O pontilhismo é uma técnica de pintura na qual pequenos pontos distintos de cor são aplicados em padrões para formar uma imagem.

Georges Seurat e Paul Signac desenvolveram a técnica em 1886, ramificando-se do impressionismo. O termo “pontilhismo” foi cunhado pelos críticos de arte no final da década de 1880 para ridicularizar as obras desses artistas, e agora é usado sem sua antiga conotação zombeteira. O movimento que Seurat começou com essa técnica é conhecido como neo-impressionismo. Os divisionistas também usaram uma técnica semelhante de padrões para formar imagens, embora com pinceladas maiores, semelhantes a cubos.

O processo e o discurso teórico de Signac seduziram por alguns anos, principalmente na França e na Bélgica, pintores como Camille Pissarro, Maximilien Luce e Théo van Rysselberghe, classificados em uma corrente artística, chamada “neo-impressionista”, resultante do “Impressionismo”. por um lado, e o que Seurat disparou pesquisa óptica Michel Eugène Chevreul e escritos de Charles Blanc 2, como ele chamou o sarcasmo de Paul Gauguin.

Teoria
De acordo com os adeptos da teoria pontilhista, quando a pintura é vista a uma certa distância, os pontos de cor não podem ser distinguidos uns dos outros e se misturam oticamente uns com os outros. A aparência visual obtida é diferente da obtida misturando cores em uma paleta e aplicando-as na tela. Alguns descrevem o resultado como mais brilhante ou mais puro porque a mistura é feita pelo olho e não pela escova.

A explicação poderia estar relacionada às teorias sobre a aditividade e a subtratividade das cores: geralmente, quando as cores são produzidas por uma mistura de pigmentos, a subtratividade é reproduzida (cada pigmento absorve um conjunto de frequências do espectro luminoso, a mistura do pigmentos retorna o conjunto de frequências não absorvidas). Portanto, misture pigmentos ciano e magenta e amarelo (as cores primárias subtrativas) produz uma cor próxima ao preto. Por outro lado, ao misturar cores produzidas por fontes de luz, a aditividade desempenha seu papel: a mistura de feixes de luz das três cores, vermelho, verde e azul produz uma luz próxima do branco, já que o conjunto de freqüências visíveis é representado. As telas de televisão, por exemplo, usam esse sistema.

Para representar as emoções, o ritmo e o movimento em suas pinturas, os pintores neo-impressionistas usaram uma teoria sobre linhas e cores. Linhas ascendentes combinadas com cores quentes expressam alegria e felicidade; enquanto as linhas que aparecem com cores frias e escuras refletem o sentimento de tristeza.

A crítica nem sempre aceitou submeter sua percepção do trabalho à teoria: “A especialização comercial […] está embutida nos processos externos de execução. Há pintores [que os compõem] [suas telas] de uma mistura insípida de tons montados, que eles recomendam ao público sob o nome de método pontilhista.Quero a resolução das cores em seus elementos para manter seu brilho total e ser útil para fazer certa iluminação, mas pintores conseguiram o “tachismo” usá-lo de forma errada e através de mais nada vivo, nada sólido ao longo de uma estranha cintilação onde se distinguem formas vagas e malignas. ”

Gustave Geffroy, assim, comenta sobre este “modo venenoso de colocar alguns pontos bastante regulares de diferentes cores próximos uns dos outros”: “É completamente impossível não perceber que o processo ocupa o lugar principal, e que o caminho frio regular, meticuloso, cujo colorido pontos são colocados e espaçados é necessário com persistência obsessiva.A intensidade luminosa procurada pelos neo-impressionistas pode existir em obras assim entendidas, mas será apesar dos pequenos pontos.Ele faz um esforço persistente, uma boa-fé teimosa no telespectador violar sua visão frustrada […] “.

Georges Roque estudou as aproximações e equívocos da teoria, pretendendo fazer cores mais luminosas por uma mistura óptica (aditiva), enquanto a pintura usa pigmentos subtrativos, e confundindo em sua fala dois efeitos contraditórios, o do contraste simultâneo das cores. que é observado quando as praias coloridas têm certa extensão, e a da fusão das cores que são observadas quando são pequenas, como nas tapeçarias.

Críticas hostis ou duvidosas também podem ser baseadas em uma descrição das tabelas.

Características
Esse movimento, dentro das coordenadas do pós – impressionismo, também parte da imagem da natureza, isto é, do mesmo tema que os impressionistas, mas para eles serão leis físicas e fisiológicas muito específicas que caracterizam a essência da pintura. Seu material de reflexão será, acima de tudo, os escritos de Charles Blanc e, de maneira mais radical, os impressionistas, os tratados científicos de Chevreul, Sutter, Rood e outros.

