Agostino Ferrari. “No final de 1962, comecei a usar o sinal como uma escrita não significativa … hoje ainda há a consciência da realidade, que represento como sempre fiz, desenvolvendo um tema com sinais e formas. Ao mesmo tempo, há é tudo o que não sei sobre o homem e sua vida, uma superfície negra que está além da existência, antes do nascimento e depois da morte, vazio e escuridão, a limitação do nosso pensamento em comparação com a mente infinita. ”
Por mais de meio século, Agostino Ferrari usou o sinal como uma ferramenta expressiva capaz de contar suas emoções pessoais e suas reações à realidade externa, mas também como uma figura de uma linguagem que participa do mainstream contemporâneo, entre arte programada pós-informal, minimal, pop e os vários retornos à pintura. Pintura que Agostino Ferrari nunca quis desistir, como seus companheiros que em 1962 fundaram o grupo “Cenobio” (Angelo Verga, Ettore Sordini, Arturo Vermi e Ugo La Pietra), enquanto o reduziam aos termos mínimos de uma frase gráfica de módulos significativos desenhados em cores, cujo modelo visual vago eram as páginas dos jornais: uma tática para combinar a crônica de uma era inquieta e radical com uma intensa sensibilidade, o público e o privado.
Após a dissolução do grupo e duas estadias nos EUA, na segunda metade dos anos sessenta, o trabalho da Ferrari adquire uma consistência objetiva, paralelamente às experiências contemporâneas dos amigos Agostino Bonalumi, Enrico Castellani e, sobretudo, Dadamaino. O signo se torna uma gravura praticamente praticada na superfície, um traço representado ou um fio metálico em relevo (no ciclo intitulado “Teatro do signo”); também são realizadas pesquisas sobre o formulário, obtido por meio de um método rigoroso, de caráter processual (“formulário total”) que desperta o interesse e a apreciação de Lucio Fontana. Por fim, após o signo, a forma e o espaço, o artista leva em consideração a cor investigada em relação às diferentes figuras geométricas,
No final dos anos 70, uma fase de repensar e equilibrar, chamada “re-fundação”, levou a Ferrari a recuperar um sinal mais gestual de que a partir daquele momento nunca mais sairia: formas e letras ilegíveis, de consistência diferente, às vezes embelezadas por um Com uma espessura de areia negra vulcânica e brilhante, elas se multiplicam através de novos ciclos que envolvem o artista por algumas décadas, desde os “Eventos” aos “Palimpsestes” até a “Maternidade”, onde um padrão central (matriz) se repete no extremo mais externo parte da imagem, dando origem a uma recuperação com valores tonais invertidos; até o recente “Além do limiar” e “Dentro e fora”, caracterizado pela presença de um corte cheio de preto impenetrável no qual o sinal está imerso ou de onde emerge,
A exibição. A antologia criada no Museo del Novecento reconstrói todo o itinerário do artista milanês; na primeira sala, serão exibidas nove obras de grande ou muito grande formato, marcos que marcam a última parte do itinerário de Agostino Ferrari após a “re-fundação”: dos Palimpsestos aos recentes Prosegni (Interior / Exterior), incluindo um trabalho não publicado, realizado especificamente para a ocasião. O arquivo, por outro lado, abrigará uma série de pequenas peças, exemplos da primeira parte do itinerário, dos Contos de 1963 aos Teatros do Signo, às Formas totais aos estudos de Auto-retrato (o Alfabeto) e análises de cores. Muitos estudos e trabalhos que oferecem, pela primeira vez, uma visão preciosa sobre o método criativo e os processos seguidos pelo artista milanês em seu trabalho. No total, serão exibidas cem obras originais. A exposição é acompanhada por um catálogo publicado por Nomos Edizioni e editado por Martina Corgnati
O catálogo geral. Por ocasião desta exposição, o catálogo geral da obra de Agostino Ferrari, editado por Martina Corgnati, publicado por Electa por ocasião do 80º aniversário do artista, será apresentado na sala de conferências do Museo del Novecento na quinta-feira, 27 de setembro . Cerca de 2500 trabalhos documentados, excluindo múltiplos e projetos, bem como textos críticos e aparatos bio-bibliográficos.
