A Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim (GAM), em comemorar a coleção cívica que comemora 150 anos desde a sua criação, propõe quatro novos temas para uma reinterpretação diferente de suas obras-primas: a terceira nomeação de uma jornada, quando o museu é completamente renovado o layout de suas coleções permanentes, abandonando o critério cronológico e ordenando as obras em ordem temática, segundo um método que envolve a rotação do patrimônio, mais de 47.000 pinturas, desenhos, esculturas, instalações e vídeos, com a possibilidade de distribuir de acordo com modelos interpretativos transversais e, assim, redescobrindo obras-primas que não são exibidas há algum tempo.

As duas produções anteriores (em 2009 e 2011) envolveram oito expoentes diferentes do pensamento italiano: Gênero, Visão, Infância e Especularidade; Alma, Informação, Melancolia e Linguagem são os oito temas propostos até agora. A natureza estimulante dessa escolha prevê uma duração transitória: o layout temático deve poder ser renovado periodicamente, dando espaço a novas inspirações. É por isso que hoje o museu muda novamente, usando o mesmo esquema e envolvendo quatro novos profissionais: o professor de estética Federico Vercellone, o famoso arquiteto Massimiliano Fuksas, o presidente da FIAT John Elkann, a escritora e jornalista Luciana Castellina. Ifinito, Velocidade, Natureza e Ética são os percursos escolhidos, que seguem os quatro corredores do primeiro e segundo andares, apresentando algumas obras-primas já exibidas,

O primeiro andar do museu abriga o Infinito, um tema proposto por Federico Vercellone, professor de estética da Universidade de Turim, que escreve em seu texto: “O infinito é dito de várias maneiras. É a imensidão dos espaços celestes, é a infinidade da série numérica, a do amor, e ainda existem muitas outras. “Dessa forma, é abordado um tema que contempla categorias de investigação como, entre outras coisas,” caos, tornar-se ilimitado “. A obra de arte responde a essa investigação entre o finito e o infinito, tornados tangíveis na imaginação romântica. por paisagens que lembram a categoria do sublime, com cenários majestosos, cheios de drama como, por exemplo, o desbaste de uma tempestade por Giuseppe Camino.

O Espelho da Lifedi Pellizza da Volpedo mostra uma procissão de ovelhas que se destaca no horizonte distante. Passamos então do azul de Yves Klein, concebido como a cor do absoluto, para o branco de Piero Manzoni, considerado pelo artista uma não-cor que cria uma sensação de vazio, um nada que ultrapassa a ideia do infinito. aos cortes e buracos de Lucio Fontana, que traz a imaginação a algo “outro”, intangível e indefinível, que se encontra além da tela. O espelhamento multiplica a imagem e faz com que ela se estenda até o infinito; por esse motivo, uma sala é dedicada às famosas superfícies espelhadas de Michelangelo Pistoletto. Finalmente, a realidade às vezes se transforma em um sonho, que percebemos nas paisagens majestosas de Humbaba e Einschüsse por Anselm Kiefer.

O novo itinerário da exposição continua no primeiro andar, com a galeria dedicada à velocidade, tema proposto por John Elkann, presidente da FIAT, que afirma: “A relação entre homem e velocidade é um tema moderno e ao mesmo tempo muito antigo”. . A velocidade “condiciona a ação e o pensamento, segue um ritmo tão rápido que supera a natureza, tendendo ao infinito”.

Começa com o prólogo dedicado à pintura do século XIX, que abriga as pinceladas “desgrenhadas” e rápidas das obras-primas de Tranquillo Cremona Benedetto Junck e L’edera, para continuar na sala ao lado com pinturas modernas, onde Hans Hartung e Karel Appel como uma pintura de sinal, que deixa traços impetuosos na tela. Atravessando a velocidade contada pelo acidente de carro de Andy Warhol e a grande roda de cadeiras de Marc Andrè Robinson, você chega à sala dedicada ao ritmo, com a repetição dos sinais abstratos de Giuseppe Capogrossi e Carla Accardi. O futurismo, que tornou a velocidade a base de seu manifesto, está representado na sala dedicada às interpenetrações iridescentes de Giacomo Balla, ao lado do estudo de Umberto Boccioni para a cidade que sobe. O passeio termina com o principal símbolo de velocidade:

O segundo andar parte do corredor e é dedicado à ética, tema proposto pelo famoso arquiteto Massimiliano Fuksas. O prólogo dedicado às obras do século XIX reúne pinturas nas quais o tema ético se opõe à visão do seu oposto. O mal relatado após o duelo de Antonio Mancini e a célula de loucura de Giacomo Grosso, portanto, atua como um contraponto à visão do bem absoluto, expressa com a ação moral de renunciar ao trono papal descrito na Deposição do Papa Silverio por Cesare Maccari.

