예술 보석은 공예품 제작자가 만든 보석에 주어진 이름 중 하나입니다. 이름에서 알 수 있듯이 예술 보석은 창조적 인 표현과 디자인을 강조하며, 흔히 평범하거나 경제적 인 가치가없는 다양한 재료를 사용한다는 특징이 있습니다. 이러한 의미에서, 그것은 대상의 가치가 그것이 만들어지는 재료의 가치에 묶여있는 재래식 또는 고급 보석에서 “귀중한 재료”(예 : 금,은 및 원석)의 사용에 대한 균형을 이룹니다 . 예술 보석은 유리, 나무, 플라스틱 및 점토와 같은 다른 매체의 공예품과 관련이 있습니다. 그것은 신념과 가치, 교육과 훈련, 생산 환경, 배포와 홍보 네트워크를 넓은 공예 분야와 공유합니다. 미술 보석에는 미술과 디자인에 대한 링크가 있습니다.

예술 보석의 역사는 1940 년대 미국의 모더니스트 보석으로 시작되었지만 1950 년대에는 독일의 금 세공인들의 예술적 실험이 뒤 따랐다. 예술 보석에 대한 많은 가치와 신념이 예술과 공예에서 발견 될 수있다. 19 세기 후반의 운동. 북아메리카, 유럽, 호주 및 아시아 지역과 같은 많은 지역에서는 미술 보석 장면이 번성하고 남아메리카 및 아프리카와 같은 다른 지역에서는 예술을 유지하는 교육 기관, 딜러 갤러리, 작가, 수집가 및 박물관의 인프라를 개발 해왔다. 보석류.

술어
미술 사학자 Liesbeth den Besten은 현대, 스튜디오, 미술, 연구, 디자인, 저자 등 현대 미술, 스튜디오 및 예술이라는 세 가지 가장 일반적인 아트 보석을 비롯한 6 가지 용어를 밝혀 냈습니다. 큐레이터 Kelly L’ Ecuyer는 스튜디오 쥬얼리를 스튜디오 공예 운동의 파생물로 정의하여 특정 예술적 스타일을 나타내는 것이 아니라 객체가 제작되는 상황을 언급했습니다. 그녀의 정의에 따르면, “스튜디오 보석상은 자신이 선택한 재료를 직접 제작하여 제한된 생산 보석을 만들기 위해 직접 만든 독립 예술가입니다. 스튜디오 주얼리 디자이너는 각 작품의 디자이너이자 제작자입니다 (조수 또는 견습생이 기술 작업에 도움이 될 수 있습니다.) 작업은 공장이 아닌 작고 사적인 스튜디오에서 만들어집니다. ” 미술 사학자 모니카 가스 파 (Monica Gaspar)는 지난 40 년 동안 예술 보석에 부여 된 다양한 이름의 시간적 의미를 탐구했다. 그녀는 “전위적인 (avant-garde)”쥬얼리가 주류 아이디어보다 과격하게 위치한다는 것을 제안합니다. “현대”또는 “현대 주의자”보석은 그것이 만들어진 시대의 정신을 반영한다고 주장합니다. “studio”쥬얼리는 공예품 작업장을 통해 아티스트 스튜디오를 강조합니다. “새로운”보석은 과거를 향한 아이러니 한 태도를 취합니다. “현대”보석은 세대와 세대를 이어주는 가보처럼 전통적인 보석의 영원한 본성과는 대조적으로 현재와 현재와 현재를 주장합니다.

미술 사학자 Maribel Koniger는 미술 보석류에 주어진 이름이이 보석류를 관련 대상 및 관행과 구별하기 위해 중요하다고 주장합니다. “개념적”보석이라는 용어의 사용은 그녀의 말에 따르면 “진부를 재현하고 한편으로 대량 소비의 취향을 지향하는 상업 보석 산업의 제품으로부터 용어를 통해 자신을 분리하려는 시도” 다른 한편으로는, 순수한 공예의 개인주의적이고 주관적으로 심미적 인 디자인 “이라고 말했다.

형태
예술 보석은 때때로 부피가 크고 일상 생활에서 받아 들일 수없는 특별한 모양을 종종 가지고 있습니다. 귀금속 및 보석과 같은 전형적인 장식물뿐만 아니라 고무, 플라스틱, 슬레이트, 재생 재료 또는 모유와 같은 비 귀중한 또는 반 귀중한 비 전형적인 재료도 가공됩니다. 가공 기술은 전통적인 금세 공예에서 벗어납니다.

