Gioielli d’arte

I gioielli d’arte sono uno dei nomi dei gioielli creati dagli artigiani dello studio. Come suggerisce il nome, l’arte orafa enfatizza l’espressione creativa e il design ed è caratterizzata dall’uso di una varietà di materiali, spesso banali o di basso valore economico. In questo senso, costituisce un contrappeso all’uso di “materiali preziosi” (come oro, argento e pietre preziose) in gioielleria convenzionale o fine, in cui il valore dell’oggetto è legato al valore dei materiali da cui è fatto . I gioielli d’arte sono legati al mestiere dello studio in altri media come vetro, legno, plastica e argilla; condivide convinzioni e valori, istruzione e formazione, circostanze di produzione e reti di distribuzione e pubblicità con il più ampio campo delle arti dello studio. I gioielli d’arte hanno anche legami con l’arte e il design.

Mentre la storia della gioielleria artistica inizia solitamente con la gioielleria modernista negli Stati Uniti negli anni ’40, seguita dagli esperimenti artistici degli orafi tedeschi negli anni ’50, un certo numero di valori e credenze che informano la gioielleria d’arte si possono trovare nelle arti e nei mestieri movimento del tardo diciannovesimo secolo. Molte regioni, come il Nord America, l’Europa, l’Australasia e parti dell’Asia hanno fiorenti scene di gioielli d’arte, mentre altri luoghi come il Sud America e l’Africa hanno sviluppato l’infrastruttura di istituzioni didattiche, gallerie di commercianti, scrittori, collezionisti e musei che sostengono l’arte gioielli.

Terminologia
Lo storico dell’arte Liesbeth den Besten ha identificato sei diversi termini per nominare gioielli d’arte, tra cui contemporaneo, studio, arte, ricerca, design e autore, con i tre più comuni contemporanei, in studio e in arte. La curatrice Kelly L’Ecuyer ha definito i gioielli da studio come una propaggine del movimento artigianale, aggiungendo che non si riferisce a particolari stili artistici, ma piuttosto alle circostanze in cui l’oggetto è prodotto. Secondo la sua definizione, “I gioiellieri dello studio sono artisti indipendenti che gestiscono i loro materiali scelti direttamente per realizzare gioielli di produzione unici o limitati ….. Il gioielliere dello studio è sia il designer che il produttore di ogni pezzo (anche se gli assistenti o gli apprendisti possono aiutare con compiti tecnici), e il lavoro viene creato in un piccolo studio privato, non in una fabbrica “. La storica dell’arte Monica Gaspar ha esplorato il significato temporale dei diversi nomi dati alla gioielleria d’arte negli ultimi 40 anni. Lei suggerisce che i gioielli “d’avanguardia” si posizionano come radicalmente in anticipo rispetto alle idee tradizionali; gioielli “moderni” o “modernisti” pretendono di riflettere lo spirito dei tempi in cui è stato creato; i gioielli “studio” enfatizzano lo studio dell’artista oltre il laboratorio artigianale; i gioielli “nuovi” assumono un atteggiamento ironico nei confronti del passato; e gioielli “contemporanei” rivendicano il presente e il “qui e ora” in contrasto con la natura eterna dei gioielli tradizionali come un cimelio che passa di generazione in generazione.

Lo storico dell’arte Maribel Koniger sostiene che i nomi dati ai gioielli d’arte sono importanti per distinguere questo tipo di gioielli da oggetti e pratiche correlate. L’uso del termine gioiello “concettuale” è, nelle sue parole, un “tentativo di distaccarsi attraverso la terminologia dai prodotti dell’industria della gioielleria commerciale che riproducono cliché e sono orientati verso i gusti del consumo di massa da una parte e, dall’altra, i disegni individualistici, soggettivamente estetizzanti del puro artigianato. ”

Modulo
I gioielli d’arte hanno spesso forme insolite a volte ingombranti e non accettabili nella vita di tutti i giorni. Come i materiali vengono lavorate sia decorazioni tipiche come metalli preziosi e gioielli, ma anche atipici non preziosi o semipreziosi, come gomma, plastica, ardesia, materiali riciclati o latte materno. Le tecniche di lavorazione si discostano di conseguenza dal tradizionale mestiere orafo.

