Древнегреческая драма была театральной культурой, которая процветала в древней Греции от c. 700 до н.э. Городским государством Афин, ставшим важной культурной, политической и военной державой в этот период, был его центр, где он был институционализирован как часть фестиваля под названием Дионисия, который чтил бога Диониса. Трагедия (конец 500 г. до н.э.), комедия (490 г. до н.э.) и сатирическая пьеса были тремя драматическими жанрами, которые появились там. Афины экспортировали фестиваль в свои многочисленные колонии и союзники.

История древнегреческого театра охватывает период почти тысячи лет. Уже преформы были культовой природой и состояли из хоровых песен (Dithyramben) и танцев, которые все чаще связывались с элементами действия. В частности, культ Диониса был необходим для развития драмы. Театр греческой древности достиг своего апогея в пятом веке с кусками трех великих трагиков Эсхила, Софокла и Еврипида и фрагментов старой комедии, в частности Кратинос и Аристофана. В то время как культурная цель все больше занимала заднюю позицию, театр сыграл важную роль в развитии чертской демократии: он выступал за самоуверенность, представительство и демонстрацию власти полисского общества. Древнегреческий театр был театром свободных граждан обоих полов: участие спектаклей в то же время являлось демократическим правом и религиозно-нравственным долгом. Из-за уменьшения числа зрителей, афинский штат вошел в IV веке до нашей эры. Альтернативный платеж за потерю заработка во время посещения спектаклей.

После кончины аттической демократии римское государство объединило формы греческого театра в свой праздник и превратило театр в массовый инструмент развлечения и представления политической власти.

Развитие всей западной театральной культуры восходит к театру греческой древности и определяется традиционными драмами, а также эстетическими элементами театра (такими как хор и использование масок) и, прежде всего, отражением социальной роль театра была тиснена.

происхождения
Классические греки ценили силу произносимого слова, и это был их основной метод общения и повествования. Bahn и Bahn пишут: «Для греков сказанное слово было живым и бесконечно предпочтительным для мертвых символов письменного языка». Сам Сократ считал, что когда-то что-то было записано, оно потеряло способность к изменениям и росту. По этим причинам, среди многих других, устное повествование процветало в Греции. [3]

Греческая трагедия, как мы ее знаем, была создана в Афинах примерно в 532 году до н.э., когда Thespis был самым ранним зарегистрированным актером. Будучи победителем первого театрального конкурса, состоявшегося в Афинах, он был экзархоном или лидером [4] дифирамбов, исполняемых в Аттике и вокруг нее, особенно в сельской Дионисии. По времени Thespis, дитирамб развился далеко от своих культовых корней. Под влиянием героической эпопеи, дорической хоральной лирики и нововведений поэта Ариона это стало повествованием, балладным жанром. Из-за этого, Thespis часто называют «Отцом Трагедии»; однако его важность оспаривается, и Фесса иногда перечисляется в 16 раз в хронологическом порядке греческих трагиков; например, государственному деятелю Солону приписывают создание стихов, в которых персонажи говорят своим голосом, а произнесенные выступления эпосов Гомера рапсодами были популярны на фестивалях до 534 года до нашей эры [5]. Таким образом, истинный вклад Thespis в драму в лучшем случае неясен, но его имя было дано более продолжительной жизнью на английском языке в качестве общего термина для исполнителя, то есть «thespian».

Драматические спектакли были важны для афинян — это ясно из-за создания конкурса трагедий и фестиваля в Городской Дионисии. Это было организовано, возможно, для поощрения лояльности среди племен Аттики (недавно созданных Клистеном). Фестиваль был создан примерно в 508 году до нашей эры. Хотя никаких текстов драмы не существует с шестого века до нашей эры, мы знаем имена трех участников, кроме Тесписа: Хорилус, Пратинас и Фриничус. Каждому приписывают различные инновации в этой области.