A ética ligada à arquitetura e ao meio ambiente, uma reflexão sobre a qual o texto de Fuksas se baseia, está representada na segunda sala, onde as esculturas de Giuseppe Uncini em concreto reforçado misturado com ferro parecem querer denunciar a fúria do homem no território; relatar que um Natal! No Pio Albergo Trivulzio, de Angelo Morbelli, ele desespera a triste e anônima sala de hospitalização dos pobres.

A paisagem urbana é finalmente resumida no trabalho de Mario Sironi como no de Marco Tirelli, que delineia com linhas essenciais uma paisagem densa feita de vertical e horizontal. Um sopro de otimismo oferece a Nicola de Maria mais à frente do que com seu musical reino das flores, o Universo sem bombas inunda o caminho da cor e da música e depois desaparece mais tarde com as instalações perturbadoras de Christian Boltanski. Continua com as obras-primas de Amedeo Modigliani e Antonio Canova, juntamente com uma recente aquisição de Marina Abramović.

Passamos então por salas nas quais são exibidas obras que se referem à ética da história (Marino Marini e Luigi Mainolfi) até chegarmos à sala dedicada às obras de Felice Casorati. Termina com a ética religiosa representada pela religião de Innocenzo Spinazzi, Apocalypse de Scipio e Schüttbild de Hermann Nitsch.

O caminho termina com o tema Natureza proposto pela escritora e jornalista Luciana Castellina, que descreve a própria natureza como um “conceito superabundante e metafísico: na natureza estamos dentro, mas não realmente. E há milênios discutimos onde estamos. relação com você. ”

O prólogo do século XIX é inteiramente dedicado à natureza nostálgica, romântica e literária de Antonio Fontanesi, em meio a atmosferas rurais onde o tempo parece suspenso e marcado pelo único ritmo de vegetação e luz. Passando pelo espaço que investiga a representação de elementos naturais essenciais (ar, água, terra e fogo) com o louvor de Eduardo Chillida e a flor de chamas de José Maria Sicilia em estreito diálogo com as naturezas-mortas de Filippo de Pisis e Mario Mafai, continuamos na sala dedicada a Alberto Burri e Medardo Rosso, artistas que, mesmo em diferentes períodos, caracterizaram suas pesquisas com o uso de materiais orgânicos e naturais.

Os artistas da Arte Povera, representados na sala ao lado com as obras de Mario Merz, Giuseppe Penone e Gilberto Zorio, refletem com suas obras sobre os processos de transformação da natureza: desde o crescimento biológico espontâneo da Árvore Penone de 5 metros até o análise dos processos alquímicos da estrela em bronze com ácidos e pergaminho de Zorio. A natureza “mecânica” ou artificial torna-se predominante na arte de Fortunato Depero, Alberto Savinio e Fernand Leger, cuja poética é combinada com obras mais recentes, como as esculturas de poliuretano de Piero Gilardi e a recente compra do museu: Doppelpilzvitrine (vitrine com cogumelos duplos) de Carsten Höller.

Após uma passagem em que encontramos o retorno às origens primordiais da natureza como uma divindade feminina representada pela imponente escultura de Arturo Martini, juntamente com as representações em estilo informal das paisagens de Renato Birolli e Ennio Morlotti, a jornada termina com dimensão física e metafísica da natureza morta com salame de Giorgio De Chirico em comparação com o cenário barroco das quatro mesas de Sissi, aquisições recentes.

Histórico da coleção
Torino foi a primeira cidade italiana a promover uma coleção pública de arte moderna como parte integrante de seu Museu Cívico, que foi inaugurado em 1863. As coleções foram originalmente alojadas com as coleções de arte antigas em um edifício próximo à Mole Antonelliana.

Em 1895, eles foram transferidos para um prédio próximo ao corso Siccardi (agora corso Galileo Ferraris), que havia sido construído anos antes para uma exposição de arte e onde permaneceu até 1942.

Após a destruição do edifício durante a Segunda Guerra Mundial, o edifício atual, projetado por Carlo Bassi e Goffredo Boschetti, foi erguido no mesmo local e foi inaugurado em 1959. O edifício tornou-se inutilizável no início dos anos 80 e foi novamente aberto ao público. em 1993, após extensa reconstrução.

