История азиатского искусства или восточного искусства включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. События в азиатском искусстве исторически параллельны событиям в западном искусстве, в целом несколько веков назад. Китайское искусство, индийское искусство, корейское искусство, японское искусство, каждое из которых оказало значительное влияние на западное искусство, и наоборот. Ближневосточное искусство также оказало значительное влияние на западное искусство. Исключая доисторическое искусство, искусство Месопотамии представляет собой старейшие формы азиатского искусства.

Буддийское искусство
Буддийское искусство возникло на индийском субконтиненте в течение столетий после жизни исторического Будды Гаутамы в VI-V вв. До н. Э., Прежде чем развиваться через его контакт с другими культурами и его распространение через остальную часть Азии и всего мира. Буддийское искусство путешествовало с верующими как распространение дхармы, адаптировалось и развивалось в каждой новой принимающей стране. Он развивался на севере через Среднюю Азию и в Восточную Азию, чтобы сформировать северную ветвь буддийского искусства, а на востоке до Юго-Восточной Азии сформировать южную ветвь буддийского искусства. В Индии буддийское искусство процветало и даже влияло на развитие индуистского искусства, пока буддизм почти не исчез в Индии около 10 века н.э., отчасти благодаря энергичному расширению ислама наряду с индуизмом.

Обычным визуальным устройством в буддийском искусстве является мандала. С точки зрения зрителя, это схематично представляет собой идеальную вселенную. В различных духовных традициях мандалы могут использоваться для фокусирования внимания аспирантов и адептов, духовного инструмента обучения, на установление священного пространства и на помощь медитации и индукции транса. Его символический характер может помочь «получить доступ к более глубоким уровням бессознательного, в конечном счете помочь медитатору испытать мистическое чувство единства с конечным единством, из которого возникает космос во всех его многообразных формах». Психоаналитик Карл Юнг считал мандалу «представлением центра бессознательного», и считал, что его картины мандал позволяют ему идентифицировать эмоциональные расстройства и работать в направлении целостности личности.

Бутанское искусство
Бутанское искусство похоже на искусство Тибета. Оба основаны на буддизме Ваджраяны, с его пантеоном божественных существ.

Основными порядками буддизма в Бутане являются Друкпа Кагью и Ньингма. Первая является филиалом школы Кагью и известна картинами, документирующими родословную буддийских мастеров и 70 Je Khenpo (лидеры бутанского монашеского зала). Приказ Ньингма известен изображениями Падмасамбхавы, которому приписывается введение буддизма в Бутан в VII веке. Согласно легенде, Падмасамбхава спрятал священные сокровища для будущих буддийских мастеров, особенно Пема Лингпы, чтобы найти. Поиски сокровищ (tertön) также являются частыми предметами искусства Ньингма.

Камбоджийское искусство
Камбоджийское искусство и культура Камбоджи имели богатую и разнообразную историю, датируемую многими столетиями, и на нее оказала сильное влияние Индия. В свою очередь, Камбоджа оказала большое влияние на Таиланд, Лаос и наоборот. На протяжении всей истории Камбоджи основным источником вдохновения была религия. На протяжении почти двух тысячелетий камбоджийцы разработали уникальную кхмерскую веру из синкретизма коренных анимистических убеждений и индийских религий буддизма и индуизма. Индийская культура и цивилизация, включая ее язык и искусство, достигли континентальной Юго-Восточной Азии в 1 веке н.э. Как правило, считается, что торговцы мореплаванием принесли индийские обычаи и культуру в порты вдоль залива Таиланд и Тихий океан, торгуя с Китаем. Первым государством было выгодно воспользоваться Фунаном. В разное время культура Камбоджи также поглощала элементы яванской, китайской, лаосской и тайской культур.

