Pixels do Ubuntu / Unhu foram abertos no Pavilhão do Zimbábue em Veneza e o tema deste ano é explorar as identidades sociais e culturais do século XXI, continua a natureza do Zimbábue, como os elementos do passado estão ligados ao agora e como o artista está evoluindo especialmente nos momentos em que o Ubuntu / unhu está sendo constantemente questionado.

O Zimbábue tenta gerar intercâmbios internacionais entre a África e o mundo revivendo o pan-africanismo. O país quase embarca em uma missão estrangeira para a África em geral. Encomendada por Doreen Sibanda e com curadoria de Raphael Chikukwa, a exposição é intitulada “Pixels do Ubuntu / Unhu; explorando as identidades sociais e culturais do século XXI”. Não há tradução oficial para o inglês para “Ubuntu”, um conceito que define o eu como unido a um outro ontológico. “Os pixels existem para melhorar ou distorcer uma imagem, e as sociedades africanas permitiram a pixelização do Ubuntu / Unhu enquanto abraçavam culturas estrangeiras”, explica Chikuwka.

Em meio às calamidades e problemas iniciais que atormentaram outras apresentações nacionais africanas, o Zimbábue emergiu como um obstáculo à presença africana em Veneza. O Zimbábue fez apresentações que mereceram respeito, tanto pela consistência quanto pela qualidade do trabalho. Voltando ao mesmo local pela terceira vez, o Pavilhão do Zimbábue criou um sopro de trégua e, em pequena escala, um sentimento de lar para a comunidade de artistas africanos em Veneza.

Como nos anos anteriores, o local do pavilhão estava situado dentro de um prédio de escritórios atrás de Santa Maria della Pieta, no Grande Canal. Como nas edições anteriores, a apresentação do grupo no espaço formal formal faz com que a apresentação pareça mais uma exposição de galeria do que um pavilhão no sentido de espetáculo de grande sucesso dos Giardini ou dos pavilhões baseados em palazzo. No entanto, ele consegue se manter.

A exposição enfatizou a importância do Ubuntu / unhu em relação aos tempos contemporâneos em que vivemos. Uma breve palestra sobre como elementos do passado estão ligados ao agora e como o artista está evoluindo, especialmente nos momentos em que o Ubuntu / unhu é constantemente sendo questionado. As pessoas foram atraídas para a exposição com uma curiosidade natural sobre a África e o Zimbábue, em particular.

A exposição consistiu em três artistas Masimba Hwati, Chikonzero Chazunguza e Gareth Nyandoro. A visão geral dos visitantes do pavilhão foi a fusão dos três artistas. Embora individuais por natureza e execução, os trabalhos encontraram um terreno comum em questões de interrogar o consumismo em relação à condição e existência humanas.

A maioria dos visitantes ficou intrigada com a série “Urban Totems” de Masimba Hwati, que tratava do conceito de mídia social e de como eles alteram as percepções das pessoas em relação à sua identidade. “Urban totems” analisa a tecnologia de uma perspectiva africana e internacional.

Gareth Nyandoro teve comentários e respostas surpreendentes dos visitantes que ficaram fascinados com sua abordagem ao consumidor ao envolver o elemento do vendedor ambulante e aspectos da cultura e dinâmica da cidade. Suas peças, como a instalação intitulada “mushikashika wevanhu”, “5 rand pakadoma” e “first street performer”. As peças são enormes em escala e muito delicadas quando vistas. Os intrincados detalhes que ele usa e cunhou para ser a “técnica kucheka cheka”. Sua ênfase está na situação humana e em como o comércio afeta a natureza humana em um nível existencialista individualista.

O Chikonzero chazunguza possui um poderoso corpo de trabalho, que é impresso e uma instalação de vídeo. Chazunguza tem uma série intitulada “Presença do passado” que envolve o elemento histórico do movimento africano em relação ao encontro colonial e como o passado é crítico para os dias atuais e atuais. Ele justapõe imagens daquelas que iniciaram a busca do Zimbábue pela independência, como Mbuya Nehanda e Sekuru Kaguvi e as relaciona com o contexto zimbabuense no Zimbábue contemporâneo. “Gutsameso” é uma instalação de vídeo que consiste em uma diversidade de produtos de supermercado que são embalados em prateleiras e são repetidamente exibidos de maneira publicitária. Os visitantes do pavilhão do Zimbábue relacionados a esta instalação referem-se de perto como as mercadorias são essenciais à nossa existência e como a indústria impõe produtos às pessoas. O elemento da abundância e a ilusão de uma vida boa.

