Agostino Ferrari: Zeichen im Laufe der Zeit, Museum des 20. Jahrhunderts

Agostino Ferrari. “Ende 1962 begann ich, das Zeichen als nicht signifikante Schrift zu verwenden … heute gibt es immer noch das Bewusstsein der Realität, das ich wie immer darstelle und ein Thema mit Zeichen und Formen entwickle. Gleichzeitig dort ist alles, was ich nicht über den Menschen und sein Leben weiß, eine schwarze Oberfläche, die jenseits der Existenz liegt, vor der Geburt und nach dem Tod, Leere und Dunkelheit, die Begrenzung unseres Denkens im Vergleich zum unendlich großen Geist. ”

Seit über einem halben Jahrhundert verwendet Agostino Ferrari das Zeichen als Ausdrucksmittel, um seine persönlichen Emotionen und seine Reaktionen auf die äußere Realität zu erzählen, aber auch als Figur einer Sprache, die am zeitgenössischen Mainstream zwischen postinformeller, programmierter Kunst teilnimmt. Minimal, Pop und die verschiedenen Rückkehr zur Malerei. Gemälde, das Agostino Ferrari niemals aufgeben wollte, wie seine Gefährten, die 1962 die Gruppe “Cenobio” (Angelo Verga, Ettore Sordini, Arturo Vermi und Ugo La Pietra) gründeten, während sie es auf das Minimum einer grafischen Formulierung von reduzierten bedeutungsvolle Module in Farbe, deren vages visuelles Modell Zeitungsseiten waren: eine Taktik, um die Chronik einer unruhigen und radikalen Ära mit einer intensiven Sensibilität zu verbinden, die öffentliche mit der privaten.

Nach der Auflösung der Gruppe und zwei Aufenthalten in den USA erhält Ferraris Werk in der zweiten Hälfte der sechziger Jahre eine Objektkonsistenz, parallel zu den zeitgenössischen Erfahrungen der Freunde Agostino Bonalumi, Enrico Castellani und vor allem Dadamaino. Das Zeichen wird zu einer auf der Oberfläche praktisch praktizierten Gravur, einer dargestellten Spur oder einem Reliefmetalldraht (im Zyklus “Theater des Zeichens”); Es wird auch an der Form gearbeitet, die durch eine strenge Methode mit prozeduralem Charakter (“Gesamtform”) erhalten wurde und das Interesse und die Wertschätzung von Lucio Fontana weckt. Schließlich berücksichtigt der Künstler nach dem Zeichen, der Form und dem Raum die Farbe, die in Bezug auf verschiedene geometrische Figuren untersucht wurde.

Ende der siebziger Jahre führte eine Phase des Umdenkens und Balancierens, die als “Neugründung” bezeichnet wurde, dazu, dass Ferrari ein gestischeres Zeichen wiedererlangte, das von diesem Moment an niemals verschwinden würde: unleserliche Formen und Handschriften unterschiedlicher Konsistenz, manchmal verschönert durch a Die Dicke des schwarzen Sandes ist vulkanisch und brillant. Sie vermehren sich durch neue Zyklen, die den Künstler für einige Jahrzehnte beschäftigen, von den “Ereignissen” über die “Palimpseste” bis zur “Mutterschaft”, wo sich ein zentrales Muster (Matrix) im äußersten wiederholt Teil des Bildes, der zu einer Erholung mit invertierten Tonwerten führt; bis zu den jüngsten “Jenseits der Schwelle” und “Innen-Außen”, gekennzeichnet durch das Vorhandensein eines Schnittes voller undurchdringlicher Schwarzer, in den das Zeichen eingetaucht ist oder aus dem es hervorgeht,

