Die Geschichte asiatischer Kunst oder östlicher Kunst umfasst eine Vielzahl von Einflüssen aus verschiedenen Kulturen und Religionen. Die Entwicklungen in der asiatischen Kunst ähneln historisch denen in der westlichen Kunst, im Allgemeinen ein paar Jahrhunderte zuvor. Chinesische Kunst, indische Kunst, koreanische Kunst und japanische Kunst hatten jeweils einen bedeutenden Einfluss auf die westliche Kunst und umgekehrt. Die Kunst des Nahen Ostens hatte auch einen bedeutenden Einfluss auf die westliche Kunst. Abgesehen von der prähistorischen Kunst repräsentiert die Kunst Mesopotamiens die ältesten Formen asiatischer Kunst.

Buddhistische Kunst
Die buddhistische Kunst entstand auf dem indischen Subkontinent in den Jahrhunderten nach dem Leben des historischen Gautama Buddha im 6. bis 5. Jahrhundert v. Chr., Bevor sie sich durch ihren Kontakt mit anderen Kulturen und ihre Verbreitung durch den Rest Asiens und der Welt entwickelte. Buddhistische Kunst reiste mit Gläubigen, als sich der Dharma in jedem neuen Gastland ausbreitete, anpasste und sich weiterentwickelte. Es entwickelte sich im Norden durch Zentralasien und nach Ostasien, um den nördlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden, und im Osten bis nach Südostasien, um den südlichen Zweig der buddhistischen Kunst zu bilden. In Indien blühte die buddhistische Kunst und beeinflusste sogar die Entwicklung der Hindu-Kunst, bis der Buddhismus in Indien um das 10. Jahrhundert herum fast vollständig verschwand, teilweise aufgrund der starken Ausbreitung des Islam neben dem Hinduismus.

Ein übliches Sehgerät in der buddhistischen Kunst ist das Mandala. Aus Sicht des Betrachters repräsentiert es schematisch das ideale Universum. In verschiedenen spirituellen Traditionen können Mandalas eingesetzt werden, um die Aufmerksamkeit von Aspiranten und Adepten zu fokussieren, ein spirituelles Lehrwerkzeug, um einen heiligen Raum zu erschaffen und um Meditation und Trance-Induktion zu unterstützen. Seine symbolische Natur kann dazu beitragen, „auf immer tiefere Ebenen des Unbewussten vorzudringen und dem Meditierenden schließlich zu helfen, ein mystisches Gefühl der Einheit mit der ultimativen Einheit zu erfahren, aus der der Kosmos in all seinen vielfältigen Formen hervorgeht.“ Der Psychoanalytiker Carl Jung sah das Mandala als „eine Darstellung des Zentrums des unbewussten Selbst“ und glaubte, dass seine Mandala-Gemälde es ihm ermöglichten, emotionale Störungen zu identifizieren und auf die Ganzheit der Persönlichkeit hinzuarbeiten.

Bhutanische Kunst
Die Kunst in Bhutan ähnelt der Kunst Tibets. Beide basieren auf dem Vajrayana-Buddhismus mit seinem Pantheon der göttlichen Wesen.

Die wichtigsten buddhistischen Ordnungen in Bhutan sind Drukpa Kagyu und Nyingma. Die erste ist eine Zweigstelle der Kagyü-Schule und ist bekannt für Gemälde, die die Linie der buddhistischen Meister und der 70 Je Khenpo (Führer des bhutanischen Kloster-Establishments) dokumentieren. Der Nyingma-Orden ist bekannt für seine Bilder von Padmasambhava, der im 7. Jahrhundert mit der Einführung des Buddhismus in Bhutan betraut wurde. Der Legende nach versteckte Padmasambhava heilige Schätze für zukünftige buddhistische Meister, besonders Pema Lingpa, zu finden. Die Schatzfinder (Tertön) sind auch häufige Gegenstände der Nyingma-Kunst.

Kambodschanische Kunst
Die kambodschanische Kunst und die Kultur Kambodschas haben eine reiche und vielfältige Geschichte, die viele Jahrhunderte zurückreicht und stark von Indien beeinflusst wurde. Im Gegenzug hat Kambodscha Thailand, Laos und umgekehrt stark beeinflusst. Während der langen Geschichte Kambodschas war eine wichtige Quelle der Inspiration die Religion. Während fast zwei Jahrtausenden entwickelten Kambodschaner einen einzigartigen Khmer-Glauben aus der Synkretistik indigener animistischer Glaubensrichtungen und den indischen Religionen des Buddhismus und Hinduismus. Die indische Kultur und Zivilisation, einschließlich ihrer Sprache und Künste, erreichten das Festland Südostasiens um das 1. Jahrhundert. Es wird allgemein angenommen, dass Seefahrende Händler während des Handels mit China indische Bräuche und Kultur in Häfen am Golf von Thailand und im Pazifik brachten. Der erste Staat, der davon profitierte, war Funan. Zu verschiedenen Zeiten absorbierte die Kultur Kambodschas auch Elemente aus der javanischen, chinesischen, laotischen und thailändischen Kultur.

