고대 그리스 드라마는 고대 그리스에서 번성 한 연극 문화였습니다. 700 BC. 이 기간 동안 중요한 문화적, 정치적, 군사적 인 힘을 얻은 아테네의 도시 국가는 센터 였고 디오니 시아 신 (Dionysia)이라고 불리는 축제의 일환으로 제도화되었습니다. 비극 (기원전 500 년경), 희극 (기원전 490 년), 그리고 사티르 극은 세 극적인 장르였습니다. 아테네는 수많은 식민지와 동맹국들에게 축제를 수출했다.

고대 그리스 극장의 역사는 거의 천 년의 기간을 다룹니다. 이미 preforms은 cultic 본성과 합창 노래 (Dithyramben)과 춤, 점점 더 액션 요소와 연결되었다 구성되어 있습니다. 특히 Dionysian 컬트는 드라마 개발에 필수적이었습니다. 그리스 고대의 극장은 5 세기에 세 명의 비극적 인 비극적 인 Aeschylus, Sophocles와 Euripides와 Old Comedy의 조각, 특히 Kratinos와 Aristophanes의 조각으로 절정에 이르렀습니다. 문화적 목적이 점차 뒷자리에 앉는 동안 극장은 다락방 민주주의의 발전에 중요한 역할을했습니다. 폴리스 사회의 권위에 대한 자기 확신, 표상 및 시위를 나타 냈습니다. 고대 그리스 극장은 남녀의 자유 시민의 극장이었습니다. 동시에 공연의 출석은 동시에 민주적 인 권리와 종교적 도덕적 의무였습니다. 시청자 수의 감소로 인해 아테네 국가는 기원전 4 세기를 주도했습니다. 공연 방문 중 수입 손실에 대한 대체 지불.

다락방 민주주의의 종식 후 로마 국가는 그리스 연극의 형태를 연회에 통합하고 연극을 대중 문화와 정치 권력의 도구로 변형시켰다.

전체 서양 극장 문화의 발전은 그리스 고대극 극장으로 거슬러 올라가며 전통 드라마뿐만 아니라 극장 미학 요소 (합창단 및 가면 사용과 같은)에 의해 결정되며 무엇보다 사회적인 반영 극장의 역할은 양각되었다.

태생
고전 그리스인들은 말의 힘을 중요시했으며, 의사 소통과 이야기의 주요 방법이었습니다. Bahn과 Bahn은 “그리스인들에게는 말 한마디가 살아있는 것이고, 쓰여진 언어의 죽은 상징에 무한히 바람직하다”라고 쓰고있다. 소크라테스 자신은 무언가가 기록되면 변화와 성장을위한 능력을 상실했다고 믿었습니다. 이러한 이유로 많은 사람들에게 구술 이야기가 그리스에서 번창했습니다. [3]

우리가 알고있는 그리스의 비극은 기원전 532 년경 아테네에서 기원 한 것으로 테 스파 스가 가장 초기에 기록 된 배우였다. 아테네에서 열린 첫 번째 연극 경연 대회에서 우승 한 그는 특히 아피카와 그 주변의 디오니 시아 (Dionysia)시에서 행해진 dithyrambs의 주역이자 리더였습니다. Thespis의 시간에, dithyramb는 그것의 숭배 뿌리에서 멀리 발전했다. 영웅적 서사시, 도리코 (Doric) 합창단의 가사와 시인 아리온 (Arion)의 혁신의 영향을 받아 발라드 같은 장르의 서사가되었습니다. 이 때문에 Thespis는 종종 “비극의 아버지”라고 불립니다. 그러나, 그의 중요성은 논박되고, Thespis는 때때로 그리스 비극인의 연대기 순서에서 제 16에 늦게 열거되다; 예를 들어 정치가 솔론 (Solan)은 캐릭터가 자신의 목소리로 말을하는시를 창작 한 것으로 알려져 있으며 호르메스의 서사시 인 rhapsodes의 퍼포먼스는 기원전 534 년 이전의 축제에서 인기가있었습니다. 따라서 Thespis의 드라마에 대한 진정한 기여는 기껏해야 불분명하지만 그의 이름은 영어로 공연자의 공통된 용어, 즉 “thespian”으로 더 긴 수명을 부여 받았습니다.