Больше известно о Фринихусе. Он выиграл свой первый конкурс между 511 до н.э. и 508 до н.э. Он произвел трагедии по темам и предметам, которые впоследствии использовались в золотой век, такие как данаиды, финикийские женщины и алкест. Он был первым поэтом, которого мы знаем, чтобы использовать исторический предмет — его Падение Милета, созданное в 493-2, рассказывало о судьбе города Милета после его завоевания персами. Геродот сообщает, что «афиняне ясно выразили свою глубокую скорбь по поводу взятия Милета во многих отношениях, но особенно в этом: когда Фриничус написал пьесу под названием« Падение Милета »и произвел ее, весь театр упал до плача, они оштрафовали Phrynichus тысяча драхм, чтобы вспомнить бедствие, которое так лично повлияло на них, и навсегда запретило исполнение этой пьесы ». [6] Он также считается первым, кто использует женские персонажи (хотя и не женские исполнители) [7].

До эллинистического периода все трагедии были уникальными произведениями, написанными в честь Диониса, и играли только один раз, так что сегодня у нас в основном есть фрагменты, которые все еще помнят достаточно хорошо, чтобы повториться, когда повторение старых трагедий стало модным (несчастные случаи выживание, а также субъективные вкусы эллинистических библиотекарей позже в греческой истории также сыграли определенную роль в том, что сохранилось с этого периода).

Новые изобретения в классический период
После Великого уничтожения Афин Персидской империей в 480 году до н. Э. Город и акрополь были перестроены, а театр стал формализованным и еще большей частью афинской культуры и гражданской гордости. Этот век обычно считается Золотым веком греческой драмы. Центральная часть ежегодной Дионисии, которая проходила один раз зимой и однажды весной, была соревнованием между тремя трагическими драматургами в Театре Диониса. Каждый из них представлял три трагедии, а также сатирскую пьесу (комическую, бурлескную версию мифологического сюжета). Начиная с первого соревнования в 486 году до н.э. каждый драматург подавал комедию. [8] Аристотель утверждал, что Эсхил добавил второго актера (дейтегониста), и что Софокл представил третьего (тритагонист). По-видимому, греческие драматурги никогда не использовали более трех актеров, основанных на том, что известно о греческом театре. [9]

Трагедия и комедия рассматривались как совершенно разные жанры, и ни одна из пьес никогда не объединяла аспекты этих двух. В пьесах Сатира речь шла о мифологическом предмете трагедий, но в чисто комедийной манере.

Эллинистический период
Сила Афин снизилась после ее поражения в Пелопоннесской войне против спартанцев. С того времени театр снова начал выполнять старые трагедии. Хотя его театральные традиции, похоже, утратили свою жизнеспособность, греческий театр продолжал в эллинистический период (период после завоеваний Александра Великого в четвертом веке до нашей эры). Однако основная эллинистическая театральная форма была не трагедией, а «Новой комедией», комическими эпизодами о жизни простых граждан. Единственным сохранившимся драматургом периода является Менандер. Самым важным вкладом в новую комедию было его влияние на римскую комедию, влияние которой можно увидеть в сохранившихся произведениях Плавта и Теренса.

Характеристики зданий
В пьесах был хор от 12 до 15 [10] человек, которые исполняли пьесы в стихах в сопровождении музыки, начиная с утра и продолжая до вечера. Пространство производительности было простым круговым пространством, оркестром, где хор танцевал и пел. Оркестр, который имел средний диаметр 78 футов, находился на сплющенной террасе у подножия холма, на склоне которого был создан естественный театрон, буквально «видящий место». Позже термин «театр» стал применяться ко всей области театра, оркестра и скене. Корифей был главным членом хора, который мог войти в историю как персонаж, способный взаимодействовать с персонажами пьесы.