Китайское искусство
Китайское искусство (китайский язык: 中國 藝術 / 中国 艺术) варьировалось по всей своей древней истории, разделенной на периоды правящими династиями Китая и меняющимися технологиями. На различные формы искусства влияли великие философы, учителя, религиозные деятели и даже политические лидеры. Китайское искусство включает в себя изобразительное искусство, народное искусство и исполнительское искусство. Китайское искусство — это искусство, будь то современное или древнее, возникшее или практикуемое в Китае или китайскими художниками или исполнителями.
В династии Сун поэзия была отмечена лирической поэзией, известной как Си (詞), которая выражала чувство желания, часто в усыновленном лице. Также в династии Сун появились картины более тонкого выражения пейзажей с размытыми очертаниями и контурами гор, которые передавали расстояние через импрессионистское отношение к явлениям природы. Именно в этот период в живописи акцент делался на духовные, а не эмоциональные элементы, как и в предыдущий период. Кунк, старейшая сохранившаяся форма китайской оперы, созданная во время династии Сун в Куньшане, недалеко от современного Шанхая. В династии Юань картина китайского живописца Чжао Менгху (趙孟頫) сильно повлияла на последующую китайскую пейзажную живопись, а опера династии Юань стала вариантом китайской оперы, которая продолжается сегодня как кантонская опера.

Индийское искусство
Индийское искусство можно классифицировать в определенные периоды, каждый из которых отражает определенные религиозные, политические и культурные события. Самые ранние примеры — это петроглифы, например, найденные в Бхимбетке, некоторые из которых датируются до 5500 года до нашей эры. Производство таких произведений продолжалось несколько тысячелетий. Более поздние примеры включают резные столбы Эллоры, штат Махараштра. Другими примерами являются фрески пещер Аджанты и Эллоры.

Конкретные периоды:

Индуизм и буддизм древнего периода (3500 г. до н.э. — настоящее время)
Исламское господство (712-1757 гг. Н.э.)
Колониальный период (1757-1947)
Независимость и постколониальный период (после 1947 г.)
Современное и постмодернистское искусство в Индии
Одна из самых популярных форм искусства в Индии называется Ранголи. Это форма украшения для песочных работ, в которой используется мелко измельченный белый порошок и цвета, и обычно используется вне дома в Индии.

Изобразительное искусство (скульптура, живопись и архитектура) тесно взаимосвязаны с визуальными искусствами. По словам Капилы Вацяяна, «классическая индийская архитектура, скульптура, живопись, литература (kaavya), музыка и танцы развивали свои собственные правила, обусловленные их соответствующими средствами массовой информации, но они делили друг с другом не только лежащие в основе духовные убеждения индийского религиозно-философского а также процедуры, с помощью которых отношения символа и духовных состояний были разработаны в деталях ».

Понимание уникальных качеств индийского искусства лучше всего достигается за счет понимания философской мысли, широкой культурной истории, социального, религиозного и политического фона произведений искусства.

Индонезийское искусство
Индонезийское искусство и культура были сформированы длительным взаимодействием между оригинальными традициями коренных народов и многочисленными иностранными влияниями. Индонезия занимает центральное место на древних торговых путях между Дальним Востоком и Ближним Востоком, в результате чего многие культурные практики сильно зависят от множества религий, включая индуизм, буддизм, конфуцианство и ислам, все сильные в крупных торговых городах. Результатом является сложная культурная смесь, очень отличная от оригинальных культур коренных народов. Индонезия, как правило, не известна картинами, помимо замысловатых и выразительных балийских картин, которые часто выражают естественные сцены и темы из традиционных танцев.

Балийское искусство
Балийское искусство — это искусство индусско-яванского происхождения, которое выросло из творчества ремесленников Королевства Маджапахит с их расширением на Бали в конце 13 века. С 16 по 20 век деревня Камасан, Клонгкунг (Восточный Бали), была центром классического балийского искусства. В первой половине XX века появились новые разновидности балийского искусства. С конца двадцатого века Убуд и его соседние деревни создали репутацию центра балийского искусства. Убуд и Батуан известны своими картинами, Мас для их резьбы по дереву, Селук для золота и серебра, и Батубулан за их резьбу по камню. Коваррубиас описывает балийское искусство как «высокоразвитое, хотя и неформальное барочное народное искусство, которое сочетает в себе крестьянскую живость с изысканностью классицизма индуистской Явы, но без консервативных предрассудков и новой жизненной силы, вызванной изобилием демонический дух тропического примитива ». Эйсман правильно указал, что балийское искусство на самом деле вырезано, нарисовано, сплетено и приготовлено в предметы, предназначенные для повседневного использования, а не как предметы искусства.