이러한 주얼리 조각의 형식적이고 상징적 인 미학은 그것들이 예술 작품처럼 받아 들여진다는 것을 의미합니다. 저자의 보석은 보석과 인간의 신체 사이의 관계를 탐구하기 위해 노력하고 있습니다. 장식용 액세서리로 착용자의 사회적 지위를 강조하는 대신, 저자의 보석은 동시에 자신의 “예술에 머무르고 보석에 머무르는”사이에서 진동하는 미적 경험을 가능하게합니다.

귀중한 비판
미술 보석상은 종종 보석의 역사, 또는 보석과 신체의 관계에 대해 비판적이거나 의식적인 방식으로 작업하며, 보통 보석이나 고급 보석에 의해 의심없이 받아 들여지는 “귀중함”또는 “착용감”과 같은 개념에 의문을 제기합니다. 이 품질은 보석의 가치가 재료의 귀중함과 동일하다는 아이디어에 대한 미국과 유럽의 미술 보석상들의 도전을 묘사하는 귀중한 비평의 산물입니다. 초기 예술 보석상은 귀중한 재료 나 반 귀중한 재료로 작업했지만, 보석은 보석류와 생물 모 픽즘, 원시주의 및 타치즘을 연결하는 가장 중요한 요소로 강조했습니다. 1960 년대 미술 보석상은 알루미늄 및 아크릴과 같은 새로운 소재를 소재로 도입하여 보석의 역사적인 역할을 지위와 경제적 가치 또는 휴대용 재화의 신호로 깨기 시작했습니다. 가치에 중점을 두면서 다른 주제가 보석의 주제로 자리 잡았습니다. 1995 년에 작성한 피터도 머는 다음과 같이 귀중한 비평의 효과를 다음과 같이 기술했다 : “첫째, 물질의 금전적 가치는 무의미 해지고 둘째, 상태 상징으로서의 보석의 가치가 떨어지면 장식과 인체는 다시 한 번 지배적 인 위치를 차지했습니다. 보석은 신체를 의식하게되었고, 셋째, 보석은 남성이나 여성, 어린이가 착용 할 수있는 성별이나 나이에 대한 독점권을 잃었습니다. ”

예술과 공예 보석
20 세기 초반에 등장한 미술 보석은 빅토리아 식의 맛에 대한 반응이었고, 19 세기에 인기를 얻은 기계 제작품 인 무겁고 화려한 보석류였습니다. 엘리제 조른 칼린 (Elyse Zorn Karlin)에 따르면 “대부분의 보석상에게 예술 보석은 역사적인 참고 문헌, 지역 및 세계 행사에 대한 반응, 새로 입수 할 수있는 재료 및 기타 요소를 바탕으로 새로운 민족적 정체성을 찾는 것뿐만 아니라 개인적인 예술적 탐구였다. 예술 보석은 한 국가의 정체성을 반영하는 동시에 디자인 개혁의 국제적 운동의 큰 부분을 차지했다. ” 예술 보석은 처음에는 예술적 취향을 가진 일부 고객에게 호소했지만, 상업 회사는이를 신속하게 채택하여 널리 이용 가능하게 만들었습니다.

오늘날 우리가 알고있는 예술 보석의 범주에 기여한 많은 다른 움직임이 있습니다. 1860 년부터 1920 년 사이에 번성했던 잉글리쉬 공예 운동의 일환으로 찰스 로버트 애쉬 비 (Charles Robert Ashbee)와 길드 스쿨 오브 수공예 학교 (Guild and Handicrafts of Schools)는 길드장에서 가장 초기의 예술과 공예품을 제작했습니다. 산업 생산에 대한 해독제로서의 작업을 선보이면서, 예술과 공예 보석상의 1 세대는 전문가 훈련이 부족하여 많은 보석류가 수공예품으로 유명 했음에도 불구하고 동일한 대상이 디자인하고 제작해야한다고 믿었습니다. 패션의 변화뿐만 아니라 세트 착용에 대한 빅토리아 풍의 취향에 따라 예술가 및 공예품 보석상은 펜던트, 목걸이, 브로치, 벨트 버클, 망토 걸쇠 및 머리 빗을 솔로로 착용했습니다. 예술 및 공예품 장신구는 또한 예술적 효과로 사용될 수있는 본질적인 가치가 거의없는 재료를 선호하는 경향이있었습니다. 비금속, 오팔, 문스톤 및 청록색과 같은 귀중한 돌, 깎아 지른 진주, 유리 및 껍질, 유리질 에나멜을 많이 사용하여 보석상을 창조적으로 만들고 값싼 물건을 생산할 수있었습니다.