Театры первоначально были построены в очень больших масштабах, чтобы разместить большое количество людей на сцене, а также большое количество зрителей, до четырнадцати тысяч. Математика играла большую роль в строительстве этих театров, так как их дизайнеры должны были создавать акустику в них, чтобы голоса актеров можно было услышать по всему театру, включая самый верхний ряд мест. Греческое понимание акустики очень выгодно отличается от современного уровня техники. Первые места в греческих театрах (кроме сидения на земле) были деревянными, но около 499 г. до н.э. практика наложения каменных блоков в сторону холма для создания постоянных, стабильных сидений стала более распространенной. Их называли «проэдрия» и зарезервировали для священников и нескольких наиболее уважаемых граждан.

В 465 году до н.э. драматурги начали использовать фон или живописную стену, которая висела или стояла за оркестром, что также служило областью, где актеры могли менять свои костюмы. Он был известен как skênê (из которого происходит слово «сцена»). Смерть персонажа всегда слышалась за сценой, поскольку было сочтено неуместным показать убийство с учетом аудитории. Напротив, есть научные аргументы, что смерть в греческой трагедии была изображена на сцене прежде всего из-за драматического соображениями, а не сообразительностью или чувствительностью аудитории. [11] В 425 году до нашей эры каменная сцена, называемая параскезией, стала общим дополнением к скане в театрах. Параскелия была длинной стеной с выступающими сторонами, которая, возможно, имела дверные проемы для входов и выходов. Прямо за параскезией был проскенион. Проскенион («перед сценой») был красив и был похож на современный просвет.

В греческих театрах также были высокие арочные входы, называемые parodoi или eisodoi, через которые участники и участники хора вошли и вышли из оркестра. К концу 5-го века до нашей эры, во времена Пелопоннесской войны, сканка, задняя стена, была двухэтажной. Верхний рассказ назывался эпискенион. В некоторых театрах также было место для выступлений в оркестре, называемом лоджией.

генезис
Дионисия и самая важная часть сегодняшнего театра, трагедии, уже были в Пеисиссатосе государственно-религиозно значимым фестивалем, но Филенреформа Клейстена была вовлечена в Аттику на Дионисийских фестивалях. Первоначально был только один актер, один из которых был хором, который, по-видимому, не поет, но иногда откликнулся на актера. После разрушения персами к театрону сложилось скене, и вскоре были изобретены новые дополнения. За тремя трагедиями последовала игра сатира, веселая, освобождающая сиквеле.

Классическое расцвет греческого театра закончилось упадком классического полиса Афин и основанием эллинистических королевств.

Основные черты греческого театрального искусства сохранились, главным образом, из-за поэтики Аристотеля (384-332 гг. До н.э.). С одной стороны, влияние на европейский театр проявляется в том, что многие из материалов, использованных классическими греками, позже вызвали интерес и продолжали использоваться, такие как поэты старой римской комедии Плавт и Теренс. С другой стороны, были также многочисленные попытки стимулировать «возрождение» классического периода, всегда принимая во внимание преобладающие временные потоки.

строительство
Греческие театры были театрами под открытым небом, построенными на склоне холма, в основном с севера на юг. Исследования по греческой театральной практике сталкиваются с тем фактом, что в театре пятого века до нашей эры имеется очень мало документов. Chr., Так называемый классический возраст трагических поэтов Aeschylus, Sophocles и Euripides. До сих пор не было окончательно выяснено, были ли оркестр и зрительный зал, так называемый Театрон, в афинском дионисийском театре пятого века уже круглой формы со сценой, расположенной перед оркестром (как в сопровождающий эскиз), или если оркестр и тетрон были прямоугольными. Сохраненные греческие театры пятого века имеют прямоугольную форму, и это, вероятно, сделает Афинский театр вероятным. Следующие компоненты считаются в значительной степени закрепленными в пятом веке:

Theatron (сначала из дерева, позже из камня),
Skené (деревянный сценический дом, отсюда «сцена»),
Оркестр, игровая площадка для хора и актеров,
Пародой, два боковых входа в оркестр,
Ekkyklema, платформа, которая выкатилась из дома, чтобы визуализировать сцены сцен внутри дома в таблице,
Мечане, кран, с которым деус бывшая машина, казалось, плыла на сцену и вмешивалась в трагическое событие.
Документальная ситуация для фактической актерской практики также невелика.