극적인 공연은 아테네 인들에게 중요했습니다. 이것은 디오니 시아 (Dionysia)시에서 비극 경연 대회와 축제가 생겨 났음을 분명히합니다. 이것은 Attica (최근에 Cleisthenes가 창안 한) 부족들의 충성도를 높이기 위해 조직되었습니다. 이 축제는 기원전 약 508 년경에 만들어졌습니다. 기원전 6 세기부터는 드라마 텍스트가 없지만 우리는 테 스파 스 외에 Choerilus, Pratinas, Phrynichus 등 3 명의 경쟁자의 이름을 알고 있습니다. 각각은 현장에서 다른 혁신으로 평가됩니다.

Phrynichus에 대해 더 많이 알려져 있습니다. 그는 기원전 511 년에서 508 년 사이에 첫 번째 경쟁에서 우승했습니다. 그는 나중에 Danaids, Phoenician Women, Alcestis와 같은 황금 시대에 착취 된 주제와 주제에 비극을 일으켰습니다. 그는 역사적인 주제를 사용하는 최초의 시인이었습니다 – 493-2 년에 제작 된 밀레토스의 타락 (Fall of Miletus)은 페르시아인이 정복 한 후 밀레토스 ​​(Miletus) 마을의 운명을 기록했습니다. 헤로도토스는 “아테네 인들은 밀레토스를 여러 가지 방법으로 가져 가면서 깊은 슬픔을 털어놨다. 특히 프 리니 추스가”밀레투스의 타락 “이라는 제목의 연극을 썼고 그것을 제작했을 때, 전체 연극은 울었고, Phrynichus는 개인적으로 그 (것)들을 이렇게 영속적으로 충격을 가한 재앙을 꺼리기를위한 천 drachmas. “[6] 그는 또한 여성 성과 (여성 연예인이 아니더라도)를 사용하는 첫번째 인 생각된다. [7]

헬레니즘 시대가 시작될 때까지 모든 비극은 디오니소스에게 경의를 표하며 한 번만 연주했기 때문에 오늘날 우리는 주로 오래된 비극의 반복이 유행이되었을 때 반복적으로 잘 기억 된 조각을 가지고 있습니다 (사고는 그리스 생전에 헬레니즘 사서들의 주관적인 취향뿐만 아니라 생존도이시기의 생존에 중요한 역할을했다.

고전 시대의 새로운 발명품
기원전 480 년에 페르시아 제국에 의해 아테네의 막대한 파괴가 일어난 후, 도시와 아크로 폴리스가 재건되었고 극장이 공식화되고 아테네 문화와 시민들의 자긍심의 더 큰 부분이되었습니다. 이 세기는 일반적으로 그리스 시대의 황금 시대로 간주됩니다. 매년 겨울과 한 번 열렸던 디오니 시아 (Dionysia)의 중앙 조각은 디오니소스 극장 (Theater of Dionysus)에서 세 명의 비극적 인 극작가 사이의 경쟁이었습니다. 각각은 3 가지 비극과 함께 사티르 (satyr) 연극 (신화 적 주제의 희극적이고 잔인한 버전)을 제출했다. BC 486 년에 첫 번째 경쟁에서 시작하여 각 극작가는 코미디를 제출했습니다. [8] 아리스토텔레스는 Aeschylus가 두 번째 배우 (중. 고자)를 추가했으며, Sophocles는 세 번째 (tritagonist)를 소개했다고 주장했다. 분명히 그리스 극작가는 그리스 극장에 대해 알려진 것에 기초하여 3 명 이상의 배우를 사용하지 않았다. [9]

비극과 코미디는 완전히 별개의 장르로 간주되었으며, 두 장르의 양상이 통합되지 않았습니다. 사티르 연극은 비극의 신화 적 주제를 다루었지만 순수한 코미디 방식으로 다루었습니다.

헬레니즘 시대
아테네의 힘은 스파르타 인들에 대한 펠로 폰 네소스 전쟁에서의 패배 이후 거부되었다. 그 무렵부터 연극은 옛날 비극을 다시 시작했습니다. 연극의 전통이 활력을 잃어 버렸음에도 불구하고 그리스 극장은 헬레니즘 시대 (기원전 4 세기 알렉산더 대왕의 정복 이후의 기간)에 계속되었습니다. 그러나 헬레니즘의 주요 연극 형태는 비극이 아니라 일반 시민들의 삶에 관한 코믹 에피소드였다. 그 당시에 현존 한 유일한 극작가는 Menander입니다. 새로운 코미디의 가장 중요한 공헌 중 하나는 로마 코미디에 대한 영향이었고, Plautus와 Terence의 살아남은 작품에서 볼 수있는 영향이었습니다.

