Joyas de arte

La joyería de arte es uno de los nombres dados a la joyería creada por artesanos de estudio. Como su nombre indica, la joyería de arte enfatiza la expresión creativa y el diseño, y se caracteriza por el uso de una variedad de materiales, a menudo comunes o de bajo valor económico. En este sentido, constituye un contrapeso al uso de “materiales preciosos” (como el oro, la plata y las piedras preciosas) en joyas convencionales o finas, donde el valor del objeto está vinculado al valor de los materiales con los que se fabrica. . La joyería de arte está relacionada con el arte de estudio en otros medios como vidrio, madera, plásticos y arcilla; comparte creencias y valores, educación y capacitación, circunstancias de producción y redes de distribución y publicidad con el campo más amplio de artesanía de estudio. La joyería de arte también tiene enlaces a arte y diseño.

Mientras que la historia de la joyería de arte generalmente comienza con la joyería modernista en los Estados Unidos en la década de 1940, seguida de los experimentos artísticos de los orfebres alemanes en la década de 1950, algunos de los valores y creencias que informan la joyería de arte se pueden encontrar en las artes y artesanías. Movimiento de finales del siglo XIX. Muchas regiones, como América del Norte, Europa, Australasia y partes de Asia tienen florecientes escenas de joyería artística, mientras que otros lugares como América del Sur y África han estado desarrollando la infraestructura de instituciones de enseñanza, galerías de distribuidores, escritores, coleccionistas y museos que sostienen el arte. joyería.

Terminología
La historiadora del arte Liesbeth den Besten ha identificado seis términos diferentes para nombrar joyas de arte, incluyendo contemporáneo, estudio, arte, investigación, diseño y autor, y los tres más comunes son contemporáneo, estudio y arte. La curadora Kelly L’Ecuyer ha definido la joyería de estudio como una rama del movimiento de artesanía del estudio, agregando que no se refiere a estilos artísticos particulares sino a las circunstancias en las que se produce el objeto. Según su definición, “los joyeros de estudio son artistas independientes que manejan sus materiales elegidos directamente para hacer joyas únicas o de producción limitada … El joyero del estudio es tanto el diseñador como el fabricante de cada pieza (aunque los asistentes o los aprendices pueden ayudar con las tareas técnicas), y el trabajo se crea en un pequeño estudio privado, no en una fábrica “. La historiadora del arte Monica Gaspar ha explorado el significado temporal de los diferentes nombres dados a la joyería de arte en los últimos 40 años. Ella sugiere que la joyería “vanguardista” se posiciona a sí misma como radicalmente por delante de las ideas principales; La joyería “moderna” o “modernista” pretende reflejar el espíritu de los tiempos en que se hizo; La joyería “estudio” enfatiza el estudio del artista sobre el taller de artesanía; La “nueva” joyería asume una postura irónica hacia el pasado; y la joyería “contemporánea” reclama el presente y el “aquí y ahora” en contraste con la naturaleza eterna de la joyería tradicional como una herencia que se transmite de generación en generación.

La historiadora del arte Maribel Koniger sostiene que los nombres dados a las joyas de arte son importantes para distinguir este tipo de joyas de los objetos y prácticas relacionados. El uso del término “joyería conceptual” es, en sus palabras, un “intento de desvincularse a sí mismo a través de la terminología de los productos de la industria de la joyería comercial que reproducen clichés y están orientados hacia los gustos del consumo masivo por un lado, y, Por otro lado, los diseños individualistas y estéticamente subjetivos de la artesanía pura “.

Formar
Las joyas de arte a menudo tienen formas inusuales que a veces son voluminosas y no son aceptables en la vida cotidiana. En cuanto a los materiales, se procesan tanto las decoraciones típicas como los metales preciosos y las joyas, como también los atípicos no preciosos o semipreciosos, como el caucho, los plásticos, la pizarra, los materiales reciclados o la leche materna. Las técnicas de procesamiento se desvían en consecuencia de la artesanía de orfebrería tradicional.

