Agostino Ferrari: signos a lo largo del tiempo, Museo del siglo XX

Agostino Ferrari. “A finales de 1962 comencé a usar el signo como escritura no significativa … hoy todavía existe la conciencia de la realidad, que represento como siempre he hecho, desarrollando un tema con signos y formas. Al mismo tiempo, hay es todo lo que no sé sobre el hombre y su vida, una superficie negra que está más allá de la existencia, antes del nacimiento y después de la muerte, el vacío y la oscuridad, la limitación de nuestro pensamiento en comparación con la mente infinitamente grande “.

Durante más de medio siglo, Agostino Ferrari ha utilizado el letrero como una herramienta expresiva capaz de expresar sus emociones personales y sus reacciones a la realidad externa, pero también como una figura de un lenguaje que participa en la corriente principal contemporánea, entre el arte programado y no informal. minimal, pop y los diversos retornos a la pintura. Pintura que Agostino Ferrari nunca quiso renunciar, como sus compañeros que en 1962 fundaron el grupo de “Cenobio” (Angelo Verga, Ettore Sordini, Arturo Vermi y Ugo La Pietra), mientras lo reducían a los términos mínimos de una redacción gráfica de módulos significativos dibujados en color, cuyo vago modelo visual eran páginas de periódicos: una táctica para combinar la crónica de una era inquieta y radical con una sensibilidad intensa, lo público con lo privado.

Después de la disolución del grupo y dos estancias en los Estados Unidos, en la segunda mitad de los años sesenta, el trabajo de Ferrari adquiere una consistencia objetiva, en paralelo con las experiencias contemporáneas de los amigos Agostino Bonalumi, Enrico Castellani y, sobre todo, Dadamaino. El letrero se convierte en un grabado practicado prácticamente en la superficie, una huella representada o un alambre metálico en relieve (en el ciclo titulado “Teatro del letrero”); También se realiza una investigación sobre la forma, obtenida a través de un método riguroso, de carácter procesal (“Forma total”) que despierta el interés y el aprecio de Lucio Fontana. Finalmente, después del signo, la forma y el espacio, el artista toma en consideración el color, investigado en relación con diferentes figuras geométricas,

A finales de los años setenta, una fase de replanteamiento y equilibrio llamada “refundación” llevó a Ferrari a recuperar un signo más gestual que a partir de ese momento nunca se iría: formas ilegibles y letra manuscrita, de diferente consistencia, a veces adornada por un De espesor de arena negra volcánica y brillante, se multiplican a través de nuevos ciclos que involucran al artista durante algunas décadas, desde los “Eventos” hasta los “Palimpsests” y la “Maternidad”, donde se repite un patrón central (matriz) en la parte más externa. parte de la imagen, dando lugar a una recuperación con valores tonales invertidos; hasta el reciente “Más allá del umbral” y “Dentro-fuera”, caracterizado por la presencia de una herida llena de negro impenetrable en el que se sumerge el signo o del que emerge,

La exibición. La antología establecida en el Museo del Novecento reconstruye todo el itinerario del artista milanés; en la primera sala se exhibirán nueve obras de gran o muy gran formato, hitos que marcan la última parte del itinerario de Agostino Ferrari después de la “refundación”: desde los Palimpsests hasta el reciente Prosegni (Interior / Exterior), incluyendo un trabajo inédito, realizado específicamente para la ocasión. El archivo, por otro lado, albergará una serie de pequeñas piezas, ejemplos de la primera parte del itinerario, desde los Cuentos de 1963 hasta los Teatros del Signo, hasta las Formas totales y los estudios para el Autorretrato (el Alfabeto) y análisis de color. Muchos estudios y trabajos, que ofrecen, por primera vez, Una visión preciosa sobre el método creativo y los procesos seguidos por el artista milanés en su trabajo. En total, se exhibirán cien obras originales. La exposición está acompañada por un catálogo publicado por Nomos Edizioni y editado por Martina Corgnati

El catálogo general. Con motivo de esta exposición, el catálogo general de la obra de Agostino Ferrari, editado por Martina Corgnati, publicado por Electa con motivo del 80 cumpleaños del artista, se presentará en la sala de conferencias del Museo del Novecento el jueves 27 de septiembre. . Alrededor de 2500 obras documentadas, excluyendo múltiples y proyectos, así como textos críticos y aparatos bio-bibliográficos.

