कला के गहने

कला गहने स्टूडियो शिल्पकारों द्वारा बनाए गए गहनों को दिए गए नामों में से एक है। जैसा कि नाम से पता चलता है, कला के गहने रचनात्मक अभिव्यक्ति और डिजाइन पर जोर देते हैं, और कई प्रकार की सामग्रियों के उपयोग की विशेषता होती है, अक्सर सामान्य या कम आर्थिक मूल्य। इस अर्थ में, यह पारंपरिक या ठीक गहने में “कीमती सामग्री” (जैसे सोना, चांदी और रत्न) के उपयोग के लिए एक असंतुलन बनाता है, जहां वस्तु का मूल्य उन सामग्रियों के मूल्य से बंधा होता है जिनसे यह बनाया जाता है । कला के गहने अन्य माध्यमों जैसे कांच, लकड़ी, प्लास्टिक और मिट्टी में स्टूडियो शिल्प से संबंधित हैं; यह स्टूडियो शिल्प के व्यापक क्षेत्र के साथ विश्वास और मूल्य, शिक्षा और प्रशिक्षण, उत्पादन की परिस्थितियों और वितरण और प्रचार के नेटवर्क साझा करता है। आर्ट ज्वेलरी में फाइन आर्ट और डिज़ाइन के लिंक भी होते हैं।

जबकि कला के गहनों का इतिहास आमतौर पर संयुक्त राज्य अमेरिका में 1940 के दशक में आधुनिकतावादी गहनों के साथ शुरू होता है, इसके बाद 1950 के दशक में जर्मन सुनार के कलात्मक प्रयोगों के साथ, कला और शिल्प को सूचित करने वाले मूल्यों और विश्वासों की एक संख्या कला और शिल्प में पाई जा सकती है। उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध का आंदोलन। कई क्षेत्रों, जैसे कि उत्तरी अमेरिका, यूरोप, आस्ट्रेलिया और एशिया के कुछ हिस्सों में कला के गहने के दृश्य पनप रहे हैं, जबकि दक्षिण अमेरिका और अफ्रीका जैसे अन्य स्थानों में शिक्षण संस्थानों, डीलर दीर्घाओं, लेखकों, कलेक्टरों और संग्रहालयों के बुनियादी ढांचे का विकास किया गया है जो कला को बनाए रखते हैं गहने।

शब्दावली
कला इतिहासकार लिसेबेथ डेन बेस्टेन ने कला के गहनों के नाम के लिए छह अलग-अलग शब्दों की पहचान की है, जिसमें समकालीन, स्टूडियो, कला, अनुसंधान, डिजाइन और लेखक शामिल हैं, जिसमें तीन सबसे आम समकालीन, स्टूडियो और कला हैं। क्यूरेटर केली ल ईयुयर ने स्टूडियो के गहनों को स्टूडियो शिल्प आंदोलन के एक उतार-चढ़ाव के रूप में परिभाषित किया है, यह कहते हुए कि यह विशेष कलात्मक शैलियों को संदर्भित नहीं करता है, बल्कि उन परिस्थितियों के लिए है जिसमें वस्तु का उत्पादन होता है। उसकी परिभाषा के अनुसार, “स्टूडियो ज्वैलर्स स्वतंत्र कलाकार हैं जो अपनी चुनी हुई सामग्रियों को सीधे एक-एक-तरह के या सीमित उत्पादन के गहने बनाने के लिए संभालते हैं ….. स्टूडियो ज्वेलर प्रत्येक टुकड़े के डिजाइनर और फैब्रिकेटर दोनों हैं (हालांकि सहायकों या प्रशिक्षु तकनीकी कार्यों में मदद कर सकते हैं), और काम एक छोटे, निजी स्टूडियो में बनाया गया है, न कि एक कारखाना। ” कला इतिहासकार मोनिका गैसपार ने पिछले 40 वर्षों में कला के गहनों को दिए गए विभिन्न नामों के अस्थायी अर्थ का पता लगाया है। वह बताती हैं कि “अवंत-गार्डे” गहने खुद को मुख्य धारा के विचारों से मौलिक रूप से आगे रखते हैं; “आधुनिक” या “आधुनिकतावादी” गहने उस समय की भावना को प्रतिबिंबित करने का दावा करते हैं जिसमें यह बनाया गया था; “स्टूडियो” गहने शिल्प कार्यशाला पर कलाकार स्टूडियो पर जोर देते हैं; “नए” गहने अतीत की ओर एक विडंबनापूर्ण रुख मानते हैं; और “समकालीन” गहने वर्तमान और “यहां और अब” का दावा करते हैं, पारंपरिक गहने की शाश्वत प्रकृति के विपरीत है जो कि पीढ़ियों से गुजरने वाले एक विरासत के रूप में है।