Японское искусство
искусство и архитектура апании — это произведения искусства, созданные в Японии с начала человеческого обитания, где-то в 10-м тысячелетии до нашей эры, до настоящего времени. Японское искусство охватывает широкий спектр художественных стилей и средств массовой информации, включая древнюю керамику, скульптуру из дерева и бронзы, краску на шелке и бумаге и множество других произведений искусства; с древних времен до современного 21 века.

Художественная форма приобрела большую популярность в столичной культуре Эдо (Токио) во второй половине XVII века, возникшей благодаря одноцветным произведениям Хишикавы Моронобу в 1670-х годах. Сначала использовались только индийские чернила, затем некоторые отпечатки были вручную окрашены кистью, но в 18 веке Suzuki Harunobu разработала технику полихромной печати для производства nishiki-e.

Японская живопись (絵 画 Kaiga) — одна из старейших и самых утонченных японских искусств, охватывающая широкий спектр жанров и стилей. Как и в истории японского искусства в целом, история японской живописи — это долгая история синтеза и конкуренции между местной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей.

Истоки живописи в Японии относятся к доисторическому периоду Японии. Простые фигуры и геометрические рисунки можно найти на керамической плите Jōmon и период Yayoi (300 г. до н.э. — 300 н.э.) бронзовые колокола dōtaku. Настенные росписи с геометрическими и образными рисунками были найдены в многочисленных курганах периода Кофун (300-700 гг. Н.э.).

Древняя японская скульптура была в основном получена от культа идолов в буддизме или анимистических обрядов синтоистского божества. В частности, скульптура среди всех искусств стала наиболее прочно сосредоточена вокруг буддизма. Материалами, традиционно используемыми, были металлы — особенно бронзовые — и чаще — древесина, часто лакированная, позолоченная или ярко окрашенная. К концу периода Токугавы такая традиционная скульптура, за исключением миниатюрных работ, в значительной степени исчезла из-за потери покровительства буддийскими храмами и дворянством.

Укие, что означает «плавающий мир», относится к стремительной молодой культуре, которая расцветала в городских центрах Эдо (современный Токио), Осака и Киото, которые были миром для самих себя. Это иронический намек на омофоновый термин «Скорбный мир» (憂 き 世), земной план смерти и возрождения, из которого буддисты искали освобождения.

Корейское искусство
Корейское искусство отличается своими традициями в гончарстве, музыке, каллиграфии, живописи, скульптуре и других жанрах, часто обозначаемых использованием смелого цвета, естественных форм, точной формы и масштаба, а также украшения поверхности.

Хотя существуют четкие и разграничивающие различия между тремя независимыми культурами, существуют значительные исторические сходства и взаимодействия между искусством Кореи, Китая и Японии.

Современное искусство в Корее: первый пример картины маслом в западном стиле в корейском искусстве был в автопортретах корейского художника Ко Ху Ху-дона (1886-1965). Только три из этих работ по-прежнему остаются сегодня. эти автопортреты придают понимание среды, которая выходит далеко за рамки стилистических и культурных различий. к началу двадцатого века решение о краске с использованием нефти и холста в Корее имело две разные интерпретации. Один из них — чувство просветления из-за западных идей и стилей искусства. Это просветление произошло от интеллектуального движения семнадцатого и восемнадцатого веков. Ко рисовал этот метод в период аннексии Японии в Корее. За это время многие утверждали, что его искусство могло быть политическим, однако он сам заявил, что он художник, а не политик. Ко сказал: «Пока я был в Токио, произошло очень любопытное событие. В то время в Токио было менее ста корейских студентов. Все мы пили новый воздух и приступали к новым исследованиям, но были некоторые, которые насмехались над моим выбор для изучения искусства. Близкий друг сказал, что мне нечему заниматься живописью в такое время, как это ».

Корейская керамика была признана еще в 6000 году до нашей эры. Эта керамика также упоминалась как гребнеобразная керамика из-за декоративных линий, вырезанных снаружи. ранние корейские общества в основном зависели от рыболовства. Так, они использовали керамику для хранения рыбы и других вещей, собранных из океана, таких как моллюски. Керамика имела два основных региональных различия. Те из восточного побережья, как правило, имеют плоскую основу, в то время как керамика на южном побережье имела круглую базу.

