Художественные украшения

Художественные украшения – одно из названий ювелирных украшений, созданных мастерами студии. Как следует из названия, художественные украшения подчеркивают творческое самовыражение и дизайн и характеризуются использованием разнообразных материалов, часто обыденных или имеющих низкую экономическую ценность. В этом смысле он создает противовес использованию «драгоценных материалов» (таких как золото, серебро и драгоценные камни) в обычных или изящных ювелирных изделиях, где стоимость предмета связана со стоимостью материалов, из которых он изготовлен. , Художественные украшения связаны со студийным ремеслом в других средах, таких как стекло, дерево, пластик и глина; он разделяет убеждения и ценности, образование и профессиональную подготовку, обстоятельства производства и сети распространения и рекламы с более широкой областью мастерства в студии. У художественных украшений также есть связи с изобразительным искусством и дизайном.

Хотя история художественных украшений обычно начинается с модернистских ювелирных украшений в Соединенных Штатах в 1940-х годах, за которыми следуют художественные эксперименты немецких ювелиров в 1950-х годах, в прикладном искусстве можно найти ряд ценностей и убеждений, которые определяют художественные украшения. движение конца девятнадцатого века. Во многих регионах, таких как Северная Америка, Европа, Австралазия и некоторые части Азии, процветают сцены художественных украшений, в то время как в других местах, таких как Южная Америка и Африка, развивается инфраструктура учебных заведений, дилерских галерей, писателей, коллекционеров и музеев, поддерживающих искусство. Ювелирные изделия.

терминология
Искусствовед Лисбет ден Бестен выделил шесть различных терминов для именования художественных украшений, включая современное, студийное, художественное, исследовательское, дизайнерское и авторское, из которых три наиболее распространенных – современный, студийный и художественный. Куратор Келли Л’Экуайер определила студийные украшения как ответвление студийного ремесленного движения, добавив, что это относится не к конкретным художественным стилям, а скорее к обстоятельствам, в которых производится предмет. Согласно ее определению, «Студийные ювелиры – это независимые художники, которые обрабатывают выбранные материалы напрямую, чтобы изготовить уникальное или ограниченное производство ювелирных изделий … Студийный ювелир является одновременно и дизайнером, и изготовителем каждого изделия (хотя его помощники или ученики могут помочь с техническими задачами), и работа создается в небольшой частной студии, а не на фабрике ». Историк искусства Моника Гаспар исследовала временное значение различных названий художественных украшений за последние 40 лет. Она предполагает, что «авангардные» ювелирные изделия позиционируют себя как радикально опережающие основные идеи; «современные» или «модернистские» ювелирные украшения утверждают, что они отражают дух времени, в котором они были сделаны; «ателье» ювелирных украшений подчеркивает мастерскую художника над ремесленной мастерской; «новые» украшения занимают ироническую позицию по отношению к прошлому; и «современные» ювелирные изделия претендуют на настоящее и «здесь и сейчас» в отличие от вечной природы традиционных ювелирных украшений в виде семейной реликвии, проходящей между поколениями.

Искусствовед Марибель Кенигер утверждает, что имена, данные художественным украшениям, важны для того, чтобы отличать этот тип ювелирных изделий от связанных предметов и практик. Использование термина «концептуальные» ювелирные изделия, по ее словам, является «попыткой оторваться от терминологии от продуктов коммерческой ювелирной промышленности, которые воспроизводят штампы и ориентированы на вкусы массового потребления, с одной стороны, и, с другой стороны, индивидуалистические, субъективно эстетизирующие замыслы чистого ремесла “.

форма
Художественные украшения часто имеют необычные формы, которые иногда громоздки и неприемлемы в повседневной жизни. В качестве материалов обрабатываются как типичные украшения, такие как драгоценные металлы и драгоценные камни, так и нетрадиционные или полудрагоценные нетипичные, такие как резина, пластмасса, сланец, переработанные материалы или грудное молоко. Технологии обработки соответственно отличаются от традиционного ювелирного дела.