프랑스와 벨기에의 아르누보 보석도 예술 보석에 중요한 기여를했습니다. Rim Lalique와 Alphonse Mucha의 아르누보 보석은 상징주의 예술, 문학 및 음악, 그리고 로코코 시대의 곡선적이고 극적인 형태의 부흥에서 영감을 얻었습니다. 파리 무고한 사람들의 예복을 비롯하여 부유하고 예술가가 많은 고객이 사용합니다. Elyse Zorn Karlin이 말했듯이 “결과는 엄청난 아름다움과 상상력, 관능적 인, 성적이며 기분이 우울한 때가 있었고 때로는 심지어 두려운 보석이었습니다.이 보석들은 예술과 공예 보석의 대칭적이고 다소 평온한 디자인과는 거리가 큽니다. 르네상스 보석과 매우 흡사하다. ” Lalique 및 다른 아르누보 보석상은 종종 귀금속과 보석을 저렴한 재료와 혼합하고 플리크 – 주니어와 카보 숑 에나멜 기술을 선호했습니다.

건축가 Josef Hoffmann과 Koloman Moser가 실버 및 세미 – 귀석으로 보석을 디자인했으며 때로는 작업장에서 만든 의복으로 착용하기도하는 비엔나의 비너 우르크 스타트 (Vienner Werkstatte)가 예술 보석 생산의 다른 중요한 센터로 포함되었습니다. Georg Jensen이 가장 유명한 예인 덴마크 Skønvirke (미적 작업) 운동은은과 네이티브 스칸디나비아 돌과 예술가와 예술과 공예의 교리 사이에있는 미학을 선호했습니다. 핀란드의 미술 보석은 1905 년 스웨덴의 정치적 자유와 일치하는 바이킹 부흥으로 특징 지어졌으며 스페인의 모더니즘은 아르누보 보석상의 선두를 따랐습니다. 미술 보석도 이탈리아, 러시아, 네덜란드에서 실습되었습니다.

미국에서는 예술품과 공예품 보석이 도자기, 가구 또는 섬유와 달리 아마추어에게 인기가 있었으며 공구에 겸손한 투자만으로도 주방에서 만들 수있었습니다. 미국 최초의 예술 공예 보석 중 하나 인 매들린 예일 윈 (Madeline Yale Wynne)은 독학을 받았으며 스킬이 아닌 미적인 자질에 중점을 둔 형태와 구성의 보석에 접근했다. “나는 색과 형태에 관해서는 각자의 노력을 생각한다. 나는 그림을 그리는 것처럼 많이한다. ” 브레이너드 블리스 탈레 셔 (Brainerd Bliss Thresher)는 다른 미국의 공예품 공예가로 보석과 보석을 섞은 르네 라리 크 (René Lalique)의 예를 따라 조각 된 경적과 자수정 같은 재료를 사용했습니다. Janet Koplos와 Bruce Metcalf가 제안한 것처럼 영국의 예술과 공예 운동은 예술과 노동을 재결합하려고 시도했지만 Thresher와 같은 많은 상류층의 미국인들은 미술과 레저를 하나로 묶었습니다. “레크리에이션으로 공예를 실천하는 것은 어려운 직업, 좋은 취향의 시연, 비버의 맛, 진보적 인 정치에 대한 예의 바른 표현, 또는 만족스러운 노동의 즐거움을 표현한 것 “이라고 말했다.

미술 보석은 1920 년대와 30 년대에 아트 데코에 그치지 않고, 기능적이며 심미적으로 도전적인 성격 (너무 연약하고 터무니없는)에 대한 청중의 반응에 어긋나게되었습니다. 그러나, 그것은 전에 왔던 것에 중대한 틈을 표시하고, 예술 또는 스튜디오 보석의 나중에 20 세기 이상을위한 가치 그리고 태도의 많은 것을 설명했다. Elyse Zorn Karlin이 쓴 것처럼 “예술 보석은 수공예와 소중한 혁신적인 사고와 창조적 인 표현을 중요하게 생각합니다.이 보석상은 보석에 내재 된 가치가없는 재료를 사용한 최초의 제품이며 주류 보석의 맛을 거부했습니다. 그들의 예술적 추구로서의 그들의 작품은 그들의 미적 및 개념적 가치를 공유하는 작은 청중을 위해 그것을 만들었다. ”