건물의 특성
연극에는 12시에서 15 시까 지 코러스가 있었는데, 사람들은 음악과 함께 구절로 연극을 공연했으며, 아침부터 시작하여 저녁까지 지속되었습니다. 연주 공간은 코러스가 춤추고 노래 한 단순한 원형 공간 인 오케스트라였다. 78 피트의 평균 지름을 가진 오케스트라는 언덕 기슭의 평평한 테라스에 자리 잡고 있었고, 그 경사면은 문자 그대로 “보는 곳”이라는 자연의 극장판을 만들었습니다. 나중에 “극장”이라는 용어는 theatron, 오케스트라 및 skené의 전체 영역에 적용되게되었습니다. Coryphaeus는 연극의 캐릭터와 상호 작용할 수있는 캐릭터로 이야기를 입력 할 수있는 합창단 멤버였습니다.

극장은 원래 무대에 많은 사람들을 수용 할 수있을뿐만 아니라 청중의 수많은 사람들에게 최대 14,000 명을 수용 할 수 있도록 매우 큰 규모로 지어졌습니다. 수학자들은 극장의 가장 중요한 행을 포함하여 극장 전체에서 배우의 목소리를들을 수 있도록 설계자가 음향을 생성 할 수 있어야하므로이 극장의 제작에 큰 역할을했습니다. 그리스의 음향에 대한 이해는 현재의 예술 수준과 매우 유사합니다. 그리스 극장의 첫 번째 자리는 (단지 지상에 앉는 것 외에) 나무로되어 있었지만, 기원전 499 년경에 돌 블록을 언덕쪽으로 치우침으로써 영구적이고 안정적인 좌석을 만드는 관행이 보편화되었습니다. 그들은 “프로이드 리아 (prohedria)”라고 불리 웠고 성직자들과 가장 존경받는 시민들을 위해 예비되었습니다.

기원전 465 년에 극작가는 배경이나 경치가 좋은 벽을 사용하기 시작했으며, 관객이 자신의 의상을 바꿀 수있는 지역이기도 한 오케스트라 뒤에 걸려 있거나 서있었습니다. 그것은 skênê ( “장면”이라는 단어가 유래 한)으로 알려져 있습니다. 반대로, 그리스인 비극의 죽음은 드라마틱 한 무대에서 묘사되었다는 학자 논증이있다 (역주). 고려 사항, 관객의 신중함 또는 민감성이 아닙니다. 기원전 425 년에 paraskenia라고 불리는 돌 웅장한 벽이 극장에서 skênê의 보충 물이되었습니다. paraskenia는 투영면이있는 긴 벽으로 출입구가있는 출입구가있을 수 있습니다. paraskenia 바로 뒤에는 성직자가 있었다. 프로 켄션 ( “장면 앞에서”)은 아름다웠고, 현대 프로 시니 엄과 비슷했습니다.

그리스 극장에는 파로도 (parodoi) 또는 에조 도이 (eisodoi)라고하는 높이가 큰 입구가 있었는데,이를 통해 배우와 합창단 멤버가 오케스트라에 입장 및 출근했습니다. 기원전 5 세기 말, 펠로 폰 네소스 전쟁이 시작될 무렵, 뒷벽 인 skênê는 2 층으로 높이 솟습니다. 위 이야기는 episkenion이라고 불렸다. 일부 극장은 또한 로데온이라는 오케스트라에서 제기 된 말하기 장소가 있습니다.

창세기
디오니 시아와 오늘날의 극장에서 가장 중요한 부분 인 비극은 이미 Peisistratos 아래에서 국가 종교적으로 중요한 축제 였지만, Kleisthenes의 Phylenreform은 Dionysian 축제에서 모두 Attica와 관련이있었습니다. 처음에는 단 한 명의 배우가 있었는데 그 중 한 명은 합창단이었고 아마도 노래를 부르지 않았지만 때로는 배우에게 응답했습니다. 페르시아인에 의한 파괴 이후, 스케 네가 theatron에게 발전되었고, 곧 추가가 추가되었다. 3 개의 비극에는 쾌활하고 해방적인 속편 인 사티르 (Satyr) 연극이 뒤 따랐다.

