El drama griego antiguo era una cultura teatral que floreció en la antigua Grecia desde c. 700 aC La ciudad-estado de Atenas, que se convirtió en una importante potencia cultural, política y militar durante este período, fue su centro, donde se institucionalizó como parte de un festival llamado Dionysia, que honró al dios Dionisio. Tragedia (finales del 500 aC), comedia (490 aC) y el juego del sátiro fueron los tres géneros dramáticos que surgieron allí. Atenas exportó el festival a sus numerosas colonias y aliados.

La historia del teatro griego antiguo abarca un período de casi mil años. Las preformas ya eran de naturaleza cúltica y consistían en cantos corales (Dithyramben) y danzas, que estaban cada vez más conectadas con elementos de acción. En particular, el culto dionisiaco fue esencial para el desarrollo del drama. El teatro de la antigüedad griega alcanzó su clímax en el siglo V con las piezas de los tres grandes dramaturgos Esquilo, Sófocles y Eurípides y las piezas de la Vieja Comedia, en particular de Kratinos y Aristófanes. Si bien el objetivo de culto cada vez más se hizo a un segundo plano, el teatro desempeñó un papel importante en el desarrollo de la democracia ática: representaba la seguridad en sí mismo, la representación y la demostración del poder de la sociedad Polis. El antiguo teatro griego era un teatro de ciudadanos libres de ambos sexos: la asistencia a las representaciones era a la vez derecho democrático y deber religioso-moral al mismo tiempo. Debido a la disminución del número de espectadores, el estado ateniense lideró en el siglo IV a. Un pago de reemplazo por la pérdida de ganancias durante la visita de las actuaciones.

Después de la desaparición de la democracia ática, el estado romano integró las formas del teatro griego en su fiesta, y transformó el teatro en un instrumento masivo de entretenimiento y representación del poder político.

El desarrollo de toda la cultura teatral occidental se remonta al teatro de la antigüedad griega y está determinada tanto por los dramas tradicionales como por los elementos estéticos del teatro (como el coro y el uso de máscaras) y sobre todo por el reflejo de lo social. papel de teatro en relieve.

Orígenes
Los griegos clásicos valoraban el poder de la palabra hablada, y era su principal método de comunicación y narración de historias. Bahn y Bahn escriben: «Para los griegos, la palabra hablada era algo vivo e infinitamente preferible a los símbolos muertos de una lengua escrita». El propio Sócrates creía que una vez que algo se anotaba, perdía su capacidad de cambio y crecimiento. Por estas razones, entre muchas otras, la narración oral floreció en Grecia. [3]

La tragedia griega tal como la conocemos fue creada en Atenas alrededor del año 532 aC, cuando Thespis fue el primer actor grabado. Siendo un ganador de la primera competencia teatral celebrada en Atenas, fue el exarchon, o líder, [4] de los ditirambos realizados en los alrededores de Ática, especialmente en la zona rural de Dionysia. En tiempos de Thespis, el ditirambo había evolucionado lejos de sus raíces de culto. Bajo la influencia de la epopeya heroica, la lírica coral dórica y las innovaciones del poeta Arion, se había convertido en un género narrativo, de baladas. Debido a esto, Thespis a menudo se llama el «Padre de la Tragedia»; sin embargo, su importancia es disputada, y Thespis a veces aparece hasta el 16 en el orden cronológico de los trágicos griegos; al estadista Solon, por ejemplo, se le atribuye la creación de poemas en los que los personajes hablan con su propia voz, y las representaciones orales de los poemas épicos de Homero por rapsodas fueron populares en los festivales anteriores al 534 aC [5]. Por lo tanto, la verdadera contribución de Thespis al drama no es clara en el mejor de los casos, pero su nombre se le ha dado una vida más larga, en inglés, como un término común para intérprete, es decir, un «thespian».

Las representaciones dramáticas fueron importantes para los atenienses, lo cual queda claro con la creación de una competencia de tragedias y un festival en la ciudad de Dionysia. Esto fue organizado posiblemente para fomentar la lealtad entre las tribus de Ática (recientemente creada por Clístenes). El festival fue creado alrededor del año 508 a. Si bien no existen textos dramáticos desde el siglo VI aC, sí sabemos los nombres de tres competidores además de Thespis: Choerilus, Pratinas y Phrynichus. A cada uno se le atribuyen diferentes innovaciones en el campo.