Лаосское искусство
Лаосское искусство включает керамику, лаосскую буддийскую скульптуру и лаосскую музыку.

Лаосские буддийские скульптуры были созданы в большом разнообразии материалов, включая золото, серебро и чаще всего бронзу. Кирпич-и-миномет также был средой, используемой для колоссальных образов, известным из них является образ Пья-Вата (XVI век) во Вьентьяне, хотя ремонт полностью изменил внешний вид скульптуры и больше не похож на Лаосского Будды , Древесина популярна для маленьких, обворожительных буддийских образов, которые часто оставляют в пещерах. Древесина также очень распространена для больших, постоянного образа жизни Будды. Наиболее известными двумя скульптурами, вырезанными из полудрагоценных камней, являются Phra Keo (Изумрудный Будда) и Phra Phuttha Butsavarat. Phra Keo, который, вероятно, имеет происхождение Xieng Sen (Chiang Saen), вырезано из твердого блока нефрита. Он отдыхал во Вьентьяне в течение двухсот лет, прежде чем сиамцы унесли его в качестве добычи в конце 18 века. Сегодня он служит палладием Королевства Таиланд и находится в Большом дворце в Бангкоке. Phra Phuttha Butsavarat, как и Phra Keo, также закреплена в собственной часовне в Большом дворце в Бангкоке. До того, как сиамцы захватили его в начале 19 века, этот кристальный образ был палладием лаосского королевства Champassack.

Многие красивые лаосские буддийские скульптуры вырезаны прямо в пещеры Пак Оу. Рядом с Пак Оу (устье реки Оу) Тэм Тин (нижняя пещера) и Тхам Теунг (верхняя пещера) находятся недалеко от Луангпрабанга, Лаос. Они — великолепная группа пещер, которые доступны только на лодке, примерно в двух часах езды от центра Луангпрабанга, и в последнее время стали более известными и посещаемыми туристами. Пещеры отмечены своими впечатляющими скульптурами из буддизма и лаосского стиля в стены пещеры и сотни отброшенных буддийских фигур, выложенных над полами и настенными полками. Они были помещены туда, так как их владельцы не хотели их уничтожать, поэтому в пещеры отправляется трудное путешествие, чтобы разместить там свою нежелательную статую.

Непальское искусство
Древняя и утонченная традиционная культура Катманду, если на то пошло во всем Непале, является непрерывной и исключительной встречей индуистского и буддийского этоса, которую практикуют ее высоко религиозные люди. Он также принял во внимание культурное разнообразие, предоставляемое другими религиями, такими как джайнизм, ислам и христианство.

Тайское искусство
Тайское искусство и изобразительное искусство традиционно были в основном буддийским и королевским искусством. Скульптура была почти исключительно изображений Будды, а живопись была ограничена иллюстрацией книг и украшений зданий, прежде всего дворцов и храмов. Изображения тайского Будды из разных периодов имеют ряд отличительных стилей. Современное тайское искусство часто сочетает в себе традиционные тайские элементы с современными технологиями.

Традиционные тайские картины показали предметы в двух измерениях без перспективы. Размер каждого элемента изображения отражает его значимость. Основной способ составления состоит в распределении областей: основные элементы изолированы друг от друга космическими трансформаторами. Это устранило промежуточное основание, которое в противном случае подразумевало бы перспективу. Перспектива была введена только в результате влияния Запада в середине XIX века.

Наиболее частыми сюжетами для картин были или были: истории Джатаки, эпизоды из жизни Будды, буддийские небеса и ады и сцены повседневной жизни.

Сукхотайский период начался в 14 веке в Сукхотайском королевстве. Образы Будды периода Сукхотай элегантны, извилистые тела и стройные овальные лица. Этот стиль подчеркивал духовный аспект Будды, опуская множество мелких анатомических деталей. Эффект был усилен обычной практикой литья изображений в металле, а не их резьбой. В этот период началось представление «ходячего Будды».