La estética formal y simbólica de estas joyas hace que sean recibidas como obras de arte. La joyería del autor también está tratando de explorar la relación entre el objeto de joyería y el cuerpo humano. En lugar de enfatizar el estatus social del usuario como un accesorio decorativo, la joyería del autor hace posible una experiencia estética que oscila entre su “ser arte y permanecer en la joyería” simultáneamente.

Crítica de la preciosidad.
Los joyeros de arte a menudo trabajan de manera crítica o consciente con la historia de la joyería, o con la relación entre la joyería y el cuerpo, y cuestionan conceptos como “preciosidad” o “portabilidad” que generalmente son aceptados por las joyas convencionales o finas. Esta calidad es un producto de la crítica de preciosidad, un término que describe el desafío de los joyeros de arte en los Estados Unidos y Europa a la idea de que el valor de la joyería era equivalente a la preciosidad de sus materiales. Inicialmente, los joyeros del arte trabajaron en materiales preciosos o semipreciosos, pero enfatizaron la expresión artística como la cualidad más importante de su trabajo, vinculando sus joyas con los movimientos artísticos modernistas como el biomorfismo, el primitivismo y el tachismo. En la década de 1960, los joyeros de arte comenzaron a introducir nuevos materiales alternativos en su trabajo, como el aluminio y los acrílicos, rompiendo con el papel histórico de la joyería como un signo de estatus y valor económico o riqueza portátil. A medida que el enfoque en el valor cedió, otros temas tomaron su lugar como el tema de la joyería. En 1995, Peter Dormer describió los efectos de la crítica de preciosidad de la siguiente manera: “Primero, el valor monetario del material se vuelve irrelevante; segundo, una vez que el valor de la joyería como símbolo de estado se había desinflado, la relación entre el adorno y el cuerpo humano una vez más asumió una posición dominante: las joyas se volvieron conscientes del cuerpo; en tercer lugar, las joyas perdieron su exclusividad en un solo sexo o edad: podrían ser usadas por hombres, mujeres y niños “.

Artesanía y manualidades de joyería.
La joyería de arte que surgió en los primeros años del siglo XX fue una reacción al gusto victoriano, y la joyería pesada y ornamentada, a menudo fabricada a máquina, que fue popular en el siglo XIX. Según Elyse Zorn Karlin, “Para la mayoría de los joyeros, la joyería artística fue una búsqueda artística personal, así como la búsqueda de una nueva identidad nacional. Basada en una combinación de referencias históricas, reacciones a eventos regionales y mundiales, nuevos materiales disponibles y otros factores. “Las joyas de arte reflejaban la identidad de un país y al mismo tiempo formaban parte de un movimiento internacional más grande de reforma del diseño”. Inicialmente, las joyas de arte atrajeron a un selecto grupo de clientes con gusto artístico, pero fue rápidamente recogido por empresas comerciales, lo que lo hizo ampliamente disponible.

Hay muchos movimientos diferentes que contribuyeron a la categoría de joyería de arte como la conocemos hoy. Como parte del movimiento English Arts and Crafts, que floreció entre 1860 y 1920, Charles Robert Ashbee y su Gremio y la Escuela de Artesanía produjeron las primeras joyas de artesanía en un entorno de gremio. Al presentar su trabajo como un antídoto para la producción industrial, la primera generación de joyeros de artes y oficios creía que un objeto debía ser diseñado y fabricado por la misma persona, aunque su falta de capacitación especializada significaba que gran parte de esta joyería tenía una calidad artesanal atractiva. Respondiendo a los cambios en la moda, así como al gusto victoriano de usar juegos, artesanía y manualidades, los joyeros hicieron colgantes, collares, broches, cinturones, broches y peines que se usaban solos. Las joyas de artesanía también tendían a favorecer materiales con poco valor intrínseco que podían usarse por sus efectos artísticos. Los metales básicos, piedras semipreciosas como ópalos, piedras lunares y turquesas, perlas deformes, cristales y conchas, y el abundante uso del esmalte vítreo, permitieron a los joyeros ser creativos y producir objetos asequibles.