Формальная и символическая эстетика этих ювелирных изделий означает, что они получены как произведения искусства. Авторская бижутерия также пытается исследовать связь между ювелирным объектом и человеческим телом. Вместо того, чтобы подчеркивать социальный статус владельца как декоративного аксессуара, ювелирные изделия автора делают возможным эстетический опыт, который колеблется между его одновременным «бытием-искусством и пребыванием в украшениях».

Критика драгоценности
Художники-ювелиры часто критически или сознательно работают с историей ювелирных изделий или с отношениями между ювелирными изделиями и телом, и они ставят под сомнение такие понятия, как «драгоценность» или «пригодность для ношения», которые обычно принимаются без вопросов обычными или изящными ювелирными изделиями. Это качество является продуктом критики драгоценности, термин, который описывает вызов ювелирных художников в Соединенных Штатах и ​​Европе к идее, что ценность ювелирных изделий эквивалентна ценности его материалов. Первоначально ювелиры работали с драгоценными или полудрагоценными материалами, но подчеркивали художественное выражение как важнейшее качество своей работы, связывая свои украшения с модернистскими художественными движениями, такими как биоморфизм, примитивизм и тахизм. В 1960-х годах ювелиры начали внедрять в свою работу новые, альтернативные материалы, такие как алюминий и акрил, что противоречит исторической роли ювелирных изделий как знака статуса и экономической ценности или переносимого богатства. По мере того, как акцент на стоимости уступал место, другие темы заняли свое место в качестве предмета ювелирных украшений. В 1995 году Питер Дормер описал эффект критики драгоценности следующим образом: «Во-первых, денежная стоимость материала становится неактуальной, во-вторых, после того, как стоимость ювелирных изделий как символа статуса была сдута, связь между орнаментом и человеческое тело снова заняло доминирующее положение – ювелирные изделия стали сознающими тело; в-третьих, ювелирные изделия утратили свою исключительность для одного пола или возраста – их могли носить мужчины, женщины и дети “.

Декоративно-прикладное украшение
Художественные украшения, появившиеся в первые годы двадцатого века, были реакцией на викторианский вкус, а тяжелые и декоративные украшения, часто изготавливаемые машинным способом, были популярны в девятнадцатом веке. По словам Элис Цорн Карлин, «для большинства ювелиров художественные украшения были личным художественным поиском, а также поиском новой национальной идентичности. Основанные на комбинации исторических ссылок, реакции на региональные и мировые события, новых материалов и других факторов художественные украшения отражают самобытность страны и в то же время являются частью более широкого международного движения за реформу дизайна ». Первоначально художественные украшения привлекали определенную группу клиентов с художественным вкусом, но они были быстро подобраны коммерческими фирмами, что сделало их широко доступными.

Есть много различных движений, которые внесли свой вклад в категорию художественных украшений, как мы ее знаем сегодня. В рамках английского движения «Искусство и ремесла», процветавшего между 1860 и 1920 годами, Чарльз Роберт Эшби и его Гильдия и Школа ремесел изготовили самые ранние украшения в области гильдии. Представляя свою работу в качестве противоядия от промышленного производства, первое поколение ювелиров прикладного искусства считало, что предмет должен быть спроектирован и изготовлен одним и тем же человеком, хотя отсутствие специальной подготовки означало, что большая часть этих украшений обладает привлекательным качеством ручной работы. Отвечая на изменения в моде, а также на викторианский вкус к ношению декораций, ювелиры прикладного искусства изготавливали подвески, ожерелья, броши, пряжки ремней, застежки-плащи и расчески для волос, которые носили в одиночку. Прикладные ювелирные изделия также имели тенденцию отдавать предпочтение материалам с небольшой внутренней ценностью, которые можно было бы использовать для их художественных эффектов. Основные металлы, полудрагоценные камни, такие как опалы, лунные камни и бирюза, деформированный жемчуг, стекло и ракушки, а также обильное использование стекловидной эмали, позволяли ювелирам проявлять творческий подход и производить доступные предметы.

