L’antico dramma greco era una cultura teatrale che fiorì nell’antica Grecia da c. 700 aC La città-stato di Atene, che divenne un significativo potere culturale, politico e militare durante questo periodo, fu il suo centro, dove fu istituzionalizzata come parte di un festival chiamato Dionysia, che onorava il dio Dioniso. La tragedia (fine del 500 aC), la commedia (490 aC) e il dramma satiresco furono i tre generi drammatici che emersero. Atene ha esportato il festival nelle sue numerose colonie e alleati.

La storia del teatro greco antico copre un periodo di quasi mille anni. Le preforme erano già di natura cultuale e consistevano in canti corali (Dithyramben) e danze, che erano sempre più connessi con elementi di azione. In particolare, il culto dionisiaco era essenziale per lo sviluppo del dramma. Il teatro dell’antichità greca raggiunse il suo culmine nel V secolo con i pezzi dei tre grandi tragici Eschilo, Sofocle ed Euripide e i pezzi della Vecchia Commedia, in particolare di Kratinos e Aristofane. Mentre lo scopo del culto prendeva sempre più le distanze, il teatro giocò un ruolo importante nello sviluppo della democrazia attica: rappresentava la sicurezza, la rappresentazione e la dimostrazione del potere della società Polis. L’antico teatro greco era teatro di liberi cittadini di entrambi i sessi: la partecipazione alle rappresentazioni era allo stesso tempo un diritto democratico e un dovere religioso-morale allo stesso tempo. A causa della diminuzione dei numeri degli spettatori, lo stato ateniese fu guidato nel IV secolo aC. Un pagamento sostitutivo per la perdita di guadagno durante la visita degli spettacoli.

Dopo la fine della democrazia attica, lo stato romano ha integrato le forme del teatro greco nella sua festa e ha trasformato il teatro in uno strumento di massa di intrattenimento e rappresentazione del potere politico.

Lo sviluppo dell’intera cultura teatrale occidentale risale al teatro dell’antichità greca ed è determinato sia dai drammi tradizionali che dagli elementi estetici del teatro (come il coro e l’uso di maschere) e soprattutto dalla riflessione del sociale il ruolo del teatro è stato impresso in rilievo.

origini
I greci classici apprezzavano il potere della parola, ed era il loro principale metodo di comunicazione e narrazione. Bahn e Bahn scrivono: “Per i greci la parola era una cosa vivente e infinitamente preferibile ai simboli morti di una lingua scritta”. Lo stesso Socrate credeva che una volta che qualcosa fosse stato scritto, perdesse la sua capacità di cambiamento e crescita. Per questi motivi, tra molti altri, lo storytelling orale fiorì in Grecia. [3]

La tragedia greca, come sappiamo, fu creata ad Atene intorno al 532 aC, quando Thespis fu il primo attore registrato. Vincitore del primo concorso teatrale tenutosi ad Atene, fu l’exarchon, o leader, [4] dei dithyrambs eseguiti in ed intorno all’Attica, specialmente nella Dionisia rurale. All’epoca di Thespis, il Dithyramb si era evoluto molto lontano dalle sue radici settarie. Sotto l’influsso dell’eroica eroica, della lirica corale dorica e delle innovazioni del poeta Arion, era diventato un genere narrativo, simile a una ballata. Per questo motivo, Thespis viene spesso chiamato il “Padre della tragedia”; tuttavia, la sua importanza è contestata, e Thespis è talvolta elencato fino al sedicesimo nell’ordine cronologico dei tragici greci; lo statista Solon, ad esempio, è accreditato con la creazione di poesie in cui i personaggi parlano con la propria voce, e le rappresentazioni parlate dell’epopea omerica da rapsodi erano popolari nelle feste precedenti al 534 aC [5]. Quindi, il vero contributo di Thespis al dramma non è chiaro al massimo, ma il suo nome è stato dato una vita più lunga, in inglese, come termine comune per esecutore – cioè, un “attore”.

Le rappresentazioni drammatiche erano importanti per gli Ateniesi – questo è reso chiaro dalla creazione di una competizione tragica e di un festival nella città di Dionysia. Questo fu organizzato forse per favorire la lealtà tra le tribù dell’Attica (recentemente creata da Cleistene). Il festival è stato creato all’incirca nel 508 aC. Mentre non esistono testi di dramma del sesto secolo aC, conosciamo i nomi di tre concorrenti oltre a Thespis: Choerilus, Pratinas e Phrynichus. Ciascuno è accreditato con diverse innovazioni nel campo.