Se sabe más sobre Phrynichus. Ganó su primera competencia entre 511 aC y 508 aC Produjo tragedias sobre temas y temas que luego explotaron en la edad de oro, como las Danaids, las Fenician Women y Alcestis. Fue el primer poeta que conocemos para usar un tema histórico: su Caída de Mileto, producida en 493-2, narra el destino de la ciudad de Mileto después de que fue conquistada por los persas. Herodoto informa que «los atenienses dejaron en claro su profundo dolor por la toma de Mileto de muchas maneras, pero especialmente en esto: cuando Frinico escribió una obra titulada» La Caída de Mileto «y la produjo, todo el teatro cayó en llanto; Phrynichus miles de dracmas para recordar una calamidad que los afectó tan personalmente y prohibió la ejecución de esa obra para siempre «. [6] También se cree que es el primero en usar personajes femeninos (aunque no mujeres). [7]

Hasta el período helenístico, todas las tragedias eran piezas únicas escritas en honor a Dionisio y reproducidas solo una vez, de modo que hoy tenemos principalmente las piezas que todavía se recordaban lo suficientemente bien como para haber sido repetidas cuando la repetición de viejas tragedias se puso de moda (los accidentes de la supervivencia, así como los gustos subjetivos de los bibliotecarios helenísticos más adelante en la historia griega, también jugaron un papel en lo que sobrevivió de este período).

Nuevos inventos durante el período clásico
Después de la Gran Destrucción de Atenas por parte del Imperio Persa en 480 aC, la ciudad y la acrópolis fueron reconstruidas, y el teatro se formalizó y una parte aún mayor de la cultura ateniense y el orgullo cívico. Este siglo se considera normalmente como la Edad de Oro del drama griego. La pieza central de la Dionysia anual, que tuvo lugar una vez en invierno y otra en primavera, fue una competencia entre tres dramaturgos trágicos en el Teatro de Dionisio. Cada uno presentó tres tragedias, más una obra de sátiro (una versión cómica y burlesca de un tema mitológico). Comenzando en una primera competencia en el 486 aC, cada dramaturgo presentó una comedia. [8] Aristóteles afirmó que Esquilo agregó el segundo actor (deuteragonista), y que Sófocles introdujo el tercero (tritagonista). Aparentemente los dramaturgos griegos nunca usaron más de tres actores basados ​​en lo que se conoce sobre el teatro griego. [9]

La tragedia y la comedia se consideraban géneros completamente separados, y ninguna obra combinaba aspectos de los dos. Las obras de sátiro trataban el tema mitológico de las tragedias, pero de una manera puramente cómica.

Período helenístico
El poder de Atenas declinó después de su derrota en la Guerra del Peloponeso contra los espartanos. A partir de ese momento, el teatro comenzó a realizar viejas tragedias de nuevo. Aunque sus tradiciones teatrales parecen haber perdido su vitalidad, el teatro griego continuó en el período helenístico (el período que siguió a las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV aC). Sin embargo, la forma teatral helenística primaria no era una tragedia sino una «Nueva comedia», episodios cómicos sobre las vidas de los ciudadanos comunes. El único dramaturgo existente del período es Menander. Una de las contribuciones más importantes de New Comedy fue su influencia en la comedia romana, una influencia que se puede ver en las obras supervivientes de Plauto y Terence.

Características de los edificios
Las obras tuvieron un coro de 12 a 15 [10] personas, que interpretaron las obras en verso acompañadas de música, comenzando por la mañana y durando hasta la noche. El espacio de actuación era un simple espacio circular, la orquesta, donde el coro bailaba y cantaba. La orquesta, que tenía un diámetro promedio de 78 pies, estaba situada en una terraza aplanada al pie de una colina, cuya pendiente producía un theatron natural, literalmente «ver lugar». Más tarde, el término «teatro» llegó a aplicarse a toda el área del theatron, la orquesta y el skené. El corifeo era el miembro principal del coro que podía entrar en la historia como un personaje capaz de interactuar con los personajes de una obra de teatro.

Los teatros fueron originalmente construidos en una escala muy grande para dar cabida a la gran cantidad de personas en el escenario, así como a la gran cantidad de personas en la audiencia, hasta catorce mil. Las matemáticas desempeñaron un papel importante en la construcción de estos teatros, ya que sus diseñadores debían poder crear una acústica en ellos tal que las voces de los actores se pudieran escuchar en todo el teatro, incluida la fila superior de asientos. La comprensión griega de la acústica se compara muy favorablemente con el estado actual de la técnica. Los primeros asientos en los teatros griegos (que no sean simplemente sentados en el suelo) eran de madera, pero alrededor del año 499 a. C., la práctica de incrustar bloques de piedra en el lado de la colina para crear asientos permanentes y estables se hizo más común. Se los llamó «prohedria» y se reservaron para los sacerdotes y algunos ciudadanos más respetados.