Die Ausstellung. Die im Museo del Novecento eingerichtete Anthologie rekonstruiert die gesamte Reiseroute des Mailänder Künstlers. Im ersten Raum werden neun groß- oder sehr großformatige Werke ausgestellt, Meilensteine, die den letzten Teil der Reiseroute von Agostino Ferrari nach der “Neugründung” markieren: von den Palimpsesten bis zu den jüngsten Prosegni (Innen / Außen), einschließlich einer unveröffentlichten Arbeit, die speziell für diesen Anlass aufgeführt wurde. Das Archiv hingegen wird eine Reihe kleiner Stücke enthalten, Beispiele für den ersten Teil der Reiseroute, von den Erzählungen von 1963 über die Theater des Zeichens über die Gesamtformen bis hin zu den Studien zum Selbstporträt (die Alphabet) und Farbanalysen. Viele Studien und Arbeiten, die zum ersten Mal anbieten, Ein wertvoller Einblick in die kreativen Methoden und Prozesse, die der Mailänder Künstler in seiner Arbeit verfolgt. Insgesamt werden hundert Originalwerke ausgestellt. Die Ausstellung wird von einem Katalog begleitet, der von Nomos Edizioni veröffentlicht und von Martina Corgnati herausgegeben wird

Der allgemeine Katalog. Anlässlich dieser Ausstellung wird am Donnerstag, den 27. September, im Konferenzraum des Museo del Novecento der von Electina herausgegebene Gesamtkatalog der von Martina Corgnati herausgegebenen Werke von Agostino Ferrari im Konferenzraum des Künstlers präsentiert . Etwa 2500 dokumentierte Werke, ausgenommen Multiples und Projekte, sowie kritische Texte und biobibliografische Geräte.

Biografie
Agostino Ferrari (Mailand, 9. November 1938) ist ein italienischer Maler. Seit seiner Kindheit von Kunst angezogen, lernte er 1959 den Maler Remo Brindisi kennen, der ihn einlud, in seinem Atelier zu arbeiten. 1961 schuf er in der Pater-Galerie in Mailand mit der Präsentation des Kritikers Giorgio Kaisserlian seine erste Ausstellung. Die Werke dieser Zeit sind von der Mailänder Industrieperipherie der späten fünfziger Jahre inspiriert und zeigen, obwohl sie absolut nicht figurativ sind und tatsächlich von der Lehre der informellen Kunst beeinflusst werden, einen expliziten naturalistischen Einfluss, der sich auch aus dem gewählten Titel ergibt gruppieren Sie die Tabellen und Zeichnungen jener Jahre: Natur umgebende Landschaft. Die lange Verbindung mit Ferrari gibt einen Evolutionssprung in der Ferrari-Malerei Lucio Fontana, der sich nicht in einer engen Einhaltung der Prinzipien des Spatialismus niederschlägt.

Der Cenobio und die unbedeutende Schrift
Ausschlaggebend für die spätere Entwicklung der künstlerischen Forschung von Agostino Ferrari ist das Treffen mit Ugo La Pietra, Angelo Verga, Ettore Sordini, Alberto Lùcia (Dichter) und Arturo Vermi, mit dem 1962 die Cenobio-Gruppe geboren wurde. Die Partnerschaft ist von kurzer Dauer (trotz der Freundschaft und Zusammenarbeit zwischen den verschiedenen Komponenten im Laufe der Jahre), hinterlässt jedoch bleibende Spuren in der sprudelnden Mailänder Szene dieser Zeit und ist für Ferrari vor allem der Beginn der Forschung auf dem Schild , der Leitfaden all seiner künstlerischen Tätigkeit.

Durch eine minimale Verwendung des Zeichens hat Cenobio tatsächlich versucht, die Malerei zu überdenken und sie sowohl gegen die radikal kritischen Positionen von Piero Manzoni als auch gegen die wachsende öffentliche Gunst für eine Kunst zu verteidigen, die hauptsächlich als Ereignis und Installation konzipiert wurde. Die Poetik der Gruppe drückt sich in dem Versuch aus, die Malerei auf einen frühen Moment, in dem das Zeichen noch kein Symbol und keine Schrift geworden ist, auf eine Art “Nullgrad” zurückzubringen. Infolge dieser Intuitionen verwandelt sich das Zeichen von Ferrari zwischen 1962 und 1964 in eine Art unbedeutendes Schreiben: Es ist Zeit für die Reihe von Werken, die als Zeichenschreiben bezeichnet werden.

