볼로냐 학교 나 볼로냐 그림은 에밀리아 로마 냐의 수도 볼로냐에서 번성했으며 이탈리아에서 16 세기에서 17 세기 사이에 회화의 중심지로 피렌체와 로마를 필적했습니다. 16 세기 초 수십 년 동안 로마에서 시간이 지남에 따라 전통주의가 된 특정 예술적 관습이 발전해 왔습니다. 시간이 지남에 따라 일부 예술가들은 더 이상 로마 방식만을 반영하지 않는 작품에 대한 새로운 접근법을 찾았습니다.

가장 중요한 대표자는 Ludovico Carracci와 그의 두 사촌 형제 Agostino와 Annibale Carracci를 포함한 Carracci 가족을 포함합니다. 그 후도 메니 치노와 랑 프랑코는 로마에서 주로 활동하고, 결국 게르 치노와 귀도 레니, 볼로냐의 아카데미아 데 글리 인캄 미나 티가 Lodovico Carracci에 의해 운영되었습니다.

Carracci 스튜디오는 문학적 동시대 인들로부터 영감을 찾기 위해 전통적 회화 방식에서 벗어나 새로운 방법을 모색하는 혁신이나 발명을 추구했다. 스튜디오는 당시의 인정 된 예술 방식과 구별되는 스타일을 공식화했습니다. 이 스타일은 체계적이고 모방적인 것으로 여겨졌으며 과거 로마 예술 학교에서 특정 주제를 빌려 현대 주의적 접근 방식을 혁신했습니다.

국제 수준에서 가장 큰 개화와 관련 기간은 일반적으로 16 세기에서 17 세기 사이로 간주되며, 주로 볼로냐와 로마 사이에 집중된 카라치 스와 그 학생과 제자의 활동 기간입니다.

토스카나 회화를위한 바사리처럼 볼로냐는 1678 년 볼로냐에서 출판 된 Felsina 화가의 작가 인 Carlo Cesare Malvasia 백작의 유명한 역사 학자 및 전기 작가를 자랑 할 수 있습니다.

역사
아카데미아 델 디에 그노라고도 알려진 아카데미아 델 내추럴 레는 Carracci 워크숍에서 형성되었으며, 이곳은 주로 매너리즘이었던, 당시의 예술을 퇴폐적 인 스타일로 새롭게하기 위해 노력했습니다. 당시 볼로냐는 교황청의 두 번째 도시 일뿐 만 아니라 번성하는 부르주아지를 가진 도시이기도했으며, 유럽에서 가장 유명한 대학 중 한 곳으로 활발한 예술 후원을 받았습니다. 중요한 지적 영향으로, 모두 높은 수준의 문화 환경을 조성하고 탁월한 인본주의 중심으로 만들었습니다.

유래
Longhi는 독특한 세기를 가진 지역 그림 학교를 묘사하기가 오랫동안 어렵게 만드는 요인들을이 시대로 거슬러 올라가는 많은 그림주기와 파괴적인 위조에서 파괴했습니다. 작품 자체는 17 세기부터 시작하여 높은 이름을 가진 사소한 작품을 고상하게하고자하는 바람에 의해 수행되었습니다.

14 세기 초, 피렌체 학교의 두 가지 중요한 작품이 볼로냐에 있었다 : Cimabue 또는 그의 작업장에 의한 Maestà di Santa Maria dei Servi는 1280 년경이며 자료는 1280 년경이며, Giotto는 Polyptych는 1930 년 대경 세기, 지금은 지역 국립 미술관에 보존됩니다. 로베르토 롱기 (Roberto Longhi)는이 예술가들의 인정을 받았음에도 불구하고 토스카나에 대한 14 세기 볼로냐 회화의 의존성을 부인했으며, 실제로 로마네스크 양식의 에밀리아 조각, 비잔틴에서 영감을 얻은 그림 같은 로컬 “추적 정신”을 만들 수있는 여러 가지 영향을 식별합니다. 베니스, 아비뇽에서 시몬 마티니의 의례. 이 학자는 14 세기 볼로냐 회화의 언어를 “극단적으로 이정적인 무증상, 직접 표현, 때로는 표현주의”태도로 식별합니다.

