La storia dell’arte asiatica o orientale, include una vasta gamma di influenze provenienti da varie culture e religioni. Gli sviluppi nell’arte asiatica sono storicamente paralleli a quelli dell’arte occidentale, in generale alcuni secoli prima. L’arte cinese, l’arte indiana, l’arte coreana, l’arte giapponese hanno avuto un’influenza significativa sull’arte occidentale e, viceversa. L’arte del vicino Oriente ha avuto anche un’influenza significativa sull’arte occidentale. Escludendo l’arte preistorica, l’arte della Mesopotamia rappresenta le più antiche forme di arte asiatica.

Arte buddista
L’arte buddista ebbe origine nel subcontinente indiano nei secoli successivi alla vita dello storico Buddha Gautama nel VI-V secolo aEV, prima di evolversi attraverso il suo contatto con altre culture e la sua diffusione attraverso il resto dell’Asia e del mondo. L’arte buddista viaggiava con i credenti mentre il dharma si diffondeva, si adattava e si evolve in ogni nuovo paese ospite. Si sviluppò a nord attraverso l’Asia centrale e nell’Asia orientale per formare il ramo settentrionale dell’arte buddhista, e ad est fino al sud-est asiatico per formare il ramo meridionale dell’arte buddista. In India, l’arte buddista fiorì e persino influenzò lo sviluppo dell’arte indù, fino a quando il buddismo scomparve quasi in India intorno al 10 ° secolo, a causa in parte della vigorosa espansione dell’Islam accanto all’induismo.

Un dispositivo visivo comune nell’arte buddista è il mandala. Dal punto di vista di un osservatore, rappresenta schematicamente l’universo ideale. In varie tradizioni spirituali, i mandala possono essere impiegati per focalizzare l’attenzione degli aspiranti e degli adepti, uno strumento di insegnamento spirituale, per stabilire uno spazio sacro e come aiuto all’induzione della meditazione e della trance. La sua natura simbolica può aiutare “ad accedere progressivamente a livelli più profondi dell’inconscio, in definitiva aiutando il meditatore a sperimentare un senso mistico di unità con l’unità finale da cui deriva il cosmo in tutte le sue molteplici forme”. Lo psicoanalista Carl Jung vide il mandala come “una rappresentazione del centro del sé inconscio” e credette che i suoi dipinti di mandala gli permettessero di identificare i disturbi emotivi e di lavorare verso l’integrità della personalità.

Arte bhutanese
L’arte bhutanese è simile all’arte del Tibet. Entrambi sono basati sul Buddhismo Vajrayana, con il suo pantheon di esseri divini.

I principali ordini del buddismo in Bhutan sono Drukpa Kagyu e Nyingma. Il primo è un ramo della scuola Kagyu ed è noto per i dipinti che documentano il lignaggio dei maestri buddisti e il 70 Je Khenpo (leader dell’establishment monastico bhutanese). L’ordine Nyingma è noto per le immagini di Padmasambhava, che è accreditato con l’introduzione del buddismo in Bhutan nel 7 ° secolo. Secondo la leggenda, Padmasambhava nascose tesori sacri per i futuri maestri buddisti, in particolare Pema Lingpa, da trovare. I cercatori di tesori (tertön) sono anche soggetti frequenti dell’arte Nyingma.

Arte cambogiana
L’arte cambogiana e la cultura cambogiana hanno avuto una storia ricca e variegata che risale a molti secoli ed è stata fortemente influenzata dall’India. A sua volta, la Cambogia ha fortemente influenzato la Thailandia, il Laos e viceversa. Durante tutta la lunga storia della Cambogia, una delle principali fonti di ispirazione è stata la religione. Per quasi due millenni, un cambogiano sviluppò una credenza Khmer unica dal sincretismo delle credenze animiste indigene e dalle religioni indiane di buddismo e induismo. La cultura e la civiltà indiana, inclusa la lingua e le arti, raggiunsero il continente sud-est asiatico intorno al I secolo EV. Si ritiene generalmente che i commercianti marittimi portassero costumi e cultura indiani nei porti lungo il golfo della Thailandia e del Pacifico mentre commerciavano con la Cina. Il primo stato a beneficiare di questo era Funan. In vari momenti, la cultura cambogiana ha anche assorbito elementi provenienti dalle culture giavanese, cinese, lao e thailandese.