Chinesische Kunst
Die chinesische Kunst (chinesisch: 中國 藝術 / 中国 艺术) hat sich in ihrer alten Geschichte, die von den Herrscherdynastien Chinas und der sich wandelnden Technologie geteilt wird, verändert. Verschiedene Kunstformen wurden von großen Philosophen, Lehrern, religiösen Persönlichkeiten und sogar politischen Führern beeinflusst. Chinesische Kunst umfasst bildende Kunst, Volkskunst und Performance Arts. Chinesische Kunst ist Kunst, ob modern oder alt, die in China entstanden ist oder in China praktiziert wird oder von chinesischen Künstlern oder Künstlern.
In der Song-Dynastie wurde die Poesie durch eine Lyrik namens Ci (詞) geprägt, die Gefühle der Begierde ausdrückte, oft in einer angenommenen Persona. Auch in der Song-Dynastie erschienen Gemälde mit subtileren Landschaftsausdrücken, mit verschwommenen Konturen und Bergkonturen, die durch eine impressionistische Behandlung von Naturphänomenen Distanz vermitteln. Es war während dieser Zeit, dass in der Malerei, wie in der vorhergehenden Periode, die Betonung eher auf spirituellen als auf emotionalen Elementen lag. Kunqu, die älteste erhaltene Form der chinesischen Oper, entstand während der Song-Dynastie in Kunshan, nahe dem heutigen Shanghai. In der Yuan-Dynastie beeinflusste die Malerei des chinesischen Malers Zhao Mengfu (趙孟頫) die spätere chinesische Landschaftsmalerei stark und die Yuan-Dynastie wurde eine Variante der chinesischen Oper, die heute als kantonesische Oper fortgeführt wird.

Indische Kunst
Indische Kunst kann in bestimmte Perioden eingeteilt werden, die jeweils bestimmte religiöse, politische und kulturelle Entwicklungen widerspiegeln. Die frühesten Beispiele sind die Petroglyphen, wie sie in Bhimbetka gefunden wurden, von denen einige vor 5500 v.Chr. Die Produktion solcher Werke dauerte mehrere Jahrtausende. Spätere Beispiele umfassen die geschnitzten Säulen von Ellora im Bundesstaat Maharashtra. Andere Beispiele sind die Fresken von Ajanta und Ellora Caves.

Bestimmte Zeiträume:

Hinduismus und Buddhismus der Antike (3500 v. Chr. – Gegenwart)
Islamische Vorherrschaft (712-1757 CE)
Die Kolonialzeit (1757-1947)
Unabhängigkeit und postkoloniale Zeit (nach 1947)
Moderne und postmoderne Kunst in Indien
Eine der beliebtesten Kunstformen in Indien heißt Rangoli. Es ist eine Form der Sandmalerei, die fein gemahlenes weißes Pulver und Farben verwendet und wird häufig außerhalb von Häusern in Indien verwendet.

Die bildenden Künste (Skulptur, Malerei und Architektur) sind eng mit den nicht-visuellen Künsten verbunden. Laut Kapila Vatsyayan entwickelten „klassische indische Architektur, Skulptur, Malerei, Literatur (Kaavya), Musik und Tanz ihre eigenen Regeln, die durch ihre jeweiligen Medien bedingt waren, aber sie teilten nicht nur die zugrunde liegenden spirituellen Überzeugungen der indischen Religio-Philosophie aber auch die Verfahren, mit denen die Beziehungen des Symbols und der geistigen Zustände im Detail ausgearbeitet wurden. “

Einblick in die einzigartigen Qualitäten der indischen Kunst wird am besten durch ein Verständnis des philosophischen Denkens, der breiten kulturellen Geschichte, des sozialen, religiösen und politischen Hintergrunds der Kunstwerke erreicht.

Indonesische Kunst
Die indonesische Kunst und Kultur wurde durch lange Interaktion zwischen ursprünglichen indigenen Bräuchen und zahlreichen ausländischen Einflüssen geprägt. Indonesien liegt zentral an den alten Handelsrouten zwischen dem Fernen Osten und dem Nahen Osten, was dazu führt, dass viele kulturelle Praktiken stark von einer Vielzahl von Religionen beeinflusst werden, darunter Hinduismus, Buddhismus, Konfuzianismus und Islam, alle stark in den großen Handelsstädten. Das Ergebnis ist eine komplexe kulturelle Mischung, die sich sehr von den ursprünglichen indigenen Kulturen unterscheidet. Abgesehen von den komplizierten und expressiven balinesischen Gemälden, die oft natürliche Szenen und Themen der traditionellen Tänze ausdrücken, ist Indonesien für Gemälde nicht allgemein bekannt.