Più si sa di Frinico. Vinse la sua prima competizione tra il 511 aC e il 508 aC. Ha prodotto tragedie su temi e soggetti successivamente sfruttati nell’età dell’oro come i Danaidi, le donne fenicie e l’Alcesti. Fu il primo poeta che conosciamo a usare un soggetto storico: la sua Caduta di Mileto, prodotta nel 493-2, raccontava il destino della città di Mileto dopo che fu conquistata dai Persiani. Erodoto riferisce che “gli Ateniesi chiarirono il loro profondo dolore per la presa di Mileto in molti modi, ma soprattutto in questo: quando Frinico scrisse un’opera intitolata” La caduta di Mileto “e la produsse, l’intero teatro cadde in lacrime; Frinico mille dracme per riportare alla mente una calamità che li ha colpiti in modo così personale e ha proibito l’esecuzione di quel dramma per sempre. “[6] Si pensa anche che sia il primo ad usare personaggi femminili (sebbene non interpreti femminili). [7]

Fino al periodo ellenistico, tutte le tragedie erano pezzi unici scritti in onore di Dioniso e suonati una sola volta, così che oggi abbiamo principalmente i pezzi che erano ancora ricordati abbastanza bene da essere ripetuti quando la ripetizione di vecchie tragedie diventava di moda (gli incidenti di la sopravvivenza, così come i gusti soggettivi dei bibliotecari ellenistici più tardi nella storia greca, hanno avuto un ruolo anche in quello che è sopravvissuto a questo periodo).

Nuove invenzioni durante il periodo classico
Dopo la grande distruzione di Atene da parte dell’impero persiano nel 480 aC, la città e l’acropoli furono ricostruite, e il teatro divenne ufficializzato e una parte ancora maggiore della cultura ateniese e dell’orgoglio civico. Questo secolo è normalmente considerato l’età d’oro del dramma greco. Il pezzo centrale della Dionisia annuale, che si svolse una volta in inverno e una volta in primavera, fu una competizione tra tre drammaturghi del Teatro di Dioniso. Ognuno ha presentato tre tragedie, più un’opera di satiro (una versione comica e burlesca di un soggetto mitologico). Cominciando con una prima competizione nel 486 aC, ogni commediografo presentò una commedia. [8] Aristotele affermò che Eschilo aggiunse il secondo attore (deuteragonista), e che Sofocle introdusse il terzo (tritagonista). Apparentemente i drammaturghi greci non hanno mai usato più di tre attori basandosi su ciò che è noto sul teatro greco. [9]

La tragedia e la commedia sono state viste come generi completamente separati, e nessuna commedia ha mai unito gli aspetti dei due. I drammi satirici hanno affrontato il tema mitologico delle tragedie, ma in modo puramente comico.

Periodo ellenistico
Il potere di Atene declinò in seguito alla sua sconfitta nella guerra del Peloponneso contro gli spartani. Da quel momento in poi, il teatro cominciò a esibire vecchie tragedie. Anche se le sue tradizioni teatrali sembrano aver perso la loro vitalità, il teatro greco continuò nel periodo ellenistico (il periodo successivo alle conquiste di Alessandro Magno nel IV secolo aEV). Tuttavia, la principale forma teatrale ellenistica non era la tragedia, ma “New Comedy”, episodi comici sulla vita dei cittadini comuni. L’unico drammaturgo esistente del periodo è Menandro. Uno dei contributi più importanti di New Comedy fu la sua influenza sulla commedia romana, un’influenza che può essere vista nelle opere sopravvissute di Plauto e Terenzio.

Caratteristiche degli edifici
Le commedie hanno avuto un coro da 12 a 15 [10] persone, che hanno eseguito i brani in versi accompagnati da musica, iniziando al mattino e fino alla sera. Lo spazio delle esibizioni era un semplice spazio circolare, l’orchestra, dove il coro danzava e cantava. L’orchestra, che aveva un diametro medio di 78 piedi, era situata su una terrazza appiattita ai piedi di una collina, la cui pendenza produceva un teatrino naturale, letteralmente “luogo di osservazione”. Più tardi, il termine “teatro” venne applicato a tutta l’area di theatron, orchestra e skené. Il corifeo era il coro principale che poteva entrare nella storia come personaggio in grado di interagire con i personaggi di una commedia.