L’estetica formale e simbolica di questi gioielli significa che sono ricevuti come opere d’arte. I gioielli dell’autore stanno anche cercando di esplorare la relazione tra oggetto gioielli e corpo umano. Invece di enfatizzare lo status sociale di chi lo indossa come accessorio decorativo, i gioielli dell’autore rendono possibile un’esperienza estetica che oscilla tra la sua simultanea “essere-arte e restare-in-gioielleria”.

Critica di preziosità
I gioiellieri d’arte lavorano spesso in modo critico o consapevole con la storia della gioielleria, o con la relazione tra gioielli e il corpo, e mettono in discussione concetti come “preziosità” o “vestibilità” che di solito sono accettati senza riserve da gioielli convenzionali o fini. Questa qualità è un prodotto della critica della preziosità, un termine che descrive la sfida dei gioiellieri d’arte negli Stati Uniti e in Europa all’idea che il valore del gioiello fosse equivalente alla preziosità dei suoi materiali. Inizialmente i gioiellieri artistici lavoravano in materiali preziosi o semi-preziosi, ma enfatizzavano l’espressione artistica come la qualità più importante del loro lavoro, collegando i loro gioielli a movimenti artistici modernisti come il biomorfismo, il primitivismo e il tachismo. Negli anni ’60, le gioiellerie d’arte hanno cominciato a introdurre nuovi materiali alternativi nel loro lavoro, come alluminio e acrilici, rompendo con il ruolo storico della gioielleria come segno di status e valore economico o ricchezza portatile. Mentre l’attenzione al valore lasciava il posto, altri temi prendevano il loro posto come oggetto di gioielleria. Scrivendo nel 1995, Peter Dormer descrisse gli effetti della critica della preziosità come segue: “In primo luogo, il valore monetario della materia diventa irrilevante, in secondo luogo, una volta sgonfiato il valore della gioielleria come status symbol, la relazione tra l’ornamento e il corpo umano assunse nuovamente una posizione dominante – i gioielli divennero coscienti del corpo, in terzo luogo i gioielli persero la loro esclusività in un sesso o in un’età – potrebbe essere indossato da uomini, donne e bambini “.

Arti e gioielli artigianali
La gioielleria artistica emersa nei primi anni del XX secolo fu una reazione al gusto vittoriano e ai gioielli pesanti e decorati, spesso fabbricati a macchina, che erano popolari nel diciannovesimo secolo. Secondo Elyse Zorn Karlin, “Per la maggior parte dei gioiellieri, la gioielleria era una ricerca artistica personale e una ricerca di una nuova identità nazionale basata su una combinazione di riferimenti storici, reazioni agli eventi regionali e mondiali, nuovi materiali disponibili e altri fattori i gioielli d’arte riflettono l’identità di un paese e allo stesso tempo fanno parte di un più ampio movimento internazionale di riforme del design “. Inizialmente, la gioielleria artistica si rivolgeva a un gruppo selezionato di clienti con un gusto artistico, ma fu rapidamente ripresa dalle aziende commerciali, rendendola ampiamente disponibile.

Ci sono molti diversi movimenti che hanno contribuito alla categoria di gioielli d’arte come lo conosciamo oggi. Come parte del movimento inglese Arts and Crafts, fiorente tra il 1860 e il 1920, Charles Robert Ashbee e la sua Guild and School of Handicraft produssero i primi gioielli di arti e mestieri in un contesto di corporazioni. Presentando il loro lavoro come antidoto alla produzione industriale, la prima generazione di gioiellieri di arti e mestieri riteneva che un oggetto dovesse essere progettato e realizzato dalla stessa persona, sebbene la mancanza di formazione specialistica significasse che gran parte di questo gioiello ha una qualità artigianale accattivante. Rispondendo ai cambiamenti della moda, così come il gusto vittoriano per indossare set, arti e mestieri, i gioiellieri producevano ciondoli, collane, spille, fibbie per cinture, fermagli per mantello e pettini per capelli indossati da soli. Anche i gioielli di arti e mestieri tendevano a privilegiare materiali con un valore intrinseco minimo che potesse essere usato per i loro effetti artistici. Metalli di base, pietre semi-preziose come opali, pietre di luna e turchesi, perle deformi, vetro e conchiglia, e l’uso abbondante dello smalto Vitreo, hanno permesso ai gioiellieri di essere creativi e di produrre oggetti a prezzi accessibili.

