Pixels of Ubuntu / Unhu a été ouvert dans le pavillon du Zimbabwe à Venise et le thème de cette année est d’explorer les identités sociales et culturelles du 21ème siècle continue la nature du Zimbabwe, comment les éléments du passé sont liés au présent et comment l’artiste évolue surtout à une époque où Ubuntu / unhu est constamment remis en cause.

Le Zimbabwe tente de générer des échanges internationaux entre l’Afrique et le monde en ravivant le panafricanisme. Le pays se lance presque dans une mission étrangère pour l’Afrique dans son ensemble. Commandée par Doreen Sibanda et organisée par Raphael Chikukwa, l’exposition est intitulée « Pixels d’Ubuntu / Unhu; explorant les identités sociales et culturelles du 21e siècle ». Il n’y a pas de traduction officielle en anglais pour « Ubuntu », un concept définissant le soi comme uni à un autre ontologique. « Les pixels sont là pour améliorer ou déformer une image, et les sociétés africaines ont permis la pixellisation d’Ubuntu / Unhu tout en embrassant les cultures étrangères », explique Chikuwka.

Au milieu des calamités et des problèmes de démarrage qui ont tourmenté d’autres présentations nationales africaines, le Zimbabwe est devenu un pilier de la présence africaine à Venise. Le Zimbabwe a fait des présentations qui lui ont valu le respect, tant pour la cohérence que pour la qualité du travail. Revenant au même endroit pour la troisième fois, le pavillon zimbabwéen a créé un souffle de répit et, dans une petite mesure, un sentiment de maison pour la communauté des artistes africains à Venise.

Comme les années précédentes, le pavillon était situé dans un immeuble de bureaux derrière Santa Maria della Pieta sur le Grand Canal. Comme pour les éditions précédentes, la présentation de groupe dans l’espace contemporain formel fait ressembler la présentation à une exposition de galerie plutôt qu’à un pavillon au sens spectaculaire du spectacle des Giardini ou des pavillons palazzo. Néanmoins, il parvient à se maintenir.

L’exposition a mis l’accent sur l’importance d’Ubuntu / unhu par rapport à l’époque contemporaine dans laquelle nous vivons. Un bref exposé sur la façon dont les éléments du passé sont liés au présent et comment l’artiste évolue, en particulier à l’époque où Ubuntu / unhu est constamment remis en question. Les gens ont été attirés par l’exposition avec une curiosité naturelle pour l’Afrique et le Zimbabwe en particulier.

L’exposition était composée de trois artistes Masimba Hwati, Chikonzero Chazunguza et Gareth Nyandoro. La vue d’ensemble des visiteurs du pavillon était de savoir à quel point les trois artistes ont fusionné. Bien que de nature et d’exécution individuelles, les travaux ont trouvé un terrain d’entente sur les questions de l’interrogation du consumérisme en relation avec la condition et l’existence humaines.

La plupart des visiteurs ont été intrigués par la série « Urban Totems » de Masimba Hwati qui traitait du concept des médias sociaux et de la façon dont ils modifiaient les perceptions des gens par rapport à leur identité. « Urban totems » examine la technologie dans une perspective africaine et internationale.

Gareth Nyandoro a eu des commentaires et des réponses incroyables de la part des visiteurs qui ont été fascinés par son approche du consommateur en engageant l’élément du vendeur de rue et les aspects de la culture et de la dynamique de la ville. Ses pièces telles que l’installation intitulée « mushikashika wevanhu », « 5 rand pakadoma » et « premier artiste de rue ». Les pièces sont massives et très délicates quand on les regarde. Le détail complexe qu’il utilise et invente pour être « la technique de la kucheka cheka ». Son accent étant mis sur la situation humaine et l’impact du commerce sur la nature humaine à un niveau existentialiste individualiste.