La joyería art nouveau de Francia y Bélgica también fue un importante contribuyente a la joyería artística. Llevada por clientes adinerados y alfabetizados artísticamente, incluidas las cortesanas de la demimonde de París, las joyas art nouveau de Rene Lalique y Alphonse Mucha se inspiraron en el arte simbolista, la literatura y la música, y un resurgimiento de las formas curvilíneas y dramáticas del período rococó. Como sugiere Elyse Zorn Karlin, “El resultado fue joyas de asombrosa belleza e imaginación, sensuales, sexuales y seductoras, y en ocasiones incluso aterradoras. Estas joyas estaban muy lejos de los diseños simétricos y un tanto apacibles de las joyas de Artes y Oficios, que son más muy parecido a las joyas del Renacimiento “. Lalique y otros joyeros art nouveau mezclaron a menudo metales preciosos y piedras preciosas con materiales de bajo costo, y preferían las técnicas de esmalte de licor y cabuchón.

Otros centros importantes de producción de joyería artística incluyeron el Wiener Werkstatte en Viena, donde los arquitectos Josef Hoffmann y Koloman Moser diseñaron joyas en plata y piedras semipreciosas, algunas veces para usar con ropa también creada por el taller. El movimiento danés Skønvirke (obra estética), del cual Georg Jensen es el ejemplo más famoso, prefería la plata y las piedras escandinavas nativas y una estética que se encuentra entre los principios del art nouveau y la artesanía. La joyería de arte en Finlandia se caracterizó por un renacimiento vikingo, que coincidió con su libertad política en Suecia en 1905, mientras que el modernismo en España siguió el ejemplo de los joyeros art nouveau. La joyería de arte también se practicó en Italia, Rusia y los Países Bajos.

En los Estados Unidos, la joyería artesanal era popular entre los aficionados, ya que a diferencia de la cerámica, los muebles o los textiles, solo requería una modesta inversión en herramientas y podía hacerse en la cocina. Madeline Yale Wynne, una de las primeras joyeras americanas de artes y oficios, fue autodidacta y se acercó a sus joyas como forma y composición con énfasis en las cualidades estéticas más que en las habilidades, y afirma que “considero cada esfuerzo por sí mismo en cuanto a color y forma. tanto como pintaría un cuadro “. Brainerd Bliss Thresher, otro joyero estadounidense de artes y oficios, usó materiales como la trompa tallada y la amatista por sus cualidades estéticas, siguiendo el ejemplo de René Lalique, quien combinó materiales de calidad y preciosos en sus joyas. Como lo sugieren Janet Koplos y Bruce Metcalf, mientras que el movimiento de Artes y oficios británicos trató de reunir el arte y el trabajo, muchos estadounidenses de clase alta como Thresher unieron el arte y el ocio: “La práctica de la artesanía como recreación podría ser un alivio para la presión de un trabajo difícil, una demostración del buen gusto y el sabor de la propia vida, una manifestación cortés de la política progresista, o una expresión del puro placer de satisfacer el trabajo “.

Las joyas de arte pasaron de moda en los años 20 y 30, opacadas por el art déco, así como la respuesta del público a su naturaleza funcional y estéticamente desafiante (demasiado frágil y escandalosa). Sin embargo, marca una ruptura significativa con lo que vino antes, y estableció muchos de los valores y actitudes para los ideales de arte o joyería de estudio de finales del siglo XX. Como escribe Elyse Zorn Karlin, “Las joyas de arte valoran el pensamiento innovador y expresivo hecho a mano y apreciado. Estos joyeros fueron los primeros en usar materiales que no tenían el valor intrínseco esperado en las joyas, y rechazaron los gustos de las joyas tradicionales. Pensaron en su trabajo como una búsqueda artística y lo hizo para un público pequeño que compartió sus valores estéticos y conceptuales “.

