Reseña de la Bienal de Arte de Venecia 2013, Italia

La 55ª Exposición Internacional de Arte, abierta al público del 1 de junio al 24 de noviembre de 2013 en el Giardini y en el Arsenale. La Exposición titulada “Il Palazzo Enciclopedico” (El Palacio Enciclopédico) se presentó en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale formando un itinerario único, con obras que abarcan el siglo pasado y varios nuevos encargos.

88 Participaciones Nacionales expuestas en los Pabellones históricos del Giardini, en el Arsenale y en la ciudad de Venecia. Entre estos 10 países participaron por primera vez en la Exposición: Angola, Bahamas, Reino de Bahrein, República de Costa de Marfil, República de Kosovo, Kuwait, Maldivas, Paraguay y Tuvalu.

“El Palacio Enciclopédico” ha expresado el creciente deseo de colocar a los artistas en una perspectiva histórica o en un contexto de afinidades mutuas, destacando los vínculos y relaciones tanto con el pasado como con otros artistas del presente. La atención se ha centrado cada vez más en la intensidad de la relación entre la obra de arte y el espectador que, aunque sacudido por los gestos y provocaciones artísticas, busca en última instancia en el arte la emoción de dialogar con la obra, lo que debería provocar una tensión hermenéutica, un deseo. ir más allá. Esto es lo que se espera del arte.

La Bienal más que presentar una lista de artistas contemporáneos, desea reflexionar sobre sus impulsos creativos y parece llevar la pregunta aún más lejos: ¿cuál es el mundo de los artistas? El interés prospectivo llega a buscar relaciones con mundos diferentes; así la Exposición presenta obras de artistas contemporáneos, pero también obras históricas, diferentes referentes, y obras que no pretenden ser obras de arte pero que sin embargo componen los estímulos que nos permiten imaginar y soñar más allá de la realidad, soñar otra realidad.

La exposición se inspira en el modelo de un sueño utópico con la oficina de patentes de los Estados Unidos, el Palacio Enciclopédico, un museo imaginario que estaba destinado a albergar todo el conocimiento mundano. El sueño de un conocimiento universal y que lo abarque todo surge a lo largo de la historia del arte y la humanidad, para moldear una imagen del mundo que capture su infinita variedad y riqueza. Hoy en día, cuando la gente se enfrenta a un flujo constante de información, esos intentos parecen aún más necesarios y desesperados.

Es un espectáculo sobre obsesiones y sobre el poder transformador de la imaginación. La exposición esboza una progresión desde las formas naturales hasta los estudios del cuerpo humano, pasando por el artificio de la era digital, siguiendo vagamente el diseño típico de los gabinetes de curiosidades de los siglos XVI y XVII. A través de los numerosos ejemplos de obras de arte y expresiones figurativas a la vista, que incluyen películas, fotografías, videos, bestiarios, laberintos, performances e instalaciones, El Palacio Enciclopédico emerge como una construcción elaborada pero frágil, una arquitectura mental que es tan fantástica como delirante.

Desdibujando la línea divisoria entre artistas profesionales y aficionados, externos e internos, la exposición adopta un enfoque antropológico del estudio de las imágenes, centrándose en particular en los dominios del imaginario y las funciones de la imaginación. ¿Qué espacio queda para las imágenes internas, para los sueños, las alucinaciones y las visiones, en una era asediada por las externas? ¿Y de qué sirve crear una imagen del mundo cuando el mundo mismo se ha convertido cada vez más en una imagen? El Palacio Enciclopédico es un espectáculo que ilustra una condición que todos compartimos: nosotros mismos somos medios, canalizamos imágenes o, en ocasiones, incluso nos encontramos poseídos por imágenes.

El Palacio Enciclopédico
Más de ciento cincuenta artistas de más de treinta y ocho países exhiben obras de arte contemporáneas, artefactos históricos y objetos encontrados. El Palacio Enciclopédico es espacioso y se adapta al trabajo de los altamente capacitados y autodidactas, los académicos y los difíciles de clasificar. La exposición de Gioni sugiere una colección de colecciones, llena de bestiarios y álbumes de recortes completos y visiones del mundo totalizadoras. Con frecuencia es magistral y provocativa, pero también frustrante.

Para una exposición de unos 160 artistas, es coherente y con un ritmo cuidadoso, entretejiendo una serie de estribillos: el afligido asunto del surrealismo con la etnografía y lo Siniestro.

Aspectos destacados de los pabellones nacionales
88 pabellones, primera participación para 10 países: Angola, Bahamas, Reino de Bahrein, República de Costa de Marfil, República de Kosovo, Kuwait, Maldivas, Paraguay, Tuvalu y Santa Sede

Pabellón de Argentina
La obra de Adrián Villar Rojas parte de un relato, que especula sobre el presente desde un hipotético futuro, desplegando una dimensión política de la fantasía. Enfocado en ese fin del mundo, el nuestro, sugiere repensar el lugar de la creación artística como refugio de la existencia, la pasión y la sensibilidad. Esta instalación site-specific de esculturas monumentales se basa en las teorías de multiversos, que afirman que muchos universos diferentes podrían coexistir; así, las grandes figuras de arcilla desplegadas por todo el espacio de la Artiglierie podrían verse como apariciones simultáneas de estos mundos alternativos en el nuestro, llamando la atención sobre los otros caminos que la humanidad pudo haber tomado durante su historia evolutiva.

Adrián Villar Rojas ve su obra como una alternativa a la producción artística tradicional latinoamericana, ligada a la sencillez y al ready-made. Su trabajo posee un tono personal distinto. Combina la experimentación formal con la construcción de una narrativa, lo que le permite reflexionar sobre el arte, sus formas de aparición y sus significados, como si fuera el fin de los tiempos y el fin del mundo. Se embarca en proyectos ambiciosos y complejos, que pretenden dialogar con las obras de sus pares internacionales al mismo nivel de potencialidad y riesgo.

Pabellón de Angola
Premio León de Oro
El Pabellón de Angola, titulado “Luanda, ciudad enciclopédica”, presenta la obra fotográfica del artista angoleño Edson Chagas. Reflexionando sobre el tema general de la Exposición Internacional de Arte de este año, “El Palacio Enciclopédico”, Chagas se centra en las complejidades de Luanda, la capital de Angola, presentando una serie de fotografías, “Encontrados, no tomados”, que capturan objetos abandonados reposicionados en contextos urbanos elegidos por el artista. Luanda, Ciudad Enciclopédica es una instalación compuesta por 23 carteles fotográficos de gran formato abiertos a la interacción con el público, invitados a reflexionar sobre la temática del palacio Enciclopédico también a través de la capacidad de crear su propia enciclopedia personal urbana de Luanda,en una estimulante comparación con la Colección de Arte Antiguo expuesta en la Galería del Palazzo Cini. Luanda, que se deriva de la presencia de espacios impredecibles y la convivencia de programas irreconciliables: ciudad y campo, infraestructura y viviendas, basureros y espacios públicos.

Este desplazamiento y reposicionamiento de un objeto actúa como un proceso de catalogación sistemático, que crea nuevas relaciones entre el objeto y su contexto. Las fotografías, presentadas en pilas colocadas alrededor de las habitaciones del Palazzo Cini en yuxtaposición con el arte y la arquitectura clásica del edificio, exploran las relaciones que se forman entre el espacio y las imágenes, y el papel de la imaginación y la creatividad en el entorno urbano.

Pabellón de Australia
El terreno de Simryn Gill, la zona intermareal, la insegura zona intermedia, ese lugar cambiante en una playa donde entra el océano, cubriendo conchas y cangrejos, flebótomos y manglares que brotan, y trayendo consigo detritos de bienes artificiales por el mar. rutas comerciales, para luego retirarse nuevamente. Su trabajo propone un espacio de negociación entre lo pequeño y lo global, entre la naturaleza y la industria, ya que revela una comprensión de la interconexión de todos en un mundo en cambio.

Pabellón de Bahamas
Un entorno multisensorial único con trabajo de video, sonido y luces de neón. Diseñada en torno al tema Polar Eclipse, la exposición explora los sentimientos de desplazamiento y pertenencia. El proyecto reúne tres sitios que son geográfica y culturalmente distintos: el Arsenale de Venecia, el centro de Nassau y el Polo Norte. Al debilitar el modelo definido a nivel nacional de los Pabellones Nacionales de la Bienal, Strachan pide a los espectadores que cuestionen sus propias ideas sobre el desplazamiento y la pertenencia a un lugar determinado.

El espacio de exposición principal dentro del Pabellón de las Bahamas se presenta como una instalación completa y distinta, así como una colección de piezas de arte individuales. Cuenta con una instalación de video de 360 ​​grados, con catorce monitores que reproducen un documental de la recreación de Strachan de la expedición polar de Peary y Henson en 1909, además de una instalación de audio, y tres esculturas de luz de neón que se enfocan en los temas de pertenencia y desplazamiento a través de una serie de declaraciones. Tituladas Aquí y ahora, las tres esculturas de luz representan las frases “Yo pertenezco aquí”, “Tú perteneces aquí” y “Nosotros pertenecemos aquí”. Con esta instalación, Strachan tiene como objetivo abordar los cambios invisibles en las culturas, los entornos físicos y las historias contadas sobre el espacio y el tiempo.tras la globalización y las narrativas de progreso.

Pabellón de Bahrein
Con el título “In A World of Your Own”, el pabellón del Reino de Bahrein presenta el trabajo de Mariam Haji, Waheeda Malullah y Camille Zakharia en un marco curatorial flexible, unido por la exploración subjetiva de la cultura y de uno mismo que se encuentra en el centro. de sus prácticas artísticas. Con énfasis en la importancia de la identidad, el pabellón examina la expresión de interioridad y significados privados en estos artistas.

Pabellón de Bélgica
UN ÁRBOL CAE: Berlinde De Bruyckere encontró un árbol en Francia y lo envió a Bélgica, donde lo rehizo en cera. Se encuentra en el pabellón belga, remendado con vendas como un cuerpo humano e iluminado delicadamente por un tragaluz cubierto con tela envejecida. De Bruyckere ha concebido una nueva instalación específica para el sitio que se basa en su obra existente, pero deriva su potencia de las conexiones con el contexto histórico de Venecia. Sus esculturas exploran la vida y la muerte, la muerte en la vida, la vida en la muerte, la vida antes de la vida, la muerte antes de la muerte, de la manera más íntima y perturbadora. Traen iluminación, pero la iluminación es tan oscura como profunda.