Graças a eles, o Pontilhismo viu antes disso um campo no qual sua tarefa teria que ser a aplicação metódica de seu conhecimento e a reconciliação dos princípios rígidos de desenho com os princípios óticos intuídos pelos grandes coloristas. A mente lógica e reflexiva desses pintores pedia a redução do instinto à ordem, do impulso ao cálculo, reduzindo ao essencial, não apenas os temas da vida moderna ou da paisagem, mas também o método impressionista de apresentá-la. De fato, a declaração de Charles Blanc (“A cor, que é controlada por leis fixas, pode ser ensinada como música”), publicada pela primeira vez em 1865 em seu famoso Grammatical Ades arts du dessin, resume perfeitamente a atitude dos pointillistas ante as expressivas possibilidades da arte e indica seu programa. De acordo com isso, assim como existem relações matemáticas entre tons musicais, existem relações físicas entre as cores, que podem ser demonstradas em laboratório e realizadas no estúdio. Para estudar mais detalhadamente a interação das cores e suas complementares, alguns pointillistas fizeram um álbum no qual reuniam todas as nuances do arco-íris, unidas entre si por meio de um determinado número de cores intermediárias.

Em sua paleta eles também usaram branco misturado com cores primárias, o que lhes permitiu obter uma infinidade de tons que vão desde uma cor com uma ligeira presença de branco para um branco quase puro. O disco foi completado de tal maneira que as nuances puras estavam concentradas em torno do centro, de onde elas desapareciam em direção ao alvo até chegarem à periferia.

Os experimentos físicos também provaram que a mistura de cores os sujou e acabou levando ao preto. Portanto, a única mistura capaz de produzir o efeito desejado é a mistura óptica, que assim se torna o fator predominante em sua execução. Depois de ter recolhido separadamente em suas telas os elementos individuais de cor presentes na natureza, o pintor atribuiu à retina do espectador a tarefa de uni-los novamente. A técnica de pinceladas dos impressionistas não permitia a exatidão matemática que os pontilhistas precisavam aplicar seu sistema com rendimento total.

Através da adoção de pequenas pinceladas na forma de um ponto, elas conseguiram acumular, mesmo em pequenas superfícies, uma grande variedade de cores e tons, cada qual correspondendo a um dos elementos que contribuíram para a aparência do objeto. A certa distância, essas minúsculas partículas são misturadas opticamente e o resultado teve que produzir uma intensidade de cores muito maior do que qualquer mistura de pigmentos.

Nesse sentido, seus estudos de luz e cor superam os feitos por qualquer um dos impressionistas, mas também encontraram maiores dificuldades. Com mais conhecimento e um olhar mais disciplinado, eles tiveram que encontrar todas as nuances do espectro luminoso, bem como uma maneira de iluminar ou obscurecer um determinado matiz em relação aos contrastes simultâneos produzidos pelas cores que o rodeavam. Um dos trabalhos mais notáveis ​​nesse sentido é a tarde de domingo na ilha do Grande Jatte de Surat.

Apesar do aparente sucesso da denominação de pontilhismo, especialmente no que diz respeito à técnica desse grupo, nem Seurat nem Signac jamais aceitaram e condenaram e rigorosamente evitaram esse termo em favor do divisionismo, que incluiu melhor todas as suas inovações.

Técnica
A técnica depende da capacidade do olho e da mente do espectador para misturar os pontos de cor em uma gama mais ampla de tons. Está relacionado ao divisionismo, uma variante mais técnica do método. O divisionismo está preocupado com a teoria das cores, enquanto o pontilhismo é mais focado no estilo específico de pincelada usado para aplicar a tinta. É uma técnica com poucos praticantes sérios hoje, e é notavelmente vista nos trabalhos de Seurat, Signac e Cross. No entanto, veja também os primeiros trabalhos de Andy Warhol e Pop Art.

Prática
A prática do Pontilhismo está em nítido contraste com os métodos tradicionais de misturar pigmentos em uma paleta. O pontilhismo é análogo ao processo de impressão CMYK de quatro cores usado por algumas impressoras coloridas e grandes impressoras que colocam pontos de ciano (azul), magenta (vermelho), amarelo e chave (preto). Televisores e monitores de computador usam uma técnica semelhante para representar as cores da imagem usando as cores Vermelho, Verde e Azul (RGB).

Se a luz vermelha, azul e verde (as primárias aditivas) estiverem misturadas, o resultado é algo próximo da luz branca (consulte Prisma (óptica)). A pintura é inerentemente subtrativa, mas as cores pontilhistas muitas vezes parecem mais brilhantes do que as cores subtrativas mistas típicas. Isso pode ser em parte porque a mistura subtrativa dos pigmentos é evitada, e em parte porque algumas das telas brancas podem estar aparecendo entre os pontos aplicados.

A técnica de pintura usada para a mistura de cores Pointillist é à custa da pincelada tradicional usada para delinear a textura.

A maioria dos pontilhismo é feita em tinta a óleo. Qualquer coisa pode ser usada em seu lugar, mas os óleos são preferidos por sua espessura e tendência para não correr ou sangrar.