이 언어의 주요 통역사는 14 세기 상반기에 활동 한 화가 Vitale da Bologna에서 볼로냐, 폼 포사, 대 수도원의 프레스코 화 작업을하던 우디 네와 프레스코 화를 반복하는 우디 네에서 확인됩니다. 두오모에서. 로베르토 롱기 (Roberto Longhi)는 볼로냐 학교의 선구자로서 비탈 레 (Vitale)의 중요성을 강조하며, 피렌체의 사람은 지오토 (Giotto)와 시엔 인은 Duccio의 역할을 비교합니다.

Vitale의 가장 중요한 작품 중 하나는 위에서 언급 한주 기 외에도 Sant’Apollonia di Mezzaratta 교회에서 시작된 프레스코 화법이며 1963 년부터 보수적 인 이유로 분리 된 후 국립 미술관에 전시되었습니다. . 14 세기 중반에서 15 세기까지 여러 예술가들의 참여로 수행 된이 프레스코 화주기는 볼로냐 고딕 시대의 프레스코 화의 가장 중요한주기입니다. Vitale의 카탈로그에는 위에서 언급 한 벽화 외에도 Davia-Bargellini의 Madonna dei dente, 바티칸 피나 코 테카의 Madonna dei Battuti, San Giorgio와 Pinacoteca Nazionale의 용 등 여러 패널이 포함되어 있습니다.

또 다른 중요한 인물은 dei Crocifissi로 알려진 Simone di Filippo입니다. 말레이시아가 죽어가는 그리스도의 이미지를 대량으로 생산했기 때문에 말 바시 아가 별명을 썼습니다.-국립 피나 코 테카 산 도메니코의 Polyptych 저자와 많은 그는 볼로냐에 물었다.

자 코포 아 반지 (Jacopo Avanzi)는 메 자라 타 (Mezzaratta) 교회에서도 활동하고 있으며, 달 마시오 스 칸나 베치 (Dalmasio Scannabecchi)-토스카나에서 매우 활발한 의사-달 마시오 (Pseudo-Dalmasio) 인물이 피스 토이 아 (Pistoia)와 피렌체 (Florence) 사이에서 종종 관련되어 있으며, 의사 자 코피노 (Pseudo Jacopino)는 후자는 비탈 레의 작품 이전의 작품을 포함하여 다른 솜씨의 작품에 귀속됩니다.

개발
그 성체는 1582 년 당시 볼로냐 대주교 가브리엘 레 팔레 오티 (Gabriele Paleotti) 주교가 신성하고 부도덕 한 이미지에 대한 담론 (Discorso intorno alle immagini sacre e profane)이라는 제목의 신학 논문의 출판으로 영향을 받았다. 팔레 오티 (Paleotti)는 반개혁 교회가 정한 지침에 따라보다 명확하고 직접적인 시각 언어를 가진 종교 예술을 찾고 있었고, 예술가들에게 단순한 개념과 친밀한 아름다움 표현으로 형상을 찾도록 촉구했다. 진실과 사람들이 이해하기 쉽다는 것입니다.

Acracdemia de los Carracci는 이탈리아와 프랑스에서 널리 퍼진 고전주의 시대의 창시자 중 하나 인 특정 그림 스타일로 Paleotti의 이론을 포착하고자했다. Ludovico는 Accademia 내에서 관리 및 조직 기능을 담당했으며 Agostino는 시각, 건축 및 해부학 수업을 담당했으며 Annibale은 설계 및 페인트 작업을 수행했습니다. 프란시스코 데 고야 (Francisco de Goya)는 회화 교사의 모델로 Annibale에게 예술 연구 (1792)에 대한 의견을 제시했다. .

