Agostino Ferrari: Signes au fil du temps, Musée du XXe siècle

Agostino Ferrari. “Fin 1962, j’ai commencé à utiliser le signe comme une écriture non significative … aujourd’hui, il y a toujours la conscience de la réalité, que je représente comme je l’ai toujours fait, développant un thème avec des signes et des formes. En même temps, il y a est tout ce que je ne sais pas sur l’homme et sa vie, une surface noire qui est au-delà de l’existence, avant la naissance et après la mort, le vide et l’obscurité, la limitation de notre pensée par rapport à l’esprit infiniment grand. ”

Depuis plus d’un demi-siècle, Agostino Ferrari utilise le signe comme un outil expressif capable de raconter ses émotions personnelles et ses réactions à la réalité extérieure mais aussi comme la figure d’un langage qui participe au courant dominant contemporain, entre l’art programmé post-informel, minimal, pop et les différents retours à la peinture. Peinture qu’Agostino Ferrari n’a jamais voulu abandonner, à l’instar de ses compagnons qui fondent en 1962 le groupe des “Cenobio” (Angelo Verga, Ettore Sordini, Arturo Vermi et Ugo La Pietra), tout en le réduisant au minimum à une formulation graphique des modules significatifs dessinés en couleur, dont le vague modèle visuel était des pages de journaux: une tactique pour combiner la chronique d’une époque agitée et radicale avec une sensibilité intense, du public au privé.

Après la dissolution du groupe et deux séjours aux USA, dans la seconde moitié des années 60, le travail de Ferrari acquiert une cohérence d’objet, en parallèle avec les expériences contemporaines des amis Agostino Bonalumi, Enrico Castellani et surtout Dadamaino. Le signe devient une gravure pratiquement pratiquée en surface, une trace représentée ou un fil métallique en relief (dans le cycle intitulé “Théâtre du signe”); des recherches sont également menées sur la forme, obtenue par une méthode rigoureuse, de caractère procédural («forme totale») qui suscite l’intérêt et l’appréciation de Lucio Fontana. Enfin, après le signe, la forme et l’espace, l’artiste prend en considération la couleur, étudiée en relation avec différentes figures géométriques,

A la fin des années 70, une phase de repensée et d’équilibrage appelée «re-fondation» a conduit Ferrari à retrouver un signe plus gestuel qui ne partirait plus à partir de ce moment: formes et écriture manuscrites, de consistance différente, parfois agrémentées d’un d’épaisseur de sable noir volcanique et brillant, ils se multiplient à travers de nouveaux cycles qui engagent l’artiste depuis quelques décennies, des “Evénements” aux “Palimpsestes” en passant par la “Maternité”, où un motif central (matrice) se répète au plus à l’extérieur une partie de l’image, donnant lieu à une reprise avec des valeurs tonales inversées; jusqu’aux récents «Au-delà du seuil» et «Intérieur-extérieur», caractérisés par la présence d’une entaille pleine de noir impénétrable dans laquelle le signe est immergé ou dont il émerge,

L’exposition. L’anthologie mise en place au Museo del Novecento reconstitue tout l’itinéraire de l’artiste milanais; dans la première salle, neuf œuvres de grand ou très grand format seront exposées, jalons marquant la dernière partie de l’itinéraire d’Agostino Ferrari après la “refondation”: des Palimpsestes au très récent Prosegni (Intérieur / Extérieur), dont une œuvre inédite, réalisée spécialement pour l’occasion. Les archives, quant à elles, accueilleront une série de petites pièces, des exemples de la première partie de l’itinéraire, des Contes de 1963 aux Théâtres du Signe, aux Formes totales en passant par les études pour Autoportrait (la Alphabet) et analyses des couleurs. De nombreuses études et articles qui offrent, pour la première fois, un précieux aperçu de la méthode et des processus créatifs suivis par l’artiste milanais dans son travail. Au total, une centaine d’œuvres originales seront exposées. L’exposition est accompagnée d’un catalogue publié par Nomos Edizioni et édité par Martina Corgnati

Le catalogue général. A l’occasion de cette exposition, le catalogue général de l’œuvre d’Agostino Ferrari, édité par Martina Corgnati, publié par Electa à l’occasion du 80e anniversaire de l’artiste, sera présenté dans la salle de conférence du Museo del Novecento le jeudi 27 septembre. . Environ 2500 œuvres documentées, hors multiples et projets, ainsi que les textes critiques et appareils bio-bibliographiques.