Anche i gioielli in stile liberty della Francia e del Belgio hanno contribuito in modo importante alla gioielleria d’arte. Indossati da clienti facoltosi e artisticamente istruiti, tra cui cortigiane del demi-mime di Parigi, i gioielli in stile liberty di Rene Lalique e Alphonse Mucha sono stati ispirati dall’arte simbolista, dalla letteratura e dalla musica e da un revival delle forme curvilinee e drammatiche del periodo rococò. Come suggerisce Elyse Zorn Karlin, “Il risultato è stato un gioiello di bellezza e immaginazione sbalorditive, sensuale, sessuale e seducente ea volte persino spaventoso.Questi gioielli erano ben lontani dai disegni simmetrici e un po ‘placidi di gioielli Arts and Crafts, che più molto simile ai gioielli del Rinascimento. ” Lalique e altri gioiellieri in stile liberty abbastanza spesso mescolavano metalli preziosi e pietre preziose con materiali poco costosi, e preferivano tecniche di smalto a cabochon e plique-a-jour.

Altri importanti centri di produzione di gioielli d’arte hanno incluso Wiener Werkstatte a Vienna, dove gli architetti Josef Hoffmann e Koloman Moser hanno progettato gioielli in argento e pietre semi-preziose, a volte da indossare con abiti creati anche dall’officina. Il movimento danese Skønvirke (lavoro estetico), di cui Georg Jensen è l’esempio più famoso, ha favorito l’argento e le pietre scandinave native e un’estetica che cade a metà tra i principi dello stile Liberty e delle arti e mestieri. Il gioiello d’arte in Finlandia fu caratterizzato da un revival vichingo, in coincidenza con la sua libertà politica sulla Svezia nel 1905, mentre il modernismo in Spagna seguì la guida dei gioiellieri in stile liberty. I gioielli d’arte venivano anche praticati in Italia, Russia e Paesi Bassi.

Negli Stati Uniti, i gioielli delle arti e dei mestieri erano popolari tra i dilettanti, poiché a differenza della ceramica, dei mobili o dei tessuti, richiedeva solo un modesto investimento in strumenti e poteva essere fatto in cucina. Uno dei primi gioiellieri americani di arti e mestieri, Madeline Yale Wynne, è stato autodidatta e si è avvicinato ai suoi gioielli come forma e composizione con l’accento sulle qualità estetiche piuttosto che sull’abilità, affermando che “considero ogni sforzo da solo per quanto riguarda il colore e la forma tanto quanto vorrei dipingere un’immagine “. Brainerd Bliss Thresher, un altro gioielliere americano di arti e mestieri, usava materiali come il corno intagliato e l’ametista per le loro qualità estetiche, seguendo l’esempio di René Lalique che mescolava quotidianamente e materiali preziosi nei suoi gioielli. Come suggeriscono Janet Koplos e Bruce Metcalf, mentre il movimento British Arts and Crafts ha cercato di riunire arte e lavoro, molti americani di classe superiore come Thresher hanno unito arte e tempo libero: “La pratica del mestiere come ricreazione potrebbe essere un sollievo dalla pressione di un lavoro difficile, una dimostrazione del proprio buon gusto e del gusto di vivere, una cortese manifestazione di politica progressista, o un’espressione del puro piacere del lavoro soddisfacente. ”

Negli anni ’20 e ’30 i gioielli d’arte caddero in disuso, oscurati dall’art deco, così come la risposta del pubblico alla sua natura funzionale ed esteticamente stimolante (troppo fragile e oltraggiosa). Tuttavia, segna una rottura significativa con ciò che è venuto prima, e ha stabilito molti dei valori e degli atteggiamenti per gli ideali dell’arte del ventesimo secolo o gioielli da studio. Come scrive Elyse Zorn Karlin, “I gioielli d’arte valorizzavano il pensiero innovativo e l’espressione creativa fatti a mano e preziosi, i primi ad usare materiali che non avevano il valore intrinseco che ci si aspettava in gioielleria e rifiutavano i gusti tradizionali dei gioielli. il loro lavoro come ricerca artistica e fatto per un piccolo pubblico che condivideva i loro valori estetici e concettuali “.