कला इतिहासकार मारिबेल कोनिगर का तर्क है कि इस प्रकार के गहनों को संबंधित वस्तुओं और प्रथाओं से अलग करने के लिए कला के गहनों को दिए गए नाम महत्वपूर्ण हैं। शब्द “वैचारिक” गहनों का उपयोग, उनके शब्दों में, एक “वाणिज्यिक आभूषण उद्योग के उत्पादों से शब्दावली के माध्यम से अपने आप को अलग करने का प्रयास है जो क्लिच को पुन: पेश करते हैं और एक तरफ बड़े पैमाने पर उपभोग के स्वाद की ओर उन्मुख होते हैं, और, दूसरे पर, शुद्ध शिल्प के व्यक्तिपरक, विषयगत सौंदर्यीकरण डिजाइन। ”

प्रपत्र
कला के गहने में अक्सर असामान्य आकार होते हैं जो कभी-कभी भारी होते हैं और रोजमर्रा की जिंदगी में स्वीकार्य नहीं होते हैं। सामग्री के रूप में दोनों विशिष्ट सजावट जैसे कीमती धातुएं और गहने, लेकिन यह भी गैर-कीमती या अर्ध-शोषक atypical, जैसे कि रबर, प्लास्टिक, स्लेट, पुनर्नवीनीकरण सामग्री, या स्तन के दूध को संसाधित किया जाता है। प्रसंस्करण तकनीक पारंपरिक सुनार शिल्प से तदनुसार विचलित होती है।

आभूषण के इन टुकड़ों के औपचारिक और प्रतीकात्मक सौंदर्यशास्त्र का अर्थ है कि उन्हें कला के कार्यों की तरह प्राप्त किया जाता है। लेखक के गहने भी गहने वस्तु और मानव शरीर के बीच संबंधों का पता लगाने की कोशिश कर रहे हैं। एक सजावटी गौण के रूप में पहनने वाले की सामाजिक स्थिति पर जोर देने के बजाय, लेखक का आभूषण एक सौंदर्य अनुभव को संभव बनाता है जो उसके साथ-साथ “जा रहा है-कला और रहने वाले गहने” के बीच दोलन करता है।