Biografia
Agostino Ferrari (Milão, 9 de novembro de 1938) é um pintor italiano. Atraído pela arte desde a infância, em 1959 ele conheceu o pintor Remo Brindisi, que o convidou para trabalhar em seu estúdio. Em 1961, na galeria Pater em Milão e com a apresentação do crítico Giorgio Kaisserlian, ele criou sua primeira exposição. As obras deste período são inspiradas na periferia industrial de Milão do final dos anos cinquenta e, embora sejam absolutamente não figurativas e de fato afetadas pela lição da arte informal, mostram uma influência naturalística explícita, que também transparece do título escolhido para agrupe as tabelas e desenhos daqueles anos: Natureza Paisagem circundante. A longa associação com a Ferrari dá um salto evolutivo na pintura da FerrariLucio Fontana, que não se traduz em uma adesão íntima aos princípios do espacialismo,
O Cenobio e a escrita não significativa
Decisivo para os desenvolvimentos subsequentes da pesquisa artística de Agostino Ferrari é o encontro com Ugo La Pietra, Angelo Verga, Ettore Sordini, Alberto Lùcia (poeta) e Arturo Vermi, que marca o nascimento, em 1962, do Grupo Cenobio. A parceria é de curta duração (apesar da amizade e colaboração entre os vários componentes ao longo dos anos), mas deixa um rastro duradouro no cenário efervescente de Milão daquele período e, acima de tudo, representa para a Ferrari o início das pesquisas sobre o sinal. , o fio condutor de toda a sua atividade artística.
Através de um uso mínimo da placa, o Cenobio tentou, de fato, repensar a pintura, defendendo-a das posições radicalmente críticas de Piero Manzoni e do crescente interesse público por uma arte concebida principalmente como evento e instalação. A poética do grupo é expressa na tentativa de trazer a pintura de volta a uma espécie de “grau zero”, a um momento inicial, em que o signo ainda não se tornou um símbolo e uma escrita. Após essas intuições, entre 1962 e 1964, o signo da Ferrari se transforma em uma espécie de escrita insignificante: é hora da série de trabalhos chamados Sign-Writing.
Em 1966, ele expôs em Nova York, na Eve Gallery. Posteriormente, retornou à Itália, elabora ciclos de objetos e procedimentos dedicados aos ingredientes da pintura, sinal, forma e cor, verdadeira “encenação” com um caráter “basicamente plástico”, como Lucio Fontana escreveu em 1967.
O sinal adquire um tamanho de plástico
Entre 1964 e 1965, a Ferrari fez duas longas viagens a Nova York, onde explorou o ambiente da pop art e conheceu artistas como Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Billy Apple, Jasper Johns. A série de labirintos, pinturas focadas na descrição de conceitos plásticos, são afetadas por essas experiências, embora longe de sua visão. A busca pela objetivização do signo inicia-se em 1966, através dos trabalhos intitulados Teatro do signo, pesquisa que termina em 1976 com a série de Contaminações. São pinturas-objetos que tentam superar a bidimensionalidade da tela e dar uma imagem mais física, objetiva e material do signo. Os trabalhos agrupados sob o título Forma Total são quase contemporâneos.
Cor e emoções: o auto-retrato
No início dos anos 70, Agostino Ferrari concentrou sua atenção precisamente nas cores, colocando-as em estreita relação com sinais e formas geométricas específicas e tentando investigar seus aspectos emocionais e suas qualidades ópticas-perceptivas. Esta fase está ligada às obras intituladas Sign-Shape-Color, cujo ápice é representado pela criação, em 1975, da instalação de auto-retrato (o único já feito pela Ferrari) de grandes dimensões, em forma de espiral , exibido desde então em vários locais e ocasiões (o mais recente, em 2010, na Casa del Mantegna, em Mântua, em uma exaustiva retrospectiva do artista, curada pela crítica e historiadora de arte Martina Corgnati).