Biographie
Agostino Ferrari (Milan, 9 novembre 1938) est un peintre italien. Attiré par l’art depuis l’enfance, il rencontre en 1959 le peintre Remo Brindisi, qui l’invite à travailler dans son atelier. En 1961, à la galerie Pater de Milan et avec la présentation du critique Giorgio Kaisserlian, il crée sa première exposition. Les œuvres de cette période sont inspirées de la périphérie industrielle milanaise de la fin des années cinquante et, bien qu’elles soient absolument non figuratives et en effet affectées par la leçon de l’art informel, elles montrent une influence naturaliste explicite, qui transparaît également du titre choisi pour regrouper les tableaux et dessins de ces années: Nature entourant le paysage. La longue association avec Ferrari donne un saut évolutif dans la peinture FerrariLucio Fontana, qui ne se traduit pas par une adhésion intime aux principes du spatialisme,

Le Cénobio et l’écriture non significative
Décisive pour les développements ultérieurs de la recherche artistique d’Agostino Ferrari, la rencontre avec Ugo La Pietra, Angelo Verga, Ettore Sordini, Alberto Lùcia (poète) et Arturo Vermi, qui marque la naissance, en 1962, du Groupe Cenobio. Le partenariat est de courte durée (malgré l’amitié et la collaboration entre les différentes composantes au fil des ans), mais il laisse une trace durable dans la scène milanaise effervescente de cette période, et surtout représente pour Ferrari le début des recherches sur le signe , fil conducteur de toute son activité artistique.

Grâce à une utilisation minimale du signe, Cenobio a en fait tenté de repenser la peinture, en la défendant à la fois des positions radicalement critiques de Piero Manzoni et de la faveur grandissante du public pour un art conçu principalement comme un événement et une installation. La poétique du groupe s’exprime dans la tentative de ramener la peinture à une sorte de “zéro degré”, à un moment précoce, où le signe n’est pas encore devenu un symbole et une écriture. Dans le sillage de ces intuitions, entre 1962 et 1964, le signe de Ferrari se transforme en une sorte d’écriture insignifiante: c’est l’heure de la série d’œuvres appelée Sign-Writing.

En 1966, il expose à New York, à la Eve Gallery. Par la suite, de retour en Italie, élabore des cycles d’objet et de procédure dédiés aux ingrédients de la peinture, du signe, de la forme et de la couleur, véritable “mise en scène” avec un caractère “essentiellement plastique”, comme l’écrivait Lucio Fontana en 1967.

L’enseigne acquiert une taille en plastique
Entre 1964 et 1965, Ferrari a fait deux longs voyages à New York, où il a exploré l’environnement du Pop Art et rencontré des artistes tels que Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Billy Apple, Jasper Johns. Les séries de Labyrinthes, peintures centrées sur la description des concepts plastiques, sont affectées par ces expériences, bien que loin de sa vision. La recherche de l’objectivation du signe débute en 1966 à travers les œuvres intitulées Théâtre du signe, recherche qui s’achève en 1976 avec la série des Contaminations. Ce sont des tableaux-objets qui tentent de dépasser la bidimensionnalité de la toile et de donner une image plus physique, objective et matérielle du signe. Les œuvres regroupées sous le titre Forma Total sont presque contemporaines.

Couleur et émotions: l’autoportrait
Au début des années 70, Agostino Ferrari a concentré son attention précisément sur les couleurs, en les mettant en relation étroite avec des signes et des formes géométriques spécifiques, et en essayant d’étudier leurs aspects émotionnels ainsi que leurs qualités opto-perceptives. Cette phase est liée aux œuvres intitulées Sign-Shape-Color, dont le sommet est représenté par la création, en 1975, de l’autoportrait, installation (la seule jamais réalisée par Ferrari) de grandes dimensions avec une forme en spirale , exposée depuis lors dans plusieurs lieux et occasions (la plus récente, en 2010, à la Casa del Mantegna à Mantoue, dans une rétrospective exhaustive de l’artiste organisée par la critique d’art et historienne Martina Corgnati).