Embora a imprensa global seja cegada com frequência pelos estereótipos e clichês do passado político do Zimbábue, no mundo da arte, o Zimbábue discretamente, calma e confiavelmente traça um caminho de estabilidade e autodeterminação, que é um paradigma para o seu futuro e contribuição pensativa para “All The World” s Futures “.

Pixels do Ubuntu / Unhu
Pixels do Ubuntu / Unhu. A identidade está profundamente enraizada no “Ubuntu / Unhu”, pois as filosofias por trás do Ubuntu / Unhu são diretrizes sociais padrão que naturalmente guiam a objetividade humana. A cultura é um componente importante para conectar as pessoas, local e regionalmente e internacionalmente. É um componente natural para reunir as pessoas para discutir idéias e trocar pelo bem de sua comunidade. Isso se torna uma parte muito importante da identidade africana. O impacto existencialista e social que o artista exerce sobre a identidade cultural é muito crucial para o discurso global. Um senso de Ubuntu / Unhu e essa grande possibilidade de assistir o continente africano emergem como parte de um diálogo maior. Somos porque você é, portanto a filosofia Ubuntu / Unhu é importante para todos nós. por Tafadzwa Gwetai

Os três artistas conceberão um novo complexo de obras, incorporando vídeo, gravuras, desenhos, objetos e som para as seis galerias do Pavilhão do Zimbábue.

Raphael Chikukwa Curador-chefe
Raphael Chikukwa nasceu no Zimbábue e trabalhou principalmente como curador independente por muitos anos antes de ingressar na Galeria Nacional do Zimbábue em meados de 2010 como seu principal curador. Ele é o curador fundador do Pavilhão do Zimbábue em 2010 – 2011 e curou o 1º e o 2º Pavilhão do Zimbábue em 2011 e 2013 na 54ª e na 55ª Bienal de Veneza, respectivamente. Recentemente, Chikukwa selecionou o Basket Case II, uma exposição itinerante, com Christine Eyene. Ele participou de vários fóruns que incluem Intensivo Curatorial da ICI em Addis Abeba 2014, Comitê do Prêmio de Arte de Geração Futura 2014 e Feira de Arte de Joanesburgo 2013 (SA). Chikukwa é também o coordenador fundador do 1º workshop e fórum curatorial do Zimbábue e também contribuiu para vários periódicos e catálogos que incluem o African Identities Journal, Savvy e Art South Africa etc. Ele é um Chevening Scholar de 2006 a 2007 e possui um Mestrado em Design Contemporâneo pela Kingston University London.

Tafadzwa Gwetai (curador assistente) é um artista visual, pintor, escultor e curador emergente do Zimbábue que usa mídias como tinta a óleo, mídia mista e objetos encontrados. Gwetai está envolvido ativamente nas artes desde 2001. Ele participou de várias exposições locais e internacionais, incluindo: Between the Sheets Artists Books (Gallery East, Austrália) e a exposição Color Africa (Munique). Ele também teve quatro exposições individuais até o momento, sendo a mais recente, “Vigarista – O propósito da ilusão” (2014), “Códigos Estéticos: Quando a Ciência Encontra a Arte” (2012). Ele reintroduz e redefine a matemática com ciência e lógica para criar uma nova linguagem. Uma linguagem que desafia o núcleo da indústria e sua relevância para a humanidade. Ele vê nossa existência como tendo sido transformada em documentação e trabalho em papel baseado em realidade virtual.

Tafadzwa Gwetai explora a condição humana e como a humanidade se redefiniu e sua existência básica. Filosofia existencialista, como a de René Descartes e Platão, que desafiou a existência do homem e fundou o conceito de “Eu penso, logo existo”. Isso influenciou sua linha de pensamento à de desafiar o propósito e o significado da existência da humanidade.

Masimba Hwati
A série de dez peças de Msimba Hwati faz com que todos os nossos visitantes apreciem quem somos nesta vida. A maneira como os símbolos são instantaneamente identificáveis ​​por crianças de 2 a 3 anos. Estes realmente se tornaram nossos totens urbanos. Um totem sendo um símbolo que identifica a existência em relação àquela que está ao nosso redor ou à de qualidade mítica. A série “Urban totems” de Masimba Hwati tem o que foi descrito por alguns visitantes como “pop” e, ao mesmo tempo, ” relevante para a nossa era digital “O elemento de usar o jeans como material para impressão fascinou muitos visitantes e artistas. A idéia de denim foi levantada por um visitante que falou sobre como “isso transcende o reino do industrialismo e como o denim faz parte constantemente de tudo, exceto nos bastidores, porque o usamos”. O denim faz parte de nós há muitos anos e é um tecido usado na indústria e na moda.