Arte cinese
L’arte cinese (cinese: 中國 藝術 / 中国 艺术) è variata nel corso della sua storia antica, divisa in periodi dalle dinastie regnanti della Cina e dalla tecnologia in evoluzione. Diverse forme d’arte sono state influenzate da grandi filosofi, insegnanti, figure religiose e persino leader politici. L’arte cinese comprende belle arti, arti popolari e arti performative. L’arte cinese è arte, sia moderna che antica, originata o praticata in Cina o da artisti o artisti cinesi.
Nella Dinastia Song, la poesia era contrassegnata da una poesia lirica nota come Ci (詞) che esprimeva sentimenti di desiderio, spesso in un personaggio adottato. Anche nella dinastia Song apparvero pitture di espressione più sottile di paesaggi, con contorni sfocati e contorni montani che trasmettevano la distanza attraverso un trattamento impressionistico dei fenomeni naturali. Fu durante questo periodo che nella pittura, l’enfasi fu posta su elementi spirituali piuttosto che emotivi, come nel periodo precedente. Kunqu, la più antica forma esistente di opera cinese sviluppata durante la dinastia Song a Kunshan, nei pressi dell’attuale Shanghai. Nella dinastia Yuan, la pittura del pittore cinese Zhao Mengfu (趙孟頫) influenzò molto la successiva pittura di paesaggio cinese, e l’opera della dinastia Yuan divenne una variante dell’opera cinese che continua oggi come opera cantonese.

Arte indiana
L’arte indiana può essere classificata in periodi specifici, ciascuno dei quali riflette alcuni sviluppi religiosi, politici e culturali. I primi esempi sono i petroglifi come quelli trovati in Bhimbetka, alcuni dei quali risalgono a prima del 5500 aC. La produzione di tali opere è continuata per diversi millenni. Esempi successivi includono i pilastri scolpiti di Ellora, nello stato del Maharashtra. Altri esempi sono gli affreschi di Ajanta e Ellora Caves.

Periodi specifici:

Induismo e buddismo del periodo antico (3500 aC – presente)
Ascesa islamica (712-1757 CE)
Il periodo coloniale (1757-1947)
Indipendenza e periodo postcoloniale (post 1947)
Arte moderna e postmoderna in India
Una delle forme d’arte più popolari in India è chiamata Rangoli. È una forma di decorazione di pittura a sabbia che usa polvere e colori finemente macinati bianchi e viene comunemente usata fuori dalle case in India.

Le arti visive (scultura, pittura e architettura) sono strettamente correlate con le arti non visive. Secondo Kapila Vatsyayan, “l’architettura classica indiana, la scultura, la pittura, la letteratura (kaavya), la musica e la danza hanno evoluto le proprie regole condizionate dai rispettivi media, ma hanno condiviso tra loro non solo le credenze spirituali sottostanti della religione religiosa-filosofica indiana mente, ma anche le procedure attraverso le quali i rapporti del simbolo e degli stati spirituali sono stati elaborati in dettaglio “.

La comprensione delle qualità uniche dell’arte indiana si ottiene al meglio attraverso la comprensione del pensiero filosofico, della vasta storia culturale, sociale, religiosa e politica delle opere d’arte.

Arte indonesiana
L’arte e la cultura indonesiana sono state modellate da una lunga interazione tra le usanze indigene originali e le molteplici influenze straniere. L’Indonesia è centrale lungo antiche rotte commerciali tra l’Estremo Oriente e il Medio Oriente, e molte pratiche culturali sono fortemente influenzate da una moltitudine di religioni, tra cui l’Induismo, il Buddismo, il Confucianesimo e l’Islam, tutte forti nelle principali città commerciali. Il risultato è una miscela culturale complessa molto diversa dalle culture indigene originali. L’Indonesia non è generalmente nota per i dipinti, a parte gli intricati ed espressivi dipinti balinesi, che spesso esprimono scene e temi naturali delle danze tradizionali.