La production artistique de cette période s’accompagne de courts écrits théoriques, dans lesquels l’artiste tente de systématiser ses expériences et ses idées avec plus de rigueur. La tentative originale de «dialoguer» avec la science, c’est-à-dire avec un monde et une langue qui sont communément considérés comme les antipodes de la pratique artistique, est significative dans cette recherche de la rigueur formelle: en 1974, au Musée national des sciences et Technologie “Leonardo da Vinci” à Milan, Ferrari expose les œuvres et les reflets du cycle Sign-Shape-Color au sein de 20 000 000 années-lumière d’exposition-événement créé par Arturo Vermi.

Cette recherche le conduit, en 1975, à l’Autoportrait, seule installation réalisée dans tout son parcours créatif, exposée pour la première fois à la Foire d’Art de Bologne avec la Galerie LP220 de Turin et, l’année suivante, dans le exposition au Palazzo dei Diamanti à Ferrare. Dans les années suivantes, entre 1976 et 1978, Ferrari interprète l’Alphabet, deux séries de six œuvres qui sont la conséquence de ses études sur la Forma Forma Colore et qui marquent la synthèse de ce qui est contenu dans l’autoportrait. En 1978, après un séjour à Dallas où il expose l’Alphabet à la Contemporary Art Gallery, le besoin de s’exprimer avec le signe pur réapparaît en lui et entre dans une période de “re-fondation”. L’utilisation du sable volcanique commence presque simultanément,

Le retour au signe et à l’écriture linéaire
À partir de 1978, l’expression centrée sur le signe réapparaît fortement dans les œuvres de Ferrari et depuis 1983, le signe redevient le protagoniste absolu de la série Événements, des peintures réalisées en collant du sable noir d’origine volcanique sur la toile, un matériau qui aujourd’hui encore constitue un élément caractéristique de sa peinture. Ce sont des œuvres à forte empreinte lyrique, prééminentes sur les traits spéculatifs et conceptuels, bien que présentes. En 1995, quatre expositions rappelant l’activité menée par le groupe “Cenobio” ont eu lieu (au Palazzo Martinengo à Brescia, à la Galleria Peccolo à Livourne, à l’Artestudio à Milan et au Studio Delise à Portogruaro). En 1996, à la galerie Lorenzelli de Milan, Ferrari présente les Frammenti, tableaux unis par la rupture de la linéarité du signe,

Agostino Ferrari a exposé dans des centaines d’expositions individuelles et collectives en Italie et à l’étranger. Parmi les plus importantes figurent les expositions personnelles au Palazzo dei Diamanti de Ferrare (1976), au Palazzo Braschi de Rome (1992), à la Casa del Mantegna de Mantoue (2010), à la Fondacion Frax d’Alfas del Pi (Alicante , Espagne) (2011), au Palazzo Lombardia (2013).

Un nouvel équilibre compositionnel
Avec Maternità (1999-2007), l’artiste trouve plutôt un équilibre de composition différent et plus recueilli: un noyau central, conçu comme une matrice du contenu du signe, d’où découle toute l’image, et une insistance très claire sur le clair-obscur né de contraste de noir et d’or. Conceptuellement et en partie aussi chronologiquement (de 2003 à 2009) suivent les œuvres auxquelles il donne le titre Au-delà du seuil.

Ces toiles sont composées de deux parties: l’une dominée par l’écriture et l’autre représentée par une surface de sable noir qui semble absorber, “avaler”, “l’histoire”, l’annulant presque. L’écriture linéaire s’arrête et semble suspendue entre le passé (représenté par l’écriture) et l’inconnu du futur, sous-tendant une exploration plus intime et existentielle, à laquelle le titre lui-même fait explicitement référence. En 2005, invitée à la Quadriennale de Rome, au sein de la section Art Contemporain, Ferrari crée une grande œuvre (1,60 mx 3,60 m) appartenant à cette série. Conceptuellement, ce grand cycle comprend également les grandes peintures murales que Ferrari a peintes en 2007 sur la Piazza Borgoverde di Vimodrone (MI), sur trois côtés d’un vaste plan d’eau quadrangulaire.