Balinesische Kunst
Die balinesische Kunst ist eine Kunst hindu-javanischen Ursprungs, die aus der Arbeit der Kunsthandwerker des Majapahit-Königreichs entstand und im späten 13. Jahrhundert nach Bali ausgeweitet wurde. Vom 16. bis zum 20. Jahrhundert war das Dorf Kamasan, Klungkung (Ost-Bali), das Zentrum der klassischen balinesischen Kunst. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelten sich neue Arten balinesischer Kunst. Seit dem späten zwanzigsten Jahrhundert haben Ubud und seine Nachbardörfer einen Ruf als Zentrum der balinesischen Kunst aufgebaut. Ubud und Batuan sind bekannt für ihre Gemälde, Mas für ihre Holzschnitzereien, Celuk für Gold- und Silberschmiede und Batubulan für ihre Steinschnitzereien. Covarrubias beschreibt balinesische Kunst als „… eine hochentwickelte, wenn auch informelle barocke Volkskunst, die die bäuerliche Lebendigkeit mit der Raffinesse des Klassizismus des hinduistischen Javas verbindet, aber frei von konservativen Vorurteilen und mit einer neuen Vitalität, die durch den Überschwang der dämonischer Geist der tropischen Primitiven „. Eiseman wies zu Recht darauf hin, dass die balinesische Kunst tatsächlich zu Gegenständen verarbeitet, bemalt, gewebt und präpariert wird, die für den täglichen Gebrauch bestimmt sind, und nicht als Objekt der Kunst.

Japanische Kunst
Japanische Kunst und Architektur sind Kunstwerke, die in Japan von den Anfängen menschlicher Besiedlung dort, irgendwann im 10. Jahrtausend v. Chr. bis zur Gegenwart, produziert wurden. Japanische Kunst umfasst eine breite Palette von Kunststilen und Medien, darunter antike Keramik, Skulpturen aus Holz und Bronze, Tuschmalerei auf Seide und Papier und eine Vielzahl anderer Arten von Kunstwerken; von der Antike bis zum modernen 21. Jahrhundert.

Die Kunstform erlangte in der Metropolkultur von Edo (Tokio) in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts eine große Popularität, die in den 1670er Jahren mit den einfarbigen Werken von Hishikawa Moronobu entstand. Zuerst wurde nur Tusche verwendet, dann wurden einige Drucke manuell mit einem Pinsel gefärbt, aber im 18. Jahrhundert entwickelte Suzuki Harunobu die Technik des polychromen Druckens, um Nishiki-e herzustellen.

Japanische Malerei (絵 画 Kaiga) ist eine der ältesten und raffiniertesten japanischen Künste, die eine große Vielfalt an Genres und Stilen umfasst. Wie bei der Geschichte der japanischen Kunst im Allgemeinen ist die Geschichte der japanischen Malerei eine lange Geschichte der Synthese und des Wettstreits zwischen der japanischen Ästhetik und der Anpassung importierter Ideen.

Die Ursprünge der Malerei in Japan reichen bis in die prähistorische Zeit Japans zurück. Einfache Strichmännchen und geometrische Designs finden sich auf Jōmon-Keramik und Yayoi-Periode (300 v. Chr. – 300 n. Chr.) Dōtaku-Bronzeglocken. In zahlreichen Grabhügeln aus der Kofun-Zeit (300-700 n.Chr.) Wurden Wandgemälde mit geometrischen und figurativen Motiven gefunden.

Die antike japanische Skulptur wurde hauptsächlich von der Götzenanbetung im Buddhismus oder animistischen Riten der Shinto-Gottheit abgeleitet. Insbesondere konzentrierte sich die Bildhauerei unter allen Künsten auf den Buddhismus. Die traditionell verwendeten Materialien waren Metall – insbesondere Bronze – und häufiger Holz, oft lackiert, vergoldet oder bunt bemalt. Bis zum Ende der Tokugawa-Zeit waren solche traditionellen Skulpturen – mit Ausnahme miniaturisierter Werke – weitgehend verschwunden, weil die buddhistischen Tempel und der Adel die Schirmherrschaft verloren hatten.

Ukiyo, was „schwimmende Welt“ bedeutet, bezieht sich auf die ungestüme junge Kultur, die in den urbanen Zentren von Edo (dem heutigen Tokio), Osaka und Kyoto blühte, die eine Welt für sich waren. Es ist eine ironische Anspielung auf den homophonen Begriff „Schmerzhafte Welt“ (憂 き 世), die irdische Ebene des Todes und der Wiedergeburt, von der die Buddhisten Befreiung suchten.

Koreanische Kunst
Die koreanische Kunst ist bekannt für ihre Traditionen in den Bereichen Töpferei, Musik, Kalligraphie, Malerei, Bildhauerei und anderen Gattungen, die oft durch die Verwendung von kräftigen Farben, natürlichen Formen, präziser Form und Größe und Oberflächendekoration gekennzeichnet sind.