Arte balinese
L’arte balinese è un’arte di origine indù-giavanese che è cresciuta dal lavoro degli artigiani del Regno di Majapahit, con la loro espansione a Bali nel tardo XIII secolo. Dal XVI al XX secolo, il villaggio di Kamasan, Klungkung (East Bali), fu il centro dell’arte classica balinese. Durante la prima parte del XX secolo si svilupparono nuove varietà di arte balinese. Dalla fine del XX secolo, Ubud e i suoi villaggi vicini si sono affermati come il centro dell’arte balinese. Ubud e Batuan sono noti per i loro dipinti, Mas per le sculture in legno, Celuk per oro e argentieri e Batubulan per le loro sculture in pietra. Covarrubias descrive l’arte balinese come “… un’arte popolare barocca molto sviluppata, sebbene informale che combina la vivacità contadina con la raffinatezza del classicismo della Java induista, ma libera dal pregiudizio conservatore e da una nuova vitalità alimentata dall’esuberanza del spirito demoniaco del primitivo tropicale “. Eiseman ha giustamente sottolineato che l’arte balinese è in realtà scolpita, dipinta, tessuta e preparata in oggetti destinati all’uso quotidiano piuttosto che come oggetto d’arte.

Arte giapponese
L’arte e l’architettura apanese sono opere d’arte prodotte in Giappone dagli inizi dell’abitare umano lì, a volte nel X millennio aC, fino ad oggi. L’arte giapponese copre una vasta gamma di stili e media artistici, tra cui ceramiche antiche, scultura in legno e bronzo, pittura a inchiostro su seta e carta e una miriade di altri tipi di opere d’arte; dai tempi antichi fino al XXI secolo contemporaneo.

La forma d’arte raggiunse grande popolarità nella cultura metropolitana di Edo (Tokyo) durante la seconda metà del XVII secolo, originata dalle opere monocromatiche di Hishikawa Moronobu negli anni ’70 del Settecento. All’inizio fu usato solo inchiostro indiano, poi alcune stampe furono colorate manualmente con un pennello, ma nel XVIII secolo Suzuki Harunobu sviluppò la tecnica della stampa policroma per produrre nishiki-e.

La pittura giapponese (絵 画 Kaiga) è una delle più antiche e raffinatissime arti giapponesi, comprendendo un’ampia varietà di generi e stili. Come per la storia delle arti giapponesi in generale, la storia della pittura giapponese è una lunga storia di sintesi e competizione tra estetica nativa giapponese e adattamento di idee importate.

Le origini della pittura in Giappone risalgono addirittura al periodo preistorico giapponese. Semplici figure stilizzate e disegni geometrici possono essere trovati su ceramiche d ‘epoca Jōmon e campane in bronzo dōtaku del periodo Yayoi (300 aC – 300 dC). Pitture murali con disegni sia geometrici che figurativi sono stati trovati in numerosi tumuli del periodo Kofun (300-700 d.C.).

L’antica scultura giapponese derivava principalmente dal culto degli idoli nel buddismo o dai riti animisti della divinità scintoista. In particolare, la scultura tra tutte le arti si concentrò maggiormente sul buddismo. I materiali tradizionalmente usati erano il metallo, in particolare il bronzo e, più comunemente, il legno, spesso laccato, dorato o dipinto a colori vivaci. Alla fine del periodo Tokugawa, tale scultura tradizionale – fatta eccezione per le opere miniaturizzate – era in gran parte scomparsa a causa della perdita del patronato dai templi buddisti e dalla nobiltà.

Ukiyo, che significa “mondo fluttuante”, si riferisce all’impetuosa cultura giovane che fiorì nei centri urbani di Edo (l’odierna Tokyo), Osaka e Kyoto che erano un mondo a parte. È un’allusione ironica al termine omonimo “Mondo doloroso” (憂 き 世), il piano terreno della morte e della rinascita da cui i buddisti cercavano la liberazione.

Arte coreana
L’arte coreana è nota per le sue tradizioni in ceramica, musica, calligrafia, pittura, scultura e altri generi, spesso contrassegnate dall’uso di colori audaci, forme naturali, forme e scale precise e decorazioni di superficie.

Mentre ci sono differenze chiare e distintive tra tre culture indipendenti, ci sono analogie e interazioni significative e storiche tra le arti di Corea, Cina e Giappone.