Biografía
Agostino Ferrari (Milán, 9 de noviembre de 1938) es un pintor italiano. Atraído por el arte desde la infancia, en 1959 conoció al pintor Remo Brindisi, quien lo invitó a trabajar en su estudio. En 1961, en la galería Pater de Milán y con la presentación del crítico Giorgio Kaisserlian, creó su primera exposición. Las obras de este período están inspiradas en la periferia industrial milanesa de finales de los años cincuenta y, aunque son absolutamente no figurativas y de hecho se ven afectadas por la lección del arte informal, muestran una influencia naturalista explícita, que también se transmite del título elegido para Agrupe las tablas y dibujos de aquellos años: Naturaleza, paisaje circundante. La larga asociación con Ferrari da un salto evolutivo en la pintura de Ferrari Lucio Fontana, que no se traduce en una íntima adhesión a los principios del espacialismo,

El Cenobio y la escritura no significativa.
Decisivo para los desarrollos posteriores de la investigación artística de Agostino Ferrari es el encuentro con Ugo La Pietra, Angelo Verga, Ettore Sordini, Alberto Lùcia (poeta) y Arturo Vermi, que marca el nacimiento, en 1962, del Grupo Cenobio. La asociación es de corta duración (a pesar de la amistad y colaboración entre los diversos componentes a lo largo de los años), pero deja un rastro duradero en la escena efervescente milanesa de ese período, y sobre todo representa para Ferrari el comienzo de la investigación sobre el letrero , el hilo conductor de toda su actividad artística.

Mediante un uso mínimo del signo, Cenobio ha intentado, de hecho, repensar la pintura, defendiéndola tanto de las posiciones radicalmente críticas de Piero Manzoni como del creciente favor del público por un arte concebido principalmente como un evento e instalación. La poética del grupo se expresa en el intento de devolver la pintura a una especie de “grado cero”, en un momento temprano, en el que el signo aún no se ha convertido en un símbolo y una escritura. A raíz de estas intuiciones, entre 1962 y 1964, el signo de Ferrari se convierte en una especie de escritura insignificante: es hora de la serie de trabajos llamados Sign-Writing.

En 1966 expuso en Nueva York, en la Galería Eve. Posteriormente, regresó a Italia, elabora objetos y ciclos de procedimientos dedicados a los ingredientes de la pintura, el signo, la forma y el color, “puesta en escena” real con un carácter “básicamente plástico”, como escribió Lucio Fontana en 1967.

El cartel adquiere un tamaño de plástico.
Entre 1964 y 1965, Ferrari realizó dos largos viajes a Nueva York, donde exploró el entorno del arte pop y conoció a artistas como Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Billy Apple, Jasper Johns. La serie de laberintos, pinturas centradas en la descripción de conceptos plásticos, se ven afectadas por estas experiencias, aunque lejos de su visión. La búsqueda de la objetivación del signo comienza en 1966 a través de las obras tituladas Teatro del signo, una investigación que finaliza en 1976 con la serie de Contaminaciones. Son pinturas-objetos que intentan superar la bidimensionalidad del lienzo y dar una imagen más física, objetiva y material del signo. Las obras agrupadas bajo el título Forma Total son casi contemporáneas.