Gioielleria modernista
La storia della gioielleria artistica è legata all’emergere di gioielli modernisti nei centri urbani degli Stati Uniti negli anni ’40. Secondo Toni Greenbaum, “All’inizio del 1940, un movimento rivoluzionario di gioielli iniziò ad emergere negli Stati Uniti, e questo fu poi spronato dalla devastazione della Seconda Guerra Mondiale, dal trauma dell’Olocausto, dalla paura della bomba, dalla politica del pregiudizio, della sterilità dell’industrializzazione e della crudeltà del mercantilismo “. Le gioiellerie e gli atelier modernisti sono sorti a New York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer e Jules Brenner nel Greenwich Village e Ed Wiener, Irena Brynner e Henry Steig nel centro di Manhattan) e la Bay Area sulla costa occidentale (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, allegro renk, Irena Brynner, Francis Sperisen e Bob Winston). Il pubblico di gioielli modernisti era la frangia liberale e intellettuale della classe media, che sosteneva anche l’arte moderna. La storica d’arte Blanche Brown descrive l’attrattiva di questo lavoro: “Nel 1947 sono andato al negozio di Ed Wiener e ho comprato uno dei suoi spilli a spirale quadrata in argento … perché sembrava fantastico, potevo permettermelo e mi ha identificato con il gruppo di la mia scelta – esteticamente consapevole, intellettualmente incline e politicamente progressista. Quel perno (o uno dei pochi come questo) era il nostro distintivo e lo indossavamo con orgoglio, celebrando la mano dell’artista piuttosto che il valore di mercato del materiale “.

Nel 1946 il Museum of Modern Art di New York organizzò la mostra Modern Handmade Jewelry, che comprendeva il lavoro di gioiellieri dello studio come Margaret De Patta e Paul Lobel, insieme a gioielli di artisti modernisti come Alexander Calder, Jacques Lipchitz e Richard Pousette-Dart . Questa mostra ha fatto il giro degli Stati Uniti, ed è stata seguita da una serie di importanti mostre al Walker Art Center di Minneapolis. Kelly L’Ecuyer suggerisce che “i gioielli di Calder sono stati al centro di molte delle mostre di musei e gallerie di questo periodo, e continua a essere considerato la figura fondamentale nella gioielleria contemporanea americana”. Utilizzando la costruzione fredda e le tecniche rozze che suggerivano uno spirito di improvvisazione e creatività, i gioielli di Calder condividono l’uso della sua linea di linee e del movimento per descrivere lo spazio, creando gioielli che spesso si muovono con il corpo di chi lo indossa. Un forte legame con i movimenti artistici è una caratteristica dei gioielli d’arte americani durante questo periodo. Mentre Calder mostrava un interesse primitivo nell’arte africana e antica greca, Margaret De Patta realizzò gioielli che erano costruttivisti, manipolando la luce, lo spazio e la percezione ottica secondo le lezioni apprese da László Moholy-Nagy al New Bauhaus di Chicago. Toni Greenbaum scrive che “Dopo che il suo mentore, il pittore John Haley, gli mostrò il lavoro di Matisse e Picasso, Bob Winston esclamò:” Questo è il genere di merda che sto facendo! “.” I materiali del gioiello modernista – sostanze organiche e inorganiche non preziose, così come oggetti trovati – sono correlati agli atteggiamenti cubista, futurista e dadaista, mentre gli stili della gioielleria modernista – surrealismo, primitivismo, biomorfismo e costruttivismo – sono anche movimenti artistici .

Gioielli d’arte dal 1960
La crescita postbellica della gioielleria negli Stati Uniti è stata sostenuta dal concetto che le tecniche di creazione di gioielli, che si ritiene potessero rafforzare i muscoli delle mani e delle braccia e favorire la coordinazione occhio-mano, hanno avuto un ruolo nei programmi di terapia fisica per i veterani della seconda guerra mondiale. Il War Veterans ‘Art Center al Museum of Modern Art, guidato da Victor D’Amico, la School for American Craftsman, e i workshop gestiti da Margret Craver a New York City, rispondevano alle necessità di restituire militari americani, mentre il GI Bill di diritti ha offerto lezioni universitarie gratuite per veterani, molti dei quali hanno studiato artigianato. Come suggerisce Kelly L’Ecuyer, “Oltre alla creatività individuale, la proliferazione dell’istruzione e della terapia artigianale per soldati e veterani negli Stati Uniti durante e dopo la guerra ha fornito uno stimolo per tutti i mestieri da studio, in particolare gioielli e oreficeria. e le risorse private dedicate ai programmi artigianali dei veterani hanno gettato le basi per strutture educative più durature e hanno sviluppato un ampio interesse per l’artigianato come uno stile di vita creativo e appagante “.