बहुमूल्यता का आलोचक
कला जौहरी अक्सर गहने के इतिहास के साथ, या गहने और शरीर के बीच के रिश्ते के साथ एक महत्वपूर्ण या सचेत तरीके से काम करते हैं, और वे “कीमतीपन” या “पहनने की क्षमता” जैसी अवधारणाओं पर सवाल उठाते हैं जो आमतौर पर पारंपरिक या ठीक गहने द्वारा प्रश्न के बिना स्वीकार किए जाते हैं। यह गुणवत्ता कीमतीता की आलोचना का एक उत्पाद है, एक शब्द जो संयुक्त राज्य अमेरिका और यूरोप में कला जौहरी की चुनौती का वर्णन करता है कि इस विचार के लिए कि गहने का मूल्य उसकी सामग्री की कीमती के बराबर था। प्रारंभ में कला जौहरी कीमती या अर्ध-कीमती सामग्रियों में काम करते थे, लेकिन उनके काम की सबसे महत्वपूर्ण गुणवत्ता के रूप में कलात्मक अभिव्यक्ति पर जोर दिया, उनके गहने को आधुनिकतावादी कला आंदोलनों जैसे कि बायोमोर्फिज्म, प्राइमिटिविज्म और टैचिज्म से जोड़ा। 1960 के दशक में, कला जौहरियों ने अपने काम में नई, वैकल्पिक सामग्री, जैसे कि एल्यूमीनियम और एक्रिलिक्स, गहने की ऐतिहासिक भूमिका के साथ तोड़कर स्थिति और आर्थिक मूल्य या पोर्टेबल धन के संकेत के रूप में पेश करना शुरू किया। जैसे ही मूल्य पर ध्यान दिया गया, अन्य विषयों ने गहनों के विषय के रूप में अपना स्थान बना लिया। 1995 में लिखते हुए, पीटर डॉर्मर ने बहुमूल्यता की आलोचना के प्रभावों का वर्णन इस प्रकार किया: “सबसे पहले, सामग्री का मौद्रिक मूल्य अप्रासंगिक हो जाता है; दूसरा, एक बार जब प्रतीक का दर्जा चिह्न के रूप में गहने का मूल्य अपवित्र हो गया था, तो आभूषण के बीच का संबंध मानव शरीर ने एक बार फिर से एक प्रमुख स्थान ग्रहण किया – गहने शरीर के प्रति सचेत हो गए, तीसरे, गहने ने एक सेक्स या उम्र के लिए अपनी विशिष्टता खो दी – यह पुरुषों, महिलाओं और बच्चों द्वारा पहना जा सकता है। ”

कला और शिल्प गहने
बीसवीं शताब्दी के पहले वर्षों में जो कला गहने उभरे, वह विक्टोरियन स्वाद की प्रतिक्रिया थी, और भारी और अलंकृत गहने, अक्सर मशीन निर्मित, जो उन्नीसवीं शताब्दी में लोकप्रिय था। एलिस ज़ोर्न कार्लिन के अनुसार, “अधिकांश ज्वैलर्स के लिए, कला के गहने एक व्यक्तिगत कलात्मक खोज के साथ-साथ एक नई राष्ट्रीय पहचान की खोज थी। ऐतिहासिक संदर्भों के संयोजन के आधार पर, क्षेत्रीय और दुनिया की घटनाओं, नई उपलब्ध सामग्री और अन्य कारकों की प्रतिक्रियाएं। , कला के गहने ने एक देश की पहचान को प्रतिबिंबित किया, जबकि एक ही समय में डिजाइन सुधार के एक बड़े अंतरराष्ट्रीय आंदोलन का हिस्सा था। ” प्रारंभ में कला के गहने ने कलात्मक स्वाद वाले ग्राहकों के एक चुनिंदा समूह से अपील की, लेकिन इसे वाणिज्यिक कंपनियों द्वारा जल्दी से उठा लिया गया, जिससे यह व्यापक रूप से उपलब्ध हो गया।