Источником греческой трагедии являются дитирамбы, торжественные хоровые песни в честь Диониса, чей мастер — Арион из Лесбоса. Первым поэтом-трагедией был Фесс, которому имя театра до сих пор помнят как Фесскаррен, он поставил перед хором одного сольного актера, главного героя, в маске Диониса. Эсхил представил второго актера, антагониста и, наконец, Софокла, третьего, тритагониста.

Число участников осталось ограниченным. Если появляется больше людей, не более трех одновременно, и по крайней мере один актер должен был сменить маску.

Хор состоял из 12 или 15 хоров, перешел в пролог через пародою в театре и обычно оставался на протяжении всего выступления в оркестре.

В качестве актеров и хоров (членов хора) допускались только мужчины. Его играли с масками.

Движущиеся последовательности хореографов и актеров, способ говорить или петь и музыку едва ли переданы. Существует много споров в исследованиях о том, как полученные драматические тексты можно использовать для того, чтобы делать выводы о сценической практике. Несмотря на большой интерес к исследованиям, очень мало известно о древнегреческом театре.

Социальная функция
Греческий театр был не только для мужчин. Хотя могли участвовать только свободные граждане (не рабы), для женщин были зарезервированы задние ряды мест.

Хореографом было оборудование хора и его содержание. Хор был важной лейтургией, то есть работой частного лица для сообщества полисов.

Театр служил для развлечения населения и с момента появления комедии также для развлечения. Хотя визит был социально обязательным в силу его религиозного характера, почитание артистов и авторов свидетельствует о более широкой оценке; потому что известные участники были награждены и обслуживались государством.

Сценические элементы
В греческом театре было много живописных элементов:

мечане, кран, создавший впечатление летящего актера (таким образом, deus ex machina)
ekkyklêma, колесная платформа, часто используемая для привлечения мертвых персонажей для зрителей
пикапы, картины, висящие для создания декораций
тиромата, более сложные изображения, встроенные в сцену второго уровня (3-й уровень от земли)
фаллические реквизиты использовались для сатирских пьес, символизирующих плодовитость в честь Диониса.

Маски

Маски
Древнегреческий термин для маски — просопон (букв., «Лицо»), [12] и был важным элементом в поклонении Дионису в Афинах, вероятно, используемому в церемониальных обрядах и торжествах. Большинство свидетельств исходит только из нескольких вазонных картин 5-го века до нашей эры, таких как изображающая маску бога, подвешенного к дереву с украшенным халатом, висящим под ним, и танцами и вазой Прамомоса [13], в которой изображены актеры, готовые для игры Сатира. [14] Никакие физические доказательства не доступны нам, так как маски были сделаны из органических материалов и не считались постоянными объектами, в конечном счете, были посвящены на алтаре Диониса после выступлений. Тем не менее, известно, что маска использовалась со времен Эсхила и считается одной из знаковых конвенций классического греческого театра. [15]

Маски были также сделаны для членов хора, которые играют определенную роль в действии и предоставляют комментарий к событиям, в которых они были схвачены. Хотя есть двенадцать или пятнадцать участников трагического хора, все они носят одну и ту же маску, потому что они считаются представляющими один персонаж.

Детали маски
Иллюстрации театральных масок из 5-го века демонстрируют шлем-маски, покрывающие все лицо и голову, с отверстиями для глаз и маленьким отверстием для рта, а также интегрированным париком. Эти картины никогда не показывают реальных масок на актеров в исполнении; их чаще всего показывают, что они подвергаются актерам до или после спектакля, что ограничивает пространство между аудиторией и сценой, между мифом и реальностью. [16] Эффективно маска трансформировала актера так же, как запоминание текста. Поэтому выступление в древней Греции не отличало маскарадного актера от театрального персонажа.