A produção artística desse período é acompanhada de breves textos teóricos, nos quais o artista tenta sistematizar suas experiências e idéias com maior rigor. Significativa nessa busca não apenas pelo rigor formal, é também a tentativa original de “dialogar” com a ciência, isto é, com um mundo e uma linguagem que são comumente considerados antípodas da prática artística: em 1974, no Museu Nacional de Ciência e A tecnologia “Leonardo da Vinci”, em Milão, Ferrari exibe as obras e reflexões do ciclo Sign-Shape-Color dentro de 20.000.000 de anos-luz, evento-exposição criado por Arturo Vermi.
Esta pesquisa levou-o, em 1975, ao Auto-retrato, a única instalação produzida em todo o seu itinerário criativo, exibida pela primeira vez na Feira de Arte de Bolonha com a Galeria LP220 em Turim e, no ano seguinte, na exposição pessoal. exposição no Palazzo dei Diamanti em Ferrara. Nos anos seguintes, entre 1976 e 1978, Ferrari realiza o Alfabeto, duas séries de seis trabalhos que são consequência de seus estudos da Forma Forma Colore e que marcam a síntese do que está contido no Auto-retrato. Em 1978, após uma estadia em Dallas, onde ele exibiu o Alfabeto na Galeria de Arte Contemporânea, a necessidade de se expressar com o sinal puro ressurge nele e entra em um período de “re-fundação”. O uso de areia vulcânica começa quase simultaneamente,
O retorno ao signo e à escrita linear
A partir de 1978, a expressão focada no signo ressurge fortemente nos trabalhos da Ferrari e, desde 1983, o signo volta a ser o protagonista absoluto da série Eventos, pinturas feitas colando areia preta de origem vulcânica na tela, material que ainda hoje constitui um elemento característico de sua pintura. São trabalhos com forte impressão lírica, preeminentes em traços especulativos e conceituais, embora presentes. Em 1995, foram realizadas quatro exposições remanescentes da atividade realizada pelo grupo “Cenobio” (no Palazzo Martinengo, em Brescia, na Galleria Peccolo, em Livorno, no Artestudio, em Milão, e no Studio Delise, em Portogruaro). Em 1996, na Galeria Lorenzelli, em Milão, a Ferrari apresentou o Frammenti, pinturas unidas pela quebra da linearidade do sinal,
A Agostino Ferrari já participou de centenas de exposições individuais e coletivas na Itália e no exterior. Entre as mais importantes estão as exposições individuais no Palazzo dei Diamanti em Ferrara (1976), no Palazzo Braschi em Roma (1992), na Casa del Mantegna em Mântua (2010), na Fundação Frax de Alfas del Pi (Alicante) , Espanha) (2011), no Palazzo Lombardia (2013).
Um novo equilíbrio composicional
Com Maternità (1999-2007), o artista encontra um equilíbrio composicional diferente e mais coletado: um núcleo central, pretendido como uma matriz do conteúdo do signo, do qual flui todo o quadro, e uma clara insistência no claro-escuro nascido de contraste de preto e dourado. Conceitualmente e parcialmente cronologicamente (de 2003 a 2009) seguem os trabalhos aos quais ele atribui o título de Além do limiar.