Pabellón de Bosnia y Herzegovina
The Garden of Delights, es una obra de arte altamente comprometida socialmente, que busca crear efectos desde múltiples perspectivas históricas y con fuertes connotaciones basadas en el contexto sociopolítico, ético, económico y cultural de la sociedad de Europa del Este. El conjunto del proyecto consta de tres conjuntos menores interconectados, un tríptico de mármol, un videoclip y una instalación, y el artista, como su creador, se posiciona como un activista cuya práctica y producción se imponen como modelo de manera muy específica, haciendo posible participación originada en la comunidad local, es decir, el medio ambiente.

La idea detrás del proyecto completo de El jardín de las delicias es la de los deseos desenfrenados de la gente, de las verdades personales debajo del absurdo colectivo de la contemporaneidad, tal como se percibe en toda Bosnia. El proyecto utiliza el conocimiento del mundo global, actualizado y relevante, filtrado a través del contexto local, crea una nueva visión artística clara, que es un determinante significativo de todo el conjunto.

Pabellón de Canadá
Shary Boyle, quien es conocida por su audaz uso de ficciones de fantasía para explorar estados psicológicos y emocionales humanos, Boyle trabaja en una variedad de medios que incluyen performance, escultura, cine e instalaciones inmersivas y emplea un alto nivel de artesanía hecha a mano en su práctica. Ella extrae la historia del arte, la tradición popular y las mitologías antiguas para crear un lenguaje simbólico único. El trabajo de Boyle está alimentado por preocupaciones sobre la injusticia de género y de clase. Su trabajo abarca la hibridación en todas sus formas, desafiando los límites tradicionales entre lo humano y lo animal, la vida y la muerte, lo masculino y lo femenino. De la escultura a la proyección traduce su visión personal de la sexualidad, las relaciones y la vulnerabilidad humana a través de una lente poética y humana.Boyle también crea actuaciones inmersivas multisensoriales y ha colaborado con músicos como Peaches, Feist, Christine Fellows y Doug Paisley.

Pabellón de Chile
En el pabellón de Chile, cada 3 minutos del agua emerge una réplica perfecta del giardini con los 28 pabellones nacionales. los visitantes que ingresan al espacio del arsenal se encuentran con una piscina llena de agua de la laguna y solo ven los reflejos del agua en las paredes. Alfredo Jaar se centra directamente en el modelo jerárquico y exclusivo involuntario de la exposición internacional de arte; uno que se ha seguido practicando y sin cambios durante años como resultado de sus primeros números. “venezia, venezia” muestra a jaar reproduciendo la totalidad del recinto giardini y la arquitectura del sitio tal como está hoy, en forma de un modelo a escala 1:60. Al construir la réplica de los pabellones y su naturaleza circundante, el artista crea una utopía, en la que vemos el arquetipo sumergido en un charco de agua turbia y verde,y luego resurgiendo, como un fantasma de la historia.

Alfredo Jaar es un artista, arquitecto, cineasta y conferencista, cuyo compromiso expansivo con el arte en diversos contextos culturales, políticos y públicos lo ha llevado a crear algunas de las obras más profundas y sugerentes de las últimas tres décadas. El proyecto es ante todo una crítica del modelo de pabellón nacional de la Bienal más que un reflejo del hundimiento físico de la ciudad bajo las mareas verdes de la laguna veneciana. La fotografía de Fontana es en realidad un símbolo de esperanza y renovación, un mensaje no solo de que la Bienal debe ponerse al día con los tiempos, sino también de que la cultura en su conjunto requiere un replanteamiento.

Pabellón de China
El pabellón de China explora el tema de la ‘transfiguración’, con un enfoque particular en cerrar la brecha entre la vida y el arte, la transformación de la vida en arte, de lo común en obras de arte o representación artística, del no arte en arte. siete artistas chinos exploran esta noción de cambio a través de diferentes medios y temas, desde perspectivas celestiales.

Además de coincidir con el espíritu de “la confluencia de los sueños y las imágenes de los humanos”, defendido por el tema de la Bienal “El Palacio Enciclopédico”, la “transfiguración” también contiene conceptos geográficos, espaciales y gráficos, como la posición, la ubicación y la posición del diagrama, llevando y simbolizando las características del tiempo en su connotación, reflejando los rasgos de la comunidad internacional contemporánea: no solo en China, sino también en los cambios del mundo a través de la globalización. Al mismo tiempo, “Transfiguración” pretende ofrecer innovación, iniciativa y creatividad, ubicándola dentro de los cambios debidos al desarrollo, mostrando las diversidades culturales e ideológicas del mundo contemporáneo en una exposición con otros países del mundo.Su objetivo es mostrar la diversidad, así como la divergencia y convergencia de diferentes culturas, prácticas artísticas e imágenes en tiempos de globalización e internacionalización del mundo del arte.

Pabellón de Dinamarca
El pabellón danés presenta una instalación de video multicanal e intervención arquitectónica del artista danés Jesper Just. Los visitantes son recibidos por una pared de ladrillos que rodea el exterior del edificio, lo que obliga a todos a entrar por una sola puerta a un lado. En el interior, cinco proyecciones de películas de diferentes tamaños adornan varias paredes y habitaciones del interior, su audio y sus imágenes se funden entre sí para crear nuevas experiencias narrativas. las proyecciones trazan las historias entrelazadas de tres hombres en una sola ciudad. El centro urbano representado es en realidad un suburbio de Hangzhou, China, que fue construido como una réplica casi exacta de París, con la torre Eiffel. Jesper Simplemente muestre esta ciudad como si fuera el París ‘real’, utilizando actores franceses,dejando un poco de ambigüedad debido a ciertos estereotipos culturales de la ciudad que existen. Para cualquiera estaba claro que la proporción y la escala están ligeramente desviadas.

Pabellón de Finlandia
“Falling Trees” combina las exposiciones individuales de los artistas finlandeses Terike Haapoja y Antti Laitinen en un conjunto parecido a un jardín, que ocupa tanto el Pabellón Nórdico como el Pabellón Alvar Aalto de Finlandia. La exposición ‘Falling Trees’ punto de partida conceptual de un evento inesperado en la Bienal de Arte de 2011, cuando un gran árbol cayó sobre el Pabellón Aalto, rompiéndolo y truncando la exposición que se exhibía en ese momento. Este encuentro contingente entre el arte y la naturaleza proporcionó la primera nota a un sinuoso proceso de curaduría y resuena en el conjunto subsiguiente de las dos muestras singulares. En 2013, Terike Haapoja transformó el Pabellón Nórdico a través de gestos arquitectónicos integrales en un laboratorio de investigación.

Las exposiciones forman un jardín particular del conocimiento; uno donde el conocimiento no puede ser arrancado directamente del árbol, como en los jardines botánicos o zoológicos basados ​​en la clasificación. En este jardín, conocimiento significa participación compartida, abierta y concreta y reconocimiento de la agencia activa de la naturaleza y sus diferentes especies. En este lugar, la tecnología y la ciencia encuentran su lugar como herramientas para investigar las cuestiones básicas de la vida y el arte: la memoria, nuestra relación con la naturaleza y la mortalidad. El proyecto muestra obras que consisten en videos y fotografías, instalaciones y performance, donde la conceptualidad intransigente y el humor absurdo se encuentran en el escenario creado por la naturaleza finlandesa. Los artistas nos desafían a pensar en nuestras dimensiones humanas desde una nueva perspectiva,aunque funcionan de formas muy diferentes y con resultados diferentes. Sus obras revelan la contingencia en los cimientos de nuestra vida cotidiana, al mismo tiempo que enriquecen las posibilidades de nuestras facultades imaginativas.

Pabellón de Francia y Alemania
Titulado “Ravel Ravel Unravel”, compuesto por dos películas. cada pantalla está enfocada en la mano izquierda de un pianista famoso: louis lortie y jean-efflam bavouzet. En estas películas, Anri Sala continúa su exploración del espacio y el sonido, así como el lenguaje mudo del cuerpo. Ofrece una experiencia basada en la diferencia y la igualdad, en una obra ambiciosa que impulsa aún más sus experimentaciones en la espacialización del sonido. La obra apela tanto al intelecto del espectador como a su cuerpo, creando una poderosa experiencia física y emocional, sumergiendo al espectador en su música.

Ocupando el espacio central del Pabellón Alemán, la primera de dos obras, titulada Ravel Ravel, consta de dos películas, cada una enfocada en la mano izquierda de un famoso pianista: Louis Lortie y JeanEfflam Bavouzet. Ambos intérpretes fueron invitados por Anri Sala para interpretar el Concierto de Ravel, acompañados por la Orquesta Nacional de Francia, dirigida por Didier Benetti. En las salas adyacentes, se presentan otras dos películas bajo el título único Unravel. Chloé, una DJ, se filma sola, mezclando cada una de las dos interpretaciones y tratando de unir las dos versiones del Concierto a través de su interpretación única.

Pabellón de Gran Bretaña
El título “English Magic”, refleja las raíces de gran parte del trabajo de Jeremy Deller, centrándose en la sociedad británica, su gente, iconos, mitos, folclore y su historia cultural y política. Deller enmarca estos casos de una manera contemporánea pero también fiel al tema original, tejiendo una narrativa que es casi psicodélica; flotando delicadamente entre la realidad y la ficción, entre lo real y lo imaginado. Al abordar eventos del pasado, presente y un futuro imaginado, Deller trabajó con una amplia gama de colaboradores, incluidos arqueólogos, músicos, santuarios de aves, prisioneros y pintores.

English Magic, una nueva obra cinematográfica de Jeremy Deller, formó una parte importante de su exposición. La película reúne muchas de las ideas detrás de las obras del Pabellón, presentando elementos visuales y temáticos que reflejan el interés de Deller en la naturaleza diversa de la sociedad británica y su amplia historia cultural, sociopolítica y económica.

Pabellón de Grecia
El título “Historia cero”, comprende una película de tres episodios junto con un archivo de texto e imágenes, explora el papel del dinero en la formación de las relaciones humanas. La selección adjunta de materiales de archivo Alternative Currencies An Archive And A Manifesto, proporciona ejemplos y evidencia de sistemas alternativos de intercambio no monetario, centrándose en la capacidad de tales modelos para erosionar o cuestionar el poder político homogeneizador de la moneda común, y las formas en el que las comunidades funcionan en relación al intercambio de bienes en tiempos difíciles.

