Агостино Феррари: Знаки во времени, Музей двадцатого века

Агостино Феррари. «В конце 1962 года я начал использовать этот знак как незначительное письмо … сегодня все еще существует осознание реальности, которое я представляю, как я всегда делал, развивая тему со знаками и формами. В то же время это все, что я не знаю о человеке и его жизни, черная поверхность, которая за пределами существования, до рождения и после смерти, пустота и тьма, ограничение нашего мышления по сравнению с бесконечно большим умом ».

Более полувека Агостино Феррари использовал этот знак в качестве выразительного инструмента, способного выразить свои личные эмоции и свои реакции на внешнюю реальность, а также в качестве фигуры языка, который участвует в современном мейнстриме, между постнеформальным, запрограммированным искусством, минимальный, поп и различные возвращения к живописи. Живопись, от которой Агостино Феррари никогда не хотел отказываться, подобно своим компаньонам, которые в 1962 году основали группу «Сенобио» (Анджело Верга, Этторе Сордини, Артуро Верми и Уго Ла Пьетра), при этом сводя ее к минимальным условиям графической формулировки содержательные цветные модули, чьими смутными визуальными моделями были газетные страницы: тактика, сочетающая хронику беспокойной и радикальной эпохи с интенсивной чувствительностью, публикой с частным.

После роспуска группы и двух пребываний в США, во второй половине шестидесятых работа Феррари приобретает объектную согласованность, параллельно с современными переживаниями друзей Агостино Боналуми, Энрико Кастеллани и прежде всего Дадамайно. Знак становится практически выполненной на поверхности гравировкой, изображенным следом или рельефной металлической проволокой (в цикле под названием «Театр знака»); исследование также проводится в форме, полученной строгим методом, процедурного характера («Общая форма»), что вызывает интерес и признание Люсио Фонтана. Наконец, после знака, формы и пространства художник учитывает цвет, исследуемый по отношению к разным геометрическим фигурам,

В конце семидесятых, фаза переосмысления и балансирования, называемая «реорганизацией», заставила Ferrari обрести более жестикулирующий признак того, что с этого момента он никогда не уйдет: неразборчивые формы и почерк, различной последовательности, иногда приукрашиваемый Толщина черного песка вулканического и блестящего, они размножаются через новые циклы, которые привлекают художника в течение нескольких десятилетий, от «событий» до «палимпсестов» до «материнства», где центральный узор (матрица) повторяется во внешнем часть изображения, дающая начало восстановлению с инвертированными тональными значениями; вплоть до недавних «За порогом» и «Внутри-снаружи», характеризующихся наличием трещины, полной непроницаемого черного цвета, в которую погружен знак или из которого он выходит,

Выставка. Антология, созданная в Museo del Novecento, реконструирует весь маршрут миланского художника; в первой комнате будут выставлены девять работ большого или очень большого формата, вехи, которые отмечают последнюю часть маршрута Агостино Феррари после «переоснащения»: от Палимпсестов до совсем недавнего Просегни (Интерьер / Экстерьер), включая неопубликованную работу, выполненную специально для этого случая. В архиве, с другой стороны, будет размещена серия небольших произведений, примеры первой части маршрута, от «Сказок 1963 года» до «Знаковых театров», до «Полных форм» и исследований для «Автопортрета» ( Алфавит) и цветовые анализы. Многие исследования и документы, которые предлагают, впервые, драгоценное понимание творческого метода и процессов, которым следует миланский художник в своей работе. Всего будет экспонировано сто оригинальных работ. Выставка сопровождается каталогом, изданным Nomos Edizioni и под редакцией Мартины Корнати

Общий каталог. По случаю этой выставки в конференц-зале Museo del Novecento в четверг, 27 сентября, будет представлен общий каталог работ Агостино Феррари под редакцией Мартины Корнати, опубликованный компанией Electa по случаю 80-летия художника. , Около 2500 задокументированных работ, исключая кратные и проекты, а также критические тексты и биобиблиографический аппарат.

биография
Агостино Феррари (Милан, 9 ноября 1938 года) – итальянский художник. С детства увлекался искусством, в 1959 году познакомился с художником Ремо Бриндизи, который пригласил его на работу в свою мастерскую. В 1961 году в галерее Патер в Милане по представлению критика Джорджо Кайссерляна он создал свою первую выставку. Работы этого периода вдохновлены индустриальной периферией Милана конца пятидесятых годов, и, хотя они абсолютно не образны и действительно подвержены урокам неформального искусства, они демонстрируют явное натуралистическое влияние, которое также вытекает из названия, выбранного для сгруппируйте таблицы и рисунки тех лет: Природа, окружающая пейзаж. Долгая ассоциация с Ferrari дает эволюционный скачок в живописи Феррари Лусио Фонтана, который не приводит к интимной приверженности принципам пространственности,

Кенобио и незначительное письмо
Решающим для последующих событий в творчестве Агостино Феррари является встреча с Уго Ла Пьетрой, Анджело Верга, Этторе Сордини, Альберто Люсия (поэт) и Артуро Верми, которая отмечает рождение в 1962 году группы Cenobio. Партнерство недолговечное (несмотря на дружбу и сотрудничество между различными компонентами на протяжении многих лет), но оно оставляет длительный след на шипучей миланской сцене того периода и, прежде всего, представляет для Ferrari начало исследования знака , руководящая нить всей его художественной деятельности.