Arte contemporanea in Corea: il primo esempio di pittura ad olio di stile occidentale nell’arte coreana era negli autoritratti dell’artista coreano Ko Hu i-dong (1886-1965). Solo tre di queste opere rimangono ancora oggi. questi autoritratti impartiscono una comprensione del mezzo che va ben oltre l’affermazione della differenza stilistica e culturale. all’inizio del XX secolo, la decisione di dipingere con olio e tela in Corea aveva due interpretazioni diverse. Uno è un senso dell’illuminazione dovuto alle idee e agli stili artistici occidentali. Questa illuminazione derivata da un movimento intellettuale del diciassettesimo e diciottesimo secolo. Ko dipingeva con questo metodo durante un periodo di annessione della Corea da parte dei giapponesi. Durante questo periodo molti sostenevano che la sua arte avrebbe potuto essere politica, tuttavia, egli stesso dichiarò di essere un artista e non un politico. Ko dichiarò: “Mentre ero a Tokyo, accadde una cosa molto curiosa: a Tokyo c’erano meno di cento studenti coreani, tutti bevevamo la nuova aria e si imbarcavano in nuovi studi, ma c’erano alcuni che mi prendevano in giro scelta per studiare l’arte Un amico intimo ha detto che non era giusto per me studiare la pittura in un momento come questo “.

La ceramica coreana fu riconosciuta già nel 6000 AC. Questa ceramica veniva anche chiamata ceramica a motivi a pettine grazie alle linee decorative intagliate all’esterno. le prime società coreane dipendevano principalmente dalla pesca. Quindi, hanno usato la ceramica per conservare il pesce e altre cose raccolte dall’oceano come i crostacei. La ceramica aveva due principali distinzioni regionali. Quelli della costa orientale tendono ad avere una base piatta, mentre la ceramica sulla costa meridionale aveva una base circolare.

Arte laotiana
L’arte laotiana comprende ceramiche, scultura buddista Lao e musica Lao.

Le sculture buddiste di Lao sono state create in una grande varietà di materiali tra cui oro, argento e più spesso bronzo. Brick-and-mortar era anche un mezzo utilizzato per immagini colossali, una delle quali è famosa per l’immagine di Phya Vat (16 ° secolo) a Vientiane, anche se una ristrutturazione ha completamente modificato l’aspetto della scultura, e non assomiglia più ad un Buddha Lao . Il legno è popolare per le piccole immagini votive buddiste che vengono spesso lasciate nelle caverne. Il legno è anche molto comune per le immagini in piedi a grandezza naturale del Buddha. Le due sculture più famose scolpite in pietra semipreziosa sono il Phra Keo (The Emerald Buddha) e il Phra Phuttha Butsavarat. Il Phra Keo, che è probabilmente di origine Xieng Sen (Chiang Saen), è scolpito da un solido blocco di giada. Si fermò a Vientiane per duecento anni prima che il Siamese lo portasse via come bottino nel tardo XVIII secolo. Oggi funge da palladio del Regno di Thailandia e risiede nel Grand Palace di Bangkok. Il Phra Phuttha Butsavarat, come il Phra Keo, è anche custodito nella sua cappella del Grand Palace di Bangkok. Prima che il siamese lo catturasse all’inizio del XIX secolo, questa immagine di cristallo era il palladio del regno di Laos di Champassack.

Molte bellissime sculture buddiste del Laos sono scolpite direttamente nelle grotte di Pak Ou. Vicino a Pak Ou (foce del fiume Ou) il Tham Ting (grotta inferiore) e il Tham Theung (grotta superiore) si trovano vicino a Luang Prabang, in Laos. Sono un magnifico gruppo di grotte che sono accessibili solo in barca, a circa due ore a monte dal centro di Luang Prabang, e recentemente sono diventate più conosciute e frequentate dai turisti. Le grotte sono famose per le loro impressionanti sculture buddiste e del Laos scolpite nelle pareti della caverna e centinaia di figure buddiste scartate disposte sui pavimenti e sugli scaffali a muro. Sono stati messi lì perché i loro proprietari non volevano distruggerli, quindi un viaggio difficile è fatto alle caverne per posizionare lì la loro statua indesiderata.