Während zwischen drei unabhängigen Kulturen klare und unterscheidbare Unterschiede bestehen, gibt es signifikante und historische Ähnlichkeiten und Wechselwirkungen zwischen den Künsten Koreas, Chinas und Japans.

Zeitgenössische Kunst in Korea: Das erste Beispiel westlicher Ölmalerei in der koreanischen Kunst waren die Selbstporträts des koreanischen Künstlers Ko Hu i-dong (1886-1965). Nur drei dieser Werke sind heute noch erhalten. Diese Selbstporträts vermitteln ein Medienverständnis, das weit über die Bekräftigung stilistischer und kultureller Unterschiede hinausgeht. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte die Entscheidung, in Korea mit Öl und Leinwand zu malen, zwei unterschiedliche Interpretationen. Einer ist ein Gefühl der Erleuchtung aufgrund westlicher Ideen und Kunststile. Diese Erleuchtung stammt aus einer intellektuellen Bewegung des 17. und 18. Jahrhunderts. Ko hatte während einer Zeit der japanischen Annexion Japans mit dieser Methode gemalt. Während dieser Zeit behaupteten viele, seine Kunst hätte politisch sein können, doch er selbst erklärte, er sei ein Künstler und kein Politiker. Ko sagte: „Während ich in Tokyo war, passierte eine sehr seltsame Sache. Zu dieser Zeit gab es weniger als hundert koreanische Studenten in Tokio. Wir alle tranken die neue Luft und begannen neue Studien, aber es gab einige, die mich verspotteten Die Wahl, Kunst zu studieren. Ein enger Freund sagte, dass es für mich nicht richtig sei, Malerei in einer solchen Zeit zu studieren. “

Koreanische Töpferwaren wurden bereits 6000 v. Chr. Anerkannt. Diese Keramik wurde auch als Kamm-gemusterte Keramik wegen der dekorativen Linien auf der Außenseite geschnitzt bezeichnet. die frühen koreanischen Gesellschaften waren hauptsächlich von der Fischerei abhängig. Also verwendeten sie die Töpferei, um Fische und andere Dinge, die aus dem Meer gesammelt wurden, wie Muscheln, zu lagern. Keramik hatte zwei regionale Hauptunterschiede. Diejenigen von der Ostküste haben eine flache Basis, während Keramik an der Südküste eine runde Basis hat.

Laotische Kunst
Laotische Kunst umfasst Keramik, laotische buddhistische Skulpturen und laotische Musik.

Lao buddhistische Skulpturen wurden in einer Vielzahl von Materialien wie Gold, Silber und meist Bronze geschaffen. Auch für kolossale Bilder war das Mauerwerk ein Medium, ein berühmtes Bild ist das Bild von Phya Vat (16. Jahrhundert) in Vientiane, obwohl eine Renovierung das Erscheinungsbild der Skulptur komplett veränderte und nicht länger einem Lao-Buddha ähnelte . Holz ist beliebt für kleine, votive buddhistische Bilder, die oft in Höhlen hinterlassen werden. Holz ist auch sehr verbreitet für große, lebensgroße Buddha-Bilder. Die berühmtesten zwei Skulpturen aus Halbedelstein sind der Phra Keo (Der Smaragd-Buddha) und der Phra Phuttha Butsavarat. Der Phra Keo, der wahrscheinlich aus Xieng Sen (Chiang Saen) stammt, ist aus einem massiven Jadeblock geschnitzt. Sie ruhte zwei Jahrhunderte lang in Vientiane, bevor die Siamesen sie im späten 18. Jahrhundert als Beute forttrugen. Heute dient es als Palladium des Königreichs Thailand und residiert im Grand Palace in Bangkok. Der Phra Phuttha Butsavarat, wie der Phra Keo, ist auch in einer eigenen Kapelle im Grand Palace in Bangkok verankert. Bevor die Siamesen sie im frühen 19. Jahrhundert eroberten, war dieses Kristallbild das Palladium des laotischen Königreichs Champassack.

Viele schöne Lao-buddhistische Skulpturen sind direkt in die Pak Ou-Höhlen gehauen. In der Nähe von Pak Ou (Mündung des Ou-Flusses) liegen die Tham Ting (untere Höhle) und die Tham Theung (obere Höhle) in der Nähe von Luang Prabang, Laos. Sie sind eine großartige Gruppe von Höhlen, die nur mit dem Boot erreichbar sind, etwa zwei Stunden stromaufwärts vom Zentrum von Luang Prabang, und sind in letzter Zeit bekannter und touristisch bekannter geworden. Die Höhlen sind bekannt für ihre beeindruckenden buddhistischen und laotischen Skulpturen in die Höhlenwände und Hunderte von weggeworfenen buddhistischen Figuren, die über den Böden und den Wandregalen verteilt waren. Sie wurden dorthin gebracht, da ihre Besitzer sie nicht zerstören wollten, daher wird eine schwierige Reise zu den Höhlen gemacht, um dort ihre unerwünschte Statue zu platzieren.