En 465 a. C., los dramaturgos comenzaron a utilizar un telón de fondo o pared escénica, que colgaba o se colocaba detrás de la orquesta, que también servía como un área donde los actores podían cambiar sus disfraces. Era conocido como el skênê (del cual deriva la palabra «escena»). La muerte de un personaje siempre se escuchó detrás del skênê, ya que se consideró inapropiado mostrar un asesinato a la vista de la audiencia. Por el contrario, hay argumentos académicos de que la muerte en la tragedia griega se retrató del escenario principalmente debido a la dramática consideraciones, y no mojigatería o sensibilidad del público. [11] En 425 a. C., una pared de escena de piedra, llamada paraskenia, se convirtió en un complemento común de skênê en los teatros. Una paraskenia era una pared larga con lados salientes, que pueden tener puertas para entradas y salidas. Justo detrás de la paraskenia estaba el proskenion. El proskenion («delante de la escena») era hermoso, y era similar al proscenio moderno.

Los teatros griegos también tenían entradas arqueadas altas llamadas parodoi o eisodoi, a través de las cuales los actores y miembros del coro entraban y salían de la orquesta. A finales del siglo V aC, en la época de la Guerra del Peloponeso, el skênê, la pared posterior, tenía dos pisos de altura. La historia superior se llamaba episkenion. Algunos teatros también tuvieron un lugar elevado para hablar en la orquesta llamada logeion.

Génesis
La Dionisia y la parte más importante del teatro de hoy, las tragedias, ya estaban bajo Peisistratos, un festival estatalmente religioso importante, pero por el Phylenreform de Kleisthenes estaba involucrado Attica en los festivales dionisíacos. Inicialmente, solo había un actor, uno de los cuales era un coro, que presumiblemente no cantaba, pero en ocasiones respondía al actor. Después de la destrucción por los persas, un skené se convirtió al theatron, y pronto se inventaron nuevas adiciones. Las tres tragedias fueron seguidas por el juego satírico, una secuela alegre y liberadora.

El florecimiento clásico del teatro griego terminó con el declive de la polis clásica de Atenas y la fundación de los reinos helenísticos.

Las características esenciales del arte teatral griego se han conservado, principalmente debido a la poética de Aristóteles (384 a 322 aC). Por un lado, la influencia en el teatro europeo se demuestra por el hecho de que muchos de los materiales utilizados por los griegos clásicos más tarde despertaron interés y continuaron utilizándose, como los antiguos poetas comedia romanos Plautus y Terence. Por otro lado, también hubo numerosos intentos de estimular un «renacimiento» del período clásico, siempre teniendo en cuenta las corrientes de tiempo predominantes.

Construcción
Los teatros griegos eran teatros al aire libre construidos en una ladera, principalmente de norte a sur. La investigación sobre la práctica del teatro griego se enfrenta con el hecho de que hay muy pocos documentos para el teatro del siglo V a. Chr., La llamada edad clásica de los poetas trágicos Esquilo, Sófocles y Eurípides. Hasta el día de hoy, no se ha aclarado de manera concluyente si la orquesta y el auditorio, el llamado Theatron, en el teatro ateniense Dionisiaco del siglo V ya tenían una forma redonda con una casa escénica ubicada frente a la orquesta (como en el boceto que lo acompaña) o si la orquesta y theatron eran rectangulares. Los teatros griegos conservados del siglo quinto tienen una forma rectangular y es probable que haga que el Teatro de Atenas sea probable. Los siguientes componentes se consideran ampliamente asegurados para el siglo quinto:

Theatron (primero hecho de madera, luego de piedra),
Skené (casa escénica de madera, de ahí «escena»),
Orquesta, el área de juego para coro y actores,
Parodoi, las dos entradas laterales a la Orquesta,
Ekkyklema, una plataforma que salió de la casa para visualizar escenas de escenas dentro de la casa en un cuadro,
Mechane, una grúa con la cual el deus ex machina parecía flotar sobre el escenario e intervenir en el trágico evento.
La situación documental de la práctica real de actuación también es pobre.