कई अलग-अलग आंदोलन हैं जिन्होंने कला के गहने की श्रेणी में योगदान दिया जैसा कि हम आज जानते हैं। अंग्रेजी कला और शिल्प आंदोलन के हिस्से के रूप में, 1860 और 1920 के बीच पनपते हुए, चार्ल्स रॉबर्ट एशबी और उनके गिल्ड और स्कूल ऑफ हैंडीक्राफ्ट ने गिल्ड सेटिंग में सबसे शुरुआती कला और शिल्प गहने का उत्पादन किया। अपने काम को औद्योगिक उत्पादन के लिए एक एंटीडोट के रूप में पेश करते हुए, पहली पीढ़ी के कला और शिल्प ज्वैलर्स का मानना ​​था कि एक वस्तु को उसी व्यक्ति द्वारा डिजाइन और बनाया जाना चाहिए, हालांकि उनके विशेषज्ञ प्रशिक्षण की कमी का मतलब था कि इस गहने की बहुत आकर्षक हस्त गुणवत्ता है। फैशन में बदलाव के साथ-साथ सेट पहनने के लिए विक्टोरियन स्वाद के जवाब में, कला और शिल्प जौहरी ने पेंडेंट, हार, ब्रोच, बेल्ट बकसुआ, क्लोक् क्लैप्स और बाल कंघी बनाई जो एकल पहने गए थे। कला और शिल्प के गहने भी छोटे आंतरिक मूल्य वाले सामग्रियों के पक्ष में थे जो उनके कलात्मक प्रभावों के लिए इस्तेमाल किए जा सकते थे। बेस मेटल्स, ओपल, मूनस्टोन और फ़िरोज़ा, मिसहाप मोती, ग्लास और शेल जैसे अर्ध-कीमती पत्थरों, और विट्रेस एनामेल के भरपूर उपयोग ने ज्वैलर्स को रचनात्मक बनाने और सस्ती वस्तुओं का उत्पादन करने की अनुमति दी।

फ्रांस और बेल्जियम से आर्ट नोव्यू गहने भी कला के गहने के लिए एक महत्वपूर्ण योगदान था। धनी और कलाकार-साक्षर ग्राहकों द्वारा पहना गया, जिसमें पेरिस डेनिमोंड के सौजन्य से, रेने लालिक और अल्फोंस मुचा द्वारा कला नोव्यू गहने प्रतीकवादी कला, साहित्य और संगीत से प्रेरित थे, और रूकोको काल के वक्रता और नाटकीय रूपों का पुनरुद्धार किया गया था। जैसा कि एलिसे ज़ोर्न कार्लिन का सुझाव है, “इसका परिणाम आश्चर्यजनक सुंदरता और कल्पना, कामुक, यौन और भयावह होने के गहने थे, और कभी-कभी भयावह भी थे। ये गहने कला और शिल्प के गहने के सममित और कुछ हद तक शानदार डिजाइनों से बहुत दूर थे, जो अधिक थे। बारीकी से मिलते-जुलते पुनर्जागरण के गहने। ” लाली और अन्य कला नोव्यू ज्वैलर्स अक्सर सस्ती सामग्री के साथ कीमती धातुओं और रत्न शामिल होते हैं, और प्लिक-ए-मैगज़ीन और कैबोकॉन तामचीनी तकनीकों के पक्ष में होते हैं।

आर्ट ज्वेलरी प्रोडक्शन के अन्य महत्वपूर्ण केंद्रों में वियना में वीनर विर्कास्टेट शामिल हैं, जहां आर्किटेक्ट जोसेफ हॉफमैन और कोलोमन मोजर ने चांदी और अर्ध-कीमती पत्थरों में गहने डिजाइन किए थे, कभी-कभी वर्कशॉप द्वारा बनाए गए कपड़ों के साथ भी पहने जाते थे। डेनिश स्केनविर्के (सौंदर्य कार्य) आंदोलन, जिनमें से जॉर्ज जेन्सेन सबसे प्रसिद्ध उदाहरण हैं, पसंदीदा चांदी और देशी स्कैंडिनेवियाई पत्थरों और एक सौंदर्य है जो कला नोव्यू और कला और शिल्प के सिद्धांतों के बीच कहीं पड़ता है। फ़िनलैंड में कला के गहने को वाइकिंग पुनरुद्धार की विशेषता थी, जो कि 1905 में स्वीडन पर अपनी राजनीतिक स्वतंत्रता के साथ मेल खाता था, जबकि स्पेन में आधुनिकतावाद ने आर्ट नोव्यू ज्वैलर्स का नेतृत्व किया। इटली, रूस और नीदरलैंड में भी कला के गहनों का चलन था।