Arte nepalese
L’antica e raffinata cultura tradizionale di Kathmandu, del resto in tutto il Nepal, è un incontro ininterrotto ed eccezionale dell’ethos indù e buddista praticato dal suo popolo altamente religioso. Ha anche abbracciato nella sua piega la diversità culturale fornita dalle altre religioni come il Jainismo, l’Islam e il Cristianesimo.

Arte thailandese
L’arte thailandese e l’arte visiva erano tradizionalmente e principalmente l’arte buddista e reale. La scultura era quasi esclusivamente di immagini del Buddha, mentre la pittura era limitata all’illustrazione di libri e decorazioni di edifici, principalmente palazzi e templi. Le immagini del Buddha thailandese di diversi periodi hanno un certo numero di stili distintivi. L’arte tailandese contemporanea spesso combina elementi tradizionali tailandesi con tecniche moderne.

I dipinti tailandesi tradizionali mostravano soggetti in due dimensioni senza prospettiva. La dimensione di ciascun elemento nell’immagine rifletteva il suo grado di importanza. La principale tecnica di composizione è quella delle aree di ripartizione: gli elementi principali sono isolati gli uni dagli altri dai trasformatori spaziali. Questo ha eliminato il terreno intermedio, che altrimenti implicherebbe una prospettiva. La prospettiva fu introdotta solo come risultato dell’influenza occidentale nella metà del XIX secolo.

I soggetti narrativi più frequenti per i dipinti erano o sono: le storie Jataka, gli episodi della vita del Buddha, i cieli e gli inferni buddisti e le scene della vita quotidiana.

Il periodo di Sukhothai ebbe inizio nel XIV secolo nel regno di Sukhothai. Le immagini del Buddha del periodo Sukhothai sono eleganti, con corpi sinuosi e facce sottili e ovali. Questo stile enfatizzava l’aspetto spirituale del Buddha, omettendo molti piccoli dettagli anatomici. L’effetto è stato migliorato dalla pratica comune di fondere le immagini in metallo piuttosto che inciderle. Questo periodo ha visto l’introduzione della posa del “Buddha che cammina”.

Gli artisti di Sukhothai hanno cercato di seguire i segni canonici di un Buddha, come sono esposti negli antichi testi pali:

Pelle così liscia che la polvere non può aderire ad essa;
Gambe come un cervo;
Cosce come un albero di banyan;
Spalle massicce come la testa di un elefante;
Braccia rotonde come il tronco di un elefante e abbastanza lunghe da toccare le ginocchia;
Mani come i fiori di loto che stanno per fiorire;
Le punte delle dita si voltarono come petali;
dirigiti come un uovo;
Capelli come pungitori di scorpioni;
Mento come una pietra di mango;
Naso come il becco di un pappagallo;
Lobi delle orecchie allungati dagli orecchini della regalità;
Ciglia come quelle di una mucca;
Sopracciglia come fiocchi disegnati.
Sukhothai ha anche prodotto una grande quantità di ceramiche smaltate nello stile Sawankhalok, che sono state commercializzate in tutto il sud-est asiatico.

Arte tibetana
L’arte tibetana si riferisce all’arte del Tibet e ad altri regni Himalayani presenti ed ex (Bhutan, Ladakh, Nepal e Sikkim). L’arte tibetana è prima di tutto una forma di arte sacra, che riflette l’influsso del Buddhismo tibetano su queste culture. The Sand Mandala (Tib: kilkhor) è una tradizione buddista tibetana che simboleggia la natura transitoria delle cose. Come parte del canone buddhista, tutte le cose materiali sono viste come transitorie. Un mandala di sabbia è un esempio di questo, dato che una volta che è stato costruito e le sue cerimonie di accompagnamento e visione sono finiti, è sistematicamente distrutto.

Quando il Buddhismo Mahayana emerse come scuola separata nel IV secolo aC, enfatizzò il ruolo dei bodhisattva, esseri compassionevoli che rinunciarono alla loro personale fuga al Nirvana per aiutare gli altri. Da tempo in poi vari bodhisattva erano anche soggetti dell’arte statuaria. Il buddismo tibetano, come discendente del Buddhismo Mahayana, ereditò questa tradizione. Ma la presenza dominante dominante del Vajrayana (o tantra buddista) potrebbe aver avuto un’importanza primaria nella cultura artistica. Un bodhisattva comune raffigurato nell’arte tibetana è la divinità Chenrezig (Avalokitesvara), spesso raffigurata come un santo dalle mille braccia con un occhio nel mezzo di ogni mano, che rappresenta il compassionevole e onnivoro che ascolta le nostre richieste. Questa divinità può anche essere intesa come Yidam, o “Buddha della meditazione” per la pratica del Vajrayana.