El origen de la tragedia griega son los ditirambos, solemnes canciones corales en honor a Dioniso, cuyo maestro es Arion de Lesbos. El primer poeta de la tragedia fue Thespis, a quien todavía se recuerda el nombre del teatro como Thespiskarren, confrontó al coro con un solo actor, el protagonista, en la máscara de Dionisio. Esquilo presentó al segundo actor, el antagonista, y finalmente Sófocles el tercero, el tripartito.

El número de actores se mantuvo limitado a tres. Si aparecen más personas, nunca más de tres al mismo tiempo, y al menos un actor tuvo que cambiar la máscara.

El coro consistió en 12 o 15 coros, se movió al prólogo a través del parodoi en el teatro y por lo general se mantuvo durante toda la presentación en la Orquesta.

Como actores y coros (miembros del coro) solo a los hombres se les permitía actuar. Fue jugado con máscaras.

Las secuencias de movimiento de los coreógrafos y actores, la forma de hablar o el canto y la música apenas se transmiten. Existe una gran controversia en la investigación sobre cómo los textos dramáticos obtenidos pueden usarse para sacar conclusiones sobre la práctica escénica. A pesar de un gran interés de investigación, se sabe muy poco sobre el teatro griego antiguo.

Función social
El teatro griego no era solo para hombres. Aunque solo podían participar ciudadanos libres (sin esclavos), para las mujeres se reservaban las últimas filas de asientos.

El equipo del coro y su mantenimiento eran tarea del coreógrafo. El coro fue una Leiturgie importante, es decir, actuación de una persona privada para la comunidad polis.

El teatro sirvió para el entretenimiento de la población y desde el surgimiento de la comedia también por diversión. Aunque la visita fue socialmente obligatoria debido a su carácter religioso, el honor a los actores y autores da testimonio de una apreciación más amplia; porque los participantes famosos fueron premiados y atendidos por el estado.

Elementos escénicos
Hubo varios elementos escénicos comúnmente utilizados en el teatro griego:

mechane, una grúa que daba la impresión de ser un actor volador (por lo tanto, deus ex machina)
ekkyklêma, una plataforma con ruedas a menudo utilizada para traer personajes muertos a la vista de la audiencia
pinakes, imágenes colgadas para crear un paisaje
thyromata, imágenes más complejas integradas en la escena de segundo nivel (3er nivel desde el suelo)
los apoyos fálicos se usaron para las obras de los sátiros, que simbolizaban la fertilidad en honor a Dionisio.

Máscaras

Máscaras
El término griego antiguo para una máscara es prosopon (lit., «cara»), [12] y fue un elemento significativo en la adoración de Dionisio en Atenas, probablemente utilizado en ritos ceremoniales y celebraciones. La mayoría de la evidencia proviene de solo unas pocas pinturas de vasijas del siglo V aC, como una que muestra una máscara del dios suspendido de un árbol con una túnica decorada colgando debajo y bailando y el jarrón Pronomos, [13] que representa a los actores que se preparan para una obra de sátiro. [14] Ninguna evidencia física queda disponible para nosotros, ya que las máscaras estaban hechas de materiales orgánicos y no se consideran objetos permanentes, en última instancia, se dedicaron al altar de Dionisio después de las actuaciones. Sin embargo, se sabe que la máscara se usó desde la época de Esquilo y se la considera una de las convenciones icónicas del teatro griego clásico. [15]

También se hicieron máscaras para los miembros del coro, que desempeñan un papel en la acción y proporcionan un comentario sobre los eventos en los que están atrapados. Aunque hay doce o quince miembros del coro trágico, todos usan la misma máscara porque se considera que representan a un personaje.

Detalles de la máscara
Las ilustraciones de máscaras teatrales del siglo V muestran máscaras tipo casco, que cubren toda la cara y la cabeza, con agujeros para los ojos y una pequeña abertura para la boca, así como una peluca integrada. Estas pinturas nunca muestran máscaras reales sobre los actores en el desempeño; con mayor frecuencia se muestra que son manejados por los actores antes o después de una actuación, ese espacio liminal entre el público y el escenario, entre el mito y la realidad. [16] Efectivamente, la máscara transformó al actor tanto como la memorización del texto. Por lo tanto, el rendimiento en la antigua Grecia no distinguía al actor enmascarado del personaje teatral.