Primeiras reações
Era óbvio para o público, artistas e críticos que eles estavam lidando com algo novo. A gravação foi ambivalente: muitos pintores ficaram fascinados em colocar a pintura em uma base científica, incluindo Paul Signac, Charles Angrand, Henri-Edmond Cross, Albert Dubois-Pillet, Léo Gausson, Louis Hayet, Maximilien Luce, Hippolyte Petitjean, no início. de Movimento também Camille Pissarro, que mais tarde criticou o divisionismo, no entanto, e seu filho Lucien. Outros, como Edgar Degas, rejeitaram a nova direção já no começo. O negociante de arte e grande defensor do impressionista Paul Durand-Ruel expressou desapontamento por Camille Pissarro ter sido influenciado por seus colegas mais jovens, quando o mercado de pinturas impressionistas estava apenas começando a melhorar.

Rejeitar os críticos descreveu o estilo da pintura como confettismo. O crítico Félix Fénéon, no entanto, fez campanha pela nova direção de arte. Ele os viu como prospectivos e cunhou o termo neoimpressionismo em 1886 para enfatizar isso. Ele se envolveu profundamente com as fundações teóricas e conheceu pessoalmente Charles Henry e alguns outros teóricos. Foi editor-chefe da revista Revue Indépendante e editor da revista La Revue blanche. Até a morte de Seurat, ele acompanhou seu trabalho e as obras de Signac com avaliações benevolentes e bem fundamentadas nesses periódicos.

Os impressionistas alemães toleraram o estilo da pintura, mas não o aplicaram, exceto Paul Baum. Longos traços continuaram sendo a característica da pintura secessionista na Alemanha.

Mais distribuição
Um papel essencial na propagação do pontilhismo jogado em 1883 fundou grupo artista belga Les Vingt (The Twenty). Estes rapidamente se tornaram centrais para a cena artística belga. Para suas exposições, eles convidaram uma variedade de artistas. De 1887 em diante, eles mostraram repetidamente as fotos de Seurat e seus colegas de Paris em Bruxelas. Artistas mais jovens como Théo van Rysselberghe, Henry van de Velde, Jan Toorop, Johan Joseph Aarts, Ferdinand Hart-Nibbrig, Jan Vijlbrief e outros adaptaram a nova maneira de ver.

Na Itália, os pintores Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Emilio Longoni e Angelo Morbelli adaptaram o estilo pontilhista da pintura e a desenvolveram mais para suas próprias características.

Influência na arte do século XX
A influência do pontilhismo no desenvolvimento artístico foi subestimada por muito tempo. Grande parte das críticas e do público burguês muitas vezes o consideravam um meio técnico trivial. Muitos artistas conhecidos como Piet Mondrian, Henri Matisse, Elie e Robert Delaunay, Vincent Van Gogh e Paul Gauguin, no entanto, lidaram intensamente com a técnica pontilhista e passaram por uma fase de experimentos pontilhistas. Do ponto de vista de alguns historiadores, isso sugere que o pontilhismo desempenha um papel essencial na evolução dos paradigmas das primeiras épocas, figuração e representação, para os do século XX, abstração e construção.

O historiador de arte Robert Rosenblum julga Seurat que ele pode até competir com Cézanne (“pode ​​rivalizar com Cézanne”), e ele aprova sua grande visão (olhar “para o passado e para o futuro”), ele chama a pintura de Grande Jatte como uma espécie de Torre Eiffel de pintura (“uma espécie de Torre Eiffel da pintura”).

Música
O pontilhismo também se refere a um estilo de composição musical do século XX. Diferentes notas musicais são feitas em reclusão, ao invés de uma sequência linear, dando uma textura sonora semelhante à versão de pintura do Pontilhismo. Este tipo de música é também conhecido como pontualismo ou klangfarbenmelodie.

Artistas notáveis
Charles Angrand
Chuck Close
Henri-Edmond Cross
Henri Delavallée
Albert Dubois-Pillet
Louis Fabien (pseudônimo)
Georges Lemmen
Maximilien Luce
Camille Pissarro
John Roy
Georges Seurat
Paul Signac
Vincent van Gogh
Théo van Rysselberghe
Hipólito Petitjean
Jan Toorop

Pinturas notáveis
Um domingo à tarde na ilha de La Grande Jatte por Georges Seurat
Tomar banho em Asnieres por Georges Seurat
Os moinhos de vento em Overschie por Paul Signac
Bancos do Sena por Georges Seurat
Uma cena costeira de Théo van Rysselberghe
Família no pomar por Théo van Rysselberghe
Campo ao meio-dia por Théo van Rysselberghe
Tarde em Pardigon por Henri-Edmond Cross
Rio San Trovaso, Veneza por Henri-Edmond Cross
O Sena em frente ao Trocadero por Henri-Edmond Cross
O pinheiro em St. Tropez por Paul Signac
Opus 217. Contra o esmalte de um fundo rítmico com batidas e ângulos, tons e matizes, retrato de M. Félix Fénéon em 1890 por Paul Signac
A vela amarela, Veneza por Paul Signac
Catedral de Notre Dame por Maximilien Luce
Le Pont De Pierre, Rouen por Charles Angrand
A praia no assalto por Georges Lemmen
Aline Marechal por Georges Lemmen
Jarra de flores por Georges Lemmen