Le drame grec antique était une culture théâtrale qui a prospéré dans la Grèce antique de c. 700 avant JC La ville-état d’Athènes, qui devint une puissance culturelle, politique et militaire importante durant cette période, fut son centre, où elle fut institutionnalisée dans le cadre d’une fête appelée Dionysia, qui honora le dieu Dionysos. La tragédie (fin de 500 av. J.-C.), la comédie (490 av. J.-C.) et le jeu du satyre sont les trois genres dramatiques qui y émergent. Athènes a exporté le festival à ses nombreuses colonies et alliés.

L’histoire du théâtre grec antique couvre une période de près de mille ans. Déjà les préformes étaient de nature cultuelle et consistaient en des chants choraux (Dithyramben) et des danses, de plus en plus liées à des éléments d’action. En particulier, le culte dionysiaque était essentiel pour le développement du drame. Le théâtre de l’antiquité grecque atteignit son apogée au Ve siècle avec les pièces des trois grands tragédiens Eschyle, Sophocle et Euripide et les pièces de la Vieille Comédie, en particulier de Kratinos et d’Aristophane. Alors que le but cultuel s’effaçait de plus en plus, le théâtre jouait un rôle important dans le développement de la démocratie attique: il représentait l’assurance, la représentation et la démonstration du pouvoir de la société Polis. L’ancien théâtre grec était un théâtre des citoyens libres des deux sexes: la présence des représentations était à la fois démocratique et droit moral et religieux. En raison de la diminution du nombre de spectateurs, l’état athénien a conduit au 4ème siècle avant JC. Un paiement de remplacement pour la perte de revenus lors de la visite des spectacles.

Après la disparition de la démocratie attique, l’État romain a intégré les formes du théâtre grec dans sa fête et a transformé le théâtre en un instrument de masse de divertissement et de représentation du pouvoir politique.

Le développement de toute la culture théâtrale occidentale remonte au théâtre de l’Antiquité grecque et est déterminé par les drames traditionnels ainsi que par les éléments esthétiques du théâtre (tels que le chœur et l’utilisation des masques) et surtout par le reflet du social. le rôle du théâtre a été embossé.

Origines
Les Grecs classiques appréciaient le pouvoir de la parole, et c’était leur principale méthode de communication et de narration. Bahn et Bahn écrivent: «Pour les Grecs, la parole était une chose vivante et infiniment préférable aux symboles morts d’une langue écrite. Socrate lui-même croyait qu’une fois que quelque chose était écrit, il perdait sa capacité de changement et de croissance. Pour ces raisons, parmi beaucoup d’autres, la narration orale a prospéré en Grèce. [3]

La tragédie grecque telle que nous la connaissons a été créée à Athènes vers 532 av. J.-C., lorsque Thespis fut le premier acteur enregistré. Gagnant du premier concours théâtral organisé à Athènes, il fut l’exarchon ou le chef des dithyrambes de l’Attique et de ses environs, en particulier dans les régions rurales de Dionysia. À l’époque de Thespis, le dithyrambe avait évolué loin de ses racines cultuelles. Sous l’influence de l’épopée héroïque, du chant choral dorique et des innovations du poète Arion, elle est devenue un genre narratif et ballade. À cause de cela, Thespis est souvent appelé le «père de la tragédie»; cependant, son importance est contestée, et Thespis est parfois énuméré aussi tard que le 16ème dans l’ordre chronologique des tragédiens grecs; l’homme d’État Solon, par exemple, est crédité de créer des poèmes dans lesquels les caractères parlent avec leur propre voix, et les performances parlées des épopées d’Homère par les Rhapsodes étaient populaires dans les festivals avant 534 BC. Ainsi, la véritable contribution de Thespis au théâtre n’est pas claire au mieux, mais son nom a été donné une vie plus longue, en anglais, comme un terme commun pour interprète – c.-à-d., Un «thespian».

Les représentations théâtrales étaient importantes pour les Athéniens, comme en témoigne la création d’une compétition et d’un festival de tragédie dans la ville de Dionysia. Cela a été organisé peut-être pour favoriser la loyauté parmi les tribus de l’Attique (récemment créé par Cleisthenes). Le festival a été créé vers 508 av. Bien qu’aucun texte dramatique n’existe à partir du sixième siècle avant JC, nous connaissons les noms de trois concurrents en dehors de Thespis: Choerilus, Pratinas et Phrynichus. Chacun est crédité de différentes innovations dans le domaine.

