Die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst von Turin (GAM) feiert anlässlich des 150-jährigen Bestehens der Bürgerkollektion vier neue Themen für eine andere Neuinterpretation ihrer Meisterwerke: die dritte Ernennung einer Reise, bei der das Museum vollständig erneuert wurde das Layout seiner ständigen Sammlungen, das Aufgeben des chronologischen Kriteriums und das Ordnen der ausgestellten Werke in thematischer Reihenfolge nach einer Methode, die die Rotation des Erbes umfasst, über 47.000 Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Installationen und Videos mit der Möglichkeit der Verteilung es nach transversalen Interpretationsmodellen und damit die Wiederentdeckung von Meisterwerken, die seit einiger Zeit nicht mehr ausgestellt wurden.

Die beiden vorherigen Produktionen (2009 und 2011) umfassten acht verschiedene Vertreter des italienischen Denkens: Geschlecht, Sichtweise, Kindheit und Spekularität; Seele, Information, Melancholie und Sprache sind die acht bisher vorgeschlagenen Themen. Der anregende Charakter dieser Wahl sorgt für eine vorübergehende Dauer: Das thematische Layout muss regelmäßig erneuert werden können, um neuen Inspirationen Raum zu geben. Aus diesem Grund ändert sich das Museum heute wieder nach demselben Schema und unter Einbeziehung von vier neuen Fachleuten: dem Professor für Ästhetik Federico Vercellone, dem berühmten Architekten Massimiliano Fuksas, dem Präsidenten von FIAT John Elkann, der Schriftstellerin und Journalistin Luciana Castellina. I nfinito, Speed, Nature und Ethicsthey sind die gewählten Routen, die den vier Korridoren des ersten und zweiten Stocks folgen und einige bereits ausgestellte Meisterwerke präsentieren.

Im ersten Stock des Museums befindet sich der Infinito, ein Thema, das Federico Vercellone, Professor für Ästhetik an der Universität Turin, vorgeschlagen hat und der in seinem Text schreibt: „Das Unendliche wird auf viele Arten gesagt. Es ist die Unermesslichkeit der Himmelsräume, es ist die Unendlichkeit der numerischen Reihen, die der Liebe, und es gibt noch viele andere. „Auf diese Weise wird ein Thema angesprochen, das Untersuchungskategorien wie unter anderem“ Chaos, Werden, Unbegrenzt „berücksichtigt. Das Kunstwerk reagiert auf diese Untersuchung zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen, die in der romantischen Vorstellung greifbar gemacht wird durch Landschaften, die an die Kategorie des Erhabenen erinnern, mit majestätischen Szenarien voller Drama, wie zum Beispiel die Ausdünnung eines Sturms durch Giuseppe Camino.

Der Spiegel von Lifedi Pellizza da Volpedo zeigt eine Schafprozession, die sich vom fernen Horizont abhebt. Wir bewegen uns dann vom Blau von Yves Klein, das als Farbe des Absoluten gedacht ist, zum Weiß von Piero Manzoni, der vom Künstler als Nichtfarbe betrachtet wird, die ein Gefühl der Leere erzeugt, ein Nichts, das die Idee der Unendlichkeit aufwirbelt zu den Schnitten und Löchern von Lucio Fontana, der die Phantasie zu etwas „anderem“ bringt, immateriell und undefinierbar, das jenseits der Leinwand liegt. Die Spiegelung vervielfacht das Bild und lässt es bis ins Unendliche dehnen. Aus diesem Grund ist ein Raum den berühmten Spiegelflächen von Michelangelo Pistoletto gewidmet. Schließlich verwandelt sich die Realität manchmal in einen Traum, den wir in den majestätischen Landschaften Humbaba und Eingüsse von Anselm Kiefer wahrnehmen.

Der neue Ausstellungsplan wird im ersten Stock fortgesetzt. Die Galerie ist der Geschwindigkeit gewidmet, ein Thema, das von John Elkann, Präsident von FIAT, vorgeschlagen wurde. Er sagt: „Die Beziehung zwischen Mensch und Geschwindigkeit ist ein modernes und gleichzeitig sehr altes Thema.“ . Geschwindigkeit „bedingt Handeln und Denken, folgt einem Rhythmus, der so schnell ist, dass er die Natur überwindet und zur Unendlichkeit neigt“.