संयुक्त राज्य अमेरिका में, कला और शिल्प गहने शौकीनों के साथ लोकप्रिय थे, चूंकि सिरेमिक, फर्नीचर या वस्त्रों के विपरीत, इसके लिए केवल साधनों में मामूली निवेश की आवश्यकता होती थी, और इसे रसोई में बनाया जा सकता था। पहली अमेरिकी कला और शिल्प ज्वैलर्स में से एक, मैडलिन येल व्येन ने स्वयं को सिखाया और कौशल के बजाय सौंदर्य गुणों पर जोर देने के साथ रूप और रचना के रूप में अपने गहनों से संपर्क किया, उन्होंने कहा कि “मैं प्रत्येक प्रयास को रंग और रूप के संबंध में मानता हूं। जितना मैं एक चित्र चित्रित करूंगा। ” ब्रेनरड ब्लिस थ्रेशर, एक अन्य अमेरिकी कला और शिल्प जौहरी, ने रेने लालिक के उदाहरण के बाद अपने सौंदर्य गुणों के लिए नक्काशीदार सींग और नीलम जैसी सामग्री का इस्तेमाल किया, जिन्होंने अपने गहनों में क्विडिडियन और कीमती सामग्रियों को मिलाया। जैसा कि जेनेट कोप्लोस और ब्रूस मेटकाफ सुझाव देते हैं, जबकि ब्रिटिश कला और शिल्प आंदोलन ने कला और श्रम को फिर से जोड़ने की कोशिश की, कई उच्च वर्ग के अमेरिकियों जैसे थ्रेशर एकजुट कला और अवकाश: “मनोरंजन के रूप में शिल्प का अभ्यास दबाव के दबाव से राहत दिला सकता है। एक कठिन काम, किसी के अच्छे स्वाद और स्वाद का प्रदर्शन, प्रगतिशील राजनीति का विनम्र प्रकटीकरण, या संतोषजनक श्रम की सरासर खुशी की अभिव्यक्ति। ”

1920 और 30 के दशक में कला गहने शैली से बाहर हो गए, कला डेको द्वारा ओवरशेड किया गया, साथ ही साथ दर्शकों ने इसकी कार्यात्मक और सौंदर्यवादी रूप से चुनौतीपूर्ण प्रकृति (बहुत नाजुक और अपमानजनक) पर प्रतिक्रिया दी। हालाँकि, इससे पहले जो कुछ आया था, उसके साथ एक महत्वपूर्ण विराम का निशान है, और बाद के बीसवीं सदी के कला या स्टूडियो के गहने के आदर्शों और दृष्टिकोणों के बारे में बहुत कुछ बताया। जैसा कि एलिस ज़ोर्न कार्लिन लिखते हैं, “कला के गहने हस्तनिर्मित और बेशकीमती नवीन सोच और रचनात्मक अभिव्यक्ति को महत्व देते थे। ये ज्वैलर्स उन सामग्रियों का उपयोग करने वाले पहले थे जिनके पास गहनों में अपेक्षित आंतरिक मूल्य नहीं था, और उन्होंने मुख्यधारा के गहने के स्वाद को खारिज कर दिया। उन्होंने सोचा था।” एक कलात्मक खोज के रूप में उनके काम और इसे छोटे दर्शकों के लिए बनाया गया, जिन्होंने उनके सौंदर्य और वैचारिक मूल्यों को साझा किया। ”