Nepalesische Kunst
Die alte und kultivierte traditionelle Kultur von Kathmandu, in ganz Nepal, ist eine ununterbrochene und außergewöhnliche Begegnung des hinduistischen und buddhistischen Ethos, die von ihren hochreligiösen Menschen praktiziert wird. Sie hat auch die kulturelle Vielfalt der anderen Religionen wie Jainismus, Islam und Christentum angenommen.

Thailändische Kunst
Thailändische Kunst und visuelle Kunst waren traditionell und hauptsächlich buddhistische und königliche Kunst. Die Skulptur bestand fast ausschließlich aus Buddha-Bildern, während sich die Malerei auf die Illustration von Büchern und die Dekoration von Gebäuden, vor allem Palästen und Tempeln, beschränkte. Thai Buddha Bilder aus verschiedenen Epochen haben eine Reihe von unverwechselbaren Stilen. Zeitgenössische thailändische Kunst verbindet oft traditionelle thailändische Elemente mit modernen Techniken.

Traditionelle Thai-Gemälde zeigten Themen in zwei Dimensionen ohne Perspektive. Die Größe jedes Elements im Bild spiegelte seinen Grad an Wichtigkeit wider. Die primäre Technik der Komposition ist die Aufteilung von Bereichen: Die Hauptelemente sind durch Raumtransformatoren voneinander getrennt. Dies beseitigte den Zwischenboden, der sonst eine Perspektive bedeuten würde. Perspektive wurde nur als ein Ergebnis des westlichen Einflusses in der Mitte des 19. Jahrhunderts eingeführt.

Die häufigsten Erzählobjekte für Gemälde waren oder sind: die Jataka-Geschichten, Episoden aus dem Leben des Buddha, die buddhistischen Himmel und Höllen und Szenen des täglichen Lebens.

Die Sukhothai-Periode begann im 14. Jahrhundert im Königreich Sukhothai. Buddha-Bilder der Sukhothai-Periode sind elegant, mit gewundenen Körpern und schlanken, ovalen Gesichtern. Dieser Stil betonte den spirituellen Aspekt des Buddha, indem viele kleine anatomische Details weggelassen wurden. Der Effekt wurde durch die übliche Praxis verstärkt, Bilder in Metall zu gießen anstatt sie zu schnitzen. In dieser Zeit wurde die „Walking Buddha“ -Pose eingeführt.

Sukhothai-Künstler versuchten, den kanonischen Kennzeichen eines Buddhas zu folgen, wie sie in alten Pali-Texten dargelegt sind:

Haut so glatt, dass Staub nicht daran haften kann;
Beine wie ein Reh;
Oberschenkel wie ein Banyanbaum;
Schultern so massiv wie ein Elefantenkopf;
Arme wie ein Elefantenrüssel, lang genug, um die Knie zu berühren;
Hände wie Lotusblüten, die gleich blühen;
Fingerspitzen kehrten zurück wie Blütenblätter;
Kopf wie ein Ei;
Haare wie Skorpionstiche;
Chin wie ein Mangostein;
Nase wie der Schnabel eines Papageis;
Ohrläppchen verlängert durch die Ohrringe des Königtums;
Wimpern wie eine Kuh;
Augenbrauen wie gezeichnete Bögen.
Sukhothai produzierte auch eine große Menge glasierter Keramik im Sawankhalok-Stil, die in ganz Südostasien gehandelt wurde.

Tibetische Kunst
Tibetische Kunst bezieht sich auf die Kunst Tibets und andere gegenwärtige und ehemalige Himalaya-Königreiche (Bhutan, Ladakh, Nepal und Sikkim). Die tibetische Kunst ist in erster Linie eine Form sakraler Kunst, die den übermächtigen Einfluss des tibetischen Buddhismus auf diese Kulturen widerspiegelt. Das Sandmandala (tib: kilkhor) ist eine tibetisch-buddhistische Tradition, die die Vergänglichkeit der Dinge symbolisiert. Als Teil des buddhistischen Kanons werden alle materiellen Dinge als vorübergehend angesehen. Ein Sandmandala ist ein Beispiel dafür, dass es, sobald es gebaut und die begleitenden Zeremonien und Besichtigungen beendet sind, systematisch zerstört wird.

Als der Mahayana-Buddhismus im 4. Jahrhundert v. Chr. Als eigenständige Schule entstand, betonte er die Rolle von Bodhisattvas, barmherzigen Wesen, die auf ihre persönliche Flucht nach Nirvana verzichten, um anderen zu helfen. Schon früh waren verschiedene Bodhisattvas Gegenstand der Bildhauerkunst. Der tibetische Buddhismus, als ein Abkömmling des Mahayana-Buddhismus, erbte diese Tradition. Aber die zusätzliche dominierende Präsenz des Vajrayana (oder buddhistischen Tantra) mag in der Kunstkultur eine überragende Bedeutung gehabt haben. Ein gebräuchlicher Bodhisattva, der in der tibetischen Kunst dargestellt wird, ist die Gottheit Chenrezig (Avalokitesvara), die oft als ein tausendarmiger Heiliger mit einem Auge in der Mitte jeder Hand dargestellt wird und den allsehenden barmherzigen Menschen darstellt, der unsere Bitten hört. Diese Gottheit kann auch als Yidam oder „Meditations-Buddha“ für die Vajrayana-Praxis verstanden werden.