그리스 극장의 고전 꽃은 아테네의 고전적인 polis의 쇠퇴와 헬레니즘 왕국의 기초로 끝을 맺습니다.

그리스 무대 예술의 본질적인 특징은 주로 아리스토텔레스 (Aristotle)의시 (384 ~ 322 BC) 때문에 보존되어왔다. 한편, 유럽 극장에 대한 영향은 고전 그리스인들이 사용했던 많은 자료들이 나중에 로마의 코미디 시인 Plautus와 Terence와 같이 관심을 불러 일으키고 계속 사용되었다는 사실에 의해 알 수 있습니다. 다른 한편으로, 고전 시대의 “중생”을 자극하기위한 수많은 시도가 있었으며 항상 지배적 인 시간 흐름을 고려했습니다.

구성
그리스 극장은 주로 남북으로 산허리에 지어진 야외 극장이었습니다. 그리스 연극 관행에 관한 연구는 기원전 5 세기의 연극에 대한 문서가 거의 없다는 사실에 직면 해있다. Chr., 소위 Aeschylus, Sophocles 및 Euripides의 비극적 인 시인들의 소위 고전적 시대. 오늘날까지 5 세기의 아테네 디오니소스 극장의 오케스트라와 소위 Theatron이 이미 오케스트라 앞에 위치한 무대 형식의 원형을 가졌는지 여부는 명확하게 밝혀지지 않았습니다 ( 첨부 된 스케치) 또는 오케스트라와 theatron이 직사각형 인 경우. 5 세기의 보존 된 그리스 극장은 모두 직사각형 모양을하고 있으며, 이는 아테네 극장을 쉽게 만들 수 있습니다. 다음 구성 요소는 5 세기에 크게 확보 된 것으로 간주됩니다.

Theatron (나무로 만든 최초의, 나중에 돌로 만든)
Skené (목조 스테이지 하우스, 그러므로 “장면”),
합창단과 배우들을위한 연주 공간 인 오케스트라 (Orchestra)
오케스트라로 향하는 2 개의 사이드 입구 인 파로 도이 (Parodoi)
탁자에있는 집 안의 장면을 시각화하기 위해 집 밖으로 굴려 진 플랫폼 인 Ekkyklema는,
Mechane, 전 Deus가 machina와 함께 무대에 띄우고 비극적 인 사건에 개입 한 것으로 보이는 크레인.
실제 연기 관행에 대한 다큐멘터리 상황도 좋지 않습니다.

그리스 비극의 기원은 디오니소스를 기리기위한 엄숙한 합창곡으로 그의 주인은 레스 보스의 아리온입니다. 최초의 비극 시인 Thespis는 연극의 이름이 Thespiskarren으로 아직도 기억되고 있으며, 그는 Dionysus의 가면에서 단 하나의 솔로 배우, 주인공과 대면했습니다. Aeschylus는 두 번째 배우, 길항제를 도입했으며 마침내 Sophocles는 세 번째 인 tritagonist를 소개했습니다.

배우의 수는 3 명으로 제한되었습니다. 더 많은 사람들이 나타나면 동시에 3 명 이상이 될 수 없으며 최소한 한 명의 배우가 마스크를 변경해야합니다.

합창단은 12 명 또는 15 명의 합창단으로 구성되어 있었고, 극장에서 파로도를 통해 프롤로그로 옮겨졌으며 대개 관현악단 전체에서 계속 연주되었습니다.

배우와 성가대 (성가대의 일원)로서 남성들만 공연을 할 수있었습니다. 그것은 가면으로 연주되었다.

안무가와 배우의 움직임 순서, 말하기, 노래 및 음악의 방법은 거의 알려지지 않았습니다. 얻은 드라마 텍스트가 무대 관행에 관한 결론을 이끌어 내기 위해 어떻게 사용될 수 있는지에 관한 연구에는 많은 논란이있다. 많은 연구 관심에도 불구하고 고대 그리스 극장에 대해서는 거의 알려지지 않았습니다.

사회적 기능
그리스 극장은 남성만을위한 것이 아닙니다. 자유 시민 만이 참여할 수 있지만 (노예가 아님), 여성은 뒷좌석을 예약했습니다.