आधुनिकतावादी गहने
कला के गहने का इतिहास संयुक्त राज्य अमेरिका के शहरी केंद्रों में 1940 के दशक में आधुनिकतावादी गहनों के उद्भव से जुड़ा हुआ है। टोनी ग्रीनबाउम के अनुसार, “1940 के आसपास, संयुक्त राज्य अमेरिका में एक क्रांतिकारी गहने आंदोलन शुरू हुआ, और इसके बाद द्वितीय विश्व युद्ध की तबाही, प्रलय का आघात, बम का भय, राजनीति का विस्तार हुआ। पूर्वाग्रह के कारण, औद्योगिकीकरण की पराकाष्ठा, और व्यावसायिकता की कमी। ” ग्रीनविच विलेज में न्यू यॉर्क सिटी (फ्रैंक रेबजेस, पॉल लॉबेल, बिल स्मिथ, कला स्मिथ, सैम क्रेमर और जूल्स ब्रेनर, और एड वीनर, इरेने ब्रायनर और मिडटाउन मैनहट्टन में हेनरी स्टिग) और बे एरिया में आधुनिकतावादी आभूषण की दुकानें और स्टूडियो उग आए। वेस्ट कोस्ट पर (मार्गरेट डी पट्टा, पीटर मैकचीरिनी, मेरी रेनक, इरेना ब्रायनर, फ्रांसिस स्पेरेसेन और बॉब विंस्टन)। आधुनिकतावादी गहनों के लिए दर्शक मध्यम वर्ग के उदारवादी, बौद्धिक बंधु थे, जिन्होंने आधुनिक कला का समर्थन भी किया था। कला इतिहासकार ब्लैंच ब्राउन ने इस काम की अपील का वर्णन किया है: “1947 के बारे में मैं एड वीनर की दुकान पर गया था और उसने अपना एक चांदी का चौकोर सर्पिल पिन खरीदा था … क्योंकि यह बहुत अच्छा लग रहा था, मैं इसे खरीद सकता था और इसने मुझे इसके समूह के साथ पहचाना। मेरी पसंद – सौंदर्य से अवगत, बौद्धिक रूप से झुकाव और राजनीतिक रूप से प्रगतिशील। यह पिन (या इसके जैसे कुछ अन्य लोगों में से एक) हमारा बिल्ला था और हमने इसे गर्व से पहना। इसने सामग्री के बाजार मूल्य के बजाय कलाकार का हाथ मनाया। ”

1946 में न्यूयॉर्क में म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट ने प्रदर्शनी का आयोजन मॉडर्न हैंडमेड ज्वेलरी में किया, जिसमें मार्गरेट डी पट्टा और पॉल लोबेल जैसे स्टूडियो ज्वैलर्स के काम के साथ-साथ अलेक्जेंडर काल्डर, जैक्स लिप्टेकज और रिचर्ड पसेट-डार्ट जैसे आधुनिकतावादी कलाकारों ने भी काम किया। । इस प्रदर्शनी ने संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा किया, और इसके बाद मिनियापोलिस में वाकर आर्ट सेंटर में कई प्रभावशाली प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला आयोजित की गई। केली ल ईक्युयर का सुझाव है कि “इस अवधि के संग्रहालय और गैलरी प्रदर्शनियों में से कई के लिए काल्डर के गहने केंद्रीय थे, और उन्हें अमेरिकी समकालीन गहने में सेमिनल फिगर के रूप में देखा जाना जारी है।” कोल्ड कंस्ट्रक्शन और क्रूड तकनीकों का उपयोग करना, जिसमें आशुरचना और रचनात्मकता की भावना का सुझाव दिया गया था, काल्डर के गहने ने अंतरिक्ष का वर्णन करने के लिए अपनी मूर्तिकला लाइन और आंदोलन का उपयोग किया, जो कि अक्सर पहनने वाले के शरीर के साथ चलता है। कला आंदोलनों के साथ एक मजबूत संबंध इस अवधि के दौरान अमेरिकी कला के गहने की विशेषता है। जबकि कैल्डर ने अफ्रीकी और प्राचीन ग्रीक कला में एक प्रधानतावादी रुचि दिखाई, मार्गरेट डी पट्टा ने शिकागो में न्यू बाउहॉस में लेज़्ज़्लो मोहोली-नगी से सीखे गए पाठों के अनुसार, रचनात्मक, प्रकाश, अंतरिक्ष और ऑप्टिकल धारणा को जोड़ते हुए गहने बनाए। टोनी ग्रीनबाउम लिखते हैं कि “उनके गुरु के बाद, चित्रकार जॉन हेली ने उन्हें मैटिस और पिकासो द्वारा काम दिखाया, बॉब विंस्टन ने कहा: ‘यह बकवास मैं कर रहा हूं!’।” आधुनिकतावादी गहनों की सामग्री – कार्बनिक और अकार्बनिक गैर-कीमती पदार्थ, साथ ही साथ पाई जाने वाली वस्तुएं – क्यूबिस्ट, फ्यूचरिस्ट और दादावादी दृष्टिकोणों के लिए सहसंबंधी हैं, जबकि आधुनिकतावादी गहनों की शैलियों – अतियथार्थवाद, आदिमवाद, जैववाद और रचनावाद – ठीक कला आंदोलनों के रूप में अच्छी तरह से हैं। ।