Es beginnt mit dem Prolog, der der Malerei des 19. Jahrhunderts gewidmet ist und die „zerzausten“ und schnellen Pinselstriche der Meisterwerke von Tranquillo Cremona Benedetto Junck und L’edera enthält, um dann im nächsten Raum mit modernen Gemälden fortzufahren, in denen Hans Hartung und Karel zu sehen sind Appel als Zeichenmalerei, die ungestüme Spuren auf der Leinwand hinterlässt. Wenn Sie die Geschwindigkeit des Autounfalls von Andy Warhol und das große Stuhlrad von Marc Andrè Robinson durchgehen, erreichen Sie den Raum, der dem Rhythmus gewidmet ist, mit der Wiederholung der abstrakten Zeichen von Giuseppe Capogrossi und Carla Accardi. Der Futurismus, der die Geschwindigkeit zur Grundlage seines Manifests gemacht hat, ist in dem Raum vertreten, der Giacomo Ballas schillernden Durchdringungen gewidmet ist, neben Umberto Boccionis Studie für die aufstrebende Stadt. Die Tour endet mit dem Hauptsymbol der Geschwindigkeit:

Der zweite Stock beginnt am Korridor und ist der Ethik gewidmet, ein Thema, das vom berühmten Architekten Massimiliano Fuksas vorgeschlagen wurde. Der Prolog, der Werken des 19. Jahrhunderts gewidmet ist, sammelt Gemälde, in denen das ethische Thema der Vision seines Gegenteils entgegengesetzt ist. Das Böse, das nach dem Duell von Antonio Mancini und Giacomo Grossos Wahnsinnszelle erzählt wurde, ist daher ein Kontrapunkt zur Vision des absoluten Guten, ausgedrückt durch die moralische Handlung, auf den in der Absetzung von Papst Silverioby Cesare Maccari beschriebenen päpstlichen Thron zu verzichten.

Die Ethik, die mit Architektur und Umwelt verbunden ist und auf der Fuksas ‚Text basiert, ist im zweiten Raum vertreten, in dem Giuseppe Uncinis Skulpturen aus rauem Stahlbeton, gemischt mit Eisen, die Wut des Menschen auf dem Territorium anprangern wollen. berichten, dass A Christmas! Bei Pio Albergo Trivulzio von Angelo Morbelli verzweifelt er über den traurigen und anonymen Raum der Krankenhauseinweisung für die Armen.

Die Stadtlandschaft wird schließlich in der Arbeit von Mario Sironi wie in der von Marco Tirelli zusammengefasst, die mit wesentlichen Linien eine dichte Landschaft aus vertikal und horizontal umreißt. Ein Hauch von Optimismus bietet Nicola de Maria weiter als mit seinem musikalischen Königreich der Blumen. Das Universum ohne Bomben überschwemmt den Weg der Farbe und Musik und verblasst später mit den verstörenden Installationen von Christian Boltanski. Es geht weiter mit den Meisterwerken von Amedeo Modigliani und Antonio Canova sowie einer kürzlich erfolgten Übernahme durch Marina Abramović.

Wir gehen dann durch Räume, in denen Werke ausgestellt sind, die sich auf die Ethik der Geschichte beziehen (Marino Marini und Luigi Mainolfi), bis wir den Raum erreichen, der den Werken von Felice Casorati gewidmet ist. Es endet mit der religiösen Ethik, die Innocenzo Spinazzis Religion, Scipios Apokalypse und Hermann Nitschs Schüttbild vertreten.

Der Weg endet mit dem Thema Natur, das von der Schriftstellerin und Journalistin Luciana Castellina vorgeschlagen wurde, die die Natur selbst als „überreichliches und metaphysisches Konzept“ beschreibt: In der Natur sind wir im Inneren, aber nicht wirklich. Und seit Jahrtausenden diskutieren wir, wo wir uns befinden Beziehung zu dir. “

Der Prolog aus dem 19. Jahrhundert widmet sich ganz der nostalgischen, romantischen und literarischen Natur von Antonio Fontanesi inmitten ländlicher Atmosphären, in denen die Zeit unterbrochen und von dem einzigen Rhythmus von Vegetation und Licht geprägt zu sein scheint. Durchqueren Sie den Raum, der die Darstellung wesentlicher natürlicher Elemente (Luft, Wasser, Erde und Feuer) mit dem Lob des Feuers von Eduardo Chillida und der Flammenblume von José Maria Sicilia im engen Dialog mit den Stillleben von Filippo de Pisis und Mario untersucht Mafai, wir fahren in dem Raum fort, der Alberto Burri und Medardo Rosso gewidmet ist, Künstlern, die ihre Forschung auch in verschiedenen Epochen mit der Verwendung organischer und natürlicher Materialien charakterisiert haben.