Художники Сукхотаи пытались следовать каноническим определяющим признакам Будды, поскольку они изложены в древних текстах Пали:

Кожа настолько гладкая, что пыль не может прилипать к ней;
Ноги, как олень;
Бедра как баньяновое дерево;
Плечи столь же массивны, как голова слона;
Руки вокруг, как сундук слона, и достаточно долго, чтобы коснуться коленей;
Руки, как лотосы, которые будут цвести;
Пальцы вернулись, как лепестки;
голова как яйцо;
Волосы, похожие на скорпионы;
Чин как камень манго;
Нос, как клюв попугая;
Earlobes удлиняются серьгами королевской власти;
Ресницы как корова;
Брови, как нарисованные луки.
Сукхотай также произвел большое количество глазурованной керамики в стиле Саванхалок, которые продавались по всей Юго-Восточной Азии.

Тибетское искусство
Тибетское искусство относится к искусству Тибета и других нынешних и бывших гималайских королевств (Бутан, Ладакх, Непал и Сикким). Тибетское искусство — это прежде всего форма священного искусства, отражающая чрезмерное влияние тибетского буддизма на эти культуры. Песчаная мандала (Tib: kilkhor) — это тибетская буддийская традиция, которая символизирует преходящий характер вещей. Как часть буддийского канона, все материальные вещи воспринимаются как преходящие. Песчаная мандала является примером этого, поскольку после того, как он был построен, а его сопровождающие церемонии и просмотр закончены, он систематически разрушается.

Поскольку буддизм Махаяны стал отдельной школой в IV веке до нашей эры, он подчеркнул роль бодхисаттв, сострадательных существ, которые отказываются от своего личного побега в Нирвану, чтобы помочь другим. С самого начала различные бодхисаттвы были также субъектами скульптурного искусства. Тибетский буддизм, будучи потомком буддизма Махаяны, унаследовал эту традицию. Но дополнительное доминирующее присутствие Ваджраяны (или буддийской тантры), возможно, имело первостепенное значение в художественной культуре. Общей бодхисаттвой, изображенной в тибетском искусстве, является божество Ченрезиг (Авалокитешвара), которое часто изображается как тысячный вооруженный святой с глазом посередине каждой руки, представляя всевидящего сострадательного, который слышит наши просьбы. Это божество можно также понимать как Йидам, или «Будду медитации» для практики Ваджраяны.

Тибетский буддизм содержит тантрический буддизм, также известный как буддизм Ваджраяны за его общий символизм ваджры, алмазный громовой удар (известный на тибетском языке как дорье). Большинство типичных тибетских буддийских искусств можно рассматривать как часть практики тантры. Методы Ваджраяны включают в себя множество визуализаций / фантазий во время медитации, и большая часть тщательно продуманного тантрического искусства может рассматриваться как средство для этих визуализаций; от представлений медитативных божеств (йидамов) до мандал и всех видов ритуальных орудий.

Визуальный аспект тантрического буддизма является общим представлением гневных божеств, часто изображаемых сердитыми лицами, кругами пламени или черепами мертвых. Эти образы представляют Защитников (Skt. Dharmapala), и их страшное отношение противоречит их истинной сострадательной природе. Фактически, их гнев представляет собой преданность защите преподавания дхармы, а также защиту конкретных тантрических практик для предотвращения коррупции или нарушения практики. Они наиболее важны как гневные психологические аспекты, которые могут быть использованы для преодоления негативных установок практикующего.

Историки отмечают, что китайская живопись оказала глубокое влияние на тибетскую живопись в целом. Начиная с 14-го и 15-го столетий, тибетская живопись включала в себя множество элементов от китайцев, а в XVIII веке китайская живопись имела глубокое и глубокое воздействие на тибетское изобразительное искусство. По словам Джузеппе Туччи, к моменту династии Цин, «тогда было развито новое тибетское искусство, которое в определенном смысле было провинциальным отголоском главенской изысканной прелести китайского XVIII века».

Вьетнамское искусство
Вьетнамское искусство является одним из старейших из таких культур в регионе Юго-Восточной Азии. Богатое художественное наследие, которое относится к доисторическим временам, включает в себя: шелковую живопись, скульптуру, керамику, керамику, отпечатки на дереве, архитектуру, музыку, танцы и театр.

Традиционное вьетнамское искусство практикуется во Вьетнаме или вьетнамскими художниками с древних времен (в том числе тщательно продуманные барабаны Đông Sơn) до посткитайского искусства господства, на которое сильно повлияло китайское буддийское искусство, среди других философий, таких как даосизм и конфуцианство. Искусство Чампы и французского искусства также сыграло меньшую роль позже.