Il buddismo tibetano contiene il buddismo tantrico, noto anche come buddhismo Vajrayana per il suo simbolismo comune del vajra, il fulmine a diamante (noto in tibetano come il dorje). La maggior parte dell’arte tipicamente buddista tibetana può essere vista come parte della pratica del tantra. Le tecniche di Vajrayana incorporano molte visualizzazioni / immaginazioni durante la meditazione e la maggior parte dell’elaborata arte tantrica può essere vista come ausilio a queste visualizzazioni; dalle rappresentazioni delle divinità meditative (yidam) ai mandala e tutti i tipi di strumenti rituali.

Un aspetto visivo del buddismo tantrico è la rappresentazione comune di divinità adirate, spesso raffigurate con facce arrabbiate, cerchi di fuoco o con i teschi dei morti. Queste immagini rappresentano i Protettori (Skt. Dharmapala) e il loro portamento spaventoso nasconde la loro vera natura compassionevole. In realtà, la loro ira rappresenta la loro dedizione alla protezione dell’insegnamento del Dharma e alla protezione delle specifiche pratiche tantriche per prevenire la corruzione o l’interruzione della pratica. Sono soprattutto usati come aspetti psicologici adirati che possono essere usati per conquistare gli atteggiamenti negativi del praticante.

Gli storici notano che la pittura cinese ha avuto una profonda influenza sulla pittura tibetana in generale. A partire dal 14 ° e 15 ° secolo, la pittura tibetana aveva incorporato molti elementi dai cinesi, e nel corso del 18 ° secolo, la pittura cinese ha avuto un impatto profondo e molto esteso sull’arte visiva tibetana. Secondo Giuseppe Tucci, ai tempi della dinastia Qing, “si sviluppò una nuova arte tibetana, che in un certo senso era un’eco provinciale della liscia e ornata preciosità del XVIII secolo.”

Arte vietnamita
L’arte vietnamita proviene da una delle più antiche culture del Sudest asiatico. Un ricco patrimonio artistico che risale alla preistoria e comprende: pittura su seta, scultura, ceramica, ceramica, stampe su legno, architettura, musica, danza e teatro.

L’arte vietnamita tradizionale è l’arte praticata in Vietnam o dagli artisti vietnamiti, dai tempi antichi (compreso l’elaborato ơông Sơn tamburi) all’arte della dominazione post-cinese che fu fortemente influenzata dall’arte buddista cinese, tra le altre filosofie come il Taoismo e il Confucianesimo. Anche l’arte di Champa e l’arte francese hanno avuto un ruolo minore in seguito.

L’influenza cinese sull’arte vietnamita si estende alla ceramica e alla ceramica vietnamite, alla calligrafia e all’architettura tradizionale. Attualmente, i dipinti laccati vietnamiti hanno dimostrato di essere piuttosto popolari.

La dinastia Nguyễn, l’ultima dinastia regnante del Vietnam (1802-1945), vide un rinnovato interesse per la ceramica e l’arte della porcellana. Le corti imperiali attraverso l’Asia hanno importato ceramiche vietnamite.

Malgrado l’evoluta evoluzione delle arti dello spettacolo (come la musica e la danza di corte imperiali) durante la dinastia Nguyễn, alcuni vedono che altri settori artistici iniziano a declinare durante l’ultima parte della dinastia Nguyễn.

A partire dal XIX secolo, l’arte moderna e le influenze artistiche francesi si diffusero in Vietnam. All’inizio del XX secolo, l’École Supérieure des Beaux Arts de l’Indochine (Indocina College of Arts) è stata fondata per insegnare metodi europei e ha esercitato influenza soprattutto nelle grandi città, come Hanoi e Ho Chi Minh City.

