em voz alta. Nesse trabalho, a artista observa e documenta momentos em que membros de uma comunidade tentam compreender uma linguagem literária em relação às narrativas e histórias que a escrita traduz.

O Museu de Tudo
Serra dei Giardini Viale Giuseppe Garibaldi, Organização: The Museum of Everything
O Museu de Tudo é o primeiro museu errante do mundo para artistas inexperientes, não intencionais e desconhecidos de nossos tempos. Desde 2009, recebeu mais de 500.000 visitantes em suas aclamadas instalações na Grã-Bretanha, França, Itália, Turquia e Rússia. O Museu de Tudo trabalha com os principais escritores, pensadores, curadores e artistas e é o principal defensor da história alternativa da arte dos séculos XIX, XX e XXI.

Este não é apenas um pavilhão
Palazzo delle Prigioni, Organização: Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
Ao propor a identidade do estrangeiro, esta exposição manifesta uma preocupação comum pela urgência da convivência no mundo de hoje. Três projetos de Bernd Behr, Chia-Wei Hsu e Katerina Šedá + BATEŽO MIKILU capturam as relações políticas entre imaginação e realidade e investigam como a possibilidade de criticidade produzida na subjetivação ou estranhamento pode ser usada para perceber diversas formas potenciais de identidade cultural.

Thomas Zipp – Investigação comparativa sobre a disposição da largura de um círculo
Palazzo Rossini-Revedin, Organização: Fundação Arthena
O projeto do artista alemão Thomas Zipp relaciona-se com The Width of a Circle de David Bowie, cujas letras, usando parábolas de Assim falou Zarathrustra de Nietsche, expressam sua relação com a ‘droga do diabo’, e l’arc de circle, que metaforicamente denota reações desencadeada em pacientes hipnotizados para fins de pesquisa de histeria por Jean-Maria Charcot (1825-1983). Zipp instala uma versão de uma unidade psiquiátrica que lida com a histeria e a dualidade (esquizofrenia) em uma pessoa – o artista é paciente e médico. Zipp pesquisa o inconsciente, explorando os efeitos das drogas, heavy metal, filosofia, religião e aspectos ocultos da psiquiatria e da psicanálise.

Transições
Dorsoduro 453, Organização: Nuova Icona
Apesar de suas diferentes origens, meios artísticos e separação geográfica, a obra de Victor Matthews e Paolo Nicola Rossini compartilha uma exploração do tema da Transição e, ao fazê-lo, conta suas histórias. Ambos os artistas questionam temas universais como a vida, a memória, o sonho e o subconsciente, a realidade, o tempo e o espaço e a transição de um momento ou ideia para o outro. No entanto, partindo do mesmo ponto de partida, ambos chegam a destinos muito diferentes. Esses dois artistas apresentam a visão de sua realidade percebida por eles internamente e questionam qual é a percepção que se tem das paisagens ao nosso redor e o que vemos. Eles desafiam essa imagem por meio de sua transição – externalizando-a por meio de sua pintura e fotografia.

Nações Unidas Culturais
Palazzo Bacchini delle Palme, Organização: Tongli Academic Exchange Centre Foundation
Organização das Nações Unidas para a Cultura é criada por Mi Qiu. Este termo vem de seu mantra diário para diversão e para seriedade. Tempo e lugar neste momento, nada era importante, embora gente bonita e vinho suave. Estamos livres dos sentimentos materiais e concretos.

Universo Donna
Museo Storico Navale, Organização: Marina Militare
O artista já concluiu muitas obras, inclusive religiosas, para a Marinha Italiana e desenvolveu um currículo artístico – formado na “Escola” de Pericle Fazzini e Emilio Greco – que levou a apresentar ao homem o mistério da vida através da “fisicalidade e do volume” . O tema da exposição que a artista pretende alcançar é, de facto, “a compreensão e descrição da alma das mulheres através da fisicalidade e do volume”.

Voice of the Unseen: Chinese Independent Art 1979 / Today
Tesa alle Nappe 91, Organização: Museu de Arte de Guangdong
Quem são, onde estão e o que estão fazendo agora os artistas que, com o acontecimento histórico da exposição de 1979 sobre o “Muro da Democracia” de Xidan em Pequim, deram origem ao fluxo cada vez mais influente da arte contemporânea independente na China? Este evento é a tentativa mais ambiciosa até à data de responder de forma abrangente a estas questões, destacando a história da arte chinesa dos últimos trinta anos através do trabalho dos artistas que criaram, desde o Pós-Avant-garde dos anos 80 e 90 , o movimento da arte chinesa não oficial ou independente.

Quem é Alice?
Spazio Lightbox, Organização: Museu Nacional de Arte Contemporânea, Coreia
Quem é Alice? é uma exposição temática especial que apresenta a coleção permanente do Museu Nacional de Arte Contemporânea da Coréia. A exposição apresenta 30 obras de 16 artistas coreanos que transcendem as limitações do espaço físico e do tempo, abrangendo vários conceitos e formas que ultrapassam as fronteiras da ‘realidade e não-realidade’ e ‘sonhos e o real. O público é convidado na ‘viagem no tempo’ através do espaço-tempo, como Alice no País das Maravilhas que deu um salto repentino na toca do coelho. O sonho do público anda em um espaço misterioso de realidade e imaginação, e se torna o personagem principal no ‘jogo de sombras’ de suas próprias histórias.

‘Você (você).’ – Lee Kit, Hong Kong
Arsenale, Organização: M +, Museum for Visual Culture; Conselho de Desenvolvimento de Artes de Hong Kong
‘Você (você).’ continua sua exploração no reino cotidiano do cotidiano. Formada inteiramente por novas encomendas, a mostra é concebida a partir da rememoração de momentos pessoais e coletivos. ‘Você (você).’ Toma como ponto de partida a entidade universal mas inexistente sugerida pelo seu título, contemplando a noção de ausência para refletir sobre a construção de memórias, tempos e lugares. Lee incorpora vários elementos como imagem em movimento, objetos prontos e sons para sugerir traços de diálogos imateriais, permitindo a possibilidade de evocar a textura do cotidiano.

Projetos
A Bienal também organizou Encontros de Arte, uma série de palestras, performances e debates que foi enriquecida este ano por um projeto de Marco Paolini, um dos artistas convidados por Gioni para participar da 55ª Mostra. No outono ocorrem quatro diferentes Encontros de Arte: um sobre o mito do artista autodidata, Existência é outro lugar, outro sobre antropologia das imagens e a história da arte, Mundos-imagem; e outro na enciclopédia e outros voos da imaginação, Nothing is Sweet more than Knowing Everything. O último encontro, Vamos Falar Sobre Nós, está programado para 24 de novembro de 2013, dia de encerramento da 55ª Mostra Internacional de Arte.

Foram organizadas atividades educativas dirigidas a particulares e grupos de alunos de todos os graus, a universidades e academias de artes plásticas, e também a profissionais, empresas, especialistas, fãs e famílias. Essas iniciativas, conduzidas por uma equipe selecionada de guias de exposições treinados pela Biennale di Venezia, visam envolver ativamente os participantes tanto em Itinerários e Laboratórios Educacionais quanto em workshops criativos.

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