합창단의 장비와 그 유지 보수는 안무가의 임무였다. 합창단은 중요한 Leiturgie, 즉 폴리스 공동체를위한 사적인 사람의 공연이었습니다.

극장은 인구의 오락을 위해 그리고 오락을위한 희극의 출현 이후에 봉사했습니다. 이 방문은 종교적 성격 때문에 사회적으로 의무적 이었지만 배우와 작가의 명예는 더 큰 감사를 표합니다. 유명한 참가자가 주에 의해 수여되고 음식을 제공했기 때문입니다.

경치 좋은 요소
그리스 극장에서 일반적으로 사용되는 몇 가지 풍경 요소가있었습니다.

mechane, 비행 배우의 인상을 준 크레인 (따라서, deus 전 machina)
ekkyklêma, 관객을 위해 죽은 인물을보기 위해 흔히 사용되는 바퀴 달린 플랫폼
핀 케익, 경치를 만들기 위해 매달아 진 그림
thyromata, 두 번째 수준의 장면 (지상에서 세 번째 수준)에 내장 된보다 복잡한 그림
phallic 소품 satyr 연극, Dionysus의 영광으로 다산을 상징에 사용되었다.

마스크

마스크
가면을위한 고대 그리스 용어는 prosopon (점화 된, “얼굴”)이고, 의식 의식 및 축하에서 아마 사용 된 아테네에 Dionysus의 숭배에있는 뜻 깊은 성분이었다. 대부분의 증거는 기원전 5 세기의 화병 그림들 중 일부에 불과합니다. 예를 들어 나무 아래에서 매달려있는 장식용 가운과 춤, Pronomos 꽃병과 함께 나무에서 매달린 신의 가면을 보여주는 그림 [13] Satyr 연극을 위해. [14] 마스크는 유기물로 만들어졌으며 영구적 인 물체로 간주되지 않으므로 궁극적으로 공연 후에 디오니소스 제단에서 헌납되기 때문에 신체적 증거는 없습니다. 그럼에도 불구하고 가면은 Aeschylus 시대부터 사용되어 왔으며 고전 그리스 극장의 상징적 인 관습 중 하나라고 여겨졌다.

마스크는 코러스 멤버들에게도 만들어졌으며, 코러스 멤버들은 액션에 참여하고 이벤트에 대한 설명을 제공합니다. 비극적 인 합창단에는 12 명이나 15 명이 있지만, 그들은 모두 한 명의 인물을 대표하는 것으로 간주되기 때문에 같은 마스크를 착용합니다.

마스크 세부 정보
5 세기의 연극 가면의 일러스트는 전체 얼굴과 머리, 눈을위한 구멍과 입을위한 작은 구멍, 그리고 통합 된 가발을 포함한 헬멧과 같은 마스크를 보여줍니다. 이 그림들은 연기자들에게 실제 가면을 보여주지 않습니다. 공연 전후에 연기자, 관객과 무대 사이의 경계, 신화와 현실 사이에서 처리되는 것으로 가장 자주 나타납니다. [16] 효과적으로 마스크는 배우를 텍스트 암기만큼 변형 시켰습니다. 따라서 고대 그리스의 공연은 가면 배우와 연극 배우를 구별하지 못했습니다.

가면 제작자는 “구조물의 제작자 (skeiconopoios)”라고 불리웠다. 따라서 그들의 역할은 여러 가지 임무와 업무를 포함하고 있었다. 가면은 인간이나 동물의 머리카락으로 구성된 가발로 보강 된 린넨, 가죽, 나무 또는 코르크와 같은 가벼운 무게의 유기 물질로 만들어 졌을 가능성이 가장 큽니다. 이러한 가면으로 인해 시각적으로 제한되기 때문에 배우가 자신의 방향을 찾고 균형을 잡는 것이 중요했습니다. 따라서 귀는 상당한 양의 머리카락으로 덮여 있으며 헬멧 마스크 자체는 덮이지 않은 것으로 여겨집니다. 입 열기는 상대적으로 작아서 공연 도중에 입을 볼 수 없었습니다. Vervain과 Wiles는이 작은 크기가 1960 년대에 원래 제시된 것처럼 마스크가 확성기 역할을한다는 생각을 부인한다고 주장합니다. 그리스 마스크 제작자 인 타 노스 보비스 (Thanos Vovolis)는 마스크가 머리에 대한 공진기 역할을하여 보컬 음향을 향상시키고 음질을 변경한다고 제안했다. 이것은 증가 된 에너지와 존재감을 이끌어내어 배우의 완전한 변태를 그의 성격 안으로 가져 가게한다.

