La escuela boloñesa o la pintura de Bolonia floreció en Bolonia, la capital de Emilia Romagna, entre los siglos XVI y XVII en Italia, y rivalizó con Florencia y Roma como centro de la pintura. Ciertas convenciones artísticas, que con el tiempo se convirtieron en tradicionalistas, se desarrollaron en Roma durante las primeras décadas del siglo XVI. Con el paso del tiempo, algunos artistas buscaron nuevos enfoques para su trabajo que ya no reflejaban solo la manera romana.
Sus representantes más importantes incluyen a la familia Carracci, incluidos Ludovico Carracci y sus dos primos, los hermanos Agostino y Annibale Carracci. Más tarde, incluyó otros pintores barrocos prominentes: Domenichino y Lanfranco, activos principalmente en Roma, eventualmente Guercino y Guido Reni, y Accademia degli Incamminati en Bolonia, dirigida por Lodovico Carracci.
El estudio Carracci buscó innovación o invención, buscando nuevas formas de separarse de los modos tradicionales de pintura mientras buscaba inspiración en sus contemporáneos literarios; El estudio formuló un estilo que se distinguía de las formas reconocidas del arte en su tiempo. Este estilo fue visto como sistemático e imitativo, tomando prestados motivos particulares de las antiguas escuelas de arte romanas e innovando un enfoque modernista.
El período de mayor florecimiento y relevancia a nivel internacional generalmente se considera entre los siglos XVI y XVII, el período de actividad de los Carraccis y sus alumnos y discípulos, concentrado principalmente entre Bolonia y Roma.
Al igual que Vasari para la pintura toscana, Bolonia también puede presumir de un ilustre historiador y biógrafo local: el conde Carlo Cesare Malvasia, autor del trabajo del pintor Felsina, publicado en Bolonia en 1678.
Historia
La Accademia del Naturale, también conocida como Accademia del Disegno, se formó en el taller Carracci, que buscaba renovar el arte del momento, predominantemente manierista, un estilo que consideraban decadente. Bolonia en ese momento no solo era la segunda ciudad de los Estados Pontificios sino también una ciudad con una burguesía próspera, que ejercía un patrocinio artístico activo, al mismo tiempo que su universidad, una de las más famosas de Europa, le confirió un influencia intelectual importante, todo lo cual creó un ambiente cultural de alto nivel y lo convirtió en un centro prominente del humanismo.
Origen
Longhi identifica los factores que han dificultado durante mucho tiempo delinear, para este siglo, una escuela pictórica local con características peculiares, en la destrucción de muchos de los ciclos pictóricos que datan de esta época, así como en la gran falsificación de Las obras mismas se llevaron a cabo sobre todo a partir del siglo XVII, impulsadas por el deseo de ennoblecer obras menores con nombres de alto sonido.
A principios del siglo XIV, dos obras importantes de la escuela florentina estaban presentes en Bolonia: la Maestà di Santa Maria dei Servi, atribuida a Cimabue o su taller y datable alrededor de 1280, y el Políptico de Giotto, datable alrededor de la década de 1930 de del siglo, y ahora se conserva en la Galería Nacional de Arte local. A pesar de la reconocida grandeza de estos artistas, Roberto Longhi niega la dependencia de la pintura boloñesa del siglo XIV con la de la Toscana y, de hecho, identifica múltiples influencias capaces de crear un «espíritu figurativo» local: escultura románica emiliana, pintura de inspiración bizantina. de Venecia, cortesía de Simone Martini en Aviñón. El erudito identifica el lenguaje de la pintura boloñesa del siglo XIV, en la actitud «supremamente asintomática, directamente expresiva, a veces incluso expresionista».
El intérprete principal de este idioma se identifica en Vitale da Bologna, un pintor activo en la primera mitad del siglo XIV, entre Bolonia, Pomposa, donde trabajó en los frescos de la Abadía, y Udine, donde realizó un ciclo de frescos. en el Duomo Roberto Longhi subraya la importancia de Vitale como progenitor de la escuela boloñesa, comparando el papel desempeñado por Giotto para el florentino o por Duccio para el de Siena.
Entre las obras más significativas de Vitale, observamos, además de los ciclos antes mencionados, los frescos originalmente ejecutados en la iglesia de Sant’Apollonia di Mezzaratta y, desde 1963, después del destacamento por razones conservadoras, exhibidos en la Galería Nacional de Arte. . Este ciclo de frescos, llevado a cabo, con la participación de varios artistas, desde mediados del siglo XIV hasta el siglo XV, es el ciclo más importante de frescos del período gótico en Bolonia. Además de los frescos antes mencionados, el catálogo de Vitale incluye varios paneles que incluyen la Madonna dei dente del Palazzo Davia-Bargellini, la Madonna dei Battuti de la Pinacoteca del Vaticano y el San Giorgio y el dragón de la Pinacoteca Nazionale.
Otra figura importante es Simone di Filippo, conocida como dei Crocifissi, apodo atribuido por Malvasia por la gran producción de imágenes del Cristo moribundo que dejó él, autor del Políptico de San Domenico de la Pinacoteca Nacional y una serie de crucifijos distribuidos en muchos de le preguntó a Bolonia.