Der tibetische Buddhismus enthält den tantrischen Buddhismus, auch bekannt als Vajrayana-Buddhismus, wegen seiner gemeinsamen Symbolik des Vajra, des diamantenen Blitzes (auf Tibetisch als Dorje bekannt). Die meisten der typischen tibetisch-buddhistischen Kunst können als Teil der Tantra-Praxis angesehen werden. Vajrayana-Techniken beinhalten viele Visualisierungen / Imaginationen während der Meditation, und die meisten der ausgearbeiteten tantrischen Kunst können als Hilfsmittel für diese Visualisierungen angesehen werden; von Darstellungen von Meditationsgottheiten (Yidams) über Mandalas bis hin zu allen Arten von Ritualwerkzeugen.

Ein visueller Aspekt des tantrischen Buddhismus ist die gemeinsame Darstellung von zornvollen Gottheiten, die oft mit wütenden Gesichtern, Flammenkreisen oder Totenschädeln dargestellt werden. Diese Bilder stellen die Beschützer (Skt. Dharmapala) dar und ihre furchterregende Haltung widerlegt ihre wahre barmherzige Natur. Tatsächlich ist ihr Zorn Ausdruck ihrer Hingabe zum Schutz der Dharma-Lehre sowie zum Schutz der spezifischen tantrischen Praktiken, um Korruption oder eine Störung der Praxis zu verhindern. Sie werden am wichtigsten als zornvolle psychologische Aspekte verwendet, die verwendet werden können, um die negativen Einstellungen des Praktizierenden zu überwinden.

Historiker stellen fest, dass die chinesische Malerei die tibetische Malerei im Allgemeinen stark beeinflusst hat. Beginnend mit dem 14. und 15. Jahrhundert hatte die tibetische Malerei viele Elemente aus dem Chinesischen übernommen, und während des 18. Jahrhunderts hatte die chinesische Malerei einen tiefen und weitreichenden Einfluss auf die tibetische visuelle Kunst. Laut Giuseppe Tucci wurde zur Zeit der Qing-Dynastie „eine neue tibetische Kunst entwickelt, die in gewissem Sinne ein provinzielles Echo der geschmeidigen verzierten Preziosität des chinesischen 18. Jahrhunderts war“.

Vietnamesische Kunst
Die vietnamesische Kunst stammt aus einer der ältesten Kulturen dieser Art in Südostasien. Ein reiches künstlerisches Erbe, das bis in die prähistorische Zeit zurückreicht und umfasst: Seidenmalerei, Skulpturen, Keramik, Holzschnitt, Architektur, Musik, Tanz und Theater.

Traditionelle vietnamesische Kunst wird in Vietnam oder von vietnamesischen Künstlern praktiziert, von alten Zeiten (einschließlich der ausgeklügelten ĐĐng Sơn Trommeln) bis zu post-chinesischer Dominanz, die stark von chinesischer buddhistischer Kunst beeinflusst war, neben anderen Philosophien wie Taoismus und Konfuzianismus. Auch die Kunst der Champa und der französischen Kunst spielte später eine geringere Rolle.

Der chinesische Einfluss auf die vietnamesische Kunst erstreckt sich auch auf vietnamesische Keramik und Keramik, Kalligraphie und traditionelle Architektur. Derzeit haben sich vietnamesische Lackbilder als sehr beliebt erwiesen.

Die Nguyễn-Dynastie, die letzte herrschende Dynastie Vietnams (ca. 1802-1945), sah ein erneutes Interesse an Keramik und Porzellankunst. Kaiserliche Gerichte in ganz Asien importierten vietnamesische Keramik.

Trotz der hohen Entwicklung der darstellenden Künste (wie der Hofmusik und des kaiserlichen Hofes) während der Nguyễn-Dynastie, sehen einige andere Kunstrichtungen in der zweiten Hälfte der Nguyễn-Dynastie allmählich zurück.

Ab dem 19. Jahrhundert breiteten sich moderne Kunst und französische künstlerische Einflüsse in Vietnam aus. Im frühen 20. Jahrhundert wurde die École Supérieure des Beaux Arts von Indochine (Indochina College of Arts) gegründet, um europäische Methoden zu lehren und Einfluss hauptsächlich in den größeren Städten wie Hanoi und Ho-Chi-Minh-Stadt auszuüben.