I teatri sono stati originariamente costruiti su una scala molto grande per ospitare il gran numero di persone sul palco, così come il gran numero di persone nel pubblico, fino a quattordicimila. La matematica ha giocato un ruolo importante nella costruzione di questi teatri, in quanto i loro progettisti dovevano essere in grado di creare un’acustica al loro interno in modo tale che le voci degli attori potessero essere ascoltate in tutto il teatro, compresa la fila di posti più in alto. La comprensione dell’acustica da parte del greco è molto favorevole allo stato attuale della tecnica. I primi posti nei teatri greci (diversi da quelli seduti a terra) erano di legno, ma intorno al 499 aC la pratica di intarsiare blocchi di pietra sul fianco della collina per creare sedili permanenti e stabili divenne più comune. Sono stati chiamati “prohedria” e riservati ai sacerdoti e ad alcuni cittadini più rispettati.

Nel 465 aC, i drammaturghi iniziarono a usare uno sfondo o un muro scenico, che pendeva o si ergeva dietro l’orchestra, che serviva anche da spazio in cui gli attori potevano cambiare i loro costumi. Era conosciuto come lo skênê (da cui deriva la parola “scena”). La morte di un personaggio è stata sempre ascoltata dietro lo skênê, perché è stato considerato inappropriato mostrare un’uccisione in vista del pubblico [citazione necessaria] Al contrario, ci sono argomenti accademici che la morte nella tragedia greca è stata rappresentata fuori scena principalmente a causa del drammatico considerazioni, e non prudenza o sensibilità del pubblico [11]. Nel 425 aC un muro di scena in pietra, chiamato paraskenia, divenne un supplemento comune allo skênê nei teatri. Una paraskenia era un lungo muro con lati sporgenti, che poteva avere porte per ingressi e uscite. Proprio dietro il paraskenia c’era il proskenion. Il proskenion (“di fronte alla scena”) era bello ed era simile al moderno proscenio.

I teatri greci avevano anche alti ingressi ad arco chiamati parodoi o eisodoi, attraverso i quali attori e membri del coro entravano ed uscivano dall’orchestra. Alla fine del V secolo aC, durante il periodo della guerra del Peloponneso, lo skênê, il muro di fondo, era alto due piani. La storia superiore fu chiamata l’episodio. Alcuni teatri avevano anche un posto in cui si parlava l’orchestra chiamato il logeion.

Genesi
La Dionisia e la parte più importante del teatro di oggi, le tragedie, erano già sotto Peisistratos un festival di importanza statale-religiosa, ma dalla Phylenreform di Kleisthenes era coinvolto l’Attica nelle feste dionisiache. Inizialmente, c’era un solo attore, uno dei quali era un coro, che presumibilmente non cantava, ma occasionalmente rispondeva all’attore. Dopo la distruzione da parte dei persiani, uno skené si sviluppò per il theatron, e presto furono inventate ulteriori aggiunte. Le tre tragedie sono state seguite dal dramma del satiro, un sequel allegro e liberatorio.

La classica fioritura del teatro greco si concluse con il declino della classica polis di Atene e la fondazione dei regni ellenistici.

Le caratteristiche essenziali dell’arte teatrale greca sono state preservate, principalmente a causa della poetica di Aristotele (dal 384 al 322 aC). Da un lato, l’influenza sul teatro europeo è dimostrata dal fatto che molti dei materiali usati dai greci classici in seguito suscitarono interesse e continuarono ad essere usati, come i vecchi poeti della commedia romana Plauto e Terenzio. D’altra parte, c’erano anche numerosi tentativi di stimolare una “rinascita” del periodo classico, sempre tenendo conto dei flussi temporali prevalenti.

Costruzione
I teatri greci erano teatri all’aperto costruiti su una collina, per lo più nord-sud. La ricerca sulla pratica del teatro greco si confronta con il fatto che ci sono pochissimi documenti per il teatro del V secolo aC. Chr., La cosiddetta età classica dei poeti tragici Eschilo, Sofocle ed Euripide. Fino ad oggi, non è stato ancora chiarito in modo definitivo se l’orchestra e l’auditorium, il cosiddetto Theatron, nel teatro dionisiaco ateniese del V secolo avevano già una forma rotonda con una casa scenica situata di fronte all’orchestra (come in lo schizzo di accompagnamento) o se l’orchestra e il teatrale erano rettangolari. I teatri greci conservati del quinto secolo hanno tutti una forma rettangolare e questo probabilmente renderà probabile il teatro di Atene. I seguenti componenti sono considerati ampiamente garantiti per il quinto secolo:

Theatron (prima realizzata in legno, poi in pietra),
Skené (palcoscenico in legno, quindi “scena”),
Orchestra, l’area di gioco per coro e attori,
Parodoi, i due ingressi laterali dell’Orchestra,
Ekkyklema, una piattaforma che è stata lanciata fuori dalla casa per visualizzare scene di scene all’interno della casa in un tableau,
Mechane, una gru con cui il deus ex machina sembrava fluttuare sul palco e intervenire nel tragico evento.
Anche la situazione documentaria per la pratica recitativa effettiva è scarsa.