Украшения в стиле модерн из Франции и Бельгии также внесли значительный вклад в создание художественных украшений. Носимые богатыми и артистически грамотными клиентами, включая куртизанок парижского демимонда, ювелирные украшения в стиле модерн Рене Лалика и Альфонса Мухи были вдохновлены символическим искусством, литературой и музыкой, а также возрождением криволинейных и драматических форм периода рококо. Как полагает Элис Цорн Карлин: «Результатом стали драгоценности ошеломляющей красоты и воображения, чувственные, сексуальные и соблазнительные, а порой даже пугающие. Эти драгоценности были далеки от симметричных и несколько спокойных дизайнов ювелирных украшений, которые более близко напоминал драгоценности эпохи Возрождения “. Лалик и другие ювелиры в стиле модерн нередко смешивали драгоценные металлы и драгоценные камни с недорогими материалами, а также предпочитали эмали с использованием плик-а-жур и кабошон.

Другие важные центры производства ювелирных украшений – это Wiener Werkstatte в Вене, где архитекторы Йозеф Хоффман и Коломан Мозер создавали украшения из серебра и полудрагоценных камней, которые иногда носили с одеждой, созданной мастерской. Датское движение Skønvirke (эстетическая работа), наиболее ярким примером которого является Георг Йенсен, предпочитало серебро и местные скандинавские камни и эстетику, которая находится где-то между принципами модерна и декоративно-прикладного искусства. Художественные украшения в Финляндии характеризовались возрождением викингов, совпавшим с его политической свободой в Швеции в 1905 году, в то время как модернизм в Испании последовал примеру ювелиров в стиле модерн. Художественные украшения также практиковались в Италии, России и Нидерландах.

В Соединенных Штатах ювелирные изделия декоративно-прикладного искусства были популярны среди любителей, поскольку в отличие от керамики, мебели или текстиля, они требовали лишь скромных вложений в инструменты и могли быть изготовлены на кухне. Одна из первых американских ювелиров прикладного искусства, Мадлен Йель Уинн, самоучка и подошла к своим украшениям как к форме и композиции с упором на эстетические качества, а не на умение, заявив, что «я рассматриваю каждое усилие само по себе в отношении цвета и формы как бы я нарисовал картину “. Брейнерд Блисс Трешер, еще один американский ювелир по искусству и ремеслу, использовал в своих эстетических качествах такие материалы, как резной рог и аметист, следуя примеру Рене Лалика, который смешивал в своих украшениях банальные и драгоценные материалы. Как предполагают Джанет Коплос и Брюс Меткалф, в то время как британское движение «Искусство и ремесла» пыталось воссоединить искусство и труд, многие американцы из высшего сословия, такие как «Трешер», объединили искусство и досуг: «Практика ремесла как отдыха может облегчить давление трудная работа, демонстрация хорошего вкуса и вкуса, вежливое проявление прогрессивной политики или выражение истинного удовольствия от удовлетворения трудом “.

Художественные украшения вышли из моды в 1920-х и 30-х годах, омраченные ар-деко, а также реакцией аудитории на их функциональный и эстетически сложный характер (слишком хрупкий и возмутительный). Тем не менее, это знаменует собой значительный разрыв с тем, что было раньше, и заложило многие ценности и взгляды на идеалы искусства или студийных украшений более позднего двадцатого века. Как пишет Elyse Zorn Karlin: «Ювелирные украшения ценили новаторское мышление ручной работы и ценили инновационное мышление и творческое самовыражение. Эти ювелиры были первыми, кто использовал материалы, которые не имели внутренней ценности, ожидаемой в ювелирных изделиях, и они отвергли основные вкусы ювелирных изделий. их работа как художественное занятие и сделала это для небольшой аудитории, которая разделяла их эстетические и концептуальные ценности “.