Китайское влияние на вьетнамское искусство распространяется на вьетнамскую керамику, керамику, каллиграфию и традиционную архитектуру. В настоящее время вьетнамские лаковые картины оказались довольно популярными.

Династия Нгуен, последняя правящая династия Вьетнама (около 1802-1945), вновь заинтересовалась керамикой и фарфоровым искусством. Императорские суды по всей Азии импортировали вьетнамскую керамику.

Несмотря на то, что высокоразвитые исполнительские искусства (такие как музыка и танцы императорского двора) стали во время династии Нгуен, некоторые считают, что другие области искусства начинают снижаться во время последней части династии Нгуен.

Начиная с XIX века, современное искусство и французские художественные влияния распространились во Вьетнам. В начале 20-го века была создана Школа Высшего Искусства Индокита (Индокитайский Колледж Искусств), чтобы преподавать европейские методы и оказывать влияние главным образом в более крупных городах, таких как Ханой и Хошимин.

Ограничения на поездки, введенные вьетнамцам во время 80-летнего правления Франции во Вьетнаме и длительный период войны за национальную независимость, означали, что очень немногие вьетнамские художники могли обучаться или работать за пределами Вьетнама. Небольшое количество художников из состоятельных слоев населения имели возможность отправиться во Францию ​​и сделать свою карьеру там по большей части. Примеры включают Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang и Pham Tang.

Современные вьетнамские художники начали использовать французские техники со многими традиционными средами, такими как шелк, лак и т. Д., Создавая тем самым уникальную смесь восточных и западных элементов.

Вьетнамская каллиграфия
Каллиграфия имеет долгую историю во Вьетнаме, ранее использовав китайских иероглифов наряду с chữnôm. Тем не менее, большинство современных вьетнамских каллиграфии вместо этого использует основанный на римском языке Quốc Ngữ, который оказался очень популярен.

В прошлом, когда грамотность в старых персональных системах письма Вьетнама ограничивалась учеными и элитами, каллиграфия все же играла важную роль во вьетнамской жизни. В особых случаях, таких как Лунный Новый год, люди обратились к деревенскому учителю или ученому, чтобы они висели на каллиграфии (часто стихи, народные изречения или даже отдельные слова). Люди, которые не умели читать и писать, часто приглашали ученых писать молитвы, которые они сжигали в храмовых святынях.

Филиппинское искусство
Филиппинская идентичность родилась одновременно с ее созданием, главным образом, из ее доколониальных / до Филиппинских культур, которые слились с влиянием колонизаторов и китайских торговцев, которые растаяли и превратились в свою собственную уникальную классическую филиппинскую идентичность. До того, как родились Филиппины, это был разделенный набор наций, островов и племен, которыми управляли их собственные особые Цари, Вождя, Лакан, Датус, Раджи и Султаны. Каждая нация имеет свою собственную идентичность, и некоторые из них даже являются частью большей империи за пределами современной карты того, что сейчас является Филиппинами, например; Манила когда-то была частью Брунейской империи. Другой пример — многие части современного дня, которые, как предполагается, являются Минданао, являются частью империи Маджапахит, столица которой находится в Восточной Яве в современной Индонезии. Пришествие колониального прибытия на острова началось. Современный Филиппины, так как именно в это время было создано то, что сейчас является единым островом, ныне известным теперь как Филиппины. Китайское влияние ощущалось во всей Юго-Восточной Азии через торговлю, даже до колонизации региона, в частности династии Мин и других ранних династий еще в девятом веке. Но именно во время испанской колонизации была разработана современная китайская филиппинская подпись на том, что сейчас является Филиппинами. Эти культуры, растаявшие от доколониального внутреннего и внешнего влияния, очень очевидны в до-современных искусствах и традициях Филиппин. Живопись Хосе Онорато Лозано имеет четкое указание на влияние Востока и Запада.