Joyeria modernista
La historia de la joyería de arte está ligada a la aparición de la joyería modernista en los centros urbanos de los Estados Unidos en la década de 1940. Según Toni Greenbaum, “a partir de 1940, un movimiento revolucionario de joyería comenzó a surgir en los Estados Unidos, y esto fue impulsado por la devastación de la Segunda Guerra Mundial, el trauma del Holocausto, el miedo a la bomba, la política. del prejuicio, la esterilidad de la industrialización y la burla del comercialismo “. Joyerías y estudios modernistas surgidos en la ciudad de Nueva York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer y Jules Brenner en Greenwich Village; y Ed Wiener, Irena Brynner y Henry Steig en el centro de Manhattan) y el Área de la Bahía en la costa oeste (Margaret De Patta, Peter Macchiarini, Merry Renk, Irena Brynner, Francis Sperisen y Bob Winston). El público de la joyería modernista era la franja liberal, intelectual de la clase media, que también apoyaba el arte moderno. La historiadora de arte Blanche Brown describe el atractivo de este trabajo: “Alrededor de 1947 fui a la tienda de Ed Wiener y compré uno de sus pines cuadrados de plata con forma de espiral … porque se veía genial, podía pagarlo y me identificó con el grupo de “Mi elección: estéticamente conciente, intelectualmente inclinada y políticamente progresista. Ese pin (o uno de los pocos que nos gustan) fue nuestra insignia y la usamos con orgullo. Celebró la mano del artista en lugar del valor de mercado del material”.

En 1946, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó la exposición Modern Handmade Jewelry, que incluyó el trabajo de joyeros de estudio como Margaret De Patta y Paul Lobel, junto con joyas de artistas modernistas como Alexander Calder, Jacques Lipchitz y Richard Pousette-Dart. . Esta exposición recorrió los Estados Unidos, y fue seguida por una serie de exposiciones influyentes en el Centro de Arte Walker en Minneapolis. Kelly L’Ecuyer sugiere que “las joyas de Calder fueron fundamentales para muchas de las exhibiciones de museos y galerías de este período, y continúa siendo visto como la figura fundamental de las joyas contemporáneas estadounidenses”. Usando una construcción fría y técnicas crudas que sugerían un espíritu de improvisación y creatividad, las joyas de Calder comparten el uso de la línea y el movimiento de su escultura para describir el espacio, creando joyas que a menudo se mueven con el cuerpo del usuario. Una fuerte conexión con los movimientos artísticos es una característica de la joyería artística estadounidense durante este período. Mientras Calder mostró un interés primitivista por el arte africano y griego antiguo, Margaret De Patta hizo joyas constructivistas, que manipulaban la luz, el espacio y la percepción óptica de acuerdo con las lecciones que aprendió de László Moholy-Nagy en el New Bauhaus de Chicago. Toni Greenbaum escribe que “Después de su mentor, el pintor John Haley, le mostró el trabajo de Matisse y Picasso, Bob Winston exclamó: ‘¡Ese es el tipo de mierda que estoy haciendo!'”. Los materiales de la joyería modernista – sustancias no preciosas orgánicas e inorgánicas, así como los objetos encontrados – se correlacionan con actitudes cubistas, futuristas y dadaístas, mientras que los estilos de joyería modernista – surrealismo, primitivismo, biomorfismo y constructivismo – también son movimientos de arte. .

Joyas de arte desde 1960
El crecimiento de la joyería de posguerra en los Estados Unidos fue apoyado por el concepto de que las técnicas de fabricación de joyas, que se cree fortalecen los músculos de las manos y los brazos y fomentan la coordinación ojo-mano, desempeñaron un papel en los programas de terapia física para los veteranos de la Segunda Guerra Mundial. El Centro de Arte para Veteranos de Guerra en el Museo de Arte Moderno, dirigido por Victor D’Amico, la Escuela para Artesanos Americanos, y los talleres dirigidos por Margret Craver en la ciudad de Nueva York, abordaron las necesidades de los militares estadounidenses que regresaban, mientras que el GI Bill of Rights ofreció matrícula universitaria gratuita para los veteranos, muchos de los cuales estudiaron artesanía. Como lo sugiere Kelly L’Ecuyer, “Además de la creatividad individual, la proliferación de educación y terapia artesanal para soldados y veteranos en los Estados Unidos durante y después de la guerra proporcionó un estímulo para todas las artesanías de estudio, especialmente la joyería y la forja de metales”. y los recursos privados dedicados a los programas de artesanía de los veteranos sembraron las semillas para estructuras educativas más duraderas y diseñaron un amplio interés en la artesanía como un estilo de vida creativo y satisfactorio “.