Reisebeschränkungen, die den Vietnamesen während der 80-jährigen Herrschaft Vietnams auferlegt wurden, und die lange Zeit des Krieges für die nationale Unabhängigkeit führten dazu, dass nur sehr wenige vietnamesische Künstler außerhalb Vietnams trainieren oder arbeiten konnten. Eine kleine Anzahl von Künstlern aus wohlhabenden Verhältnissen hatte die Möglichkeit, nach Frankreich zu gehen und dort ihre Karriere zu machen. Beispiele sind Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang und Pham Tang.

Moderne vietnamesische Künstler begannen, französische Techniken mit vielen traditionellen Medien wie Seide, Lack usw. zu kombinieren und so eine einzigartige Mischung aus östlichen und westlichen Elementen zu schaffen.

Vietnamesische Kalligraphie
Die Kalligraphie hat in Vietnam eine lange Geschichte, in der sie früher chinesische Schriftzeichen und Chữnôm verwendete. Die meisten modernen vietnamesischen Kalligrafien verwenden jedoch das auf römischem Schriftzeichen basierende Quốc Ngữ, das sich als sehr beliebt erwiesen hat.

In der Vergangenheit, als sich die Alphabetisierung in den alten Schriftzeichensystemen von Vietnam auf Gelehrte und Eliten beschränkte, spielte die Kalligraphie dennoch eine wichtige Rolle im vietnamesischen Leben. Zu besonderen Anlässen wie dem Neujahrsfest in Lunar gingen die Leute zum Dorflehrer oder Gelehrten, um sie zum Hängen einer Kalligraphie zu machen (oft Gedichte, Volkssprüche oder sogar einzelne Wörter). Menschen, die nicht lesen oder schreiben konnten, beauftragten oft Gelehrte, Gebete zu schreiben, die sie in Tempelschreinen verbrennen würden.

Philippinische Kunst
Die philippinische Identität wurde zur gleichen Zeit wie ihre Entstehung geboren, vor allem aus ihren präkolonialen / vorphilippischen Kulturen, die sich mit den von den Kolonisatoren und chinesischen Händlern beeinflussten, die zu ihrer eigenen klassischen philippinischen Identität verschmolzen und sich entwickelten, zusammenschlossen. Bevor die Philippinen geboren wurden, war es eine geteilte Gruppe von Nationen, Inseln und Stämmen, die von ihren eigenen spezifischen sozialen Königen, Chieftains, Lakans, Datus, Rajahs und Sultans regiert wurden. Jede Nation hat ihre eigene Identität und einige sind sogar Teil eines größeren Imperiums außerhalb der heutigen Karte der heutigen Philippinen. Manila war einst Teil des Bruneischen Imperiums. Ein anderes Beispiel sind viele Teile des heutigen Tages Mindanao ist theoretisiert, um ein Teil des Majapahit Reiches mit seiner Hauptstadt zu sein, die sich in Ost-Java im modernen Indonesien befindet. Der Beginn der kolonialen Ankunft auf den Inseln begann Die heutigen Philippinen, wie es zu dieser Zeit war, dass das, was heute eine vereinte Inseln von heute als die Philippinen bekannt ist, geschaffen wurde. Der chinesische Einfluss wurde in ganz Südostasien durch den Handel schon vor der Kolonialisierung der Region Ming-Dynastie und anderen früheren Dynastien bereits im 9. Jahrhundert spürbar. Aber es war während der spanischen Kolonisation, dass moderne chinesische philippinische Signatur-Markierung auf dem, was jetzt die Philippinen ist, entwickelt wurde. Diese aus dem vorkolonialen inneren und äußeren Einfluss geschmolzenen Kulturen sind in den vormodernen Künsten und Traditionen der Philippinen sehr deutlich zu erkennen. Gemälde von José Honorato Lozano weisen deutliche Spuren von Ost- und Westeinflüssen auf.

Zentralasiatische Kunst
Zentralasiatische Kunst ist visuelle Kunst, die in Zentralasien von den größtenteils turkischen Völkern des modernen Kirgisistan, Kasachstan, Usbekistan, Turkmenistan, Aserbaidschan, Tadschikistan, der Mongolei, Tibet, Afghanistan, Pakistan und Teilen von China und Russland geschaffen wurde. Die Künste der letzten Jahrhunderte sind hauptsächlich von der islamischen Kunst beeinflusst, aber die verschiedenen früheren Kulturen wurden von der Kunst Chinas, Persiens und Griechenlands sowie dem Tierstil beeinflusst, der sich unter den Nomadenvölkern der Steppen entwickelte. Die Übertragung der Kunst durch die Seidenstraße, die skythische Kunst, die griechisch-buddhistische Kunst, die serindische Kunst und in jüngerer Zeit die persische Kultur sind Teil dieser komplizierten Geschichte.