Chikonzero chazunguza possède un ensemble d’œuvres puissant qui sont à la fois des impressions et une installation vidéo. Chazunguza a une série intitulée « Présence du passé » qui engage l’élément historique du mouvement africain en relation avec la rencontre coloniale et comment le passé est un élément critique pour le présent et le présent. Il juxtapose des images de ceux qui ont initié la quête du Zimbabwe pour l’indépendance tels que Mbuya Nehanda et Sekuru Kaguvi et les relie au contexte zimbabwéen dans le Zimbabwe contemporain. « Gutsameso » est une installation vidéo qui se compose d’une diversité de produits de supermarché qui sont emballés dans des étagères et flashés à plusieurs reprises de manière publicitaire. Les visiteurs du pavillon du Zimbabwe se sont rapportés à cette installation avec une référence étroite à la façon dont les produits de base font partie intégrante de notre existence et comment l’industrie impose des produits aux gens. L’élément d’abondance et l’illusion d’une bonne vie.

Alors que la presse mondiale est trop souvent aveuglée par les stéréotypes et les clichés du passé politique zimbabwéen, dans le monde de l’art, le Zimbabwe trace tranquillement, calmement et en toute confiance une voie de stabilité et d’autodétermination, qui est un paradigme pour son avenir et un une contribution réfléchie à « All The World » s Futures « .

Pixels d’Ubuntu / Unhu
Pixels d’Ubuntu / Unhu. L’identité est profondément enracinée dans «Ubuntu / Unhu», car les philosophies derrière Ubuntu / Unhu sont des directives sociales standard qui guident naturellement l’objectivité humaine. La culture est un élément important pour connecter les gens à la fois au niveau régional, régional et international. C’est un élément naturel pour rassembler les gens afin de discuter d’idées et d’échanger pour le bien de leur communauté. Cela devient une partie très importante de l’identité africaine. L’impact existentialiste et social de l’artiste sur l’identité culturelle est très crucial pour le discours mondial. Un sentiment d’Ubuntu / Unhu et cette grande possibilité de voir le continent africain émerger dans le cadre d’un dialogue plus large. Nous le sommes parce que vous l’êtes, c’est pourquoi la philosophie Ubuntu / Unhu est importante pour nous tous. par Tafadzwa Gwetai

Les trois artistes vont concevoir un nouveau complexe d’œuvres, intégrant vidéo, estampes, dessins, objets et son pour les six galeries du Zimbabwe Pavilion.

Raphael Chikukwa Conservateur en chef
Raphael Chikukwa est né au Zimbabwe et a travaillé principalement comme conservateur indépendant pendant de nombreuses années avant de rejoindre la National Gallery of Zimbabwe mi-2010 en tant que conservateur en chef. Il est le conservateur fondateur du Zimbabwe Pavilion en 2010-2011 et a organisé le 1er et le 2e pavillon du Zimbabwe en 2011 et 2013 lors des 54e et 55e Biennales de Venise respectivement. Chikukwa a récemment organisé Basket Case II, une exposition itinérante, avec Christine Eyene. Il a participé à un certain nombre de forums, dont ICI Curatorial Intensive à Addis-Abeba 2014, Future Generation Art Prize Committee 2014 et Johannesburg Art Fair 2013 (SA). Chikukwa est également le coordinateur fondateur du 1er atelier et forum de conservation du Zimbabwe et a également contribué à un certain nombre de revues et de catalogues, notamment African Identities Journal, Savvy et Art South Africa, etc. MA Curating Contemporary Design de Kingston University London.

Tafadzwa Gwetai (conservateur adjoint) est un artiste visuel, peintre, sculpteur et conservateur émergent zimbabwéen qui utilise des médiums tels que la peinture à l’huile, le médium mixte et les objets trouvés. Gwetai est activement impliqué dans les arts depuis 2001. Il a participé à diverses expositions locales et internationales, dont Between the Sheets Artists Books (Gallery East, Australie) et l’exposition Color Africa (Munich). Il a également eu quatre expositions personnelles à ce jour, la plus récente étant «Con artist- The purpose of illusion» (2014) «Aesthetic Codes: When Science meets Art» (2012). Il réintroduit et redéfinit les mathématiques avec la science et la logique pour créer un nouveau langage. Un langage qui remet en question le cœur même de l’industrie et sa pertinence pour l’humanité. Il considère notre existence comme ayant été transformée en une documentation et un travail de papier basés sur la réalité virtuelle.

Tafadzwa Gwetai explore la condition humaine et comment l’humanité s’est redéfinie et son existence de base. Une philosophie existentialiste telle que celle de René Descartes et de Platon qui a remis en cause l’existence de l’homme et fondé le concept de « je pense donc je suis ». Cela a influencé sa ligne de pensée à celle de contester le but et le sens de l’existence de l’humanité.