Digno de mención también Jacopo Avanzi – también activo en la iglesia de Mezzaratta -, Dalmasio Scannabecchi – autor con quien la figura de un Pseudo-Dalmasio muy activo en la Toscana, entre Pistoia y Florencia a menudo se asocia -, y el nombre Pseudo Jacopino, el último, al que se atribuyen obras de diferente mano de obra, incluidas algunas incluso anteriores a la obra de Vitale.
Desarrollo
Su gestación fue influenciada por la publicación en 1582 de un ensayo teológico del entonces arzobispo de Bolonia, Gabriele Paleotti, titulado Discurso sobre imágenes sagradas y profanas (Discorso intorno alle immagini sacre e profane). Paleotti, siguiendo las pautas establecidas por la Iglesia contrarreformista, estaba buscando un arte religioso con un lenguaje visual más claro y directo, instando a los artistas a buscar una figuración con un concepto simple y una expresión íntima de belleza, fundada en la imitación de verdad y que era fácil de entender para la gente.
La Acracdemia de los Carracci buscó capturar las teorías de Paleotti en un estilo pictórico específico, siendo uno de los fundadores de la corriente clasicista, que se difundió ampliamente en Italia y también en Francia. Dentro de la Academia, Ludovico asumió funciones gerenciales y organizativas, Agostino estuvo a cargo de las clases de perspectiva, arquitectura y anatomía, y Annibale diseñó y pintó. Francisco de Goya puso una Opinión sobre el Estudio de las Artes (1792) a Annibale como modelo de maestro de pintura, ya que «permitió que cada uno corriera donde su espíritu lo inclinaba, sin especificar a nadie que siguiera su estilo o método». .
La Academia enfatizó la capacitación tanto pictórica como intelectual, y dejó mucha libertad a sus estudiantes, quienes fueron considerados artistas con capacidad creativa y plena autonomía artística; eran libres de interpretar los temas cada uno en su propio estilo, recurrir a la tradición o innovar. Su estudio se basó en el ejercicio diario del diseño, practicando cualquier aspecto de la realidad, desde el sujeto más noble hasta el objeto más humilde. Según Malvasia, «comieron y al mismo tiempo dibujaron: pan en una mano, lápiz o carbón en la otra». Con el lema Contentione perfectus («perfección a través del esfuerzo»), la Academia enseñó, además de enseñanzas artísticas, lecciones de literatura, filosofía y otras disciplinas humanísticas, para capacitar al artista tanto en su oficio como en la erudición necesaria para la elaboración intelectual de sus trabajos. Asimismo, los debates y conferencias impartidas por expertos de todas las modalidades, desde el poeta Giambattista Marino hasta el anatomista Giuseppe Lanzoni, fueron frecuentes en la Academia.
La escuela boloñesa tomó sus referencias de estilos clásicos tanto de la antigüedad grecorromana como del renacimiento del primer Cinquecento, especialmente Rafael. También se inspiraron en artistas como Correggio y la pintura veneciana del siglo XVI. Así, en 1665, Gian Lorenzo Bernini afirmó que Annibale Carracci había «reunido todo lo bueno: las elegantes líneas de Rafael, la anatomía básica de Miguel Ángel, la delicada técnica de Correggio, la coloración de Titian y la fantasía de Giulio Romano y Mantegna».
Su estilo se basó en el estudio de la realidad natural (naturale vero), que se desarrolló en paralelo al naturalismo de Caravaggio, aunque en una forma estética e idealizada, más que en el duro realismo del artista Milan. Para los artistas boloñeses, el final de la pintura es la verdad, pero al igual que para Caravaggio, esta verdad debe describirse directa y crudamente, para los clasicistas debe ser tamizada por el velo de la razón, a través del filtro de la historia, que es el que pone Los fundamentos de la corrección artística. Por otro lado, el estudio de la realidad incluso conduce a la descripción de géneros vulgares, de lo feo (brutto), lo humilde, lo popular, lo grotesco, lo cómico, como se percibe en sus ritratti carichi («retratos cargados»), en el que la fisionomía de los personajes se deforma o exagera, uno de los orígenes de la caricatura como género artístico.
El clasicismo boloñés fue un gran éxito en la Roma papal, y recibieron numerosas comisiones de cardenales y miembros de la nobleza romana. Los Incamminati tenían un amplio dominio de la técnica del fresco, por lo que se encargaron de decorar iglesias y palacios en la capital papal. Solían trabajar juntos: por ejemplo, en la decoración del Palazzo Farnese colaboraron con Annibale Carracci Francesco Albani, Domenichino, Giovanni Lanfranco y Sisto Badalocchio.
Ferias de pintura boloñesa
Importante para el redescubrimiento de la pintura boloñesa, fueron una serie de exposiciones organizadas entre 1954 y 1970, con motivo de las ediciones de la Bienal de arte antiguo promovidas por la Superintendencia para descubrir y reevaluar el papel del arte boloñés.
La primera exposición de la serie fue la de 1954 sobre Guido Reni, concebida y curada por Cesare Gnudi y creada por el arquitecto Leone Pancaldi en el Archiginnasio de Bolonia. Esto fue seguido por el del Carracci de 1956, el de los Maestros de la pintura en el siglo XVII en Emilia en 1959 y el del Guercino en 1968.
Particularmente importante, para el personaje resumen, la exposición Da Cimabue a Morandi, organizada en 2015 en el Palazzo Fava de Bolonia y comisariada por Vittorio Sgarbi.