1960 के बाद से कला के गहने
संयुक्त राज्य अमेरिका में गहनों की उत्तरोत्तर वृद्धि की अवधारणा का समर्थन किया गया था कि गहने बनाने की तकनीक, हाथ और हाथ की मांसपेशियों को मजबूत करने और आंखों के समन्वय को बढ़ावा देने के लिए माना जाता था, द्वितीय विश्व युद्ध के दिग्गजों के लिए भौतिक चिकित्सा कार्यक्रमों में भूमिका निभाई। विक्टर डी’आमिको के नेतृत्व में युद्ध के दिग्गजों का कला केंद्र, विक्टर डी’एमिको के नेतृत्व में, अमेरिकी शिल्पकार के लिए स्कूल, और न्यूयॉर्क शहर में मार्ग्रेट क्रेवर द्वारा संचालित कार्यशालाओं ने अमेरिकी सैनिकों को लौटने की जरूरतों को संबोधित किया, जबकि जीआई बिल राइट्स ने दिग्गजों के लिए मुफ्त कॉलेज ट्यूशन की पेशकश की, जिनमें से कई ने शिल्प का अध्ययन किया। जैसा कि केली ल ईक्युयर सुझाव देते हैं, “व्यक्तिगत रचनात्मकता के अलावा, युद्ध के दौरान और बाद में संयुक्त राज्य में सैनिकों और दिग्गजों के लिए शिल्प-आधारित शिक्षा और चिकित्सा का प्रसार सभी स्टूडियो शिल्प, विशेष रूप से गहने और धातुओं के लिए एक प्रोत्साहन प्रदान करता है। सार्वजनिक। और दिग्गजों के शिल्प कार्यक्रमों के लिए समर्पित निजी संसाधनों ने लंबे समय तक चलने वाले शैक्षिक संरचनाओं के लिए बीज लगाए और एक रचनात्मक, जीवन शैली को पूरा करने के रूप में शिल्प में व्यापक रुचि दिखाई। ”

1960 के दशक की शुरुआत तक, इन कार्यक्रमों के स्नातक न केवल गहनों के पारंपरिक विचारों को चुनौती दे रहे थे, बल्कि गहने और धातुओं के पाठ्यक्रमों में नए विश्वविद्यालय कार्यक्रमों में अमेरिकी ज्वैलर्स की नई पीढ़ी को पढ़ा रहे थे। उसी समय के आसपास वास्तुशिल्प आभूषण विकसित किए जा रहे थे।

१ ९ ६०- १ ९ the० के दशक में, जर्मन सरकार और वाणिज्यिक गहने उद्योग ने आधुनिक गहने डिजाइनरों को बढ़ावा दिया और भारी समर्थन दिया, इस प्रकार एक नया बाज़ार बनाया गया। उन्होंने समकालीन डिजाइन को पारंपरिक सुनार और गहने बनाने के साथ जोड़ा। ऑर्फ़ेव्रे, कला गहने के लिए पहली गैलरी, 1965 में जर्मनी के ड्यूसेल्डॉर्फ में खोला गया।