Los enmascaradores se llamaban skeuopoios o «creadores de las propiedades», lo que sugiere que su rol abarcaba múltiples deberes y tareas. Probablemente, las máscaras estaban hechas de materiales orgánicos livianos, como el lino, el cuero, la madera o el corcho, y la peluca consistía en pelo humano o animal. [17] Debido a las restricciones visuales impuestas por estas máscaras, era imperativo que los actores oyeran para orientarse y equilibrarse. Por lo tanto, se cree que las orejas estaban cubiertas por cantidades considerables de cabello y no por la máscara del casco en sí. La apertura de la boca era relativamente pequeña, evitando que se vea la boca durante las actuaciones. Vervain y Wiles afirman que este pequeño tamaño desalienta la idea de que la máscara funcionó como un megáfono, como se presentó originalmente en la década de 1960. [14] El fabricante de máscaras griego, Thanos Vovolis, sugiere que la máscara sirve como un resonador para la cabeza, mejorando así la acústica vocal y alterando su calidad. Esto conduce a una mayor energía y presencia, lo que permite la metamorfosis más completa del actor en su personaje. [18]

Funciones de máscara
En un gran teatro al aire libre, como el Teatro de Dionisio en Atenas, las máscaras clásicas fueron capaces de crear un sentimiento de temor en el público creando pánico a gran escala, especialmente debido a que habían exagerado intensamente los rasgos faciales y las expresiones. [18] Permitieron que un actor apareciera y reapareciera en varios roles diferentes, evitando así que el público identificara al actor con un personaje específico. Sus variaciones ayudan a la audiencia a distinguir el sexo, la edad y el estatus social, además de revelar un cambio en la apariencia de un personaje en particular, por ejemplo, Edipo después de cegarse a sí mismo. [19] También se crearon máscaras únicas para personajes y eventos específicos en una obra de teatro, como The Furies en Euménides de Esquilo y Pentheus y Cadmus en The Bacchae de Eurípides. Usadas por el coro, las máscaras creaban un sentido de unidad y uniformidad, mientras que representaban una persona de múltiples voces o un solo organismo y al mismo tiempo fomentaban la interdependencia y una mayor sensibilidad entre cada individuo del grupo. Solo se permitió a dos o tres actores en el escenario al mismo tiempo, y las máscaras permitieron transiciones rápidas de un personaje a otro. Solo había actores masculinos, pero las máscaras les permitían interpretar personajes femeninos.

Otros detalles del disfraz
Los actores en estas obras que tenían papeles trágicos llevaban botas llamadas cothurni que los elevaban por encima de los otros actores. Los actores con papeles de comedia solo usaban un zapato de suela delgada llamado calcetín. Por esta razón, el arte dramático a veces se alude como «Sock and Buskin».

Melpomene es la musa de la tragedia y se representa a menudo sosteniendo la máscara trágica y usando cothurni. Thalia es la musa de la comedia y está asociada de manera similar con la máscara de la comedia y los «calcetines» cómicos.

Los actores masculinos que interpretaban papeles femeninos llevaban una estructura de madera en sus pechos (posterneda) para imitar la apariencia de los senos y otra estructura en sus estómagos (progastreda) para hacerlos parecer más suaves y más femeninos. También usarían medias de cuerpo blanco debajo de sus trajes para hacer que su piel parezca más justa.

La mayoría de los detalles de vestuario provienen de pinturas de cerámica de la época, ya que los trajes y las máscaras se fabricaron con material desechable, por lo que hay poco o ningún resto de cualquier vestuario de esa época. La mayor fuente de información es el florero Pronomos, donde los actores son pintados en la fiesta posterior a un espectáculo.

El vestuario daría un sentido de carácter, como en el género, la edad, el estado social y la clase. Por ejemplo, los personajes de la clase superior vestían ropas más bonitas, aunque todos vestían bastante bien. Contrariamente a la creencia popular, no vestían solo harapos y sandalias, ya que querían impresionar. Algunos ejemplos del vestuario teatral griego incluyen túnicas largas llamadas quitones que llegaron al suelo para actores que interpretan a dioses, héroes y ancianos. Los actores que interpretan personajes de Diosas y mujeres que tenían mucho poder usaban morados y dorados. Los actores que interpretaban a reinas y princesas vestían largas capas que se arrastraban por el suelo y estaban decoradas con estrellas doradas y otras joyas, y los guerreros vestían una variedad de armaduras y usaban cascos adornados con plumas. Se suponía que los disfraces eran coloridos y obvios para ser vistos fácilmente por cada asiento de la audiencia.