L’origine della tragedia greca sono i dithyrambs, solenni canzoni corali in onore di Dioniso, il cui maestro è Arion di Lesbo. Il primo poeta tragico è stato Thespis, a cui il nome del teatro è ancora ricordato come Thespiskarren, ha affrontato il coro un singolo attore solista, il protagonista, nella maschera di Dioniso. Eschilo introdusse il secondo attore, l’antagonista, e infine Sofocle il terzo, il tritagonista.

Il numero di attori è rimasto limitato a tre. Se compaiono più persone, mai più di tre allo stesso tempo, e almeno un attore ha dovuto cambiare la maschera.

Il coro era composto da 12 o 15 cori, trasferiti al prologo attraverso i parodoi nel teatro e di solito rimanevano per tutta la durata della performance nell’Orchestra.

Come attori e cori (membri del coro) solo gli uomini potevano esibirsi. E ‘stato giocato con maschere.

Le sequenze di movimento dei coreografi e degli attori, il modo di parlare o il canto e la musica sono appena tramandati. C’è una grande quantità di polemiche nella ricerca su come i testi di dramma ottenuti possono essere utilizzati per trarre conclusioni sulla pratica del palcoscenico. Nonostante un grande interesse di ricerca, si sa molto poco sul teatro greco antico.

Funzione sociale
Il teatro greco non era solo per gli uomini. Sebbene solo i cittadini liberi potessero partecipare (senza schiavi), per le donne erano riservate le ultime file di posti.

L’attrezzatura del coro e la sua manutenzione erano il compito del coreografo. Il coro era un’importante Leiturgie, cioè la rappresentazione di una persona privata per la comunità Polis.

Il teatro è servito per l’intrattenimento della popolazione e dall’emergere della commedia anche per divertimento. Sebbene la visita fosse socialmente obbligatoria a causa del suo carattere religioso, l’onore degli attori e degli autori testimonia un apprezzamento più ampio; perché i partecipanti famosi sono stati premiati e soddisfatti dallo stato.

Elementi scenici
C’erano diversi elementi scenici comunemente usati nel teatro greco:

mechane, una gru che ha dato l’impressione di un attore volante (quindi, deus ex machina)
ekkyklêma, una piattaforma a ruote usata spesso per mettere in scena i personaggi morti per il pubblico
pinakes, immagini appese per creare scenari
thyromata, immagini più complesse costruite nella scena di secondo livello (3 ° livello da terra)
oggetti di scena fallici venivano usati per spettacoli satirici, a simboleggiare la fertilità in onore di Dioniso.

Maschere

Maschere
Il termine greco antico per indicare una maschera è prosopon (letteralmente “volto”), [12] ed era un elemento significativo nel culto di Dioniso ad Atene, probabilmente usato nei riti e nelle celebrazioni cerimoniali. La maggior parte delle prove proviene solo da alcuni dipinti su vaso del V secolo aC, come quello che mostra una maschera del dio sospesa da un albero con la veste decorata appesa al di sotto e danza e il vaso Pronomos, [13] che raffigura gli attori che preparano per un gioco di Satiro. [14] Non ci sono prove fisiche a nostra disposizione, poiché le maschere erano fatte di materiali organici e non erano considerati oggetti permanenti, essendo in definitiva dedicata all’altare di Dioniso dopo le esibizioni. Tuttavia, la maschera è nota per essere stata usata fin dai tempi di Eschilo e considerata una delle convenzioni iconiche del teatro greco classico. [15]

Le maschere sono state create anche per i membri del coro, che svolgono un ruolo nell’azione e forniscono un commento sugli eventi in cui sono coinvolti. Sebbene ci siano dodici o quindici membri del tragico coro, tutti indossano la stessa maschera perché sono considerati rappresentare un personaggio.

Dettagli maschera
Le illustrazioni delle maschere teatrali del V secolo mostrano maschere tipo casco che coprono l’intera faccia e la testa, con fori per gli occhi e una piccola apertura per la bocca, oltre a una parrucca integrata. Questi dipinti non mostrano mai maschere reali sugli attori nella performance; vengono spesso mostrate gestite dagli attori prima o dopo una performance, quello spazio liminale tra il pubblico e il palcoscenico, tra il mito e la realtà. [16] In effetti, la maschera ha trasformato l’attore tanto quanto la memorizzazione del testo. Pertanto, le prestazioni nell’antica Grecia non distinguevano l’attore mascherato dal personaggio teatrale.