Kunst von Mesopotamien
Die Kunst Mesopotamiens hat sich in den archäologischen Aufzeichnungen von frühen Jäger- und Sammlergesellschaften (10. Jahrtausend v. Chr.) Bis zu den bronzezeitlichen Kulturen der sumerischen, akkadischen, babylonischen und assyrischen Reiche erhalten. Diese Reiche wurden später in der Eisenzeit durch die neuassyrischen und neubabylonischen Reiche ersetzt. Weithin betrachtet, um die Wiege der Zivilisation zu sein, brachte Mesopotamia bedeutende kulturelle Entwicklungen, einschließlich die ältesten Beispiele des Schreibens. Die Kunst Mesopotamiens wetteiferte mit jener des alten Ägypten als der großartigsten, raffiniertesten und ausgeklügeltsten in West-Eurasien vom 4. Jahrtausend v. Chr. Bis das persische Achämenidenreich die Region im 6. Jahrhundert v. Chr. Eroberte. Der Schwerpunkt lag auf verschiedenen, sehr dauerhaften Formen der Skulptur in Stein und Ton; kleine Gemälde haben sich erhalten, aber was darauf hindeutet, dass die Malerei, mit einigen Ausnahmen, hauptsächlich für geometrische und auf Pflanzen basierende dekorative Schemen verwendet wurde, obwohl die meisten Skulpturen auch gemalt wurden. Zylinderdichtungen haben in großer Anzahl überlebt, viele enthalten komplexe und detaillierte Szenen trotz ihrer geringen Größe.

Jüdische Kunst
Im Vergleich zur Musik oder zum Theater gibt es weniger eine spezifisch jüdische Tradition in der bildenden Kunst. Der wahrscheinlichste und akzeptierte Grund ist, dass die jüdische Kultur vor der Emanzipation von der religiösen Tradition des Anikonismus beherrscht wurde, wie es zuvor mit jüdischer Musik und Literatur gezeigt wurde. Da die meisten rabbinischen Autoritäten glaubten, dass das Zweite Gebot viel visuelle Kunst verbiete, die als „geschnitzte Bilder“ gelten würde, waren jüdische Künstler relativ selten, bis sie im späten 18. Jahrhundert in assimilierten europäischen Gemeinschaften lebten. Es sollte jedoch beachtet werden, dass trotz der Ängste der frühen religiösen Gemeinschaften der Kunst für götzendientige Zwecke, jüdische Sakralkunst im Tanakh aufgezeichnet wird und erstreckt sich durch die jüdische Antike und das Mittelalter. Das Tabernakel und die zwei Tempel in Jerusalem sind die ersten bekannten Beispiele für „jüdische Kunst“. In den ersten Jahrhunderten der Zeitrechnung wurde jüdische religiöse Kunst auch in den Regionen um das Mittelmeer wie Syrien und Griechenland geschaffen, einschließlich Fresken an den Wänden der Synagogen, von denen die Dura Europas Synagoge die einzige Überlebende sowie die jüdischen Katakomben ist in Rom.

Islamische Kunst
Islamische Kunst umfasst die visuellen Künste, die ab dem 7. Jahrhundert von Menschen geschaffen wurden, die auf dem Territorium lebten, das von kulturell islamischen Bevölkerungen bewohnt oder von ihnen regiert wurde. Es ist daher eine sehr schwierige Kunst, sie zu definieren, weil sie viele Länder und verschiedene Völker in etwa 1.400 Jahren umfasst; es ist nicht spezifisch Kunst einer Religion oder einer Zeit oder eines Ortes oder eines einzelnen Mediums wie Malerei. Das riesige Feld der islamischen Architektur ist Gegenstand eines separaten Artikels, der so unterschiedliche Bereiche wie Kalligraphie, Malerei, Glas, Keramik und Textilkunst wie Teppiche und Stickereien umfasst.

Iranische Kunst
Persische Kunst oder iranische Kunst hat eines der reichsten Kunst-Erbe der Weltgeschichte und war stark in vielen Medien einschließlich Architektur, Malerei, Weberei, Töpferei, Kalligraphie, Metallbearbeitung und Skulptur. Zu verschiedenen Zeiten waren Einflüsse aus der Kunst der benachbarten Zivilisationen sehr wichtig, und in letzter Zeit gab und erhielt die persische Kunst wichtige Einflüsse als Teil der breiteren Stile der islamischen Kunst. Dieser Artikel behandelt die Kunst Persiens bis 1925 und das Ende der Qajar-Dynastie; Für die spätere Kunst sehen Sie iranische moderne und zeitgenössische Kunst, und für traditionelles Kunsthandwerk sehen Sie Kunst aus dem Iran. Felskunst im Iran ist seine älteste überlebende Kunst. Die iranische Architektur ist in diesem Artikel behandelt.

Nabatäische Kunst
Nabatäische Kunst ist die Kunst der Nabatäer von Nordarabien. Sie sind bekannt für feingetöpferte bemalte Keramiken, die unter der griechisch-römischen Welt verstreut wurden, sowie Beiträge zur Skulptur und nabatäischen Architektur. Nabatäische Kunst ist am bekanntesten für die archäologischen Stätten in Petra, insbesondere Monumente wie Al Khazneh und Ad Deir.