Moldando nossa identidade. Os totens nos retratos dão ao visitante a impressão de estar sob uma forma de hipnose. Controlado pelo totem e guiado para ver. Guiado para ver o mundo do jeito que está no aplicativo Whats, Twitter, Google e KFC. A maioria dos visitantes se relaciona com o conceito de Ubuntu / Unhu ao observar como as pessoas não se falam mais verbalmente / diretamente. Uma série agradável para percorrer enquanto os retratos olham para você e lembram que você também está no whatsapp e no Face Book e também bebe coca cola. Nosso eu urbano.

Masimba Hwati está interessado na memória e energia dos objetos tradicionais e no espaço que eles ocupam no mundo urbano. Seu trabalho explora a transformação e evolução dos sistemas de conhecimento indígenas.

O diálogo contido em seu trabalho questiona o “pensamento” por trás do pensamento moderno de hoje e explora as possibilidades altruístas que existem nas culturas não materiais

Masimba Hwati. Uma visão do trabalho em exposição no 56º Pavilhão da Bienal de Veneza 2015 no Zimbábue. Pixels do Ubuntu / Unhu. Explorando as identidades sociais e culturais do século XXI, Masimba Hwati possui uma série chamada “Urban Totems”. Sua série é o primeiro a chamar a atenção quando você entra no Pavilhão. Sua série provou estar realmente se conectando com a tecnologia e a indústria do dia-a-dia e como elas estão impactando nossa percepção do mundo. O “Urban Totems” se conectou com sucesso a um número maior de visitantes em termos de idade. Desde crianças pequenas que podem decifrar instantaneamente símbolos como twitter, yahoo e Bart Simpson, até adultos que podem interpretar o impacto agressivo de super poderes de negócios. Um verdadeiro teste do impacto real desses símbolos em todo o mundo.

Hwati tem um elemento interessante em seu trabalho e são os botões colocados na base de quase cada uma de suas séries “Urban Totems”. Isso causou grande curiosidade nos visitantes. Alguns de uma geração mais antiga podem se relacionar com os jogos que costumavam jogar com botões. O objetivo era apertar um botão e apontar para o círculo marcado. Se alguém mira bem, ganha todos os botões lançados. A idéia é contrastar a inocência das crianças com a abordagem agressiva da mídia social e do consumidor. Uma série de dez peças muito forte que se relaciona imediatamente com um estado atual de existência. Em nome do que chamamos de “progresso” e “desenvolvimento”, nosso Ubuntu / Unhu está sendo desafiado.

Masimba diz: “Estou analisando como esses sistemas coexistem com os paradigmas atuais. A idéia de“ incongruência harmônica ”e a justaposição de elementos culturais esotéricos com o simbolismo mainstream moderno é um fator subjacente nesse processo de pensamento.

Sua série de totens urbanos questiona se a tecnologia do nosso Ubuntu / Unhu aumentou ou distorceu a humanidade.

Gareth Nyandoro
Quando obras ou arte são criadas, elas assumem novos significados que mantêm o conceito em crescimento. Gareth Nyandoro trouxe pessoas para as ruas de Harare. A idéia de experimentar um som que não é imponente, porque você conhece a fonte. A instalação possui uma gravação contínua que se repete e será o som de um vendedor de rua gritando “dólar a dois”. O som é misturado com os sons urbanos da cidade encontrados em áreas de mercado.

Gareth Nyandoro sempre o levou para a rua com seus tópicos. Isso me lembra de seu trabalho “estrelas pirulito”. Um olhar muito atento à cultura de rua e à sobrevivência do homem urbano. A obra reivindica seu próprio espaço da mesma maneira que os pontos de venda temporários são configurados.

Um indivíduo pode reivindicar uma área ou espaço na “selva de concreto”, apesar de nunca serem permanentes. Uma existência constante em que a polícia ou o conselho o perseguem constantemente nos espaços públicos da cidade. Uma existência transitória em que se está constantemente em movimento.