Essas telas são compostas de duas partes: uma dominada pela escrita e outra representada por uma superfície de areia preta que parece absorver, “engolir”, a “história”, quase cancelando-a. A escrita linear para e parece suspensa entre o passado (representado pela escrita) e o desconhecido do futuro, subtendendo uma exploração mais íntima e existencial, à qual o próprio título se refere explicitamente. Em 2005, convidada para a Quadrienal de Roma, na seção de Arte Contemporânea, a Ferrari criou uma grande obra (1,60 mx 3,60 m) pertencente a esta série. Conceitualmente, esse grande ciclo também inclui os grandes murais que a Ferrari pintou em 2007 na Piazza Borgoverde di Vimodrone (MI), em três lados de um vasto corpo de água quadrangular.
Ele ganhou o prêmio de gravura Joan Mirò (1971) e o prêmio de carreira Bugatti-Segantini (2017). Em 2007, ele criou algumas obras públicas permanentes na Piazza Borgoverde di Vimodrone, em nome do grupo Land (Landscape Architecture) em Milão. Trabalhou com galerias líderes na Europa, como Franz Paludetto (Turim), Thomas Levy (Hamburgo), Lorenzelli (Milão), Centro Steccata (Parma). Hoje é representado por Ca ‘di Fra’. Suas obras estão entre outras coisas nas coleções Manuli, Moratti e Rabolini.
Pesquisa recente
Em 2010, Agostino Ferrari apresenta um novo ciclo, Interno / Externo, no qual, da área negra insondável e às vezes perturbadora da série anterior, vem nova escrita, o sinal recupera espessura e visibilidade, quase em um gesto de confiança nas habilidades evolutivas do Homem. , em sua curiosidade e capacidade de se reinventar. Foi também durante esses anos que o artista prestou nova atenção ao Mediterrâneo e às nações limítrofes, apesar do fato de que nas décadas anteriores ele havia exibido, assim como na Itália, principalmente na Europa Central (especialmente na região alemã). De fato, em 2011, foi a primeira antologia em solo ibérico, na Fundação Cultural Frax (L’Alfàs del Pi, Alicante); e em 2012 ele foi o primeiro artista italiano a organizar uma exposição, em colaboração com a seção local do Instituto Cultural Italiano, na Tunísia, que surgiu da primavera árabe. L’Signes de rencontre, realizado no Centre National d’Art Vivant de Tunis, foi inaugurado por uma atuação incomum (para Agostino Ferrari) na companhia do conhecido artista e calígrafo tunisiano Nja Mahdaoui, envolvendo a platéia.
Museu do século XX em Milão
O Museo del Novecento em Milão é uma exposição permanente de obras de arte do século XX, abrigadas no Palazzo dell’Arengario e no Palácio Real adjacente em Milão. O museu absorveu as coleções do antigo Museu Cívico de Arte Contemporânea (CIMAC), localizado no segundo andar do Palácio Real e fechado em 1998.
O Museo del Novecento, localizado dentro do Palazzo dell’Arengario, na Piazza del Duomo, abriga uma coleção de mais de quatro mil obras que catalisam o desenvolvimento da arte italiana do século XX.
O Museo del Novecento foi criado em 6 de dezembro de 2010 com o objetivo de difundir o conhecimento da arte do século XX e oferecer uma visão mais abrangente das coleções que a cidade de Milão herdou ao longo do tempo. Além de sua principal atividade de exibição, o Museu atua na conservação, investigação e promoção do patrimônio cultural e artístico italiano do século XX, com o objetivo final de atingir um público cada vez maior.
Além de um quarto individual com obras de artistas estrangeiros, incluindo Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian e Picasso, a maioria das obras exibidas no museu são de artistas italianos. Uma seção importante é dedicada aos futuristas italianos, com obras de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi e Ardengo Soffici. A grande tela de Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il Quarto Stato (1902), também é exibida em uma sala por conta própria.
Outras seções do museu são dedicadas a artistas individuais, como Giorgio de Chirico, Lucio Fontana e Morandi. Há também seções dedicadas a movimentos artísticos do século XX, incluindo Abstracionismo, Arte Povera, Novecento Italiano, Pós-Impressionismo e Realismo, e gêneros como paisagem e arte monumental.