Pabellón de Irak
Bajo el título “Bienvenido a Irak”, el proyecto presenta a artistas iraquíes que viven y trabajan en Irak en una plataforma de arte internacional. Los 11 artistas que participaron en la exposición también fueron invitados a la semana inaugural de la muestra, donde extrajeron nuevas ideas de la escena artística internacional, así como del rico patrimonio de la ciudad. Gracias a esta exposición ampliamente aclamada, muchos de los artistas fueron invitados a presentar su trabajo en las principales galerías, ferias y festivales mundiales.

La exposición incluye el trabajo del dibujante Abdul Raheem Yassir, quien usa el humor inexpresivo para abordar el caos social y político y la corrupción; Jamal Penjweny, de Sulaymaniyah, que muestra una serie de fotografías tituladas Saddam is Here en las que aparecen iraquíes en lugares cotidianos con un retrato del ex dictador sobre sus propios rostros; y Cheeman Ismaeel, una de las dos artistas seleccionadas, que personaliza objetos domésticos a través de una decoración ornamentada.

Pabellón de Irlanda
“The Enclave” es una instalación de película multicanal, que muestra el trabajo de Richard Mosse que se produjo en el este de la República Democrática del Congo en 2012. El artista hace un uso completo de la estructura espacial del Pabellón Irlandés. El Enclave se presentó en varias pantallas instaladas dentro de la cámara oscura más grande. Las pantallas cuelgan de las vigas, cada una tocando una columna. Al colocar cada pantalla junto a una columna para activar la arquitectura, trabajar con ella en lugar de resistir las columnas, que son difíciles de evitar. Las pantallas se pueden ver desde ambos lados, creando una especie de laberinto escultórico dentro del espacio. El espectador debe participar activamente en la pieza espacialmente, moviéndose a través de la cámara de acuerdo con el énfasis de la obra en el sonido y la visión.

El Enclave cambia de estilo a lo largo, cambiando de marcha entre lo antropológico, lo metafórico, lo lírico, el surrealismo y lo absurdo. La pieza trata sobre lo Real (en el sentido lacaniano) y el carrete (como en el noticiero). Es bastante diferente a las fotografías anteriores de Richard Mosse del Congo simplemente porque la imagen en movimiento y la fotografía fija son animales extremadamente diferentes. La imagen en movimiento golpea el corazón de inmediato, como la música, mientras que la fotografía fija es más reflexiva, más interminable, pero menos cercana. El Enclave es profundamente visceral, a veces aterrador.

Pabellón de Israel
“The Workshop” de Gilad Ratman, se basa en un viaje subterráneo ficticio desde Israel a Venecia realizado por una pequeña comunidad de personas. El proyecto documenta el viaje de una comunidad de personas desde Israel a Venecia, a través de una presentación no lineal de video, instalación, sonido y una intervención física en el tejido del propio Pabellón. Su viaje épico comienza en las cuevas de Israel, atraviesa traicioneros pasajes subterráneos antes de atravesar el suelo del pabellón israelí. A su llegada, el grupo convierte el pabellón en un taller, esculpiéndose en arcilla que han transportado desde Israel. reflexiona sobre la Bienal como modelo utópico de conectividad de las naciones.

Representándose a sí mismos en bustos de arcilla, que van acompañados de grabaciones de voces guturales, el evento del taller del grupo sugiere un regreso a una etapa prelingüística de la sociedad humana primitiva. Un tema recurrente en su trabajo, aquí Ratman explora la tensión entre los patrones universales de comportamiento humano por un lado y las divisiones de idioma, nacionalidad o gobierno por el otro. “El Taller”, los videos y el sonido, ofrecen al espectador un reflejo de un evento que ha tenido lugar en ese mismo lugar. Al hacerlo, el trabajo crea una historia ficticia, pero verdadera. Ratman muestra un mundo donde el tránsito puede tener lugar a través de las fronteras nacionales en redes ocultas: gratis, sin ser detectado y sin identificar. Actuando en pequeñas comunidades en una etapa utópica, presocial e incluso prelingüística,como los recurrentes en el trabajo de Ratman es esencial.

Pabellón de Italia
El Pabellón de Italia presenta un viaje ideal a través del arte italiano de hoy, un itinerario que narra identidades, historia y paisajes, reales e imaginarios, explorando la complejidad y las capas que caracterizan las vicisitudes artísticas del país. Un retrato del arte reciente, leído como un atlas de temas y actitudes en diálogo con el legado histórico y la actualidad, con una dimensión tanto local como internacional. Un diálogo cruzado de correspondencias, derivaciones y diferencias entre aclamados maestros y artistas de generaciones posteriores. Una topografía insólita, que permite una reevaluación de algunas trayectorias básicas del arte italiano reciente, un recorrido por caminos olvidados, la curación de la amnesia cultural y da nueva visibilidad a los autores solitarios. La exposición se divide en siete espacios, seis salas y un jardín,que cada uno alberga la obra de dos artistas, que se articulan sobre la base de la afinidad de sus respectivas poéticas e intereses comunes en temas, ideas y prácticas.

Siete binomios alrededor del proyecto: cuerpo / historia, vista / lugar, sonido / silencio, perspectiva / superficie, familiar / extraño, sistema / fragmento y tragedia / comedia. En un diálogo entre artista y artista, sala y sala, la exposición presenta obras que en su mayoría han sido creadas específicamente para la ocasión – doce de catorce – y se propone como una plataforma de reflexión sobre las características y contradicciones de la cultura italiana, devolviendo que complejidad vital a nuestro arte reciente que se crea a partir de intuiciones y contradicciones en las que el juego de la inversa es uno de sus elementos fundamentales, afirmando así el estatus de originalidad e importancia internacional que merece.

Pabellón de Japón
El título “Habla abstracta – Compartiendo incertidumbre y actos colectivos”, de Koki Tanaka, examinó los efectos tangibles y emocionales del terremoto y tsunami masivos que azotaron Japón en 2011. La exposición presenta un Japón que aún se está recuperando del terremoto, tsunami y accidentes nucleares posteriores de 2011. La obra busca abordar la dificultad de percibir y compartir los problemas y dolores de los demás. Su plan de instalación convirtió el Pabellón de Japón en una plataforma para compartir experiencias anteriores o ficticias posteriores a la catástrofe de forma interactiva a través de distintas asignaciones. Específicamente, estas asignaciones colocaron a los participantes en situaciones inusuales y los impulsaron a lidiar con circunstancias atípicas.

Algunos ejemplos de ejercicios ideados al estilo de un desastre incluyeron que un grupo de personas descendiera juntas por la escalera de emergencia de un edificio de gran altura lo más silenciosamente posible; caminar por las calles nocturnas con linternas en la mano; un ‘acto colectivo’ que imita la evacuación de un edificio en completa oscuridad; y reconstruir una sola pieza de cerámica utilizando los fragmentos de varias piezas rotas. Esto tenía como objetivo representar la colaboración requerida entre los conservadores en sus intentos de reconstruir un objeto, y actúa como una metáfora de los desafíos en la construcción de una nueva sociedad después del terremoto. Se solicitó a grupos integrados por varias personas que abordaran de manera conjunta estas circunstancias, y sus esfuerzos quedaron documentados a través de nueve trabajos de video y fotografía. A través de estas interacciones grupales,Tanaka investigó cómo nos identificamos con las experiencias de los demás a través de nuestras propias perspectivas. A través de secuencias de video, instalaciones fotográficas y experiencias grupales interactivas, Tanaka expresó los sentimientos de una nación en recuperación y resiliente.

Pabellón de Kosovo
Petrit Halilaj reúne recuerdos de colaboradores, miembros de la familia y crea un refugio para ellos dentro del Pabellón, evocando tanto sus ansiedades personales como la tensa historia de su tierra natal. La práctica artística de Petrit Halilaj está impulsada por una búsqueda constante de qué es la realidad y cómo se puede representar la realidad a través del arte. Sus recuerdos de una infancia rural, su experiencia personal de guerra, destrucción, éxodo y desplazamiento son la base misma de sus reflexiones sobre la vida y la condición humana. Su trabajo enmarca sus constantes migraciones entre Kosovo, Berlín e Italia, mientras que su particular estilo de nostalgia es más reconstituyente que reflexiva. Abrir canales de comunicación con el público y superar las brechas en su vínculo con el mundo de Runik, su ciudad natal,construyendo puentes entre diferentes etapas de su vida.

El trabajo de Petrit Halilaj es particularmente personal y evoca la historia y la cultura de Kosovo a través de una colección variada de objetos personales. Con este fin, Halilaj utiliza la idea de la nostalgia con gran efecto en sus obras. Combina estos objetos resonantes con evocaciones surrealistas del mundo natural, que en el Pabellón de Kosovo encuentra expresión en un refugio hecho de ramitas y ramas, como un cuerpo extraño migrado de alguna época o territorio subconsciente y olvidado a una vecindad que es nada menos. que un icono de renombre de los logros culturales y artísticos del histórico mundo occidental. La inclusión de dos canarios, que en un momento vivieron en el estudio del artista, es otro gesto de simbolismo ambiguo, típico de la obra de Halilaj.

Pabellón de Lituania y Chipre
Con el título “oO”, el proyecto resiste las fronteras nacionales de una manera muy asertiva; colaborando, coproduciendo y co-comisionando un evento que tal vez no se creía posible en climas económicos inciertos. oO desafía al espectador a darle sentido a la pantalla, categorizar y sugerir nuevas y posibles formas de organización. Repartido por los pisos del palazzetto, el espectáculo parece estar diseñado en la línea de una búsqueda del tesoro, invitando al visitante a caminar libremente por el espacio. En un estilo idiosincrásico, los artistas y el curador quieren que pruebes el comienzo y el final de la muestra simultáneamente. La exposición es realmente inesperada, ya que se desarrolla con lugares y obras de arte improbables: un robot aspirador deambula y motocicletas Suzuki Landie y Honda Chaly apiladas contra las paredes.Imágenes en blanco y negro de gimnastas se yuxtaponen entre estas instalaciones y se integran perfectamente en el espacio.

Pabellón de Nueva Zelanda
Bajo el título “Puerta de entrada hacia atrás”, las obras de Bill Culbert se colocaron en todo el edificio grande, en pisos, paredes, techos y áreas al aire libre. El artista saca estos objetos de su contexto ordinario, formando una amalgama escultórica de estas piezas con una abundancia de tubos de luz fluorescente, guiando a los visitantes a través de los patios, salas y pasillos de la pietà fluyendo alrededor y, a menudo, cruzando físicamente sus esculturas. mientras uno camina por el sitio de la pietà, ve cómo se desarrolla cada una de las obras de alcantarilla, jugando con las cualidades del sitio de la pietà. El proyecto consiste en introducir energía y sencillez en el entorno, encendiendo las habitaciones y el pasaje que habitualmente quedan deshabitados, transformándolos en espacios de vida vibrantes.