모더니스트 쥬얼리
예술 보석의 역사는 1940 년대 미국의 도심지에서 현대주의 보석의 출현과 관련이 있습니다. 토니 그린 바움 (Toni Greenbaum)에 따르면 “1940 년경부터 미국에서 혁명적 인 보석 운동이 생기기 시작했으며, 2 차 세계 대전의 황폐화, 홀로 코스트의 외상, 폭탄의 공포, 정치 산업화의 불임, 그리고 상업주의의 곤란성과 같은 것들이있다 “고 지적했다. 뉴욕 근교의 보석 가게와 스튜디오 (뉴욕의 맨해튼 미드 타운의 Ed Wiener, Irena Brynner, Henry Steig)와 뉴욕 지역에서 창작 된 모더니스트 쥬얼리 샵과 스튜디오가 있습니다 (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer, Jules Brenner, (Margaret De Patta, 피터 Macchiarini, 메리 renk, Irena Brynner, Francis Sperisen 및 바브 Winston). 모더니스트 쥬얼리의 관객은 현대 미술을지지했던 중산층의 자유주의적이고 지적인 경계였다. 미술 사학가 블랜치 브라운 (Branche Brown)은이 작품의 매력에 대해 다음과 같이 설명합니다. “1947 년경 나는 에드 위너 (Ed Wiener)의 가게에 가서 실버 스퀘어 – 나선형 핀 중 하나를 구입했습니다 … 멋져 보였으므로 돈을 감당할 수 있었고 내 선택 – 미적 인식, 지적 경향 및 정치적 진보. 그 핀 (또는 다른 몇 가지 중 하나)은 우리의 배지이며 우리는 그것을 자랑스럽게 입었습니다. 그것은 재료의 시장 가치보다는 예술가의 손을 축하했습니다. ”

1946 년 뉴욕 ​​근대 미술관에서는 Margaret De Patta 및 Paul Lobel과 같은 스튜디오 보석상의 작품과 Alexander Calder, Jacques Lipchitz 및 Richard Pousette-Dart와 같은 근대 미술가의 보석을 포함한 Modern Handmade Jewelry 전시회를 개최했습니다. . 이번 전시회는 미국을 순회하며 미니애폴리스의 Walker Art Center에서 일련의 영향력있는 전시회가 이어졌다. Kelly L’ Ecuyer는 “칼더 (Carlder)의 보석은이 시대의 많은 박물관 및 갤러리 전시회의 중심이었으며 미국의 현대 보석에서 독창적 인 인물로 계속 주목 받고 있습니다.” 즉석과 창의력의 정신을 제안한 냉담한 기술과 원료 기술을 사용하여 칼더의 보석은 조각품의 공간과 공간을 묘사하여 조각을 사용하여 착용자의 몸과 자주 움직이는 보석을 만듭니다. 예술 운동과의 강한 연관성은이 기간 동안 미국 미술 보석의 특징입니다. 칼더가 아프리카와 고대 그리스 예술에 대한 원시 주의적 관심을 보인 동안 마가렛 드 파타 (Margaret De Patta)는 시카고의 뉴 바우 하우스 (New Bauhaus)의 라즐로 모홀 – 나기 (László Moholy-Nagy)에게서 배운 교훈에 따라 빛, 공간 및 광학적 인식을 조작하는 구성 주의자였던 보석을 만들었다. 토니 그린 바움 (Toni Greenbaum)은 “그의 스승 인 존 헤일리 (John Haley) 화가가 마티스 (Matisse)와 피카소 (Picasso)의 작품을 보여준 후 밥 윈스턴 (Bob Winston)은 이렇게 외쳤다. 초현실주의 보석의 스타일 (초현실주의, 원시주의, 생물 동질주의, 구성주의)은 순수 미술 운동이기도하지만 근대주의 보석의 소재 – 유기물 및 무기류의 비 귀중한 물질뿐만 아니라 발견 된 대상 -는 입체파, 미래 주의자 및 다다이스트 태도와 상호 관련이 있습니다 .

1960 년 이후의 미술 보석
미국에서의 보석의 전후 성장은 손과 팔의 근육을 강화시키고 눈과 손의 협응력을 육성한다고 여겨지는 주얼리 제작 기술이 제 2 차 세계 대전 참전 용사의 물리 치료 프로그램에서 중요한 역할을한다는 개념에 의해 뒷받침되었습니다. Victor D’ Amico, 미국 장인 학교 및 뉴욕시의 Margret Craver가 운영하는 현대 미술관의 전쟁 참전 용사 예술 센터는 미국 군인을 돌려 줄 필요성을 언급했으며 GI 법안 권리 중 많은 사람들이 공예품을 연구 한 참전 용사에게 무료 대학 수업을 제공했습니다. Kelly L’ Ecuyer는 개인 독창성 외에도 전쟁 중 미국의 군인 및 재향 군인에 대한 공예 교육 및 치료의 확산은 모든 공예품, 특히 보석 및 금속 가공에 대한 자극을 제공했다고 전했다. 재향 군인의 공예 프로그램에 헌신 한 개인 자원은 오래 지속되는 교육 구조의 씨앗을 심 었으며 공예에 대한 광범위한 관심을 창의적이고 만족스러운 삶으로 만들어 냈습니다. ”

1960 년대 초까지,이 프로그램을 졸업 한 사람들은 보석의 전통적 아이디어에 도전하는 것이 아니라 보석 및 금속 가공 과정에 대한 새로운 대학 프로그램에서 새로운 세대의 미국 보석상을 가르치기 시작했습니다. 건축가 보석은 같은시기에 개발되었습니다.