“Artista de rua” é uma obra de arte que fez os visitantes prestarem atenção ao artesanato e ao assunto. O detalhe que primeiro atrai o visitante para o trabalho é a incrível e altamente técnica habilidade. O papel é cortado em tiras finas e reorganizado. Constrói, desconstrói e depois reconstrói. O artista da primeira rua tem visitantes conectando-se às suas primeiras ruas de onde eles vêm e se isso funcionaria para ter um artista na sua primeira rua. A ideia central é como as pessoas são envolvidas em um ciclo urbano tentando sobreviver e serem notadas e apreciadas. A instalação fica sozinha em sua própria sala. Como se quisesse reivindicar seu espaço em Veneza e dizer “é aqui que estou montando minha loja /” Mushikashika wavanhu “.

Gareth Nyandoro combina imagens de fornecedores com materiais encontrados que ele processa, empregando variações idiossincráticas nas técnicas tradicionais de artesanato. Ele tenta simular o ambiente de mercado combinando colagens bidimensionais com objetos tridimensionais. A qualidade frágil e efêmera de seu trabalho faz referência à natureza temporária do mercado. As instalações de Gareth reúnem os componentes bidimensionais e tridimensionais por meio de desenhos, adereços e objetos para criar trabalhos que refletem sua pesquisa em relação ao espaço, narrativa ou narrativa e materiais à medida que são alterados e transferidos.

Gareth Nyandoro. Uma visão do trabalho em exposição no 56º Pavilhão da Bienal de Veneza 2015 no Zimbábue. Os detalhes da técnica meticulosa do trabalho de Nyandoro cativaram a atenção de muitos visitantes. À distância, o espectador vê uma enorme pintura que contém contornos e formas de pessoas.

Todas as suas quatro peças “Ihohoho namadzibaba Ishmairi”, “Primeiro artista de rua”, “5 rand pa Kadoma pamushika shika” e Zvikwedengu nezvinamira. O elemento da cultura de rua é deduzido pelo visitante, independentemente da titulação Shona. Seu trabalho foi descrito como poderoso, mas ao mesmo tempo possuindo uma natureza delicada. A idéia da natureza transitória da vida nas ruas como um “artista de rua” envolve o espectador a se relacionar com uma vida de existência urbana. A instalação do mercado de mercado de Nyandoro, “Pamushika shika wavanhu”, é uma exploração adicional de sua rua. cultura que ele representa.Uma cultura de rua que envolve nossa existência em relação às circunstâncias definidas pelo comércio.Como o produto à venda define a existência dos vendedores e como o produto define o do comprador.

Ele tece com papel. Nyandoro produz impressões não usando uma placa de cobre gravada, mas cortando diretamente o papel, colocando a tinta nele e, finalmente, removendo a camada superior do papel com fita, para que a tinta seja deixada apenas para trás nos cortes. Uma técnica que ele chama de “KUCHEKACHEKA”.

Chikonzero Chazunguza
A idéia do que parece ser ou do que parece ser é entrelaçada criativamente no significado da série “Passado e Presença”, de Chikonzero Chazunguza. Visitantes de todos os cantos do mundo compartilham uma preocupação semelhante com Chikonzero Chazunguza. O elemento da diáspora está envolvido, pois eles têm uma história que não tem relação com a da África. Há aqueles que têm linhagens familiares que existem por muitas gerações na diáspora e, em essência, seus ancestrais estão enterrados lá. Alguns visitantes da América fizeram uma pergunta que me fez pensar e ver a série de Chazunguza com uma nova perspectiva.

A idéia de um passado incerto que os afro-americanos ou os do Brasil e as pessoas de muitas outras origens étnicas indígenas sentem. Eles sentem que um passado que não é concreto e um passado que foi criado para eles através da conquista colonial os torna incertos sobre o futuro. O elemento do “Passado e Presente”. Na maioria dos casos, o passado não é o presente, pois alguns optam por ignorar um passado e se concentrar em um futuro que seria decorrente do “Presente” .Chazunguza é firme e claro sobre sua posição sobre o envolvimento de elementos da história e da tradição. Uma abordagem que ele tem sido consistente ao longo de sua vida criativa. Em um mundo com constantes mudanças sociais e busca espiritual.

Chikonzero (Chiko) Chazunguza é um artista visual e provocador, cujas obras multidisciplinares levantam questões de pesquisa sobre a condição pós-colonial e sobre o papel instável e a natureza da arte em seu contexto pós-colonial. Entre suas obras mais convincentes, estão aquelas que restabelecem para o espectador, um senso de ordem ritual e dos mistérios mais profundos da vida, além de oferecer análises sociais e políticas incisivas, mas sutis. Chiko decide deliberadamente se reconectar com os modos locais de fabricação. e visualidade, explorando suas áreas de sobreposição estética com tradições ocidentais para produzir novas formas visuais e novos tipos de experiências visuais.