Atualmente, as coleções compreendem mais de 45.000 obras, incluindo pinturas, esculturas, instalações e fotografias, além de uma extensa coleção de desenhos e gravuras e uma das mais importantes coleções europeias de filmes e vídeos de arte. Com base nessa variedade de participações, o GAM mantém seu compromisso original com a pesquisa contemporânea e promove a interação contínua entre suas obras históricas e o debate cultural contemporâneo, desenvolvendo seu programa de exposições com o objetivo de vincular estreitamente os dias atuais e os históricos. coleções.

Os trabalhos da coleção foram organizados e alterados ao longo do tempo, para que os visitantes possam redescobrir as coleções e atualizar sua abordagem analítica às suas obras-primas. Portanto, o trabalho dos principais artistas italianos do século XIX, como Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo e Medardo Rosso, e de artistas do século XX, como Morandi, Casorati, Martini e De Pisis, pode retornar ao tempo presente e mostrar sua profundidade através de comparações estreitas com obras de vanguardas internacionais do passado, das quais o Museu possui exemplos importantes que vão de Max Ernst a Paul Klee e Picabia. Também possui obras de novas vanguardas do pós-Segunda Guerra Mundial e uma das mais extensas coleções de Arte Povera, incluindo obras de Paolini, Pistoletto, Zorio Anselmo, Boetti, Penone e obras de arte contemporânea,

Obras em destaque

Pinturas

A morte do conde Josselin di Montmorency (1825), de Massimo D’Azeglio
Pietro Micca (1858), de Andrea Gastaldi
Retrato de Giuseppe Antonio Petrolini (1802 – 1804), por Giuseppe Mazzola
Retrato de Carolina Zucchi (A Mulher Doente) (1825), por Francesco Hayez
Retrato do Filho do Artista (1885), de Pierre-Auguste Renoir
A menina ruiva (1915), de Amedeo Modigliani
Orange Car Crash (1963), de Andy Warhol
O Batismo (1930), de Antonio Donghi
Surface 141 (1955), de Giuseppe Capogrossi
Banhista ao sol (Ariadne Abandoned) (1931), de Giorgio de Chirico

Esculturas

Young Beethoven (1874), de Giuseppe Grandi
Safo (Herm de Safo) (1819-1820, por Antonio Canova
A religião (1794), de Innocenzo Spinazzi
Escravo (1877), de Giacomo Ginotti
Aetas aurea (1904 – 1908), de Medardo Rosso
Homenagem a Billie Holiday (1964), de Pino Pascali
Paisagem Lunar (1959), de Louise Nevelson
Jovem (Homem sentado-jovem) (1930), de Arturo Martini
Red Mobile (1961), de Alexander Calder
Retrato em relevo de Claude Pascal (1962), de Yves Klein

Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim
A Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim está localizada na Via Magenta 31, em Turim, Itália. Foi fundada por volta de 1891 a 95. Abriga as coleções artísticas permanentes dos séculos XIX e XX. Faz parte da Fundação Torino Musei, que também inclui o MAO (Museu de Arte Oriental), o Palazzo Madama e a Casaforte degli Acaja (Museu Cívico de Arte Antiga), a vila medieval e a fortaleza.

O GAM – a Galeria Cívica de Artes Modernas e Contemporâneas – é o mais antigo museu de arte moderna da Itália. Desde a abertura ao público em 1863, numerosas obras-primas foram adicionadas às suas coleções ao longo do tempo. Atualmente, as coleções da GAM compreendem mais de 47.000 obras, desde pinturas e esculturas a instalações e arte fotográfica, além de uma rica coleção de desenhos e gravuras, e uma das maiores coleções de filmes e vídeos de artistas da Europa.

Com base nessa herança, a GAM continua a implementar seu compromisso original com a pesquisa contemporânea, vinculando constantemente suas obras históricas ao debate cultural de hoje e garantindo que o programa de exposições esteja intimamente relacionado às coleções. Os trabalhos das coleções são exibidos em agrupamentos temáticos que mudam com o tempo, garantindo que os visitantes sempre vejam as coleções de um novo ângulo e possam fazer uma nova análise das obras-primas da Galeria.

Obras dos principais artistas italianos do século XIX, como Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo e Medardo Rosso, e dos mestres do século XX, incluindo Morandi, Casorati, Martini e De Pisis, recuperaram sua capacidade de falar com o presente, e mostrar toda a sua complexidade a par das obras das vanguardas internacionais históricas, exemplos notáveis ​​também estão na coleção: de Max Ernst a Paul Klee e Picabia, além de obras da nova vanguarda do pós-guerra movimentos -garde, com uma das maiores coleções de Arte Povera – incluindo obras de Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone e Pistoletto -, mas também a atual produção artística à qual o GAM dedica amplo espaço expositivo.