All’inizio degli anni ’60, i diplomati di questi programmi non stavano solo sfidando le idee convenzionali di gioielleria, ma insegnando una nuova generazione di gioiellieri americani a nuovi programmi universitari in corsi di gioielleria e di lavorazione dei metalli. I gioielli architettonici si stavano sviluppando nello stesso periodo.

Negli anni ’60 e ’70, il governo tedesco e l’industria della gioielleria commerciale hanno sostenuto e sostenuto fortemente i designer di gioielli moderni, creando così un nuovo mercato. Hanno combinato il design contemporaneo con la tradizione orafa e la creazione di gioielli. Orfevre, la prima galleria di gioielli d’arte, fu aperta a Duesseldorf, in Germania, nel 1965.

Esposizioni
L’accettazione di gioielli come arte è stata promossa negli Stati Uniti molto rapidamente dopo la seconda guerra mondiale da importanti musei come il Museum of Modern Art di New York e il Walker Art Center di Minneapolis, ognuno dei quali ha tenuto importanti mostre di gioielli d’arte nel 1940. Il Museum of Arts and Design, ex The American Craft Museum, ha iniziato la sua collezione nel 1958 con pezzi risalenti agli anni ’40. Altri musei le cui collezioni includono lavori di designer di gioielli (americani) contemporanei includono: il Cleveland Museum of Art, il Corning Museum of Glass, il Mint Museum of Craft & Design a Charlotte, NC, il Museum of Fine Arts, Boston, il Museo di Belle Arti, Houston e la Galleria Renwick del museo Smithsonian.

Alcuni famosi artisti che hanno creato gioielli d’arte in passato sono stati Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí e Nevelson. Alcuni dei quali rappresentati alla Sculpture to Wear Gallery di New York, che ha chiuso nel 1977.

La Galleria Artwear, di proprietà di Robert Lee Morris, continuò in questo tentativo di mostrare i gioielli come forma d’arte.

Una collezione di gioielli d’arte si trova presso lo Schmuckmuseum di Pforzheim, in Germania.

Elenco di artisti di gioielli
Elencati nel decennio in cui sono stati riconosciuti per la prima volta:

1930
Suzanne Belperron, Francia, 1900-1983

1940
Margaret De Patta, Stati Uniti, 1903-1964
Art Smith, Stati Uniti, 1923-1982

1950
Irena Brynner, Stati Uniti, 1917-2003
Claire Falkenstein, Stati Uniti, 1908-1998
Peter Macchiarini, Stati Uniti, 1909-2001

1960
Gijs Bakker, Paesi Bassi, 1942-
Kobi Bosshard, Svizzera / Nuova Zelanda, 1939-
Stanley Lechtzin, Stati Uniti, 1936-
Charles Loloma, Stati Uniti, 1921-1991
Olaf Skoogfors, Svezia, 1930-1975
J Fred Woell, Stati Uniti, 1936-2016

1970
Arline Fisch, Stati Uniti, 1931-
William Claude Harper, Stati Uniti, 1944-
Mazlo, Libano 1949 – Francia
Robert Lee Morris, Germania 1947 – Stati Uniti

1980
Warwick Freeman, Nuova Zelanda, 1953-
Lisa Gralnick, Stati Uniti, 1953-
Bruce Metcalf, Stati Uniti, 1949-
Alan Preston, Nuova Zelanda, 1941-
Bernhard Schobinger, Svizzera, 1946

1990
Andrea Cagnetti – Akelo, Italia, 1967
Karl Fritsch, Germania / Nuova Zelanda, 1963-
Linda MacNeil, Stati Uniti, 1954-
Lisa Walker, Nuova Zelanda, 1967-
Areta Wilkinson, Nuova Zelanda, 1969
Nancy Worden, Stati Uniti, 1954-
Karen Pontoppidan, Danimarca

2000
Rebecca Rose, USA, 1980
Betony Vernon, USA, 1968