Quando obras ou arte são criadas, elas assumem novos significados que mantêm o conceito em crescimento. Chikonzero Chazunguza realmente ficou profundamente no coração da maioria dos visitantes que experimentaram um passado que era social e colonialmente desafiador. As séries do passado e da presença atraem pessoas que têm países que estão morrendo de línguas indígenas. Um jovem da Irlanda poderia se relacionar com o elemento de um passado que não é necessariamente “presente”. A Irlanda e muitos outros países, como Visitantes do Brasil e Austrália, se relacionam apaixonadamente sobre o assunto. A perda da linguagem é o primeiro passo para perder a identidade e, assim, assumir uma nova identidade que apenas faz referência ao agora.

“Chimanjemanje” é uma peça de Chazunguza que elevou o nível do que conhecemos como impressão sendo tinta a papel. “Chimanjemanje” chamou a atenção do visitante curioso que se aproxima mais para avaliar o trabalho que realmente está tecendo na impressão. A impressão consiste em papel entrelaçado com latas de bebidas refinadas e suas etiquetas e códigos de barras sendo revelados, mas estrategicamente como cestos. A idéia de “Chimanjemanje”, que significa “o moderno”. A maior parte da obra de arte de 122cm e 181cm é tecida em quadrados em miniatura. Acima de cada quadrado está a impressão de uma cabeça, portanto, cada quadrado representa o retrato do busto de uma pessoa. Gradualmente, você vê uma rede de pessoas nessa criação que inicialmente parecia uma tecelagem de marcas de refrigerantes. “Píxeis? Não ?” Um visitante me pergunta enquanto aponta para a criação de Chazunguza. Como pixels, que é o pequeno componente individual de uma imagem. “Chimanjemanje” fala da nova identidade na qual estamos mudando e é impulsionada por marcas comerciais. “Chimanjemanje”, o povo moderno. Ser desviado por uma qualidade de vida que está na moda e ignorando as raízes / origens.

Em suas pinturas, gravuras e em suas instalações, ele é conhecido por experimentar uma variedade de materiais, incluindo objetos da vida cotidiana da África, questões desafiadoras das sutis condições coloniais da África na distribuição de terras, insegurança alimentar, degradação da espiritualidade indígena, tradições tradicionais. ordem e rituais.

Bienal de Veneza 2015
A Bienal de Arte de 2015 encerra uma espécie de trilogia que começou com a exposição com curadoria de Bice Curiger em 2011, Illuminations, e continuou com o Palácio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Com o All The Futures do mundo, a La Biennale continua sua pesquisa sobre referências úteis para fazer julgamentos estéticos sobre a arte contemporânea, uma questão “crítica” após o final da arte de vanguarda e “não-arte”.

Por meio da exposição com curadoria de Okwui Enwezor, a Bienal volta a observar a relação entre arte e o desenvolvimento da realidade humana, social e política, na prensagem de forças e fenômenos externos: as maneiras pelas quais, isto é, as tensões do externo o mundo solicita as sensibilidades, as energias vitais e expressivas dos artistas, seus desejos, os movimentos da alma (sua canção interior).

La Biennale di Venezia foi fundada em 1895. Paolo Baratta é seu presidente desde 2008 e antes de 1998 a 2001. La Biennale, que está na vanguarda da pesquisa e promoção de novas tendências da arte contemporânea, organiza exposições, festivais e pesquisas em todos os seus setores específicos: Artes (1895), Arquitetura (1980), Cinema (1932), Dança (1999), Música (1930) e Teatro (1934). Suas atividades estão documentadas no Arquivo Histórico de Artes Contemporâneas (ASAC), que recentemente foi completamente reformado.

O relacionamento com a comunidade local foi fortalecido por meio de atividades educacionais e visitas guiadas, com a participação de um número crescente de escolas da região de Veneto e além. Isso espalha a criatividade na nova geração (3.000 professores e 30.000 alunos envolvidos em 2014). Essas atividades foram apoiadas pela Câmara de Comércio de Veneza. Também foi estabelecida uma cooperação com universidades e institutos de pesquisa que fazem passeios e estadias especiais nas exposições. Nos três anos de 2012 a 2014, 227 universidades (79 italianas e 148 internacionais) aderiram ao projeto Sessões da Bienal.

Em todos os setores, houve mais oportunidades de pesquisa e produção dirigidas à geração mais jovem de artistas, diretamente em contato com professores de renome; isso se tornou mais sistemático e contínuo através do projeto internacional Biennale College, agora em execução nas seções de dança, teatro, música e cinema.