Il a remporté le prix de gravure Joan Mirò (1971) et le prix de carrière Bugatti-Segantini (2017). En 2007, il a créé des travaux publics permanents sur la Piazza Borgoverde di Vimodrone, pour le compte du groupe Land (Architecture du paysage) à Milan. Il a travaillé avec de grandes galeries en Europe telles que Franz Paludetto (Turin), Thomas Levy (Hambourg), Lorenzelli (Milan), Centro Steccata (Parme). Aujourd’hui, elle est représentée par Ca ‘di Fra’. Ses œuvres figurent entre autres dans les collections Manuli, Moratti et Rabolini.

Recherche récente
En 2010, Agostino Ferrari présente un nouveau cycle, interne / externe, dans lequel de la zone noire insondable et parfois dérangeante de la série précédente vient une nouvelle écriture, le signe retrouve épaisseur et visibilité, presque dans un geste de confiance dans les capacités évolutives de l’homme , dans sa curiosité et sa capacité à se réinventer. C’est également au cours de ces années que l’artiste a porté une attention nouvelle à la Méditerranée et aux nations qui la bordent, malgré le fait qu’au cours des décennies précédentes, il avait exposé, ainsi qu’en Italie, principalement en Europe centrale (en particulier dans la région allemande). En fait, en 2011, c’était la première anthologie en sol ibérique, à la Fundación Cultural Frax (L’Alfàs del Pi, Alicante); et en 2012, il a été le premier artiste italien à organiser une exposition, en collaboration avec la section locale de l’Institut culturel italien, en Tunisie, issue du printemps arabe. L’Signes de rencontre et tenue au Centre National d’Art Vivant de Tunis, a été inaugurée par une performance insolite (pour Agostino Ferrari) en compagnie de la célèbre artiste et calligraphe tunisienne Nja Mahdaoui, impliquant le public.

Musée du XXe siècle à Milan
Le Museo del Novecento de Milan est une exposition permanente d’œuvres d’art du XXe siècle logées dans le Palazzo dell’Arengario et le Palais Royal adjacent à Milan. Le musée a absorbé les collections du précédent Musée civique d’art contemporain (CIMAC) qui était situé au deuxième étage du Palais Royal et qui a été fermé en 1998.

Le Museo del Novecento, situé à l’intérieur du Palazzo dell’Arengario sur la Piazza del Duomo, abrite une collection de plus de quatre mille œuvres qui catalysent le développement de l’art italien du XXe siècle.

Le Museo del Novecento a été créé le 6 décembre 2010 dans le but de diffuser la connaissance de l’art du XXe siècle et d’offrir un aperçu plus complet des collections dont la ville de Milan a hérité au fil du temps. En plus de son activité principale d’exposition, le Musée est actif dans la conservation, la recherche et la promotion du patrimoine culturel et artistique italien du 20e siècle dans le but final d’atteindre un public toujours plus large.

Hormis une seule pièce abritant des œuvres d’artistes étrangers dont Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian et Picasso, la majorité des œuvres exposées au musée sont des artistes italiens. Une section importante est consacrée aux futuristes italiens, avec des œuvres de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi et Ardengo Soffici. La grande toile Il Quarto Stato de Giuseppe Pellizza da Volpedo (1902) est également exposée dans une pièce à part entière.

D’autres sections du musée sont dédiées à des artistes individuels tels que Giorgio de Chirico, Lucio Fontana et Morandi. Il existe également des sections consacrées aux mouvements artistiques du XXe siècle, notamment l’abstractionnisme, l’Arte Povera, le Novecento Italiano, le post-impressionnisme et le réalisme, ainsi qu’à des genres tels que le paysage et l’art monumental.