Color y emociones: el autorretrato
A principios de los años setenta, Agostino Ferrari concentró su atención precisamente en los colores, poniéndolos en estrecha relación con signos y formas geométricas específicas, y tratando de investigar sus aspectos emocionales, así como sus cualidades de percepción óptica. Esta fase está vinculada a las obras tituladas Sign-Shape-Color, cuyo ápice está representado por la creación, en 1975, del autorretrato, instalación (la única realizada por Ferrari) de grandes dimensiones con forma de espiral. , expuesta desde entonces en varios lugares y ocasiones (la más reciente, en 2010, en la Casa del Mantegna en Mantua, en una exhaustiva retrospectiva de la artista comisariada por la crítica de arte e historiadora Martina Corgnati).

La producción artística de este período se acompaña de breves escritos teóricos, en los que el artista intenta sistematizar sus experiencias e ideas con mayor rigor. Es importante en esta búsqueda no solo el rigor formal, sino también el intento original de “dialogar” con la ciencia, es decir, con un mundo y un lenguaje que comúnmente se consideran las antípodas de la práctica artística: en 1974, en el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología “Leonardo da Vinci” en Milán, Ferrari exhibe las obras y los reflejos del ciclo Sign-Shape-Color dentro de 20,000,000 de años luz-evento de exhibición creado por Arturo Vermi.

Esta investigación lo llevó, en 1975, al Autorretrato, la única instalación producida en todo su itinerario creativo, expuesta por primera vez en la Feria de Arte de Bolonia con la Galería LP220 en Turín y, al año siguiente, en el personal Exposición en el Palazzo dei Diamanti en Ferrara. En los años siguientes, entre 1976 y 1978, Ferrari realiza el Alfabeto, dos series de seis obras que son la consecuencia de sus estudios de la Forma Forma Colore y que marcan la síntesis de lo que contiene el Autorretrato. En 1978, después de una estancia en Dallas donde exhibió el Alfabeto en la Galería de Arte Contemporáneo, la necesidad de expresarse con el signo puro resurge en él y entra en un período de “refundación”. El uso de arena volcánica comienza casi simultáneamente,

El retorno a los signos y la escritura lineal.
A partir de 1978, la expresión centrada en el letrero reaparece con fuerza en las obras de Ferrari y, desde 1983, el letrero vuelve a ser el protagonista absoluto de la serie Eventos, pinturas hechas pegando arena negra de origen volcánico en el lienzo, un material que aún hoy en día constituye un elemento caracterizador de su pintura. Son obras con una fuerte impronta lírica, preeminente en rasgos especulativos y conceptuales, aunque presentes. En 1995, se realizaron cuatro exposiciones que recuerdan la actividad realizada por el grupo “Cenobio” (en el Palazzo Martinengo en Brescia, en la Galleria Peccolo en Livorno, en el Artestudio en Milán y en el Studio Delise en Portogruaro). En 1996, en la Galería Lorenzelli de Milán, Ferrari presentó el Frammenti, pinturas unidas por la ruptura de la linealidad del letrero,

Agostino Ferrari ha expuesto en cientos de exposiciones individuales y colectivas en Italia y en el extranjero. Entre las más importantes se encuentran las exposiciones individuales en el Palazzo dei Diamanti en Ferrara (1976), en el Palazzo Braschi en Roma (1992), en la Casa del Mantegna en Mantua (2010), en la Fondacion Frax de Alfas del Pi (Alicante) , España) (2011), en el Palazzo Lombardia (2013).

Un nuevo equilibrio compositivo.
Con Maternità (1999-2007), el artista encuentra un equilibrio compositivo diferente y más recogido: un núcleo central, pensado como una matriz del contenido del signo, del que fluye toda la imagen, y una insistencia muy clara en el claroscuro nacido de contraste de negro y dorado. Conceptualmente y en parte también cronológicamente (de 2003 a 2009) sigue los trabajos a los que da el título de Más allá del umbral.