La exposición es una instalación de ocho partes que está relacionada temáticamente con el mundo doméstico, en la que vemos alcantarilla empleando muebles (desde sillas, armarios, mesas auxiliares), botellas de detergente de colores, en combinación con su medio característico, la iluminación, para crear un experiencia inmersiva para el espectador. los objetos mundanos se componen en arreglos simples que enfatizan aún más las ideas y nociones relacionadas con el hogar: la ubicación de los recipientes de plástico que cubren el piso de la sala principal del edificio, ofrecen una alfombra densa de color y luz, o la red de sillas y mesas en cascada hacia abajo, todo en combinación con iluminación de tubo fluorescente, suspendida en el pasillo del lugar a semejanza de una lámpara de araña.

Pabellón de Noruega
Con el título “Cuidado con la santa puta: Edvard Munch, Lene Berg y el dilema de la emancipación”, el proyecto incluye una serie de obras de Edvard Munch que rara vez se exhiben, además de una película recientemente encargada por Lene Berg, que gira en torno a la emancipación como un tema siempre atormentado por la contradicción, entre el reino de la libertad y las consecuencias del aislamiento que a menudo acompañan a la búsqueda de una vida “alternativa” cualitativamente diferente. La película que se concentra en tres personajes diferentes que son interrogados sobre sus roles como víctimas o victimarios en una situación compleja. La película explora la interpretación del comportamiento humano basada en conceptos preconcebidos y normas establecidas. Al igual que la exposición en su conjunto,la película presenta la deconstrucción de una escena original que funciona como catalizador de una revisión de las políticas de liberación, de lucha de género y de conflicto interno: el dilema de la emancipación.

El impulso de operar en los márgenes, en el exterior tratando de irrumpir o en el interior redefiniendo el contexto, es uno de los motores clave de la historia del arte. El esfuerzo hacia una “nueva sensibilidad” implica una liberación psicodélica y narcótica de la racionalidad de un sistema establecido, así como de la lógica que intenta cambiar ese sistema. Esta nueva sensibilidad, que reside en la brecha entre el orden existente y la verdadera liberación, podría conducir a una transformación radical, y en este cambio el arte funciona como una técnica a través de la cual reconstruir la realidad desde su ilusión, su imitación, su armonía, hacia una transformación. materia aún no dada, aún por realizar. La exposición explora la relación entre el arte, su contexto social y las cambiantes relaciones de género,tanto en la época de la emancipación en la que vivió Munch como en la actualidad.

Pabellón de Portugal
El Trafaria Praia es un ferry de Lisboa, o cacilheiro, que fue dado de baja en 2011. Una vez utilizado para transportar pasajeros de ida y vuelta a través del río Tajo, el Trafaria Praia se transformó en el pabellón flotante de Vasconcelos, que atracó cerca del Giardini en Venecia y navegó alrededor la laguna a intervalos regulares a lo largo de la Bienal. La exposición aborda los puntos en común entre Lisboa y Venecia, a saber, sus ricas historias marítimas, que durante siglos ayudaron a expandir la cosmovisión europea.

El readymade asistido a gran escala consta de múltiples capas de arte y simbolismo. Primero está el barco en sí, que en Lisboa es un símbolo de los trabajadores manuales que utilizan el ferry que cruza el río para trabajar. El barco también representa la relación de Lisboa con Venecia, “que evolucionó a través del comercio, la diplomacia y el arte … examinando tres aspectos fundamentales que comparten: el agua, la navegación y el barco”. Al crear un pabellón flotante, Vasconcelos está desterritorializando el territorio, burlando metafóricamente las luchas de poder que tan a menudo marcan las relaciones internacionales “. El exterior del barco está cubierto de azulejos, azulejos pintados a mano, que representan el horizonte moderno de Lisboa. El interior del barco contiene la obra Valkyrie Azulejo.El espacio está cubierto desde el techo hasta el piso con textiles en diferentes tonos de azul. Grandes formas irregulares de ganchillo envueltas en luces LED se inmiscuyen en el espacio enfatizando la relación del cuerpo con el espacio. Se crea una experiencia de inmersión general y el espacio se ha comparado con el fondo del océano o el vientre de una ballena.

Pabellón de la República de Corea
Con el título “Respirar: Bottari”, Seungduk Kim transforma el pabellón coreano en un lugar de experiencia trascendental. lidiar con problemas relacionados con el cuerpo, el yo y los demás, y la relación del ‘yin’ y el ‘yan’ con la vida y la muerte. Seungduk Kim ha envuelto la totalidad del interior del pabellón nacional con una película translúcida, que divide el entorno construido de la naturaleza. la piel difracta la luz del día, bañando la estructura interna con espectros de luz, la intensidad de los arcoíris de color reflejados en las paredes y el suelo. esta metamorfosis está en correspondencia directa con el movimiento del sol saliendo y poniéndose a través del edificio, respirando a las fluctuaciones naturales del sol.

“Respirar: bottari” celebra la existencia dual del sonido y la ausencia de sonido y la realidad de la oscuridad como una extensión de la luz y la luz como parte de la oscuridad. Al cuestionar la jerarquía del conocimiento visual sobre lo ‘invisible’, en la respiración bottari los polos opuestos son tratados como parte de un mismo todo. El artista desea invitar al público a contemplar un momento especial y una sensación de su cuerpo experimentando una conciencia de las condiciones del conocimiento y la ignorancia humanos y su psicología en el espacio y el tiempo. esta es la ‘noción de totalidad’ que ha estado persiguiendo en su práctica hasta ahora, como una forma de cuestionar las condiciones de la civilización en esta época.

Pabellón de Rusia
La instalación de Vadim Zakharov ha unido los pisos superior e inferior del Pabellón Ruso. El tema de la instalación gira en torno al antiguo mito griego de Dánae. En la sala central del Pabellón se ha realizado un gran hueco cuadrado en el techo del espacio expositivo inferior, y en la planta superior, alrededor del hueco, se ha construido una barandilla de altar con cojines para arrodillarse. Al mirar hacia abajo, los visitantes pueden captar y sentir que estamos presentes en un proceso único de materialización del mito. A través del enorme agujero en el suelo, los visitantes caen en otro espacio semántico y poético, en el que las monedas de oro vuelan desde un techo piramidal. Abajo vemos mujeres con paraguas, que las protegen de ser golpeadas por las monedas. La sala inferior solo puede ser visitada por mujeres.No se trata de sexismo, sino que simplemente sigue la lógica de la construcción anatómica del mito. Lo masculino solo puede caer dentro desde arriba, en forma de lluvia dorada. El nivel inferior del Pabellón es un “útero cueva”, que mantiene intactos la tranquilidad, el conocimiento y la memoria.

El mito griego de la impregnación de Dánae está sujeto a numerosas lecturas: una lluvia de oro que cae hace referencia a la seducción de Dánae como una alegoría del deseo y la codicia humanos, pero también a la influencia corruptora del dinero. A través de su puesta en escena artística, Zakharov permite que este antiguo mito encuentre una dimensión temporal contemporánea. Los fragmentos filosóficos, sexuales, psicológicos y culturales se concentran en una composición general similar a un teatro en todas las salas del Pabellón. El proyecto cuenta con elementos escultóricos y pictóricos e invita a la participación activa de los visitantes para garantizar el flujo de bienes materiales como un proceso continuo. En esta Performance in Five Acts, Zakharov presenta la importancia de la encarnación de los mitos para una sociedad que ya no les da crédito.Ha llegado el momento de confesar nuestra rudeza, lujuria, narcisismo, demagogia, falsedad, banalidad y codicia, cinismo, robo, especulación, despilfarro, glotonería, seducción, envidia y estupidez.

Pabellón de Serbia
Con el título “Nothing Between Us”, Vladimir Peric y Miloš Tomic encuentran una manera particular de presentar algunos segmentos de las colecciones que han acumulado a lo largo de los años a través de la acumulación obsesiva de varios objetos usados. Las instalaciones de Peric en el Pabellón forman un conjunto que ha sido concebido y ordenado expresamente con mucha precisión para el espacio del Pabellón. Incluye varias porciones de varias de sus colecciones, pero se compone principalmente del Museo de la Infancia. Los trabajos de Tomic son, en cambio, diarios en video de su investigación sobre un amplio espectro de intentos espontáneos, poco convencionales, amateur, poco sofisticados, inocentemente sin pretensiones e incluso ingenuamente arrogantes de hacer algún tipo de música fuera de los cánones aceptados de la producción musical profesional.Todas estas grabaciones documentales de contenido absolutamente anarquista, que evocan las tradiciones del antiarte anterior a la mirada del espectador, son solo puntos de partida y auténticamente materias primas que infunden al proyecto una vivacidad particular.

Vladimir Peric transforma el contenido en ensamblajes alegóricos que cuentan historias de los lugares y escenarios de donde fueron reunidos, y relatan los tiempos ahora perdidos cuando sus elementos tenían alguna función práctica en la vida de sus antiguos dueños. La idea es cuestionar el tema de la actualidad, así como la posición que los artistas asumen con sus obras en la exposición. Estos recogen objetos en instalaciones minimalistas, cuyos elementos se ordenan según esquemas repetitivos, haciendo que los rasgos individuales de esos elementos desaparezcan en el juego de ilusiones ópticas. El trabajo de Miloš Tomic presenta aspectos formales subyacentes. Partiendo de cualquier orden establecido estable, la naturaleza aparentemente fuera de control. Tomic cambia constantemente los campos de aplicación de las habilidades y conocimientos profesionales,para permitir que aparezcan diversas cosas no planificadas, inesperadas e incluso no deseadas, lo que requiere la invención de nuevas estrategias y métodos de trabajo.

Pabellón de España
Lara Almarcegui transformó el Pabellón de España en una variedad de escombros y otros objetos encontrados en terrenos baldíos como un examen del proceso de transformación urbana. El proyecto examina el proceso de transformación urbana como resultado del cambio económico, político y social. Centrándose en terrenos baldíos, ruinas modernas dentro de las ciudades, Almercegui intenta llamar la atención sobre estos espacios urbanos que a menudo escapan a nuestra conciencia. En particular, se centra en estudiar los elementos que a menudo se pasan por alto que componen un lugar, las ruinas modernas y los páramos urbanos que los componen, descubre las relaciones entre los sitios que excava e investiga con su pasado y evalúa su posible futuro.