I produttori di maschere erano chiamati skeuopoios o “artefatti delle proprietà”, suggerendo quindi che il loro ruolo comprendesse molteplici compiti e compiti. Molto probabilmente le maschere erano fatte di materiali leggeri, organici come lino rinforzato, pelle, legno o sughero, con la parrucca costituita da capelli umani o animali [17]. A causa delle restrizioni visive imposte da queste maschere, era imperativo che gli attori ascoltassero per orientarsi e bilanciarsi. Pertanto, si ritiene che le orecchie fossero coperte da una notevole quantità di capelli e non dalla stessa maschera del casco. L’apertura della bocca era relativamente piccola, impedendo di vedere la bocca durante le esibizioni. Vervain e Wiles affermano che questa piccola dimensione scoraggia l’idea che la maschera funzionasse come un megafono, come originariamente presentato negli anni ’60. [14] Thanos Vovolis, produttore di maschere greco, suggerisce che la maschera funge da risuonatore per la testa, migliorando così l’acustica vocale e alterando la sua qualità. Ciò porta a un aumento di energia e presenza, consentendo la metamorfosi più completa dell’attore nel suo personaggio. [18]

Funzioni della maschera
In un grande teatro all’aperto, come il Teatro di Dioniso ad Atene, le maschere classiche erano in grado di creare un senso di terrore nel pubblico creando un panico su larga scala, specialmente perché avevano espressioni ed espressioni facciali intensamente esagerate [18]. Hanno permesso a un attore di apparire e riapparire in diversi ruoli, impedendo così al pubblico di identificare l’attore in un personaggio specifico. Le loro variazioni aiutano il pubblico a distinguere sesso, età e status sociale, oltre a rivelare un cambiamento nell’aspetto di un particolare personaggio, ad es. Edipo dopo essersi accecato. [19] Sono state create anche maschere uniche per personaggi ed eventi specifici in una commedia, come The Furies in Eumenides di Eschilo e Penteo e Cadmo nelle Baccanti di Euripide. Indossati dal coro, le maschere creavano un senso di unità e uniformità, mentre rappresentavano una persona a più voci o un singolo organismo e simultaneamente incoraggiavano l’interdipendenza e una maggiore sensibilità tra ciascun individuo del gruppo. Solo 2-3 attori sono stati ammessi sul palco contemporaneamente e le maschere hanno permesso transizioni rapide da un personaggio all’altro. C’erano solo attori di sesso maschile, ma le maschere permettevano loro di interpretare personaggi femminili.

Altri dettagli in costume
Gli attori di queste commedie che avevano ruoli tragici indossavano stivali chiamati cothurni che li elevavano al di sopra degli altri attori. Gli attori con ruoli comici indossavano solo una scarpa con la suola sottile chiamata calza. Per questo motivo, l’arte drammatica viene talvolta citata come “Sock and Buskin”.

Melpomene è la musa della tragedia ed è spesso raffigurata tenendo la maschera tragica e indossando cothurni. Thalia è la musa della commedia ed è associata allo stesso modo alla maschera della commedia e ai “calzini” comici.

Gli attori maschi che interpretano ruoli femminili indossano una struttura di legno sul petto (posterneda) per imitare l’aspetto dei seni e un’altra struttura sullo stomaco (progastreda) per farli sembrare più morbidi e più femminili. Indossavano anche calze bianche sotto i loro costumi per rendere la loro pelle più bella.

La maggior parte dei dettagli in costume proviene dai dipinti di ceramica di quel tempo, poiché i costumi e le maschere venivano fabbricati con materiale usa e getta, quindi non ci sono resti di nessun costume di quel periodo. La più grande fonte di informazioni è il Vaso di Pronomo, in cui gli attori vengono dipinti durante una festa dopo lo spettacolo.

I costumi emanerebbero un senso di carattere, come in genere, età, status sociale e classe. Ad esempio, i personaggi di classe superiore sarebbero vestiti con abiti più belli, anche se tutti erano vestiti abbastanza bene. Contrariamente alla credenza popolare, non si vestivano solo di stracci e sandali, perché volevano impressionare. Alcuni esempi di costumi teatrali greci includono lunghe vesti chiamate chitone che hanno raggiunto il piano per attori che interpretavano dèi, eroi e vecchi. Attori che interpretavano Dee e personaggi femminili che possedevano molto potere indossavano viola e oro. Gli attori che interpretavano Regine e Principesse indossavano lunghi mantelli che si trascinavano sul terreno e erano decorati con stelle dorate e altri gioielli, ei guerrieri indossavano una varietà di armature e indossavano elmi ornati di piume. I costumi dovevano essere colorati ed evidenti per essere facilmente visti da ogni posto nel pubblico.