A principios de la década de 1960, los graduados de estos programas no solo estaban desafiando las ideas convencionales de joyería, sino que también enseñaban a una nueva generación de joyeros estadounidenses en nuevos programas universitarios de joyería y orfebrería. La joyería arquitectónica se estaba desarrollando al mismo tiempo.

En los años sesenta y setenta, el gobierno alemán y la industria de joyería comercial fomentaron y apoyaron en gran medida a los diseñadores de joyas modernos, creando así un nuevo mercado. Combinaron el diseño contemporáneo con la orfebrería tradicional y la fabricación de joyas. Orfevre, la primera galería de joyería de arte, abrió sus puertas en Düsseldorf, Alemania, en 1965.

Exposiciones
La aceptación de la joyería como arte fue promovida en los Estados Unidos muy rápidamente después de la Segunda Guerra Mundial por los museos más importantes, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro de Arte Walker en Minneapolis, cada uno de los cuales realizó exposiciones importantes de joyería de arte en el Los años cuarenta. El Museo de Arte y Diseño, anteriormente The American Craft Museum, comenzó su colección en 1958 con piezas que datan de la década de 1940. Otros museos cuyas colecciones incluyen el trabajo de diseñadores de joyería contemporáneos (estadounidenses) incluyen: el Museo de Arte de Cleveland, el Museo del Vidrio Corning, el Museo de Artesanía y Diseño Mint en Charlotte, Carolina del Norte, el Museo de Bellas Artes, Boston, el Museo de Arte Bellas Artes, Houston, y la Galería Renwick del museo Smithsonian.

Algunos artistas famosos que crearon joyas de arte en el pasado fueron Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí y Nevelson. Algunos de los cuales representaron en la Galería Sculpture to Wear en la ciudad de Nueva York que se cerró en 1977.

Artwear Gallery, propiedad de Robert Lee Morris, continuó en este esfuerzo por mostrar la joyería como una forma de arte.

Una colección de joyas de arte se puede encontrar en el Schmuckmuseum en Pforzheim, Alemania.

Lista de artistas de joyería
Enumerados en la década en que fueron reconocidos por primera vez:

1930s
Suzanne Belperron, Francia, 1900-1983

1940
Margaret De Patta, Estados Unidos, 1903–1964
Art Smith, Estados Unidos, 1923–1982

Década de 1950
Irena Brynner, Estados Unidos, 1917-2003
Claire Falkenstein, Estados Unidos, 1908–1998
Peter Macchiarini, Estados Unidos, 1909-2001

Años 60
Gijs Bakker, Países Bajos, 1942-
Kobi Bosshard, Suiza / Nueva Zelanda, 1939-
Stanley Lechtzin, Estados Unidos, 1936-
Charles Loloma, Estados Unidos, 1921–1991.
Olaf Skoogfors, Suecia, 1930–1975
J Fred Woell, Estados Unidos, 1936-2016

Década de 1970
Arline Fisch, Estados Unidos, 1931-
William Claude Harper, Estados Unidos, 1944-
Mazlo, Líbano 1949- Francia
Robert Lee Morris, Alemania 1947- Estados Unidos

Década de 1980
Warwick Freeman, Nueva Zelanda, 1953-
Lisa Gralnick, Estados Unidos, 1953-
Bruce Metcalf, Estados Unidos, 1949-
Alan Preston, Nueva Zelanda, 1941-
Bernhard Schobinger, Suiza, 1946

Década de 1990
Andrea Cagnetti – Akelo, Italia, 1967
Karl Fritsch, Alemania / Nueva Zelanda, 1963-
Linda MacNeil, Estados Unidos, 1954-
Lisa Walker, Nueva Zelanda, 1967-
Areta Wilkinson, Nueva Zelanda, 1969
Nancy Worden, Estados Unidos, 1954-
Karen Pontoppidan, Dinamarca

Años 2000
Rebecca Rose, USA, 1980
Betony Vernon, USA, 1968