El pabellón español se compone de dos partes: la instalación en el recinto giardini, habla directamente del edificio de 1922 construido por javier de luque; es una intervención que ocupa todo su interior. uno se encuentra con montañas imponentes y abrumadoras de diversos materiales de construcción, escombros de cemento, tejas y ladrillos aplastados en grava, en paralelo con el tipo y la cantidad utilizados por los trabajadores para construir el lugar, lo que hace prácticamente imposible que uno entre directamente. a lo largo de las otras habitaciones laterales se encuentran montículos más pequeños y menos robustos, cada uno dividido según el material (aserrín, vidrio y una mezcla de escoria de hierro y cenizas).

Pabellón de la Santa Sede
El Pabellón Vaticano eligió un tema fundamental para la cultura y la tradición de la Iglesia. También es fuente de inspiración para muchos cuyas obras que han dejado una huella en la historia del arte: la historia contada en el Libro del Génesis. En concreto, se han elegido los primeros once capítulos, ya que están dedicados al misterio del origen del hombre, la introducción del mal en la historia, y nuestra esperanza y proyectos de futuro tras la devastación simbólicamente representada por el Diluvio. Amplias discusiones sobre la multiplicidad de temas que ofrece esta fuente inagotable llevaron a la elección de tres áreas temáticas en las que los artistas se han comprometido: Creazione (Creación), De-Creazione (Uncreation) y el Hombre Nuevo o Ri-Creazione ( Recreación).

El tema de la Creación se concentra en la primera parte de la narrativa bíblica, cuando el acto creativo se introduce a través de la Palabra y el soplo del Espíritu Santo, generando una dimensión temporal y espacial, y todas las formas de vida, incluido el ser humano. La descreación, por otro lado, nos invita a enfocarnos en la opción de ir en contra del plan original de Dios a través de formas de destrucción ética y material, como el pecado original y el primer asesinato (Caín y Abel), invitándonos a reflexionar sobre la “inhumanidad de hombre.” La violencia y la falta de armonía resultantes desencadenan un nuevo comienzo para la humanidad, que comienza con el evento punitivo / purificador del Diluvio. En esta historia bíblica, el concepto del viaje y los temas de la búsqueda y la esperanza,representada por la figura de Noé y su familia y luego por Abraham y su progenie, eventualmente conducen a la designación de un Hombre Nuevo y una creación renovada, donde un profundo cambio interno da nuevo significado y vitalidad a la existencia.

Pabellón de Turquía
Los videos de Ali Kazma se enfocan en temas de trabajo y producción, él cree que el mundo ha avanzado a gran velocidad, que el mundo se ha convertido en una superautopista de información, que es móvil, etc., pero Ali Kazma quería recordarle a la gente que todavía Vivo en un mundo donde existe el trabajo de sellar papeles. El trabajo de Kazma investiga las idiosincrasias mecánicas de varias ocupaciones, desde la taxidermia hasta la cerámica de estudio, desde la fabricación de dulces hasta el trabajo de los notarios turcos. Derivando ideas sobre el trabajo y el significado de la economía a partir de tareas cotidianas ritualistas y repetitivas, sus obras plantean preguntas sobre la organización social y el valor de la actividad humana.

Pabellón de Estados Unidos de América
Con el título “Punto triple”, el trabajo de Sarah Sze responde directamente a las ubicaciones para las que se les ha encargado, transformando la perspectiva del espacio y la arquitectura a través de cambios radicales en la escala, ocupando las áreas periféricas o que a menudo se pasan por alto del edificio al que se dirige con su gran intervenciones a escala. Uno experimenta ‘punto triple’ inmediatamente en el patio donde ‘espigador’, una estructura tambaleante sube y baja por el exterior, situado a la derecha de la entrada principal del pabellón. fusionándose para formar un espacio exterior que se revela completamente solo más tarde, su posición redirige el acceso al interior a una antigua puerta de salida a la izquierda de la rotonda de entrada, donde se encuentran con las estructuras improvisadas de Sze, los ensamblajes parecen inacabados,pero recordando notablemente modelos, máquinas e instalaciones como laboratorio, planetario, observatorio y péndulo.

Una serie de piezas interrelacionadas ha extendido su exposición hacia el exterior para abarcar el exterior, el acercamiento y la salida, comprometiéndose con el diseño neoclásico en otro nivel, desafiando su sentido palladiano del orden. el diseño del pabellón de EE. UU. suele invitar a los visitantes a entrar en una rotonda a través de una entrada central. Sin embargo, a partir de aquí, las cuatro galerías se dividen (dos ubicadas a cada lado del vestíbulo abovedado), lo que obliga a uno a elegir en qué dirección entrar y luego retroceder para ver las otras habitaciones. Queriendo crear una experiencia más intuitiva, Sze ha cerrado el acceso principal, guiando a los visitantes hacia el costado del edificio para ingresar desde la izquierda y orientándolos para viajar a través de la estructura de una manera lógica. uno serpentea a través de la serie de instalaciones aparentemente toscas pero calculadas,hecho de un conjunto de objetos que sze ha encontrado y coleccionado por toda venecia, el esfuerzo del artista por inscribir un orden personal muy frágil en un universo desordenado.

Eventos colaterales
Instituciones sin fines de lucro nacionales e internacionales, presentan sus exposiciones e iniciativas en diversos lugares de la ciudad.

25%: Cataluña en Venecia
Cantieri Navali, Organización: Institut Ramon Llull
Se eligen ocho desempleados, para representar el espectro social más amplio (un senegalés sin papeles, una arquitecta joven y altamente cualificada, una investigadora científica y un obrero cincuentón …) todos ellos para ser fotografiados por Francesc Torres durante un período de convivencia con el artista que documenta su vida cotidiana. Además de los documentos visuales sobre su vida cotidiana, Torres realiza un retrato oficial de cada uno de ellos. Tras esta primera fase donde se ha documentado la rutina y la situación económica de todos los personajes, la cineasta Mercedes Álvarez realiza rodajes donde cada personaje expresa sus opiniones sobre el papel del arte en sus vidas. Así, los ocho desempleados se convierten en sujetos activos de la exposición.

Un susurro remoto – PEDRO CABRITA REIS
Palazzo Falier, Organización: Direção-Geral das Artes
Pedro Cabrita Reis, uno de los principales artistas portugueses de su generación, muestra una intervención in situ titulada Un susurro remoto que cubre toda el área de exposición de 700 metros cuadrados del ‘piano nobile’ del Palazzo Falier. Un susurro remoto fluye por las habitaciones, abrazando las paredes, puertas y pisos con tubos de aluminio, luces fluorescentes y cables como dibujos en el espacio. Se trata de una construcción semiprecaria, tosca, pero casi arquitectónica que integra fragmentos de obras de su estudio una vez abandonadas por él, material documental, fotografías, así como dibujos y pinturas junto a restos y restos encontrados en la ciudad.

Acerca de Turn: Terranova en Venecia, Gill y Peter Wilkins
Galleria Ca ‘Rezzonico, Organización: Fundación de Arte Terra Nova
Acerca de Turn: Newfoundland in Venice, Gill & Peter Wilkins presenta nuevos trabajos de Gill y Peter Wilkins, artistas contemporáneos con sede en Newfoundland, Canadá. La exposición está impulsada por exploraciones complementarias de narrativas mundanas. El trabajo, que abarca el video, la fotografía y la pintura, juega hábilmente dentro de los límites de la abstracción y la narrativa; lo reconocible y lo intangible. Las obras de Gill combinan una ingenuidad fingida con un control formal, sacado de la vida familiar y los sueños fugaces. Las imágenes de Wilkins unen el arte histórico y contemporáneo, empleando abstracciones sutiles y destiladas de duración y forma.

Ai Weiwei – Disposición
Zuecca Project Space / Complesso delle Zitelle, Organización: Zuecca Project Space
La única gran exposición individual nueva del artista en 2013, se presentó en dos ubicaciones: el complejo Zitelle, hogar de Zuecca Project Space, y la iglesia de Sant’Antonin. Ai Weiwei presenta Straight, el primer proyecto desarrollado utilizando las barras de refuerzo de acero largas recuperadas de las escuelas que colapsaron durante el terremoto de Sichuan en 2008. Este trabajo, presentado por primera vez en el Museo Hirshhorn en Washington DC, se instala aquí a mayor escala en Zuecca. Espacio del proyecto. Su segundo trabajo, titulado SACRED, es una nueva presentación site-specific para la Bienal de Venecia en la Iglesia de Sant’Antonin, que ofrece un sentido inmediato del drama de un evento que subraya el desarrollo contradictorio de la China contemporánea.

Arte y conocimiento: el espíritu del lugar en los 5 sólidos platónicos
Biblioteca Nazionale Marciana, Organización: Fundación van der Koelen para las Artes y las Ciencias
En la Sala Monumental de la prestigiosa Biblioteca Nazionale Marciana (Plaza San Marco) Lore Bert exhibe 5 esculturas de espejo en un ambiente de papel junto con 11 obras de gran formato, en una exposición titulada Arte y conocimiento – El espíritu del lugar en los 5 sólidos platónicos . Los 5 sólidos platónicos representan 5 elementos: tierra, agua, fuego, aire y universo. Lore Bert ha estudiado en la Academia de Bellas Artes de Berlín. Ha organizado más de 200 exposiciones y 125 entornos en más de 26 países de todo el mundo, incluidas 40 exposiciones personales en museos. Varias publicaciones, entre ellas 38 monografías documentan su trabajo que se exhibe en varias colecciones internacionales.

Volver a Volver a Bienal – Libertad de expresión
Campo Sant’Agnese, Organización: Associazione Eventi d’arte e d’architettura
El arte contemporáneo, desde la posguerra hasta la fecha, ha teorizado y explicado las muchas y diferentes formas de autoexpresión. Los escritores son un movimiento artístico fenomenal que ha surgido de las cenizas de las sociedades altamente urbanizadas, donde las periferias se consideran guetos y donde ser ciudadano significa ver la ciudad como una gran paleta a través de la cual interpretar la propia noción de la realidad. El proyecto Back to Back to Biennale es un evento cultural, que desde un cierto punto de vista colectivo y generacional se caracteriza por actuaciones que los artistas realizan, sin filtro alguno desde un punto de vista curador o temático, hay libertad de expresión, como dice el subtítulo.