Die Künstler von Arte Povera, die im Nebenzimmer mit den Werken von Mario Merz, Giuseppe Penone und Gilberto Zorio vertreten sind, reflektieren mit ihren Arbeiten die Prozesse der Transformation der Natur: vom spontanen biologischen Wachstum des Penone-Baumes von 5 Metern bis zum Analyse der alchemistischen Prozesse des Sterns in Bronze mit Säuren und Pergament von Zorio. Die „mechanische“ oder künstliche Natur wird in der Kunst von Fortunato Depero, Alberto Savinio und Fernand Leger vorherrschend, deren Poetik mit neueren Werken kombiniert wird, wie den Polyurethanskulpturen von Piero Gilardi und dem jüngsten Kauf des Museums: Doppelpilzvitrine (Schaufenster mit Doppelpilze) von Carsten Höller.

Nach einer Passage, in der wir die Rückkehr zu den ursprünglichen Ursprüngen der Natur als weibliche Göttlichkeit finden, die durch die imposante Skulptur von Arturo Martini repräsentiert wird, zusammen mit den informellen Darstellungen der Landschaften von Renato Birolli und Ennio Morlotti, endet die Reise mit dem physikalische Dimension und Metaphysik des Stilllebens mit Salami von Giorgio De Chirico im Vergleich zum Barock-Szenario von Sissis 4 gedeckten Tischen, kürzlich erworben.

Sammlungsgeschichte
Turin war die erste italienische Stadt, die eine öffentliche Sammlung moderner Kunst als integralen Bestandteil ihres 1863 eröffneten Stadtmuseums förderte. Die Sammlungen befanden sich ursprünglich zusammen mit den alten Kunstsammlungen in einem Gebäude in der Nähe der Mole Antonelliana.

1895 wurden sie in ein Gebäude in der Nähe des Corso Siccardi (heute Corso Galileo Ferraris) verlegt, das Jahre zuvor für eine Kunstausstellung erbaut worden war und wo sie bis 1942 blieben.

Nach der Zerstörung des Gebäudes während des Zweiten Weltkriegs wurde das von Carlo Bassi und Goffredo Boschetti entworfene Gebäude an derselben Stelle errichtet und 1959 eingeweiht. Das Gebäude wurde später in den frühen 1980er Jahren unbrauchbar und wieder der Öffentlichkeit zugänglich gemacht 1993 nach umfangreicher Sanierung.

Die Sammlungen umfassen derzeit über 45.000 Werke, darunter Gemälde, Skulpturen, Installationen und Fotografien sowie eine umfangreiche Sammlung von Zeichnungen und Stichen und eine der wichtigsten europäischen Sammlungen von Kunstfilmen und -videos. Aufgrund dieser Reihe von Beständen hält das GAM an seinem ursprünglichen Engagement für zeitgenössische Forschung fest und fördert die kontinuierliche Interaktion zwischen seinen historischen Werken und der zeitgenössischen kulturellen Debatte, indem es sein Ausstellungsprogramm entwickelt, um die Gegenwart und das Historische eng miteinander zu verbinden Sammlungen.

Die Werke der Sammlung wurden arrangiert und ändern sich im Laufe der Zeit, sodass Besucher die Sammlungen wieder entdecken und ihre analytische Herangehensweise an ihre Meisterwerke auffrischen können. Daher können die Werke der wichtigsten italienischen Künstler des 19. Jahrhunderts wie Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo und Medardo Rosso sowie der Künstler des 20. Jahrhunderts wie Morandi, Casorati, Martini und De Pisis in die Gegenwart zurückkehren und ihre Tiefe zeigen durch enge Vergleiche mit Werken vergangener internationaler Avantgarden, von denen das Museum wichtige Beispiele von Max Ernst bis Paul Klee und Picabia enthält. Es enthält auch Werke aus neuen Avantgarden der Nachkriegszeit und eine der umfangreichsten Sammlungen von Arte Povera, darunter Werke von Paolini, Pistoletto, Zorio Anselmo, Boetti, Penone sowie zeitgenössische Kunstwerke.