Посредством минимального использования знака Cenobio попытался переосмыслить живопись, защищая ее как от радикально критических позиций Пьеро Мандзони, так и от растущей общественной популярности искусства, задуманного главным образом как событие и инсталляция. Поэтика группы выражается в попытке вернуть живопись к своего рода «нулевой степени», к раннему моменту, когда знак еще не стал символом и надписью. Вслед за этой интуицией, между 1962 и 1964 годами, знак Ferrari превращается в своего рода незначительное письмо: пришло время для серии работ под названием Sign-Writing.

В 1966 году он выставляется в Нью-Йорке, в Eve Gallery. Впоследствии, вернувшись в Италию, разрабатывает объектный и процедурный циклы, посвященные составляющим живописи, знака, формы и цвета, настоящей «постановке» с «в основном пластичным» характером, как писал Лусио Фонтана в 1967 году.

Знак приобретает размер пластиковый
Между 1964 и 1965 годами Феррари совершил две долгих поездки в Нью-Йорк, где он познакомился с окружающей средой поп-арта и познакомился с такими художниками, как Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Билли Эппл, Джаспер Джонс. Серия «Лабиринты», картины, посвященные описанию пластических концепций, подвержена влиянию этого опыта, хотя и далека от его видения. Поиск объектуализации знака начинается в 1966 году с работы под названием «Театр знака», исследование, которое заканчивается в 1976 году серией «Загрязнения». Это картины-объекты, которые пытаются преодолеть двумерность холста и дать более физический, объективный и материальный образ знака. Работы, сгруппированные под названием Forma Total, являются почти современными.

Цвет и эмоции: Автопортрет
В начале семидесятых Агостино Феррари сосредоточил свое внимание именно на цветах, ставя их в тесную связь с конкретными геометрическими знаками и формами, и пытаясь исследовать их эмоциональные аспекты, а также их оптически воспринимающие качества. Эта фаза связана с работами под названием Sign-Shape-Color, вершина которых представлена ​​созданием в 1975 году автопортрета, инсталляции (единственной, когда-либо сделанной Ferrari) больших размеров со спиралевидной формой. с тех пор выставлялся в нескольких местах и ​​в нескольких случаях (последний раз, в 2010 году, в Каса-дель-Мантенья в Мантуе, в исчерпывающей ретроспективе художника, куратором которого выступил искусствовед и историк Мартина Корнати).

Художественное произведение этого периода сопровождается короткими теоретическими трудами, в которых художник пытается систематизировать свои переживания и идеи с большей строгостью. В этом поиске важна не только формальная строгость, но и первоначальная попытка «диалога» с наукой, то есть с миром и языком, которые обычно считаются антиподами художественной практики: в 1974 году в Национальном музее науки и науки. Технология «Леонардо да Винчи» в Милане, Ferrari, демонстрирует работы и отражения цикла Sign-Shape-Colour в рамках выставки «20 000 000 световых лет», созданной Артуро Верми.

Это исследование привело его в 1975 году к Автопортрету, единственной инсталляции, произведенной во всем его творческом маршруте, впервые выставленной на Болонской художественной ярмарке с галереей LP220 в Турине и, в следующем году, в персональном выставка в Палаццо деи Диаманти в Ферраре. В последующие годы, между 1976 и 1978 годами, Феррари исполняет «Алфавит», две серии из шести работ, которые являются следствием его исследований «Форма-форма-цвет» и являются синтезом того, что содержится в Автопортрете. В 1978 году, после пребывания в Далласе, где он выставлял «Азбуку» в Галерее современного искусства, в нем вновь возникает необходимость выразить себя с помощью чистого знака и наступает период «переоформления». Использование вулканического песка начинается практически одновременно,

Возврат к знаку и линейное письмо
Начиная с 1978 года выражение, сфокусированное на знаке, вновь проявляется в работах Ferrari, а с 1983 года оно вновь становится абсолютным главным героем в серии «События», картинах, сделанных приклеиванием черного песка вулканического происхождения на холст, материала, который до сих пор существует и сегодня. составляет характерный элемент его живописи. Это произведения с сильным лирическим отпечатком, выдающиеся по умозрительным и концептуальным признакам, хотя и присутствующие. В 1995 году были проведены четыре выставки, напоминающие о деятельности группы “Cenobio” (в Palazzo Martinengo в Брешии, в Galleria Peccolo в Ливорно, в Artestudio в Милане и в студии Delise в Портогруаро). В 1996 году в Миланской галерее Лоренцелли Феррари представил Frammenti – картины, объединенные нарушением линейности знака,

Agostino Ferrari выставлялся на сотнях персональных и групповых выставок в Италии и за рубежом. Среди наиболее важных – персональные выставки в Palazzo dei Diamanti в Ферраре (1976), в Palazzo Braschi в Риме (1992), в Casa del Mantegna в Мантуе (2010), в Fondacion Frax Альфас-дель-Пи (Аликанте). , Испания) (2011), в Palazzo Lombardia (2013).