Модернистские украшения
История ювелирного искусства связана с появлением модернистских украшений в городских центрах США в 1940-х годах. По словам Тони Гринбаума: «Начиная примерно с 1940 года, в Соединенных Штатах стало появляться революционное ювелирное движение, которое затем было вызвано опустошением Второй мировой войны, травмой Холокоста, страхом перед бомбой, политикой. предрассудков, бесплодия индустриализации и грубости коммерциализации “. Модернистские ювелирные магазины и студии появились в Нью-Йорке (Фрэнк Ребайес, Пол Лобел, Билл Тендлер, Арт Смит, Сэм Крамер и Жюль Бреннер в Гринвич-Виллидж; Эд Винер, Ирена Бриннер и Генри Стейг в центре Манхэттена) и район залива на западном побережье (Маргарет де Патта, Питер Маккиарини, Мерри Ренк, Ирена Бриннер, Фрэнсис Сперизен и Боб Уинстон). Аудитория модернистских ювелирных изделий была либеральной, интеллектуальной частью среднего класса, которая также поддерживала современное искусство. Искусствовед Бланш Браун описывает привлекательность этой работы: «Около 1947 года я пошел в магазин Эда Винера и купил один из его серебряных штифтов с квадратной спиралью … потому что он выглядел великолепно, я мог себе это позволить и отождествлял меня с группой мой выбор – эстетически осознанный, интеллектуально склонный и политически прогрессивный. Этот значок (или один из немногих подобных) был нашим значком, и мы носили его с гордостью. Он прославил руку художника, а не рыночную стоимость материала ».

В 1946 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке была организована выставка современных ювелирных изделий ручной работы, в которую вошли работы ювелиров студии, таких как Маргарет Де Патта и Пол Лобель, а также украшения таких художников-модернистов, как Александр Кальдер, Жак Липшиц и Ричард Паузетт-Дарт. , Эта выставка гастролировала по Соединенным Штатам, а за ней последовала серия влиятельных выставок в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе. Келли Л’Экуайер полагает, что «ювелирные украшения Колдера были центральными для многих музейных и галерейных выставок этого периода, и он продолжает считаться главной фигурой в современных американских ювелирных изделиях». Используя холодную конструкцию и грубые методы, которые внушали дух импровизации и творчества, украшения Колдера разделяют использование его скульптуры линий и движений для описания пространства, создавая украшения, которые часто движутся вместе с телом владельца. Сильная связь с художественными движениями является характерной чертой американского художественного ювелирного искусства в этот период. В то время как Кальдер проявлял примитивистский интерес к африканскому и древнегреческому искусству, Маргарет Де Патта делала украшения, которые были конструктивистскими, манипулируя светом, пространством и оптическим восприятием в соответствии с уроками, которые она извлекла из Ласло Мохоли-Надя в Новом Баухаузе в Чикаго. Тони Гринбаум пишет, что «После того, как его наставник, художник Джон Хейли, показал ему работы Матисса и Пикассо, Боб Уинстон воскликнул:« Вот такую ​​чушь я делаю! ». Материалы модернистских украшений – органические и неорганические недрагоценные вещества, а также найденные предметы – соотносятся с кубистическими, футуристическими и дадаистскими взглядами, а стили модернистских украшений – сюрреализм, примитивизм, биоморфизм и конструктивизм – также являются движениями изобразительного искусства. ,

Художественные украшения с 1960 года
Послевоенный рост ювелирных изделий в Соединенных Штатах был поддержан концепцией, согласно которой методы изготовления ювелирных изделий, которые, как считается, укрепляют мышцы рук и рук и способствуют координации глаз-рука, играли роль в программах физиотерапии для ветеранов Второй мировой войны. Центр искусств ветеранов войны в Музее современного искусства, которым руководит Школа американского ремесленника Виктора Д’Амико, и мастерские, проводимые Маргрет Крейвер в Нью-Йорке, отвечали потребностям возвращающихся американских военнослужащих, в то время как законопроект Г.И. Права предлагали бесплатное обучение в колледже для ветеранов, многие из которых учились ремеслу. Как говорит Келли Л’Экуайер: «В дополнение к индивидуальному творчеству распространение ремесленного образования и терапии для солдат и ветеранов в Соединенных Штатах во время и после войны послужило стимулом для всех студийных ремесел, особенно ювелирных и металлообрабатывающих. а частные ресурсы, посвященные программам ветеранского ремесла, посеяли семена для более долгосрочных образовательных структур и вызвали широкий интерес к ремеслу как к творческому, полноценному образу жизни ».