아카데미는 그림과 지적 훈련을 강조했으며 창의력과 예술적 자율성을 갖춘 예술가로 여겨지는 학생들에게 많은 자유를 남겼습니다. 그들은 각자의 스타일로 주제를 자유롭게 해석하거나 전통에 의지하거나 혁신 할 수있었습니다. 그의 연구는 가장 고상한 주제에서 가장 겸손한 대상에 이르기까지 현실의 모든 측면을 연습하면서 매일 디자인을 연습하는 것을 기반으로했습니다. 말바 시아에 따르면, 그들은 한 손에 빵을, 다른 손에 연필이나 숯을 먹었다. 아카데미는 모토 (Commentione perfectus) ( “완벽한 노력을 통한 완성”)라는 모토를 통해 예술가의 가르침뿐만 아니라 문학, 철학 및 기타 인문학 분야뿐만 아니라 예술가를 자신의 무역과 장학금의 지적 정교화에 필요한 교육을 받도록 가르쳤다. 그의 작품. 마찬가지로 시인 Giambattista Marino에서 해부학자 인 주세페 란 조니 (Giuseppe Lanzoni)에 이르기까지 모든 방식의 전문가가 진행 한 토론과 회의는 아카데미에서 자주있었습니다.

볼로냐 학교는 Greco-Roman 고대와 최초의 Cinquecento의 르네상스, 특히 Rafael의 고전적인 스타일을 인용했습니다. 그들은 16 세기의 Correggio 및 Venetian 그림과 같은 예술가들로부터 영감을 얻었습니다. 따라서 1665 년에 지안 로렌조 베르니니 (Gian Lorenzo Bernini)는 Annibale Carracci가 “라파엘의 우아한 선, 미켈란젤로의 기본 해부학, 코레 지오의 섬세한 기술, 티티 안의 채색 및 줄리오 로마노의 환상과 만테냐»를 모두 함께 가져왔다”고 단언했다.

그의 스타일은 예술가 밀란의 가혹한 사실보다는 미학적이고 이상화 된 형태이지만, Caravaggio의 자연주의와 평행을 이루는 자연 현실 (naturale vero)에 대한 연구를 기반으로했다. 볼로냐 예술가들에게 그림의 끝은 진실이지만, Caravaggio와 마찬가지로이 진실은 직접적이고 조잡하게 묘사되어야하며, 고전 주의자들에게는 역사 필터를 통해 이성의 베일에 의해 걸러 져야한다. 예술적 교정의 기초. 다른 한편으로, 현실에 대한 연구는 그의 저속한 카 리치 ( “적재 된 초상화”)에서 인식되는 저속한 장르, 못생긴 (브루 토), 겸손, 대중, 괴기 한, 만화에 대한 묘사로 이어진다. 캐릭터의 생리가 변형되거나 과장되어 예술적 장르로서 풍자 만화의 기원 중 하나입니다.

볼로냐의 고전주의는 로마 교황청에서 가장 큰 성공을 거두었으며 추기경과 로마 귀족의 일원으로부터 수많은 사명을 받았다. Incamminati는 프레스코 화 기술의 광범위한 통 달성을 가지고 있었기 때문에 교황청의 교회와 궁전을 장식하는 일을 담당했습니다. 예를 들어, Palanes Farnese의 장식에서 그들은 Annibale Carracci Francesco Albani, Domenichino, Giovanni Lanfranco 및 Sisto Badalocchio와 협력했습니다.

볼로냐 회화 전시회
볼로냐 회화의 재발견에 중요한 것은 볼로냐 미술의 역할을 발견하고 재평가하기 위해 Superintendency에 의해 촉진 된 고대 예술의 비엔날레 판이있을 때 1954 년에서 1970 년 사이에 조직 된 일련의 전시회였습니다.

이 시리즈의 첫 전시회는 1954 년 Guido Reni에서 개최되었으며 Cesare Gnudi에 의해 고 안되고 큐레이터되었으며 볼로냐의 Archiginnasio에서 건축가 Leone Pancaldi가 설정했습니다. 1956 년 카라 치치 (Carracci)와 1959 년 에밀리아 (Emilia)에서 17 세기 회화의 달인 (Masters), 1968 년 게르 치노 (Guercino)에서 1 위를 차지했습니다.

2015 년 볼로냐의 팔라 초 파바에서 조직되고 비토리오 스 가르 비 (Vitorio Sgarbi)가 주최 한 전시회 인 다 시마 부에 모란 디 (Da Cimabue a Morandi) 전시회.