Estos lienzos se componen de dos partes: una dominada por la escritura y otra representada por una superficie de arena negra que parece absorber, “tragar”, la “historia”, casi anulándola. La escritura lineal se detiene y parece suspendida entre el pasado (representado por la escritura) y lo desconocido del futuro, subrayando una exploración más íntima y existencial, a la que se refiere explícitamente el título. En 2005, invitado a la Cuadrienal de Roma, dentro de la sección de Arte Contemporáneo, Ferrari creó una gran obra (1,60 mx 3,60 m) perteneciente a esta serie. Conceptualmente, este gran ciclo también incluye los grandes murales que Ferrari pintó en 2007 en Piazza Borgoverde di Vimodrone (MI), en tres lados de un vasto cuerpo de agua cuadrangular.

Ganó el premio de grabado Joan Mirò (1971) y el premio de carrera Bugatti-Segantini (2017). En 2007 creó algunas obras públicas permanentes en Piazza Borgoverde di Vimodrone, en nombre del grupo Land (Landscape Architecture) en Milán. Ha trabajado con galerías líderes en Europa como Franz Paludetto (Turín), Thomas Levy (Hamburgo), Lorenzelli (Milán), Centro Steccata (Parma). Hoy está representado por Ca ‘di Fra’. Sus obras se encuentran entre otras cosas en las colecciones Manuli, Moratti y Rabolini.

Investigación reciente
En 2010, Agostino Ferrari presenta un nuevo ciclo, Interno / Externo, en el que del área negra insondable y a veces inquietante de la serie anterior surge una nueva escritura, el signo recupera el grosor y la visibilidad, casi en un gesto de confianza en las habilidades evolutivas del Hombre. , en su curiosidad y capacidad para reinventarse. Fue también durante estos años que el artista prestó nueva atención al Mediterráneo y a las naciones que lo bordean, a pesar del hecho de que en décadas anteriores había expuesto, así como en Italia, principalmente en Europa central (especialmente en el área alemana). De hecho, en 2011 fue la primera antología en suelo ibérico, en la Fundación Cultural Frax (L’Alfàs del Pi, Alicante); y en 2012 fue el primer artista italiano en organizar una exposición, en colaboración con la sección local del Instituto Cultural Italiano, en Túnez, que surgió de la primavera árabe. L’Signes de rencontre y celebrado en el Centro Nacional de Arte Vivante de Túnez, fue inaugurado por una actuación inusual (para Agostino Ferrari) en compañía del conocido artista y calígrafo tunecino Nja Mahdaoui, que involucró a la audiencia.

Museo del siglo XX en Milán.
El Museo del Novecento de Milán es una exposición permanente de obras de arte del siglo XX alojadas en el Palazzo dell’Arengario y el adyacente Palacio Real de Milán. El museo absorbió las colecciones del anterior Museo Cívico de Arte Contemporáneo (CIMAC) que se encuentra en el segundo piso del Palacio Real y que se cerró en 1998.

El Museo del Novecento, ubicado dentro del Palazzo dell’Arengario en la Piazza del Duomo, alberga una colección de más de cuatro mil obras que catalizan el desarrollo del arte italiano del siglo XX.

El Museo del Novecento se estableció el 6 de diciembre de 2010 con el objetivo de difundir el conocimiento del arte del siglo XX y ofrecer una visión más completa de las colecciones que la ciudad de Milán ha heredado con el tiempo. Además de su actividad principal de exhibición, el Museo está activo en la conservación, investigación y promoción del patrimonio cultural y artístico italiano del siglo XX con el objetivo final de llegar a un público cada vez más amplio.

Además de una habitación individual que alberga obras de artistas extranjeros como Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian y Picasso, la mayoría de las obras exhibidas en el museo son de artistas italianos. Una sección importante está dedicada a los futuristas italianos, con obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi y Ardengo Soffici. El gran lienzo de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), también se exhibe en una habitación propia.

Otras secciones del museo están dedicadas a artistas individuales como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana y Morandi. También hay secciones dedicadas a los movimientos artísticos del siglo XX, incluidos el abstraccionismo, el arte povera, el novecento italiano, el postimpresionismo y el realismo, y géneros como el paisaje y el arte monumental.