1960 년대와 1970 년대에는 독일 정부와 상업 보석 산업이 현대 보석 디자이너를 육성하고 크게 지원하여 새로운 시장을 창출했습니다. 그들은 현대적인 디자인과 전통적인 금 세공 및 보석 제작을 결합했습니다. Orfevre는 1965 년 독일 뒤셀도르프 (Duesseldorf)에 미술 보석류를위한 최초의 갤러리를 오픈했습니다.

전시회
보석으로 미술을 받아들이는 것은 2 차 세계 대전 이후 뉴욕의 현대 미술관 (Museum of Modern Art)과 미니애폴리스의 워커 아트 센터 (Walker Art Center)와 같은 주요 박물관에서 미국 미술 박물관의 주요 예술품을 1940 년대 미술 공예 박물관 (Museum of Arts and Design)은 1958 년에 1940 년대부터 조각을 시작하여 미국 공예 박물관 (American Craft Museum)에서 시작되었습니다. 컬렉션에는 현대 (미국) 보석 디자이너의 작품이 포함되어 있습니다 : 클리블랜드 미술관, 코닝 유리 박물관, 밍턴 공예 및 디자인 박물관 (노스 캐롤라이나 주 샬롯), 미술 박물관, 보스턴 박물관 파인 아트, 휴스턴, 스미소니언 박물관의 렌윅 갤러리.

과거 예술 보석을 제작 한 유명 예술가 중에는 칼더 (Calder), 피카소 (Picasso), 맨 레이 (Man Ray), 메레 오펜하임 (Meret Oppenheim), 달라이 (Dalí)와 네벨슨 (Nevelson) 그 중 일부는 1977 년에 폐쇄 된 뉴욕시의 조각 갤러리 (Sculpture to Wear Gallery)에서 전시되었습니다.

로버트 리 모리스 (Robert Lee Morris)가 소유 한 Artwear Gallery는 보석을 예술 형식으로 전시하려는이 노력에서 계속되었습니다.

미술 보석 컬렉션은 독일 포르 츠 하임 (Pforzheim)에있는 Schmuckmuseum에서 찾을 수 있습니다.

보석 예술가들의 목록
처음으로 인정 된 10 년 동안 열거 된 목록은 다음과 같습니다.

1930 년대
Suzanne Belperron, 프랑스, ​​1900-1983

1940 년대
Margaret De Patta, 미국, 1903-1964
Art Smith, 미국, 1923-1982

1950 년대
Irena Brynner, 미국, 1917-2003
Claire Falkenstein, 미국, 1908-1998
Peter Macchiarini, 미국, 1909-2001

1960 년대
Gijs Bakker, 네덜란드, 1942-
Kobi Bosshard, 스위스 / 뉴질랜드, 1939-
스탠리 레흐 틴, 미국, 1936-
Charles Loloma, 미국, 1921-1991
Olaf Skoogfors, 스웨덴, 1930-1975
J Fred Woell, 미국, 1936-2016

1970 년대
Arline Fisch, 미국, 1931-
윌리엄 클로드 하퍼, 미국, 1944-
마즐로, 레바논 1949- 프랑스
Robert Lee Morris, 독일 1947- 미국

1980 년대
Warwick Freeman, New Zealand, 1953-
Lisa Gralnick, 미국, 1953-
브루스 멧 칼프, 미국, 1949-
앨런 프레스톤, 뉴질랜드, 1941-
Bernhard Schobinger, 스위스, 1946

1990 년대
Andrea Cagnetti – Akelo, 이탈리아, 1967
Karl Fritsch, 독일 / 뉴질랜드, 1963 년 –
Linda MacNeil, 미국, 1954-
리사 워커, 뉴질랜드, 1967-
Areta Wilkinson, 뉴질랜드, 1969
Nancy Worden, 미국, 1954-
덴마크 카렌 폰 토피 단

2000 년대
Rebecca Rose, 미국, 1980
Betony Vernon, 미국, 1968