Le restrizioni di viaggio imposte ai vietnamiti durante gli 80 anni di governo francese del Vietnam e il lungo periodo di guerra per l’indipendenza nazionale hanno fatto sì che pochissimi artisti vietnamiti fossero in grado di allenarsi o lavorare fuori dal Vietnam. Un piccolo numero di artisti provenienti da contesti benestanti ha avuto l’opportunità di andare in Francia e fare la loro carriera lì per la maggior parte. Gli esempi includono Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang e Pham Tang.

I moderni artisti vietnamiti hanno iniziato a utilizzare le tecniche francesi con molti mezzi tradizionali come la seta, la lacca, ecc., Creando così una miscela unica di elementi orientali e occidentali.

Calligrafia vietnamita
La calligrafia ha avuto una lunga storia in Vietnam, utilizzando in precedenza i caratteri cinesi insieme a chữnôm. Tuttavia, la calligrafia vietnamita più moderna utilizza invece il Quốc Ngữ basato su caratteri romani, che ha dimostrato di essere molto popolare.

In passato, con l’alfabetizzazione dei vecchi sistemi di scrittura basati sul carattere del Vietnam, che si limitavano agli studiosi e alle élite, la calligrafia continuava comunque a svolgere un ruolo importante nella vita vietnamita. In occasioni speciali come il capodanno lunare, la gente andava dall’insegnante o studioso del villaggio per farne un’impiccagione di calligrafia (spesso poesia, detti popolari o anche singole parole). Anche le persone che non potevano leggere o scrivere spesso commissionavano studiosi per scrivere preghiere che avrebbero bruciato nei santuari del tempio.

Arte filippina
L’identità filippina è nata allo stesso tempo della sua creazione, principalmente dalle sue culture pre-coloniali / pre-filippine che si sono fuse con l’influenza dei colonizzatori e dei commercianti cinesi che si sono fusi e si sono evoluti fino alla sua unica identità classica filippina. Prima che nascessero le Filippine, era un insieme diviso di nazioni, isole e tribù governate dai loro specifici re sociali, capi tribù, Lakans, Datus, Rajah e Sultani. Ogni nazione ha la sua identità e alcune sono addirittura parte di un Impero più grande al di fuori della mappa moderna di quello che ora è le Filippine, per esempio; Manila faceva parte dell’Impero Bruneiano. Un altro esempio è rappresentato da molte parti del mondo moderno che Mindanao è stato teorizzato per far parte dell’impero Majapahit con la sua capitale situata nell’East Java nell’odierna Indonesia. L’arrivo dell’Antico Coloniale alle isole iniziò il giorno in cui le Filippine, come in quel periodo, crearono quella che oggi è un’isola unita di oggi, ora conosciuta come le Filippine. L’influenza cinese è stata avvertita in tutto il Sud-est asiatico attraverso il commercio, anche prima della colonizzazione della regione, in particolare la dinastia Ming e altre dinastie precedenti fin dal IX secolo. Ma fu durante la colonizzazione spagnola che si sviluppò il marchio filippino cinese moderno su quello che oggi è le Filippine. Queste culture, fuse dall’influenza pre-coloniale interna ed esterna, sono molto evidenti nelle arti e nella tradizione pre-moderne delle Filippine. I dipinti di José Honorato Lozano hanno una chiara indicazione dell’influenza est e ovest.

Arte centroasiatica
L’arte centroasiatica è arte visiva creata in Asia centrale dalle popolazioni largamente turche del moderno Kirghizistan, Kazakistan, Uzbekistan, Turkmenistan, Azerbaigian, Tagikistan, Mongolia, Tibet, Afghanistan, Pakistan e parti della Cina e della Russia. Le arti dei secoli recenti sono principalmente influenzate dall’arte islamica, ma le varie culture precedenti furono influenzate dall’arte della Cina, della Persia e della Grecia, così come lo stile animale che si sviluppò tra i popoli nomadi delle steppe. La trasmissione dell’arte della seta, l’arte scita, l’arte greco-buddista, l’arte serena e, più recentemente, la cultura persiana, fanno tutti parte di questa complicata storia.