Bart Dorsa. Katya
Dorsoduro 417, Organización: Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA)
Bart Dorsa. Katya es una exposición de placas fotográficas de colodión y vidrio plateado y esculturas de bronce presentadas en un espacio oscuro específicamente organizado. El proyecto ofrece una historia íntima de una niña rusa descubierta en Moscú por el artista estadounidense. El viaje de Katya desde la estricta vida monástica ortodoxa, donde pasó 10 años desde los 3 a los 13 años, hasta el metro de Moscú está narrado en su piel, rostro y cuerpo. Su forma ha sido impresa en vidrio y en una escultura de bronce para describir el viaje de Katya y el arquetipo de encrucijadas míticas, que es un tema principal del trabajo de Dorsa.

Bedwyr Williams: El mensajero estrellado
Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), Organización: Cymru yn Fenis / Gales en Venecia
Si un poeta mira a través de un microscopio o un telescopio, siempre ve lo mismo (Gaston Bachelard). The Starry Messenger de Bedwyr Williams toma su nombre de un estudio publicado por Galileo Galilei sobre sus descubrimientos a través de un telescopio. En una serie de salas y pasillos de Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), esta nueva obra reflexiona sobre la exploración del espacio tanto infinito como minucioso. La vigilia nocturna de un astrónomo aficionado o la búsqueda de un adorador en las galaxias pulidas del suelo de terrazo debajo de sus zapatos.

Aliento
Torre di Porta Nuova
Shirazeh Houshiary presenta Breath, un video de cuatro canales que fue concebido por primera vez en 2003, en una versión remasterizada y como parte de una instalación nueva y única, específica del sitio. En Breath (2013), los cantos evocadores de oraciones budistas, cristianas, judías e islámicas emanan de cuatro pantallas de video. El sonido está coreografiado con imágenes que capturan la respiración en expansión y contracción de los vocalistas. La instalación es un recinto rectangular revestido de fieltro negro, y se ingresa a través de un pasaje estrecho que conduce a un interior blanco con poca luz. Hay cuatro pantallas colgadas a la altura de los ojos, de las que los cánticos de las diferentes tradiciones suben y bajan, se hinchan y se disipan en un coro inquietante que llena la habitación y se extiende más allá de cada una de sus paredes. Donde dentro hay unidad, afuera hay multiplicidad.

Cultura • Mente • Convertirse
Palazzo Mora, Organización: Global Art Center Foundation
Culture • Mind • Becoming, una exposición de un grupo de destacados artistas chinos, tiene como objetivo yuxtaponer el impacto cultural, la apropiación, la reflexión y la reinvención que existen en la cultura china a través del lente de la globalización. En un momento en que los artistas generalmente reflexionan sobre el empirismo individual como el cuerpo principal de su práctica artística, los artistas chinos han regresado a su herencia cultural después de adquirir el conocimiento del arte occidental. A través de la experimentación y la evolución constantes, presentan un terreno común de contexto creativo único. Los artistas chinos han sido más o menos influenciados por la cultura occidental en diferentes momentos de sus vidas. Al vivir en una sociedad de cultura diversa, se sienten inspirados para redefinir y reinventar su componente común: la experiencia cultural oriental,que se manifiesta a través de presentaciones artísticas.

Pabellón de emergencia: Reconstruyendo la utopía
Teatro Fondamenta Nuove, Organización: MAC (Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile); Fundación CorpArtes
Han pasado cuarenta años. ¿Cuándo empezó a cambiar el mundo? ¿Fue en 1973 o en 1989? ¿Cuándo murió la “imaginación en el poder”, fue en el 68 o en el 2012? ¿O fue el 1 de enero de 2013?

Premio de Arte Future Generation @ Venecia 2013
Palazzo Contarini Polignac, Organización: Fundación Victor Pinchuk; PinchukArtCentre
El Future Generation Art Prize @ Venecia presenta la segunda edición del primer premio mundial de arte con 21 artistas de casi todos los continentes y 16 países diferentes. 21 declaraciones de artistas independientes, incluida la ganadora del premio principal, Lynette Yiadom-Boakye y los ganadores de premios especiales: Ryanne Tabet, Marwa Arsanios, Jonathas de Andrade, Micol Assaël y Ahmet Ögüt ofrecen una amplia gama de posiciones artísticas, mapeo y descubrimiento de tendencias innovadoras y futuras. de una nueva generación de artistas.

Glasstress, luz blanca / calor blanco
Berengo Centre for Contemporary Art and Glass, Organización: LCF-London College of Fashion
Se pide a los artistas invitados que respondan al tema de la luz y el calor, los componentes del fuego, el elemento destructivo / creativo vinculado a la formación del universo y la materia prima del caos. La energía de los rayos del sol proporciona la luz y el calor esenciales para todas las formas de vida y la supervivencia en este planeta. La luz y el calor son fundamentales para la fabricación de vidrio: la luz es parte integral de nuestra percepción del vidrio, mientras que se requiere calor para darle forma.

Yo libri d’acqua
Monastero di San Nicolò, Organización: EIUC – Centro Europeo Interuniversitario de Derechos Humanos y Democratización
En el centro de su trabajo, Nocera ha colocado a menudo algunos aspectos cruciales relacionados con los derechos humanos fundamentales. Con su proyecto I libri d’acqua, el artista centró su atención en la migración como fenómeno social de pleno derecho. La esencia de su conversación radica en la movilidad humana vista como expresión de la fundamental libertad de movimiento y aspiración a la liberación que los artistas representan como un viaje simbólico. Los Libros de Antonio Nocera son cuadernos de viaje sin palabras, historias no escritas que se suceden protegidas por las páginas y se abren ante nuestros ojos. Los libros parecen brotar del agua como objetos divinos de memoria mitológica

Imago Mundi
Fondazione Querini Stampalia, Organización: Fondazione Querini Stampalia onlus
La exposición presenta la colección, compuesta por más de mil pequeños cuadros (todos en formato 10×12 cm) que Luciano Benetton ha coleccionado viajando por el mundo. La colección exhibe las obras adquiridas en Australia, India, Corea, Estados Unidos y Japón. De hecho, esta colección es similar a un inventario abierto capaz de contribuir y mostrar cuán variada es la forma en que el mundo es visto, estudiado y representado por los artistas y cómo sus experiencias nos ayudan a comprender las riquezas guardadas en lo que es diferente y lejano que el mundo. ofrece a nuestras interpretaciones.

En Grimani. Obras de vidrio Ritsue Mishima
Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa, Organización: Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza speciale per il patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia e dei comuni della Gronda lagunare
En Grimani. Ritsue Mishima Glass Works es la primera exposición de arte contemporáneo creada para las salas de un museo, que solía ser la antigua residencia de una poderosa familia veneciana del siglo XVI. Las obras de vidrio de Ritsue Mishima son la creación de largos períodos pasados ​​en el palacio. La artista, que vive en Venecia desde 1989, se expresa utilizando la antigua cultura artesanal del horno y los maestros del vidrio de Murano dan forma a sus ideas, como atestiguan las fotografías realizadas por Rinko Kawauchi, a quien se ha dedicado una habitación, permitiéndonos tener una visión poética de los misterios del trabajo del vidrio y el horno.

Tinta • Pincel • Corazón, XiShuangBanNa
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Organización: Museo de Arte Contemporáneo, Shanghai
A finales de 2012, Simon Ma fue invitado a visitar la selva tropical de XiShuangBanNa, en el sur de China. Mientras Simon Ma disfrutaba de la serenidad de la selva tropical, me asombraba cada vez más la supremacía de la naturaleza. Mientras que los colores de mi entorno diario se desvanecen cada día más hacia el gris, los colores aquí se sentían tan vitales y brillantes. Simon Ma observó los árboles que alcanzan hasta 90 metros de altura, comparables a la mayoría de los nuevos edificios construidos en las ciudades chinas. Para ser tan altos, estos árboles deben tener raíces extremadamente profundas. Simon Ma se dio cuenta entonces de que nuestra sociedad para alcanzar niveles superiores necesita profundizar y aferrarse a sus propias tradiciones. Las hojas de los árboles forman una composición intrigante con las plumas del pavo real.Con su cola de 100 ojos se considera como una manifestación del Fénix celestial en la tierra. En la tradición del Feng Shui se indica como el animal celestial del sur de China, representando poder y belleza.

LAWRENCE WEINER: LA GRACIA DE UN GESTO
Palazzo Bembo, Organización: Fundación de Arte Escrito
THE GRACE OF A GESTURE, una obra de Lawrence Weiner, forma la pieza central de una exposición organizada por la Written Art Foundation y presentada en la planta baja del Palazzo Bembo cerca del puente de Rialto. Un componente fue la instalación de LA GRACIA DE UN GESTO que aparece en cinco de las principales fuentes de transporte de Venecia, el vaporetti. Transporta la obra a través del Canal Grande, el Arsenale, el Giardini y más allá. El trabajo se mostró en diez idiomas diferentes que van desde el chino al japonés, pasando por el árabe y el hebreo. En la exposición del Palazzo Bembo se incluyeron otras cuatro obras de Weiner creadas originalmente para su exposición Desplazados en el New York Dia Center for the Arts en 1991.

Perdido en la traducción
Università Ca ‘Foscari, Organización: Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA)
Lost in Translation es una exposición a gran escala de más de cien obras de arte contemporáneo ruso de las últimas cuatro décadas que se centra en los problemas históricos, políticos, sociales y económicos relacionados con el proceso de “traducir” una obra de arte en la era de globalización. La exposición presenta obras que son particularmente difíciles de descifrar para un público que no está familiarizado con el “contexto ruso” en el que nacieron y al que se refieren. Cada obra se muestra junto con su “traducción ampliada” que señala y explica las referencias esenciales necesarias para lograr una comprensión más clara del mensaje transmitido.

“Ámame, no me ames”
Tesa 100, Organización: YARAT Contemporary Art Organisatio
Arte contemporáneo de Azerbaiyán y sus vecinos
Producida y apoyada por YARAT, una organización sin fines de lucro dedicada a fomentar la comprensión del arte contemporáneo en Azerbaiyán y a crear una plataforma para el arte azerbaiyano, tanto a nivel nacional como internacional, Ámame, Ámame no proporciona nuevas perspectivas sobre lo diverso y cultura culturalmente rica de Azerbaiyán y sus vecinos. Actualmente existe la misma curiosidad y conceptos erróneos sobre esta región; Las obras expuestas proporcionan una visión de la dinámica de cada nación, sacan a la luz aspectos olvidados o desconocidos de la historia y demuestran la amplitud de la visión y la creatividad en juego dentro de sus fronteras.