1966 stellte er in New York in der Eve Gallery aus. Anschließend kehrte er nach Italien zurück und erarbeitete Objekt- und Verfahrenszyklen, die den Bestandteilen Malerei, Zeichen, Form und Farbe gewidmet waren, eine echte “Inszenierung” mit einem “im Grunde plastischen” Charakter, wie Lucio Fontana 1967 schrieb.

Das Schild erhält eine Plastikgröße
Zwischen 1964 und 1965 unternahm Ferrari zwei lange Reisen nach New York, wo er die Umgebung der Pop Art erkundete und Künstler wie Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Billy Apple und Jasper Johns traf. Die Reihe der Labyrinthe, Gemälde, die sich auf die Beschreibung plastischer Konzepte konzentrieren, sind von diesen Erfahrungen betroffen, obwohl sie weit von seiner Vision entfernt sind. Die Suche nach der Objektivierung des Zeichens beginnt 1966 mit den Werken mit dem Titel Theater des Zeichens, eine Forschung, die 1976 mit der Reihe der Kontaminationen endet. Es sind Gemälde-Objekte, die versuchen, die Zweidimensionalität der Leinwand zu überwinden und ein physischeres, objektiveres und materielleres Bild des Zeichens zu vermitteln. Die unter dem Titel Forma Total zusammengefassten Werke sind fast zeitgemäß.

Farbe und Emotionen: das Selbstporträt
In den frühen siebziger Jahren konzentrierte Agostino Ferrari seine Aufmerksamkeit genau auf Farben, stellte sie in enge Beziehung zu bestimmten geometrischen Zeichen und Formen und versuchte, ihre emotionalen Aspekte sowie ihre optisch-wahrnehmbaren Eigenschaften zu untersuchen. Diese Phase ist verbunden mit den Arbeiten mit dem Titel Sign-Shape-Color, deren Höhepunkt durch die Schaffung der Selbstporträt-Installation (die einzige, die jemals von Ferrari hergestellt wurde) von großen Dimensionen mit einer spiralförmigen Form im Jahr 1975 dargestellt wird , seitdem an verschiedenen Orten und zu verschiedenen Anlässen ausgestellt (zuletzt 2010 in der Casa del Mantegna in Mantua in einer umfassenden Retrospektive des von der Kunstkritikerin und Historikerin Martina Corgnati kuratierten Künstlers).

Die künstlerische Produktion dieser Zeit wird von kurzen theoretischen Schriften begleitet, in denen der Künstler versucht, seine Erfahrungen und Ideen strenger zu systematisieren. Von Bedeutung für diese Suche nach nicht nur formaler Strenge ist auch der ursprüngliche Versuch eines “Dialogs” mit der Wissenschaft, dh mit einer Welt und einer Sprache, die gemeinhin als Antipoden der künstlerischen Praxis gelten: 1974 im National Museum of Science and Technologie “Leonardo da Vinci” in Mailand, Ferrari zeigt die Arbeiten und Reflexionen des Sign-Shape-Color-Zyklus innerhalb von 20.000.000 Lichtjahren Ausstellungsereignis von Arturo Vermi.