Highlights funktioniert

Gemälde

Der Tod des Grafen Josselin di Montmorency (1825) durch Massimo D’Azeglio
Pietro Micca (1858), von Andrea Gastaldi
Porträt von Giuseppe Antonio Petrolini (1802 – 1804), von Giuseppe Mazzola
Porträt von Carolina Zucchi (Die kranke Frau) (1825), von Francesco Hayez
Porträt des Künstlersohnes (1885), von Pierre-Auguste Renoir
Das rothaarige Mädchen (1915) von Amedeo Modigliani
Orange Car Crash (1963) von Andy Warhol
Die Taufe (1930) von Antonio Donghi
Surface 141 (1955) von Giuseppe Capogrossi
Badender in der Sonne (Ariadne Abandoned) (1931) von Giorgio de Chirico

Skulpturen

Der junge Beethoven (1874) von Giuseppe Grandi
Sappho (Herm von Sappho) (1819 – 1820, von Antonio Canova
Die Religion (1794), von Innocenzo Spinazzi
Sklave (1877), von Giacomo Ginotti
Aetas aurea (1904 – 1908) von Medardo Rosso
Hommage an Billie Holiday (1964) von Pino Pascali
Mondlandschaft (1959), von Louise Nevelson
Junger Mann (Sitzen-Junger Mann) (1930), von Arturo Martini
Red Mobile (1961) von Alexander Calder
Porträtrelief von Claude Pascal (1962), von Yves Klein

Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin
Die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin befindet sich in der Via Magenta 31 in Turin, Italien. Es wurde zwischen 1891 und 95 gegründet. Es beherbergt die ständigen Kunstsammlungen des 19. und 20. Jahrhunderts. Es ist Teil der Stiftung Torino Musei, zu der auch das MAO (Orientalisches Kunstmuseum), der Palazzo Madama und das Casaforte degli Acaja (Bürgermuseum für antike Kunst), das mittelalterliche Dorf und die Festung gehören.

GAM – die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst – ist Italiens ältestes Museum für moderne Kunst. Seit der Eröffnung im Jahr 1863 wurden im Laufe der Zeit zahlreiche Meisterwerke in seine Sammlungen aufgenommen. Gegenwärtig umfassen die Sammlungen von GAM über 47.000 Werke, von Gemälden und Skulpturen über Installationen und Fotokunst bis hin zu einer reichen Sammlung von Zeichnungen und Stichen und einer der größten Film- und Videosammlungen von Künstlern in Europa.

Aufgrund dieses Erbes setzt GAM sein ursprüngliches Engagement für die zeitgenössische Forschung fort, indem es seine historischen Werke ständig mit der heutigen kulturellen Debatte verknüpft und sicherstellt, dass das Ausstellungsprogramm eng mit den Sammlungen korreliert. Werke aus den Sammlungen werden in thematischen Gruppierungen ausgestellt, die sich im Laufe der Zeit ändern. So wird sichergestellt, dass die Besucher die Sammlungen immer aus einem neuen Blickwinkel betrachten und die Meisterwerke der Galerie neu analysieren können.

Werke der führenden italienischen Künstler des 19. Jahrhunderts wie Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo und Medardo Rosso sowie der Meister des 20. Jahrhunderts, darunter Morandi, Casorati, Martini und De Pisis, haben ihre Fähigkeit wiedererlangt, mit der Gegenwart zu sprechen. und all ihre Komplexität auf Augenhöhe mit Werken der historischen internationalen Avantgarde zu zeigen, von denen auch herausragende Beispiele in der Sammlung enthalten sind: von Max Ernst über Paul Klee und Picabia bis hin zu Werken der neuen Avantgarde der Nachkriegszeit -garde-Bewegungen mit einer der größten Sammlungen von Arte Povera – darunter Werke von Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone und Pistoletto – aber auch das aktuelle künstlerische Schaffen, dem GAM umfangreiche Ausstellungsflächen widmet.