Masimba Hwati
La série de dix pièces de Msimba Hwati fait que tous nos visiteurs apprécient qui nous sommes dans cette vie. La façon dont les symboles sont instantanément identifiables par des enfants aussi jeunes que deux à trois ans. Ceux-ci sont vraiment devenus nos totems urbains. Un totem étant un symbole qui identifie ceux qui existent par rapport à ce qui est dans notre entourage ou celui de qualité mythique. La série Masimba Hwati « Urban totems » a ce qui a été décrit par certains visiteurs comme étant « pop et pourtant en même temps être pertinentes pour notre ère numérique « L’élément d’utiliser le denim comme matière à imprimer a fasciné de nombreux visiteurs et artistes. L’idée du denim a été soulevée par un visiteur qui a expliqué comment « cela transcende le domaine de l’industrialisme et comment le denim en fait si constamment partie, mais en coulisses parce que nous le portons ». Le denim fait partie de nous depuis de nombreuses années et est un tissu utilisé dans l’industrie et la mode.

Façonner notre identité. Les totems dans les portraits donnent au visiteur et l’impression d’être sous une forme d’hypnose. Contrôlé par le totem et guidé pour voir. Guidé pour voir le monde d’une manière Whats app, Twitter, Google et KFC. La plupart des visiteurs se rapportent au concept d’Ubuntu / Unhu car ils observent comment les gens ne se parlent plus verbalement / directement. Une série agréable à parcourir pendant que les portraits vous regardent et vous rappellent que vous êtes aussi sur Whatsapp et Face Book et buvez également du coca cola. Notre moi urbain.

Masimba Hwati s’intéresse à la mémoire et à l’énergie des objets traditionnels et à l’espace qu’ils occupent dans le monde urbain. Son travail explore la transformation et l’évolution des systèmes de connaissances autochtones.

Le dialogue contenu dans son travail interroge la «pensée» derrière la pensée moderne d’aujourd’hui et explore les possibilités altruistes qui existent dans les cultures immatérielles

Masimba Hwati. Un aperçu du travail en exposition à la 56e Biennale de Venise 2015 Zimbabwe Pavilion. Pixels of Ubuntu / Unhu.Explorer les identités sociales et culturelles du 21e siècleMasimba Hwati a une série qui s’appelle « Urban Totems ». Sa série est le premier accroche-regard lorsque vous entrez dans le pavillon. Sa série s’est avérée être vraiment connectée avec la technologie et l’industrie au jour le jour et comment celles-ci ont un impact sur notre perception du monde. « Urban Totems » a réussi à se connecter avec un plus large éventail de visiteurs en termes d’âge. Des jeunes enfants qui peuvent déchiffrer instantanément des symboles tels que Twitter, Yahoo et Bart Simpson aux adultes qui peuvent interpréter l’impact agressif des pouvoirs des super-entreprises. Un véritable test sur l’impact réel de ces symboles sur le monde.

Hwati a un élément intéressant à son travail et ce sont les boutons qui sont placés à la base de presque chacune de ses séries « Urban Totems ». Celles-ci ont suscité une grande curiosité chez les visiteurs. Certains d’une génération plus ancienne peuvent se rapporter aux jeux auxquels ils jouaient avec des boutons. Le but était de lancer un bouton et de viser le cercle marqué. Si l’on vise bien, ils gagnent tous les boutons lancés. L’idée étant de confronter l’innocence des enfants à l’approche agressive des médias sociaux et de consommation. Une très forte série de dix pièces qui se rapporte immédiatement à un état d’existence actuel. Au nom de ce que nous appelons «progrès» et «développement», notre Ubuntu / Unhu est contesté.

Masimba dit: «Je regarde comment ces systèmes coexistent avec les paradigmes actuels. L’idée d ‘« incongruence harmonique »et de juxtaposition d’éléments culturels ésotériques avec le symbolisme traditionnel moderne est un facteur sous-jacent dans ce processus de pensée.

Sa série de totems urbains se demande si la pixellisation de la technologie de notre Ubuntu / Unhu a amélioré ou déformé notre humanité.