Diese Recherche führte ihn 1975 zum Selbstporträt, der einzigen Installation, die in ihrer gesamten kreativen Reiseroute produziert wurde und zum ersten Mal auf der Kunstmesse von Bologna mit der LP220-Galerie in Turin und im folgenden Jahr persönlich ausgestellt wurde Ausstellung im Palazzo dei Diamanti in Ferrara. In den folgenden Jahren, zwischen 1976 und 1978, spielt Ferrari das Alphabet, zwei Serien von sechs Werken, die die Folge seiner Studien zur Forma Forma Colore sind und die Synthese dessen darstellen, was im Selbstporträt enthalten ist. 1978, nach einem Aufenthalt in Dallas, wo er das Alphabet in der Galerie für zeitgenössische Kunst ausstellte, taucht in ihm die Notwendigkeit auf, sich mit dem reinen Zeichen auszudrücken, und tritt in eine Phase der “Neugründung” ein. Die Verwendung von Vulkansand beginnt fast gleichzeitig,

Die Rückkehr zum Zeichen und zum linearen Schreiben
Ab 1978 taucht der Ausdruck, der sich auf das Zeichen konzentriert, in Ferraris Werken wieder stark auf, und seit 1983 ist das Zeichen wieder der absolute Protagonist in der Veranstaltungsreihe, Gemälde, die durch Aufkleben von schwarzem Sand vulkanischen Ursprungs auf die Leinwand entstanden sind, ein Material, das bis heute erhalten bleibt bildet ein charakteristisches Element seiner Malerei. Es handelt sich um Werke mit einem starken lyrischen Abdruck, der sich durch spekulative und konzeptuelle Merkmale auszeichnet, obwohl sie vorhanden sind. 1995 fanden vier Ausstellungen statt, die an die Aktivitäten der Gruppe “Cenobio” erinnern (im Palazzo Martinengo in Brescia, in der Galleria Peccolo in Livorno, im Artestudio in Mailand und im Studio Delise in Portogruaro). 1996 präsentierte Ferrari in der Lorenzelli-Galerie in Mailand die Frammenti, Gemälde, die durch das Aufbrechen der Linearität des Zeichens vereint wurden.

Agostino Ferrari hat in Hunderten von Einzel- und Gruppenausstellungen in Italien und im Ausland ausgestellt. Zu den wichtigsten zählen die Einzelausstellungen im Palazzo dei Diamanti in Ferrara (1976), im Palazzo Braschi in Rom (1992), in der Casa del Mantegna in Mantua (2010) im Fondacion Frax von Alfas del Pi (Alicante) , Spanien) (2011), im Palazzo Lombardia (2013).

Eine neue kompositorische Balance
Mit Maternità (1999-2007) findet der Künstler stattdessen ein anderes und gesammelteres kompositorisches Gleichgewicht: einen zentralen Kern, der als Matrix des Zeicheninhalts gedacht ist, aus dem das gesamte Bild hervorgeht, und ein sehr klares Beharren auf dem Hell-Dunkel Kontrast von Schwarz und Gold. Konzeptionell und teilweise auch chronologisch (von 2003 bis 2009) folgen die Werke, denen er den Titel Jenseits der Schwelle gibt.

Diese Leinwände bestehen aus zwei Teilen: einem, der vom Schreiben dominiert wird, und einem, der durch eine schwarze Sandoberfläche dargestellt wird, die die “Geschichte” zu absorbieren scheint, “schluckt” und sie fast aufhebt. Das lineare Schreiben stoppt und scheint zwischen der Vergangenheit (dargestellt durch das Schreiben) und dem Unbekannten der Zukunft zu schweben, was eine intimere und existenziellere Erforschung vorsieht, auf die sich der Titel selbst ausdrücklich bezieht. Im Jahr 2005 schuf Ferrari auf Einladung zur Vierjahreszeit in Rom im Bereich Zeitgenössische Kunst ein großes Werk (1,60 mx 3,60 m), das zu dieser Serie gehört. Konzeptionell umfasst dieser große Zyklus auch die großen Wandgemälde, die Ferrari 2007 auf der Piazza Borgoverde di Vimodrone (MI) auf drei Seiten eines riesigen viereckigen Gewässers gemalt hat.