प्रदर्शनियों
द्वितीय विश्व युद्ध के बाद संयुक्त राज्य अमेरिका में कला के रूप में गहनों की स्वीकृति बहुत तेज़ी से हुई, जैसे कि न्यूयॉर्क में म्यूज़ियम ऑफ़ मॉडर्न आर्ट और मिनियापोलिस में वॉकर आर्ट सेंटर, जिनमें से प्रत्येक में आर्ट ज्वेलरी के प्रमुख शो आयोजित किए गए। 1940 के दशक। पूर्व में द अमेरिकन क्राफ्ट म्यूज़ियम के म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट्स एंड डिज़ाइन ने 1958 में 1940 के दशक के अपने संग्रह की शुरुआत की थी। अन्य संग्रहालयों जिनके संग्रह में समकालीन (अमेरिकी) गहने डिजाइनरों द्वारा काम शामिल हैं: क्लीवलैंड म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, द कॉर्निंग म्यूज़ियम, मिंट म्यूज़ियम ऑफ़ क्राफ्ट एंड डिज़ाइन इन चार्लोट, नेकां, ललित कला संग्रहालय, बोस्टन, संग्रहालय ललित कला, ह्यूस्टन और स्मिथसोनियन संग्रहालय की रेनविक गैलरी।

अतीत में कला के गहने बनाने वाले कुछ प्रसिद्ध कलाकार थे- केल्डर, पिकासो, मैन रे, मेरेट ओपेनहेम, डाली और नेवेलसन। जिनमें से कुछ ने न्यूयॉर्क शहर में स्कल्पचर टू वियर गैलरी का प्रतिनिधित्व किया जो 1977 में बंद हो गया।

रॉबर्ट ली मॉरिस के स्वामित्व वाली आर्टवीयर गैलरी कला के रूप में गहने दिखाने के इस प्रयास में जारी रही।

जर्मनी के Pforzheim में Schmuckmuseum में कला के गहनों का संग्रह पाया जा सकता है।

गहने कलाकारों की सूची
उस दशक में सूचीबद्ध किया गया, जिसमें वे पहली बार पहचाने गए थे:

1930 के दशक
सुज़ैन बेलपरॉन, फ्रांस, 1900-1983

1940 के दशक
मार्गरेट डी पट्टा, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1903-1964
आर्ट स्मिथ, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1923-1982

1950 के दशक
इरेना ब्रायनेर, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1917-2003
क्लेयर फल्केनस्टाइन, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1908-1998
पीटर मैकचेरिनी, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1909-2001

1960 के दशक
Gijs Bakker, नीदरलैंड, 1942-
कोबी बॉसहार्ड, स्विट्जरलैंड / न्यूजीलैंड, 1939-
स्टेनली लेच्त्ज़िन, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1936-
चार्ल्स लोलोमा, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1921-1991
ओलाफ स्कोगफ़ोर्स, स्वीडन, 1930-1975
जे फ्रेड वोवेल, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1936-2016

1970 के दशक
Arline Fisch, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1931-
विलियम क्लाउड हार्पर, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1944-
माज्लो, लेबनान 1949- फ्रांस
रॉबर्ट ली मॉरिस, जर्मनी 1947- संयुक्त राज्य

1980 के दशक
वारविक फ्रीमैन, न्यूजीलैंड, 1953-
लिसा ग्रेलनिक, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1953-
ब्रूस मेटकाफ, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1949-
एलन प्रेस्टन, न्यूजीलैंड, 1941-
बर्नहार्ड शोबिंगर, स्विट्जरलैंड, 1946

1990 के दशक
एंड्रिया काग्नेट्टी – अकेलो, इटली, 1967
कार्ल फ्रिट्च, जर्मनी / न्यूजीलैंड, 1963-
लिंडा मैकनील, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1954-
लिसा वॉकर, न्यूजीलैंड, 1967-
एरेता विल्किंसन, न्यूजीलैंड, 1969
नैन्सी वर्डेन, संयुक्त राज्य अमेरिका, 1954-
करेन पोंटोपिडन, डेनमार्क

2000 के दशक
रेबेका रोज, यूएसए, 1980
बेटोनी वर्नोन, यूएसए, 1968