Среднеазиатское искусство
Среднеазиатское искусство — это изобразительное искусство, созданное в Центральной Азии преимущественно тюркскими народами современного Кыргызстана, Казахстана, Узбекистана, Туркменистана, Азербайджана, Таджикистана, Монголии, Тибета, Афганистана, Пакистана и частей Китая и России. Искусство последних веков в основном зависит от исламского искусства, но на различные ранние культуры повлияли искусство Китая, Персии и Греции, а также животный стиль, который развивался среди кочевых народов степей. Передача искусства Шелкового пути, скифское искусство, греко-буддийское искусство, искусство Сериндиа и совсем недавно персидская культура — все это часть этой сложной истории.

Искусство Месопотамии
Искусство Месопотамии сохранилось в археологических записях ранних охотничье-собирательских обществ (10-е тысячелетие до н.э.) к культурам бронзового века шумерской, аккадской, вавилонской и ассирийской империй. Эти империи были позже заменены в Железном веке неоассирийскими и нео-вавилонскими империями. Широко признанная колыбелью цивилизации, Месопотамия принесла значительные культурные события, в том числе самые старые примеры написания. Искусство Месопотамии соперничало с Древним Египтом как величайшее, сложное и сложное в западной Евразии с 4-го тысячелетия до нашей эры, пока Персидская ахеменидская империя не завоевала регион в VI веке до нашей эры. Основной упор делался на различные, очень прочные формы скульптуры из камня и глины; но картина показывает, что, за некоторыми исключениями, живопись в основном использовалась для геометрических и растительных декоративных схем, хотя большинство скульптур были также окрашены. Уплотнения цилиндров сохранились в большом количестве, многие из них содержат сложные и детализированные сцены, несмотря на их небольшие размеры.

Еврейское искусство
По сравнению с музыкой или театром в изобразительном искусстве меньше еврейской традиции. Наиболее вероятной и общепринятой причиной является то, что, как ранее было показано с еврейской музыкой и литературой, до эмансипации в еврейской культуре доминировали религиозные традиции аниницизма. Поскольку большинство раввинских властей считали, что Вторая заповедь запрещает много визуального искусства, которое квалифицировалось бы как «иероглифы», еврейские художники были относительно редкими, пока они не жили в ассимилированных европейских сообществах, начиная с конца 18 века. Следует, однако, отметить, что, несмотря на опасения, что ранние религиозные общины искусства используются в идолопоклоннических целях, еврейское священное искусство записано в Танахе и распространяется по всей еврейской древности и средневековью. Скиния и два храма в Иерусалиме образуют первые известные примеры «еврейского искусства». В первые века общей эры еврейское религиозное искусство также создавалось в регионах, окружающих Средиземное море, таких как Сирия и Греция, включая фрески на стенах синагог, из которых единственная выжившая, а также еврейские катакомбы — синагога Дура Европас в Риме.

Исламское искусство
Исламское искусство включает в себя изобразительное искусство, созданное в VII веке, людьми, которые жили на территории, населенной или управляемой культурно-исламскими населенными пунктами. Таким образом, очень сложно определить искусство, поскольку оно охватывает многие земли и различные народы в течение примерно 1400 лет; это не искусство конкретно религии или времени, или места, или одного носителя, как живопись. Огромное поле исламской архитектуры является предметом отдельной статьи, оставляя поля такими разнообразными, как каллиграфия, живопись, стекло, керамика и текстильное искусство, такие как ковры и вышивка.

Иранское искусство
Персидское искусство или иранское искусство имеет одно из самых богатых художественных наследий в мировой истории и было сильным во многих средствах массовой информации, включая архитектуру, живопись, ткачество, керамику, каллиграфию, металлообработку и скульптуру. В разное время влияние искусства соседних цивилизаций было очень важным, и в последнее время персидское искусство давало и получало значительные влияния как часть более широких стилей исламского искусства. Эта статья охватывает искусство Персии до 1925 года и конец династии Каджар; для более позднего искусства см. иранское современное и современное искусство, а для традиционных ремесел — искусство Ирана. Сказочное искусство в Иране — это самое древнее сохранившееся искусство. В этой статье рассматривается иранская архитектура.

Набатейское искусство
Набатейское искусство — это искусство набатейцев Северной Аравии. Они известны мелкоцветной расписной керамикой, которая стала рассеянной среди греко-римского мира, а также вкладом в скульптуру и архитектуру набатейцев. Набатейское искусство наиболее известно археологическими памятниками в Петре, в частности такими памятниками, как Аль-Хазне и Ад Дейр.