Gareth Nyandoro
Lorsque des œuvres ou des arts sont créés, ils prennent de nouvelles significations qui continuent à faire grandir le concept. Gareth Nyandoro a amené des gens dans les rues de Harare. L’idée de vivre un son qui n’est pas imposant car on connaît la source. L’installation a un enregistrement continu qui se répète et ce seront les sons d’un vendeur de rue criant «dollar pour deux». Le son est mélangé avec des sons de ville urbaine que l’on trouve dans les zones de marché.

Gareth Nyandoro l’a toujours emmené dans la rue avec ses sujets. Cela me rappelle son travail de « stars de la sucette ». Un regard très attentif sur la culture de la rue et la survie de l’homme urbain. L’œuvre revendique son propre espace de la même manière que les points de vente temporaires sont installés.

Un individu peut revendiquer une zone ou un espace dans la «jungle de béton» malgré le fait qu’ils ne sont jamais permanents. Une existence constante où la police ou la mairie vous chassent constamment des espaces publics du centre-ville. Une existence passagère où l’on est constamment en mouvement.

« First Street performer » est une œuvre d’art qui a amené les visiteurs à prêter attention à l’artisanat et au sujet. Le détail qui attire d’abord le visiteur dans le travail est la compétence incroyable et hautement technique. Le papier est découpé en fines bandes et réorganisé. Construit, déconstruit puis reconstruit. Le premier artiste de rue a des visiteurs qui se connectent avec leurs propres premières rues d’où ils viennent et si cela pourrait fonctionner d’avoir un artiste dans leur première rue. L’idée centrale étant de savoir comment les gens sont pris dans un cycle urbain essayant de survivre et de se faire remarquer et apprécier. L’installation est seule dans sa propre pièce. Comme pour revendiquer son espace à Venise et dire « c’est là que j’installe ma boutique / » Mushikashika wavanhu « .

Gareth Nyandoro combine des images de vendeurs avec des matériaux trouvés qu’il traite en utilisant des variations idiosyncratiques sur les techniques artisanales traditionnelles. Il tente de simuler l’environnement du marché en combinant des collages bidimensionnels avec des objets tridimensionnels. La qualité fragile et éphémère de son œuvre fait référence au caractère temporaire du marché. Les installations de Gareth rassemblent les composants bidimensionnels et tridimensionnels à travers le dessin, les accessoires et les objets pour créer des œuvres reflétant ses recherches en relation avec l’espace, la narration ou la narration, et les matériaux lorsqu’ils sont modifiés et transférés.

Gareth Nyandoro. Un aperçu du travail en exposition à la 56e Biennale de Venise 2015 Zimbabwe Pavilion. Pixels of Ubuntu / Unhu.Explorer les identités sociales et culturelles du 21e siècle Le détail et la technique minutieuse mis en œuvre par Nyandoro ont captivé l’attention de nombreux visiteurs. De loin, le spectateur voit une immense peinture qui présente des contours et des formes de personnes visibles.

Ses quatre pièces « Ihohoho namadzibaba Ishmairi », « First street performer », « 5 rand pa Kadoma pamushika shika » et Zvikwedengu nezvinamira. L’élément de la culture de rue est déduit par le visiteur quel que soit le titre Shona. Son travail a été décrit comme puissant mais en même temps possédant une nature délicate. L’idée de la nature éphémère de la vie dans les rues en tant qu ‘«artiste de rue» engage le spectateur à se rapporter à une vie d’existence urbaine. culture qu’il dépeint. Une culture de rue qui engage notre existence par rapport aux circonstances définies par le commerce. Comment le produit à vendre définit l’existence du vendeur et comment le produit définit celle de l’acheteur.

Il tisse avec du papier. Nyandoro produit des impressions non pas en utilisant une plaque de cuivre gravée, mais en coupant directement dans le papier, en épongeant de l’encre dessus et en retirant finalement la couche supérieure de papier avec du ruban adhésif afin que l’encre ne reste que dans les coupes. Une technique qu’il appelle «KUCHEKACHEKA».

Chikonzero Chazunguza
L’idée de ce qui semble être ou de ce qui semble être est intimement liée au sens de la série « Past and Presence » de Chikonzero Chazunguza. Les visiteurs de tous les coins du monde partagent une préoccupation similaire avec Chikonzero Chazunguza. L’élément de la diaspora est engagé car ils ont une histoire qui n’a rien à voir avec celle de l’Afrique. Il y a ceux qui ont des lignées familiales qui ont existé pendant de nombreuses générations dans la diaspora et, en substance, leurs ancêtres y sont enterrés.Certains visiteurs d’Amérique ont posé une question qui m’a fait réfléchir et voir la série de Chazunguza avec une perspective nouvelle.