마스크 함수
아테네의 디오니소스 극장 (Theater of Dionysus)과 같은 대형 노천 극장에서 고전 마스크는 관객의 두려움을 불러 일으킬 수있었습니다. 특히 크게 얼굴 표정과 표정이 과장되어 큰 공황을 겪었습니다. 그들은 배우가 여러 다른 역할로 나타나고 다시 등장 할 수있게하여 관객이 특정 캐릭터에 대한 배우를 식별하지 못하게했습니다. 그들의 변형은 청중이 성별, 연령 및 사회적 지위를 구별하는 데 도움을 줄뿐만 아니라 특정 성격의 외모 (예. 오이디푸스는 자신을 눈 멀게 한 후에. [19] Aeschylus의 Eumenides와 Pentheus의 Furies와 Euripides의 Bacchae의 Cadmus와 같은 특정 캐릭터와 이벤트를위한 독특한 마스크도 제작되었습니다. 합창단이 착용 한 가면은 다중 음성 페르소나 또는 단일 유기체를 나타내면서 동시에 그룹의 각 개인 간 상호 의존성 및 민감도를 높일 수있게하면서 단결과 통일성을 형성했습니다. 한 번에 2 ~ 3 명의 배우 만 무대에 입장 할 수 있었고 마스크를 사용하면 한 캐릭터에서 다른 캐릭터로 빠르게 전환 할 수있었습니다. 남성 배우 만 있었지만 가면으로 여성 캐릭터를 연기 할 수있었습니다.

기타 의상 세부 정보
비극적 인 역할을했던이 연극의 배우들은 코 투르 니 (cothurni)라는 부츠를 입고 다른 배우들보다 높게 만들었습니다. 코미디 역할을 맡은 배우들은 양말이라는 얇은 구두를 신었습니다. 이런 이유로 극적인 예술은 때때로 “Sock and Buskin”으로 언급됩니다.

멜 포메 네 (Melpomene)는 비극의 미스이며 종종 비극적 인 가면을 들고 코 투르 니 (cothurni)를 입은 것으로 묘사됩니다. 탈리아 (Thalia)는 희극의 뮤즈이며 코미디 가면과 코미디언 양말과 유사합니다.

여성 역할을하는 남성 배우는 유방과 다른 구조를 복부 (progastreda)에 모방하기 위해 가슴에 나무 구조 (posterneda)를 착용하여 더 부드럽고 더 많은 여성을 좋아하게 만듭니다. 그들은 또한 자신의 의상에 하얀 바디 스타킹을 착용하여 피부를 더 공정하게 보이게 할 것입니다.

대부분의 의상을 입힌 세부 사항은 복장과 가면이 처분 할 수있는 물자에서 날조되기 때문에 그때부터 어떤 의복도 조금 남아 있지 않기 때문에 그 시간부터 도기 그림에서옵니다. 정보의 가장 큰 원천은 Pronomos Vase로, 배우들이 공연 후 파티에서 색칠됩니다.

Costuming은 성별, 나이, 사회적 지위, 계급과 같은 성격의 감각을 줄 것입니다. 예를 들어, 모든 사람들이 상당히 멋지게 입었을지라도, 더 높은 계급의 캐릭터는 더 좋은 옷을 입을 것입니다. 대중적 신념과는 달리 그들은 옷감과 샌들에만 옷을 입지 않았습니다. 그리스 연극 복장의 예로는 신, 영웅 및 노인을 연기하는 배우가 바닥에 닿는 깁슨 (chiton)이라는 긴 로브가 있습니다. 많은 힘을 가진 여신과 여성 캐릭터를 연기하는 배우들은 purples과 gold를 입었다. 퀸즈와 프린세스를 연기하는 배우들은 땅에 끌리고 금색 별과 다른 보석으로 장식 된 긴 망토를 입었고, 전사들은 다양한 갑옷을 입고 옷을 입은 헬멧을 쓰고있었습니다. 의상은 관객석의 모든 좌석에서 쉽게 볼 수 있도록 다채롭고 분명해야했습니다.