К началу 1960-х годов выпускники этих программ не только бросали вызов традиционным идеям ювелирных изделий, но и обучали новое поколение американских ювелиров новым университетским программам на курсах ювелирного дела и металлообработки. Архитектурные украшения развивались примерно в то же время.

В 1960-х и 1970-х годах правительство Германии и коммерческая ювелирная промышленность создавали и активно поддерживали современных дизайнеров ювелирных изделий, создавая тем самым новый рынок. Они объединили современный дизайн с традиционным ювелирным делом и ювелирным делом. Orfevre, первая галерея художественных украшений, открылась в Дюссельдорфе, Германия, в 1965 году.

выставки
Принятие ювелирных украшений как искусства стало очень быстро развиваться в Соединенных Штатах после Второй мировой войны такими крупными музеями, как Музей современного искусства в Нью-Йорке и Художественный центр Уокера в Миннеаполисе, каждый из которых проводил крупные выставки художественных украшений в США. 1940-й года. Музей искусств и дизайна, бывший Музей американских ремесел, начал свою коллекцию в 1958 году с произведений, датируемых 1940-ми годами. Другие музеи, коллекции которых включают работы современных (американских) ювелирных дизайнеров, включают в себя: Музей искусств Кливленда, Музей стекла Корнинга, Музей ремесла и дизайна Монетного двора в Шарлотте, Северная Каролина, Музей изобразительных искусств, Бостон, Музей Изобразительное искусство, Хьюстон и Ренвикская галерея Смитсоновского музея.

Некоторые известные художники, которые создавали художественные украшения в прошлом, были Колдер, Пикассо, Ман Рэй, Мерет Оппенхайм, Дали и Невельсон. Некоторые из них представлены в галерее Sculpture to Wear в Нью-Йорке, которая была закрыта в 1977 году.

Галерея Artwear, принадлежащая Роберту Ли Моррису, продолжила это стремление продемонстрировать ювелирные изделия как вид искусства.

Коллекцию художественных украшений можно найти в музее Schmuckmuseum в Пфорцхайме, Германия.

Список ювелирных художников
Перечислено за десятилетие, в которое они впервые были признаны:

1930-е годы
Сюзанна Белперрон, Франция, 1900-1983 гг.

1940-е годы
Маргарет Де Патта, США, 1903–1964 гг.
Арт Смит, США, 1923–1982 гг.

1950-е годы
Ирена Бриннер, США, 1917-2003
Клэр Фалькенштейн, США, 1908–1998
Питер Маккиарини, США, 1909-2001

1960-е годы
Гейс Баккер, Нидерланды, 1942-
Коби Боссхард, Швейцария / Новая Зеландия, 1939-
Стэнли Лехтзин, США, 1936-
Чарльз Лолома, США, 1921–1991 гг.
Олаф Скугфорс, Швеция, 1930–1975 гг.
J Fred Woell, Соединенные Штаты, 1936-2016

1970-е годы
Арлайн Фиш, США, 1931-
Уильям Клод Харпер, США, 1944-
Мазло, Ливан, 1949 – Франция
Роберт Ли Моррис, Германия, 1947 – США

1980-е годы
Уорик Фриман, Новая Зеландия, 1953-
Лиза Гралник, США, 1953-
Брюс Меткалф, США, 1949-
Алан Престон, Новая Зеландия, 1941-
Бернхард Шобингер, Швейцария, 1946

1990-е годы
Андреа Кагнетти – Акело, Италия, 1967
Карл Фрич, Германия / Новая Зеландия, 1963-
Линда Макнейл, США, 1954-
Лиза Уокер, Новая Зеландия, 1967-
Арета Уилкинсон, Новая Зеландия, 1969
Нэнси Уорден, США, 1954-
Карен Понтоппидан, Дания

2000-е годы
Ребекка Роуз, США, 1980
Бетони Вернон, США, 1968