Er gewann den Joan Mirò Gravurpreis (1971) und den Bugatti-Segantini Karrierepreis (2017). 2007 schuf er im Auftrag der Gruppe Land (Landschaftsarchitektur) in Mailand einige permanente öffentliche Arbeiten auf der Piazza Borgoverde di Vimodrone. Er hat mit führenden Galerien in Europa wie Franz Paludetto (Turin), Thomas Levy (Hamburg), Lorenzelli (Mailand) und Centro Steccata (Parma) zusammengearbeitet. Heute wird es von Ca ‘di Fra’ vertreten. Seine Werke befinden sich unter anderem in den Sammlungen Manuli, Moratti und Rabolini.

Aktuelle Forschung
2010 präsentiert Agostino Ferrari einen neuen Zyklus, Intern / Extern, in dem aus dem unergründlichen und manchmal störenden schwarzen Bereich der vorherigen Serie neue Schriften hervorgehen und das Zeichen wieder an Dicke und Sichtbarkeit gewinnt, fast in einer Geste des Vertrauens in die evolutionären Fähigkeiten des Menschen , in seiner Neugier und Fähigkeit, sich neu zu erfinden. In diesen Jahren widmete der Künstler dem Mittelmeer und den angrenzenden Nationen neue Aufmerksamkeit, obwohl er in den vergangenen Jahrzehnten sowohl in Italien als auch hauptsächlich in Mitteleuropa (insbesondere im deutschen Raum) ausgestellt hatte. Tatsächlich war es 2011 die erste Anthologie auf iberischem Boden an der Fundación Cultural Frax (L’Alfàs del Pi, Alicante); und 2012 war er der erste italienische Künstler, der eine Ausstellung organisierte, in Zusammenarbeit mit der örtlichen Abteilung des italienischen Kulturinstituts in Tunesien, die aus dem arabischen Frühling hervorgegangen ist. L’Signes de rencontre, das im Centre National d’Art Vivant de Tunis stattfand, wurde von einer ungewöhnlichen (für Agostino Ferrari) Aufführung in Begleitung des bekannten tunesischen Künstlers und Kalligraphen Nja Mahdaoui unter Beteiligung des Publikums eröffnet.

Museum des 20. Jahrhunderts in Mailand
Das Museo del Novecento in Mailand ist eine Dauerausstellung von Kunstwerken des 20. Jahrhunderts im Palazzo dell’Arengario und im angrenzenden Königspalast in Mailand. Das Museum nahm die Sammlungen des früheren CIMAC (Civic Museum of Contemporary Art) auf, das sich im zweiten Stock des Königspalastes befand und 1998 geschlossen wurde.

Das Museo del Novecento im Palazzo dell’Arengario auf der Piazza del Duomo beherbergt eine Sammlung von über viertausend Werken, die die Entwicklung der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts katalysieren.

Das Museo del Novecento wurde am 6. Dezember 2010 mit dem Ziel gegründet, das Wissen über die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verbreiten und einen umfassenderen Einblick in die Sammlungen zu bieten, die die Stadt Mailand im Laufe der Zeit geerbt hat. Neben seiner Hauptausstellungstätigkeit befasst sich das Museum mit der Erhaltung, Untersuchung und Förderung des italienischen kulturellen und künstlerischen Erbes des 20. Jahrhunderts mit dem Ziel, ein immer breiteres Publikum zu erreichen.

Abgesehen von einem einzigen Raum, in dem Werke ausländischer Künstler wie Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian und Picasso ausgestellt sind, stammen die meisten im Museum ausgestellten Werke italienischer Künstler. Ein großer Teil ist den italienischen Futuristen gewidmet, mit Werken von Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi und Ardengo Soffici. Giuseppe Pellizza da Volpedos große Leinwand Il Quarto Stato (1902) wird ebenfalls in einem eigenen Raum ausgestellt.

Andere Bereiche des Museums sind einzelnen Künstlern wie Giorgio de Chirico, Lucio Fontana und Morandi gewidmet. Es gibt auch Abschnitte, die Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind, darunter Abstraktionismus, Arte Povera, Novecento Italiano, Postimpressionismus und Realismus sowie Genres wie Landschafts- und Monumentalkunst.