Mente • Golpeando
Centro Ricerca Arte Contemporanea, Organización: Museo de Arte Moderno de Nanjing Sanchuan
“Mente” significa pensamiento y conciencia en el sentido psicológico, y es lo mismo que el cerebro, que es un enorme eje central para recibir y clasificar información. El propósito de la exposición es considerar la mente como un contenedor y extenderse al sistema de pensamiento y explorar la relación entre la creación visual y el mundo multidimensional a través del “corazón”, el órgano común de recepción de información de los seres humanos y su frecuencia de latido. Aunque las palabras como “globalización” y “transfronteriza”, etc. se han utilizado repetidamente, todavía analizaremos las últimas obras y los pensamientos de los creadores desde perspectivas similares antes de encontrar palabras más adecuadas.

Nell’acqua capisco
Ateneo Veneto, Organización: CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea Castello Colonna Genazzano; La Fundación Hart
El agua es protagonista de este proyecto, nos cuenta las relaciones, comunicaciones, sentimientos y aspiraciones que se mueven a través de este elemento como vehículo para expresar un estado de ánimo. El agua es el rasgo común de todas las obras expuestas, su sonido errante intenta ocultar sentimientos de angustia, sumergirse en el agua puede ser una forma de recuperar el mundo exterior. Además, el agua es compartir, interpretar mensajes inclusivos, el agua nos da la posibilidad de reconvertir un bien común en elementos más productivos. Todo esto se cuenta a través de las obras de artistas que supieron crear un diálogo original con el agua, a veces alegre, a menudo doloroso, pero siempre reflexivo.

Ruido
Ex Magazzini di San Cassian, Organización: De Arte Associazione
Cien años después de El arte del ruido de Luigi Russolo, la exposición reflexiona sobre el ruido como condición necesaria y parte integral de cualquier proceso de comunicación. El papel del arte es densificar de significado esa parte de la comunicación que generalmente escapa a la codificación y la comprensión, para volver a un principio esencial de indeterminación. Al asumir un modus operandi basado en la escucha o la inmersión, los artistas elegidos para la exposición sitúan la procesualidad en una posición privilegiada frente a las demandas de representación, al tiempo que ubican en lo que podría denominarse error una condición previa imprescindible para llegar a comprender la complejidad de la representación. existencia.

Ocupado de otra manera
Liceo Artistico Statale di Venezia, Organización: Al Hoash
De otra manera ocupada cuenta con dos artistas palestinos de renombre internacional, Bashir Makhoul y Aissa Deebi. Ambos artistas nacieron dentro de las fronteras de 1948, en los márgenes de otro estado en su tierra natal y fuera de la ocupada Cisjordania y los centros de la cultura palestina contemporánea. Han emigrado para convertirse en ciudadanos de otros estados que operan en un mundo artístico globalizado. Todavía se consideran palestinos y buscan nuevas formas de imaginar la nación desde la distancia. El arte es capaz de ocupar espacios culturales que de otro modo serían inaccesibles o invisibles. Ocupado de otra manera describe otras formas de imaginar la nación fuera y más allá del conflicto; por tanto, es un medio de pensamiento artístico y crítico a través de la desterritorialización de Palestina.

EXAGERAR
Associazione Culturale Italo-Tedesca, Organización: Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia
OVERPLAY se centra de manera interdisciplinar en la relación entre arte y crisis. Partiendo del relevamiento histórico de la historia del arte (Caporali, Correggio, Jordaens, Guardi, Rousseau, von Stuck, Schifano, Vedova, Santomaso) nos lleva hacia la “criticidad del sentido” que está presente en la instalación de Emiliano Bazzanella donde el iPad se convierte en el inquietante de un sinfín de preguntas sin respuesta creadas por un software, o hacia los intentos de fuga, rebelión, sublimación imaginaria y reconversión, que caracterizan a un nutrido grupo de importantes artistas contemporáneos.

Pasaje a la historia: veinte años de la Biennale di Venezia y el arte contemporáneo chino
Nappa 89, Organización: Museo de Arte Contemporáneo, Chengdu
El año 2013 marca el vigésimo aniversario de la participación de artistas contemporáneos chinos en la Exposición Internacional de Arte de la Biennale di Venezia; también marca veinte años de intercambio económico, cultural y artístico entre China y Occidente. A lo largo de este período de tiempo, se registra un cambio en las actitudes aceptadas hacia la cultura china y su identidad internacional en el mundo occidental, así como hacia la contribución de China al arte contemporáneo, particularmente en la pintura. El tema de la exposición, el paso a la historia, ¿deriva de esto? En realidad, podemos ver claramente que fueron los esfuerzos combinados de los artistas y críticos contemporáneos chinos en el país y el extranjero, así como de los curadores occidentales apasionados por el arte lo que hizo posible este precioso período de la historia del arte contemporáneo chino.

PATO · HOMBRES, CARLOS MARREIROS
Arsenale, Organización: Oficina de Asuntos Civiles y Municipales de Macao (IACM); El Museo de Arte de Macao (MAM)
Este proyecto de instalación de arte fomenta la reflexión sobre la información y el conocimiento, su ordenación o no ordenada y su manipulación. Del Arco de Noé al Renacimiento, del Teatro de la Memoria de Giulio Camillo al Teatro de la Memoria de Steve Jobs, siendo el Palacio Enciclopédico de Marino Auriti la causa. Varios Teatros del Mundo disputan el orden en Global Theatre, y aún así, hay un lugar para la Ética. PATO · HOMBRES & Mujeres son una minoría pero, sin embargo, en un número significativamente grande. Son seres extraños, muy ordenados e ingeniosos, casi hedonistas, que practican la Ética. Este proyecto de instalación de arte fue esencialmente en blanco y negro.

ESTRUCTURAS PERSONALES
Palazzo Bembo, Organización: Fundación GlobalArtAffairs
La exposición presenta una combinación extraordinaria de obras de arte, mostrando una amplia gama de enfoques individuales sobre los temas Tiempo, Espacio, Existencia. Obras de arte que hacen una declaración fuerte y sincera dentro de cada espacio dado y al mismo tiempo ayudan a crear una exposición compleja como un total. Cada sala debe proporcionar al espectador un interior sobre cada obra de arte, proyecto o idea presentada desde el punto de vista del artista.

Perspectivas de John Pawson
Isola di San Giorgio Maggiore, Organización: Fundación Swarovski
John Pawson revela una nueva perspectiva de la Basílica de San Giorgio Maggiore. Perspectives ofrece al visitante una vista única de la belleza de la obra maestra arquitectónica de Andrea Palladio. La combinación de un menisco cóncavo de cristal de Swarovsk y un hemisferio reflectante más grande crea una experiencia óptica espectacular que aporta nueva luz al interior de la famosa basílica benedictina. La misión de la Fundación Swarovski de promover la creatividad y la innovación a través del trabajo con arquitectos, artistas y diseñadores demuestra su compromiso con la comunidad artística y más allá.

Rapsodia en verde
Istituto Santa Maria della Pietà, Organización: Museo Nacional de Taiwán de China
En 1924, cuando George Gershwin creó su Rapsodia en azul, Huang Tu-Shui, (1895-1930), el primer artista modernista chino de Taiwán, fundió su bronce En las afueras que representa un buey y grullas, una vista común en los campos de arroz del sur de Asia. . El color verde, semánticamente ambiguo en la tradición china y ausente en el bronce, pero obviamente implícito en la creación de Huang, es el punto de partida de Rhapsody in Green. Esta exposición explora cómo tres artistas taiwaneses chinos contemporáneos, Kao, Tsan-Hsing (1945), Huang, Ming-Chang (1952) y Chou, Yu-Cheng (1976), reaccionan artísticamente al color verde, ya sea tomando una óptica, un enfoque intersubjetivo o conceptual que nos recuerda el lugar que le corresponde en nuestro entorno de vida actual.

RHIZOMA (Generación en espera)
Magazzino del Sale, Organización: Edge of Arabia
Edge of Arabia es una iniciativa artística independiente que desarrolla la apreciación del arte y la cultura árabes contemporáneos con un enfoque particular en Arabia Saudita. Su exposición para la 55a Exposición Internacional de Arte de la Biennale di Venezia, RHIZOMA (Generation in Waiting), comisariada por Sara Raza y Ashraf Fayadh, se inspira en una generación más joven de artistas sauditas y abarca el arte visual junto con la tecnología, la ciencia y la naturaleza. filosofía. La curadora Sara Raza explica: “Curatorialmente, el título y la premisa de la exposición se reapropia del concepto de rizoma, el tallo subterráneo de una planta que echa raíces lateralmente en lugar de hacia arriba, como una metáfora de la actual generación de la próspera escena artística de Arabia Saudita”.

Salón Suisse
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Organización: Swiss Arts Council Pro Helvetia
El Salon Suisse es el programa oficial de acompañamiento de la participación suiza en la Exposición Internacional de Arte de la Biennale. Comprende mesas redondas y lecturas, pero también formatos experimentales como representaciones audiovisuales, recreaciones y conferencias escénicas. La edición de este año está dedicada al legado de la Ilustración europea en el mundo del arte contemporáneo. El comisario del Salon Suisse, Jörg Scheller, ha invitado a teóricos y artistas internacionales a participar en un debate sobre la Ilustración desde una perspectiva múltiple. Todos los eventos tienen lugar en el histórico Palazzo Trevisan.

Escocia + Venecia 2013
Palazzo Pisani di Santa Marina, Organización: Escocia + Venecia
Una exposición de obra nueva de tres artistas distintivos que trabajan hoy en Escocia. Corin Sworn crea instalaciones que exploran la forma en que circulan los objetos para difundir historias y crear historias. Duncan Campbell produce películas que combinan material de archivo con su propio metraje, cuestionando la información presentada. Hayley Tompkins fabrica objetos pintados que transforman cosas familiares y comunes, como cuchillos, martillos, teléfonos móviles o muebles. La exposición está comisariada y organizada por The Common Guild, Glasgow. Scotland + Venice es una asociación entre Creative Scotland, British Council Scotland y las National Galleries of Scotland.

Steel-Lives, Naturaleza muerta
Loggia del Temanza, Organización: Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena
Una mujer mira con intensa energía a través de la vida y a través de nosotros hacia el otro lado. ¿Qué hay de ese otro lado? El acero residual brilla con una poderosa redundancia; un residuo que no ha podido hacer las vidas que podría haber hecho. Un flujo cinematográfico impregna la temporalidad de la fotografía de Norayr Kasper, tan distante de la nostalgia como del reportaje fotográfico. Lo que está en juego en estas obras no es la desaparición, es la existencia. Steel-Lives, Still-Life es una narrativa entre corchetes dentro de una ligereza palladiana. La mujer también sabe que ha estado entre corchetes en un mundo que ha transcurrido sin ella. Esta es la naturaleza muerta, pero la realidad es sorprendente.