L’idée d’un passé incertain que ressentent les Afro-Américains ou ceux du Brésil et les gens de nombreuses autres origines ethniques indigènes. Ils ont l’impression qu’un passé qui n’est pas concret et un passé qui leur a été créé par la conquête coloniale les rend incertains de l’avenir. L’élément du «passé et du présent». Dans la plupart des cas, le passé n’est pas dans le présent, car certains choisissent d’ignorer un passé et de se concentrer sur un avenir qui découlerait du « présent ». Chazunguza est ferme et clair quant à sa position quant à l’engagement d’éléments de l’histoire et de la tradition. Une approche qu’il a su garder cohérente tout au long de sa vie créative. Dans un monde avec des changements sociaux constants et une recherche spirituelle.

Chikonzero (Chiko) Chazunguza est un artiste visuel et provocateur, dont les œuvres multidisciplinaires soulèvent des questions de recherche sur la condition postcoloniale et sur le rôle instable et la nature de l’art dans son contexte postcolonial. Parmi ses œuvres les plus convaincantes figurent celles qui réinstaurent pour le spectateur, un sens de l’ordre rituel et des mystères plus profonds de la vie, aux côtés d’analyses sociales et politiques incisives mais subtiles. Chiko se propose délibérément de renouer avec les modes de fabrication locaux et la visualisation, en explorant leurs domaines de chevauchement esthétique avec les traditions occidentales pour produire de nouvelles formes visuelles et de nouveaux types d’expériences visuelles.

Lorsque des œuvres ou des arts sont créés, ils prennent de nouvelles significations qui continuent à faire croître le concept.Chikonzero Chazunguza est vraiment resté profondément au cœur de la plupart des visiteurs qui ont vécu un passé qui était socialement et colonialement difficile. La série du passé et de la présence séduit les personnes qui ont des pays qui ont des langues autochtones mourantes. Un jeune homme de l’Irlande pourrait se rapporter à l’élément d’un passé qui n’est pas nécessairement «présent». L’Irlande et de nombreux autres pays tels que les visiteurs du Brésil et de l’Australie sont passionnés par le sujet. La perte de la langue est la première étape pour perdre son identité et ainsi assumer une nouvelle identité qui ne fait référence qu’au maintenant.

« Chimanjemanje » est une pièce de Chazunguza qui a pris le niveau de ce que nous connaissons comme étant de l’encre sur du papier. « Chimanjemanje » a attiré l’attention du visiteur curieux qui se rapproche pour évaluer le travail qu’il est en train de tisser dans l’impression. L’impression se compose de papier entrelacé avec des canettes de boissons rafraîchissantes et leurs étiquettes et codes à barres révélés mais stratégiquement comme de la vannerie. L’idée de « Chimanjemanje » qui se traduit par signifier le « moderne ». La plupart des œuvres d’art de 122 cm et 181 cm sont tissées en carrés miniatures. Au-dessus de chaque carré est l’impression d’une tête donc chaque carré représentant le portrait buste d’une personne. Peu à peu, vous voyez un réseau de personnes dans cette création qui ressemblait initialement au tissage de marques de boissons gazeuses. «Des pixels? Non ? » Un visiteur me demande en pointant du doigt la création de Chazunguza. Comme les pixels, qui sont la petite composante individuelle d’une image. « Chimanjemanje » parle de la nouvelle identité dans laquelle nous sommes en train de changer et est portée par des marques commerciales. « Chimanjemanje », les gens modernes. Être détourné par une qualité de vie à la mode et ignorer ses racines / origines.

Dans ses peintures, estampes ainsi que dans ses installations, il est connu pour expérimenter avec une variété de matériaux, y compris des objets de la vie quotidienne africaine, des questions difficiles des conditions coloniales subtiles en Afrique sur la distribution des terres, l’insécurité alimentaire, la dégradation de la spiritualité indigène, traditionnelle ordre et rituels.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les voies par lesquelles, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches. dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.