Новый композиционный баланс
С Maternità (1999-2007) художник вместо этого находит другой и более собранный композиционный баланс: центральное ядро, задуманное как матрица содержания знака, из которого вытекает целая картина, и очень четкое требование к Киароскуро, рожденному из контраст черного и золотого. Концептуально и частично также в хронологическом порядке (с 2003 по 2009 год) следуют работы, которым он дает название «За порогом».

Эти полотна состоят из двух частей: в одной преобладают надписи, а в другой – поверхность с черным песком, которая, кажется, поглощает, «глотает» «историю», почти сводя ее на нет. Линейное письмо останавливается и кажется приостановленным между прошлым (представленным письмом) и неизвестным будущего, что представляет собой более интимное и экзистенциальное исследование, на которое прямо ссылается сам заголовок. В 2005 году, приглашенный на Римский четырехлетний юбилей в рамках секции современного искусства, Ferrari создал большую работу (1,60 х 3,60 м), принадлежащую этой серии. Концептуально, этот большой цикл также включает в себя большие фрески, которые Феррари нарисовал в 2007 году на Пьяцца Борговерде ди Вимодроне (Мичиган), на трех сторонах огромного четырехугольного водоема.

Он выиграл премию за гравюру Джоан Миро (1971) и карьерную премию Бугатти-Сегантини (2017). В 2007 году он создал несколько постоянных общественных работ на Пьяцца Борговерде ди Вимодроне, от имени группы Land (Landscape Architecture) в Милане. Он работал с ведущими галереями в Европе, такими как Франц Палудетто (Турин), Томас Леви (Гамбург), Лоренцелли (Милан), Centro Steccata (Парма). Сегодня он представлен Ca ‘di Fra’. Его работы находятся среди прочего в коллекциях Манули, Моратти и Раболини.

Недавние исследования
В 2010 году Agostino Ferrari представляет новый цикл, Внутренний / Внешний, в котором из непостижимой и порой беспокоящей черной области предыдущей серии появляется новое письмо, знак обретает толщину и видимость, почти в знак доверия к эволюционным способностям Человека. в своем любопытстве и умении изобретать себя. Также в эти годы художник обращал новое внимание на Средиземноморье и нации, граничащие с ним, несмотря на то, что в предыдущие десятилетия он выставлялся, а также в Италии, главным образом в Центральной Европе (особенно в районе Германии). Фактически, в 2011 году это была первая антология на иберийской земле, на Фундаментальном культурном фраксе (Альфас-дель-Пи, Аликанте); и в 2012 году он был первым итальянским художником, который организовал выставку, в сотрудничестве с местным отделением Итальянского института культуры в Тунисе, который возник из арабской весны. L’Signes de rencontre, проходившая в Национальном центре искусств Туниса, была открыта необычным (для Агостино Феррари) представлением в компании известного тунисского художника и каллиграфа Ньи Махдауи с участием зрителей.

Музей двадцатого века в Милане
Museo del Novecento в Милане – это постоянная выставка произведений искусства 20-го века, размещенная в Палаццо-дель-Аренгарио и прилегающем Королевском дворце в Милане. В музее собраны коллекции предыдущего Гражданского музея современного искусства (CIMAC), который находился на втором этаже Королевского дворца и был закрыт в 1998 году.

В музее Новеценто, расположенном внутри Палаццо дель Аренгарио на площади Пьяцца дель Дуомо, хранится коллекция из более чем четырех тысяч работ, которые способствуют развитию итальянского искусства 20-го века.

Museo del Novecento был основан 6 декабря 2010 года с целью распространения знаний об искусстве 20-го века и предоставления более полного представления о коллекциях, которые унаследовал город Милан с течением времени. Помимо своей основной выставочной деятельности, музей активно занимается сохранением, исследованием и пропагандой итальянского культурного и художественного наследия 20-го века с конечной целью охвата все более широкой аудитории.

Помимо работ в одном зале, в которых хранятся работы иностранных художников, в том числе Брака, Кандинского, Клее, Леже, Матисса, Мондриана и Пикассо, большинство работ, выставленных в музее, принадлежат итальянским художникам. Большой раздел посвящен итальянским футуристам с работами Джакомо Балла, Умберто Боччони, Карло Карра, Фортунато Деперо, Луиджи Руссоло, Джино Северини, Марио Сирони и Арденго Софифи. Большое полотно Джузеппе Пеллицца да Вольпедо Il Quarto Stato (1902) также выставлено в отдельной комнате.

Другие разделы музея посвящены отдельным художникам, таким как Джорджо де Кирико, Лусио Фонтана и Моранди. Есть также разделы, посвященные художественным движениям двадцатого века, включая абстракционизм, Arte Povera, Novecento Italiano, постимпрессионизм и реализм, а также жанрам, таким как пейзажное и монументальное искусство.