Arte della Mesopotamia
L’arte della Mesopotamia è sopravvissuta nei documenti archeologici delle prime società di cacciatori-raccoglitori (X millennio aC) alle culture dell’Età del Bronzo degli imperi sumero, accadico, babilonese e assiro. Questi imperi furono successivamente sostituiti nell’età del ferro dagli imperi neo-assiro e neo-babilonese. Ampiamente considerata la culla della civiltà, la Mesopotamia portò significativi sviluppi culturali, inclusi i più antichi esempi di scrittura. L’arte della Mesopotamia rivaleggiava con quella dell’Antico Egitto come la più grande, sofisticata ed elaborata nell’Eurasia occidentale dal IV millennio aC fino a quando l’impero achemenide persiano conquistò la regione nel VI secolo aC. L’enfasi principale era su varie, molto durevoli, forme di scultura in pietra e argilla; la piccola pittura è sopravvissuta, ma ciò che ha suggerito che, con alcune eccezioni, la pittura era principalmente usata per schemi decorativi geometrici e vegetali, sebbene la maggior parte delle sculture fossero anche dipinte. I sigilli cilindrici sono sopravvissuti in gran numero, molti inclusi scene complesse e dettagliate nonostante le loro piccole dimensioni.

Arte ebraica
Rispetto alla musica o al teatro, c’è meno di una tradizione specificamente ebraica nelle arti visive. La ragione più probabile e accettata è che, come è stato precedentemente mostrato con musica e letteratura ebraica, prima della emancipazione, la cultura ebraica era dominata dalla tradizione religiosa dell’aniconismo. Poiché la maggior parte delle autorità rabbiniche riteneva che il Secondo comandamento proibisse molte arti visive che si sarebbero qualificate come “immagini scolpite”, gli artisti ebrei erano relativamente rari finché non vivevano in comunità europee assimilate a partire dalla fine del XVIII secolo. Va notato, tuttavia, che nonostante le paure delle prime comunità religiose d’arte utilizzate per scopi idolatri, l’arte sacra ebraica è registrata nel Tanakh e si estende in tutta l’antichità ebraica e nel Medioevo. Il Tabernacolo e i due Templi di Gerusalemme formano i primi esempi conosciuti di “arte ebraica”. Durante i primi secoli dell’era volgare, l’arte religiosa ebraica fu creata anche nelle regioni che circondano il Mediterraneo come la Siria e la Grecia, inclusi gli affreschi sulle pareti delle sinagoghe, di cui la sinagoga Dura Europas è l’unica sopravvissuta e le catacombe ebraiche A Roma.

Arte islamica
L’arte islamica comprende le arti visive prodotte dal settimo secolo in poi da persone che vivevano all’interno del territorio che era abitato o governato da popolazioni culturalmente islamiche. È quindi un’arte molto difficile da definire perché copre molte terre e vari popoli per circa 1.400 anni; non è arte specificamente di una religione, o di un tempo, o di un luogo, o di un singolo medium come la pittura. L’enorme campo dell’architettura islamica è oggetto di un articolo separato, che lascia campi diversi come calligrafia, pittura, vetro, ceramica e arti tessili come tappeti e ricami.

Arte iraniana
L’arte persiana o l’arte iraniana ha uno dei patrimoni artistici più ricchi della storia mondiale ed è stata forte in molti media tra cui architettura, pittura, tessitura, ceramica, calligrafia, lavorazione dei metalli e scultura. In tempi diversi, le influenze provenienti dall’arte delle civiltà vicine sono state molto importanti, e da allora l’arte persiana ha dato e ricevuto influenze importanti come parte degli stili più ampi dell’arte islamica. Questo articolo tratta l’arte della Persia fino al 1925 e la fine della dinastia Qajar; per l’arte successiva vedere l’arte moderna e contemporanea iraniana, e per l’artigianato tradizionale vedere le arti dell’Iran. L’arte rupestre in Iran è la sua più antica arte sopravvissuta. L’architettura iraniana è coperta da quell’articolo.

Arte nabatea
L’arte nabatea è l’arte dei nabatei dell’Arabia settentrionale. Sono conosciuti per le ceramiche dipinte a maglie fini, che sono state disperse nel mondo greco-romano, così come i contributi alla scultura e all’architettura nabatea. L’arte nabatea è molto conosciuta per i siti archeologici di Petra, in particolare monumenti come Al Khazneh e Ad Deir.