Маскиров называли skeuopoios или «создателем свойств», что указывало на то, что их роль охватывала множество обязанностей и задач. Маски, скорее всего, сделаны из легкого веса, органические материалы, такие как застывшее белье, кожа, дерево или пробка, с париком, состоящим из человеческих или животных волос. [17] Из-за визуальных ограничений, наложенных этими масками, крайне важно, чтобы участники слушали, чтобы ориентироваться и уравновешивать себя. Таким образом, считается, что уши покрыты значительным количеством волос, а не самой маской шлема. Отверстие рта было относительно небольшим, предотвращая появление рта во время выступлений. Верван и Уайлс полагают, что этот небольшой размер препятствует идее, что маска функционировала как мегафон, как первоначально было представлено в 1960-х годах [14]. Греческий маскарад, Танос Воволис, предполагает, что маска служит резонатором для головы, тем самым усиливая вокальную акустику и изменяя ее качество. Это приводит к увеличению энергии и присутствия, что позволяет более полно метаморфозу актера в его характер. [18]

Функции маски
В большом театре под открытым небом, как и в Театре Диониса в Афинах, классические маски смогли создать чувство страха в аудитории, создавая масштабную панику, тем более, что у них были интенсивно преувеличенные черты лица и выражения. [18] Они позволили актеру появиться и вновь появиться в нескольких разных ролях, что помешает аудитории идентифицировать актера на одном конкретном персонаже. Их вариации помогают аудитории различать пол, возраст и социальный статус, помимо выявления изменения внешнего вида конкретного персонажа, например, Эдипа после ослепления самого себя. [19] Уникальные маски были также созданы для конкретных персонажей и событий в спектакле, таких как «Фурии» в эвменидах Эсесида и Пентеха и Кадма в Эврипиде «Вакха». Носимые хором, маски создавали ощущение единства и единообразия, представляя собой многоголовую персону или единый организм и одновременно поощряли взаимозависимость и повышенную чувствительность между каждым человеком группы. На сцену одновременно допускалось только 2-3 актера, а маски допускали быстрые переходы от одного персонажа к другому. Были только мужские актеры, но маски позволяли им играть на женских персонажах.

Другие детали костюма
Актеры в этих пьесах, которые имели трагические роли, носили сапоги, называемые cothurni, которые возвышали их над другими актерами. Актеры с комедийными ролями носили только тонкую подошву, называемую носком. По этой причине драматическое искусство иногда упоминается как «Носок и Бускин».

Мельпомен — это муза трагедии и часто изображается с трагической маской и носит котурни. Талия — муза комедии и аналогично связана с маской комедии и комедийными «носками».

Мужские актеры, играющие женские роли, будут носить деревянную структуру на своих сундуках (постернеда), чтобы имитировать внешний вид грудей и другую структуру на их желудках (прогастреда), чтобы они казались более мягкими и более похожими на леди. Они также будут носить белые чулки для тела под костюмами, чтобы сделать их кожу более справедливой.

Большинство костюмированных деталей были сделаны из керамических полотен с того времени, когда костюмы и маски были изготовлены из одноразового материала, так что с этого времени практически нет костюмов любого костюма. Самым большим источником информации является Pronomos Vase, где актеры вырисовываются на вечеринке шоу.

Костюмирование дало бы ощущение характера, как в отношении пола, возраста, социального статуса и класса. Например, персонажи высшего класса были бы одеты в более приятную одежду, хотя все были одеты довольно красиво. Вопреки распространенному мнению, они не одевались только в тряпки и сандалии, поскольку они хотели произвести впечатление. Некоторые примеры греческого театрального костюма включают длинные одежды, называемые хитоном, который доходил до пола для актеров, играющих богов, героев и стариков. Актеры, играющие богини и женские персонажи, которые держали много энергии, носили фиолетовые и золотые украшения. Актеры, играющие Квинс и Принцессы, носили длинные плащи, которые тянулись на землю и были украшены золотыми звездами и другими драгоценностями, а воины были одеты в различные доспехи и носили шлемы, украшенные перьями. Костюмы должны были быть яркими и очевидными, чтобы их можно было легко увидеть на каждом месте в аудитории.