El sueño de Eurasia. 987 Testimonios: La actitud italiana
Palazzo Barbarigo Minotto, Organización: Fondazione Antonio Mazzotta
La instalación engloba dos aspectos: el lenguaje artístico de Omar Galliani, que se inspira en la gran tradición del Renacimiento italiano, y su capacidad para establecer un diálogo entre las culturas europea y asiática. La metáfora subyacente para comprender esta nueva configuración es el fractal: el óvalo de la cara euroasiática representa las caras de millones en las que se basa la columna. La diversidad morfológica y cultural se reconoce en la puesta en común de un nuevo valor que surge de la unión de diferencias. Para implementar el proyecto, el artista y los curadores, en sinergia con firmas italianas, involucran 987 testimonios, cuya presencia fue documentada en forma de fotos y videos.

El gran canal
Museo Diocesano, Organización: Solicitud del Gran Canal de China para la Oficina de la Lista del Patrimonio Mundial en Yangzhou; Asociación Internacional de Artistas de West Lake.
El Gran Canal de China, patrimonio cultural vivo y tema de esta exposición colateral, fue excavado para abrir el intercambio de recursos humanos y materiales, y dio lugar a una difusión enciclopédica del arte, las ideas y la cultura en consonancia con la globalización actual. Esta exposición muestra la fusión del arte chino contemporáneo, la historia, la tradición y el mundo material. En una exploración de la importancia cultural y práctica del Gran Canal, los artistas chinos tratan con dicotomías complementarias que incluyen artificial / natural, tradicional / contemporáneo, masculino / femenino y material / espiritual.

La subversión íntima de Ángel Marcos
Scuola di San Pasquale, Organización: MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León; Junta de Castilla y León
“Si no cambia de dirección, puede terminar donde se dirige”. Proverbio chino. ¿Qué podemos hacer? Esta pregunta forma el cuerpo fundamental del proyecto, aunque sumando una síntesis: posiblemente las acciones que podamos emprender para configurar una civilización sostenible deben estar ligadas a nuestros sentimientos y pensamientos íntimos, esos territorios del pensamiento creativo y afectivo, cargados de energía. y de muy difícil destrucción. Sabemos lo que los territorios cercanos a las pertenencias pueden dar de sí mismos, así como la personificación de los estados de ánimo para el consumo; así que probemos con los afectos porque no tenemos otra opción.

La Sociedad Joyceana
Spazio Punch, Organización: Fondation Prince Pierre de Monaco
Dora García es la ganadora del Premio Internacional de Arte Contemporáneo (PIAC) de la Fundación Príncipe Pedro de Mónaco, por su obra, La Mayoría Desviada (2010), nominada por el curador Agustín Pérez Rubio. Para 2013, García propone producir un nuevo trabajo, The Joycean Society (2012-2013), que considera como el tercero de una serie. Esta obra de arte (video instalación) está inspirada en grupos de lectura y clubes literarios, en particular aquellos que se reúnen regularmente para leer las obras de James Joyce en voz alta. En esta obra, el artista observa y documenta momentos en los que miembros de una comunidad intentan comprender un lenguaje literario en relación con las narrativas e historias que traduce la escritura.

El museo de todo
Serra dei Giardini Viale Giuseppe Garibaldi, Organización: El Museo del Todo
El Museo de Todo es el primer museo errante del mundo para los artistas inexpertos, involuntarios y desconocidos de nuestro tiempo. Desde 2009, ha recibido a más de 500.000 visitantes a sus aclamadas instalaciones en Gran Bretaña, Francia, Italia, Turquía y Rusia. El Museo de Todo trabaja con los principales escritores, pensadores, curadores y artistas y es el principal defensor del mundo de la historia alternativa del arte de los siglos XIX, XX y XXI.

Esto no es solo un pabellón
Palazzo delle Prigioni, Organización: Museo de Bellas Artes de Taipei de China Taiwán
Al proponer la identidad del extraño, esta exposición manifiesta una preocupación compartida por la urgencia de la convivencia en el mundo actual. Tres proyectos de Bernd Behr, Chia-Wei Hsu y Katerina Šedá + BATEŽO MIKILU capturan las relaciones políticas entre imaginación y realidad e investigan cómo la posibilidad de criticidad producida en la subjetivación o el alejamiento podría utilizarse para percibir diversas formas potenciales de identidad cultural.

Thomas Zipp – Investigación comparativa sobre la disposición del ancho de un círculo
Palazzo Rossini-Revedin, Organización: Fundación Arthena
El proyecto del artista alemán Thomas Zipp se relaciona tanto con El ancho de un círculo de David Bowie, cuyas letras, utilizando parábolas de Así habló Zaratustra de Nietsche, expresan su relación con la ‘droga del diablo’, y con l’arc de circle, que denota metafóricamente reacciones. desencadenado en pacientes hipnotizados con fines de investigación de la histeria por Jean-Maria Charcot (1825-1983). Zipp instala una versión de una unidad psiquiátrica que se ocupa de la histeria y la dualidad (esquizofrenia) en una persona: el artista es paciente y médico. Zipp investiga el inconsciente, explorando los efectos de las drogas, la música heavy metal, la filosofía, la religión y los aspectos ocultos de la psiquiatría y el psicoanálisis.

Transiciones
Dorsoduro 453, Organización: Nuova Icona
A pesar de sus diferentes orígenes, medios artísticos y separación geográfica, la obra de Victor Matthews y Paolo Nicola Rossini comparte una exploración del tema de la Transición y, al hacerlo, cuenta sus historias. Ambos artistas cuestionan temas universales como la vida, la memoria, el sueño y el subconsciente, la realidad, el tiempo y el espacio y la transición de un momento o idea al siguiente. Sin embargo, partiendo del mismo punto de partida, ambos llegan a destinos muy diferentes. Estos dos artistas presentan la visión de su realidad tal como la perciben internamente y cuestionan cuál es la percepción que uno tiene de los paisajes que nos rodean y lo que vemos. Desafían esta imagen a través de su transición, exteriorizándola a través de su pintura y fotografía.

Naciones Unidas Culturales
Palazzo Bacchini delle Palme, Organización: Fundación del Centro de Intercambio Académico Tongli
United Cultural Nations es creado por Mi Qiu. Este término es de su mantra diario para divertirse y para ser serio. El tiempo y el lugar en este momento, nada era importante a pesar de que la gente hermosa y el vino suave. Estamos libres de los sentimientos materiales y concretos.

Universo Donna
Museo Storico Navale, Organización: Marina Militare
El artista ha realizado numerosas obras, incluso religiosas, para la Armada italiana y ha desarrollado un currículum artístico – formado en la “Escuela” de Pericle Fazzini y Emilio Greco – llevado a presentar al hombre el misterio de la vida a través de “la fisicalidad y el volumen”. . El tema de la exposición que la artista pretende lograr es, de hecho, “la comprensión y descripción del alma de la mujer a través de la fisicalidad y el volumen”.

Voice of the Unseen: Chinese Independent Art 1979 / Today
Tesa alle Nappe 91, Organización: Museo de Arte de Guangdong
¿Quiénes son, dónde están y qué están haciendo ahora los artistas que, con el evento histórico de la exposición de 1979 sobre el “Muro de la Democracia” de Xidan en Beijing, dieron a luz a la corriente cada vez más influyente del arte contemporáneo independiente en China? Este evento es el intento más ambicioso hasta la fecha para responder de manera integral a estas preguntas, destacando la historia del arte chino de los últimos treinta años a través del trabajo de los artistas que crearon, desde la posvanguardia de los años 80 y 90. , el movimiento del arte chino no oficial o independiente.

¿Quién es Alice?
Spazio Lightbox, Organización: Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Corea
¿Quién es Alice? es una exposición temática especial que presenta la colección permanente del Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Corea. La exposición presenta 30 obras de 16 artistas coreanos que trascienden las limitaciones del espacio físico y el tiempo, cubriendo varios conceptos y formas que atraviesan los límites de ‘realidad y no realidad’, y ‘sueños y lo real’. La audiencia está invitada en el ‘viaje en el tiempo’ a través del espacio-tiempo, como Alicia en el país de las maravillas que dio un salto repentino a la madriguera del conejo. El público sueña con caminar en un espacio misterioso de realidad e imaginación, y convertirse en el personaje principal del ‘juego de sombras’ de sus propias historias.

‘Tú (tú)’. – Lee Kit, Hong Kong
Arsenale, Organización: M +, Museo de Cultura Visual; Consejo de Desarrollo de las Artes de Hong Kong
‘Tú (tú)’. continúa su exploración en el ámbito cotidiano de lo cotidiano. Compuesto íntegramente por nuevos encargos, la exposición se concibe a partir del recuerdo de momentos personales y colectivos. ‘Tú (tú)’ toma como punto de partida la entidad universal pero inexistente insinuada por su título, contemplando la noción de ausencia para reflexionar sobre la construcción de memorias, tiempos y lugares. Lee incorpora varios elementos como imagen en movimiento, objetos prefabricados y sonido para sugerir trazos de diálogos inmateriales, permitiendo la posibilidad de evocar la textura de lo cotidiano.

Proyectos
La Biennale también organizaba Encuentros de Arte, un ciclo de conferencias, performances y debates que se enriqueció este año con un proyecto de Marco Paolini, uno de los artistas invitados por Gioni a participar en la 55ª Exposición. En otoño tienen lugar cuatro Encuentros de Arte diferentes: uno sobre el mito del artista autodidacta, La existencia está en otro lugar, uno sobre la antropología de las imágenes y la historia del arte, Mundos de imágenes; y uno sobre la enciclopedia y otros vuelos de la imaginación, Nada es más dulce que saberlo todo. La última reunión, Hablemos de nosotros, está programada para el 24 de noviembre de 2013, día de clausura de la 55ª Exposición Internacional de Arte.

Se organizaron actividades educativas dirigidas a individuos y grupos de estudiantes de todos los grados, a universidades y academias de bellas artes, y también a profesionales, empresas, expertos, aficionados y familias. Estas iniciativas, llevadas a cabo por un equipo seleccionado de guías de exposiciones formados por la Biennale di Venezia, tienen como objetivo involucrar activamente a los participantes tanto en Itinerarios y Laboratorios Educativos como en talleres creativos.

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