On en sait plus sur Phrynichus. Il a gagné sa première compétition entre 511 BC et 508 BC. Il a produit des tragédies sur des thèmes et des sujets plus tard exploités dans l’âge d’or tels que les Danaïdes, les femmes phéniciennes et Alcestis. Il était le premier poète que nous connaissons pour employer un sujet historique – sa chute de Milet, produite en 493-2, a raconté le destin de la ville de Milet après qu’il a été conquis par les Persans. Hérodote rapporte que «les Athéniens ont clairement exprimé leur profond chagrin pour la prise de Milet à bien des égards, mais surtout en ceci: quand Phrynichus a écrit une pièce intitulée« La Chute de Milet »et l’a produite, tout le théâtre est tombé en larmes; Phrynichus mille drachmes pour avoir évoqué une calamité qui les affectait si personnellement et interdisait l’exécution de cette pièce pour toujours. « [6] Il est également pensé pour être le premier à utiliser des personnages féminins (mais pas des interprètes féminines).

Jusqu’à la période hellénistique, toutes les tragédies étaient des pièces uniques écrites en l’honneur de Dionysos et jouées une seule fois, de sorte qu’aujourd’hui nous avons principalement les pièces dont on se souvenait encore assez pour avoir été répétées quand la répétition de vieilles tragédies est devenue à la mode. la survie, aussi bien que les goûts subjectifs des bibliothécaires hellénistiques plus tard dans l’histoire grecque, ont également joué un rôle dans ce qui a survécu de cette période).

Nouvelles inventions pendant la période classique
Après la grande destruction d’Athènes par l’Empire perse en 480 av. J.-C., la ville et l’acropole ont été reconstruites, et le théâtre s’est formalisé et une partie encore plus grande de la culture athénienne et de la fierté civique. Ce siècle est normalement considéré comme l’âge d’or du drame grec. Le centre de la Dionysia annuelle, qui a eu lieu une fois en hiver et une fois au printemps, était une compétition entre trois dramaturges tragiques au Théâtre de Dionysos. Chacun a présenté trois tragédies, plus une pièce de satyre (une version comique, burlesque d’un sujet mythologique). À partir d’une première compétition en 486 av. J.-C., chaque dramaturge a présenté une comédie. [8] Aristote a prétendu que Eschyle a ajouté le deuxième acteur (deutéragoniste), et que Sophocle a introduit le troisième (tritagoniste). Apparemment, les dramaturges grecs n’ont jamais utilisé plus de trois acteurs basés sur ce que l’on sait du théâtre grec [9].

La tragédie et la comédie ont été considérées comme des genres complètement séparés, et aucune pièce n’a jamais fusionné les aspects des deux. Les pièces de satyre traitaient de l’objet mythologique des tragédies, mais d’une manière purement comique.

Période hellénistique
Le pouvoir d’Athènes a décliné suite à sa défaite dans la guerre du Péloponnèse contre les Spartiates. À partir de ce moment, le théâtre a recommencé à jouer de vieilles tragédies. Bien que ses traditions théâtrales semblent avoir perdu leur vitalité, le théâtre grec continua dans la période hellénistique (la période suivant les conquêtes d’Alexandre le Grand au quatrième siècle avant notre ère). Cependant, la forme théâtrale hellénistique principale n’était pas une tragédie, mais une «nouvelle comédie», des épisodes comiques sur la vie de citoyens ordinaires. Le seul dramaturge existant de la période est Menander. L’une des contributions les plus importantes de New Comedy a été son influence sur la comédie romaine, une influence que l’on peut voir dans les œuvres survivantes de Plaute et Terence.

Caractéristiques des bâtiments
Les pièces avaient un choeur de 12 à 15 personnes, qui jouaient les pièces en vers accompagnées de musique, commençant le matin et durant jusqu’au soir. L’espace de représentation était un simple espace circulaire, l’orchestre, où le choeur dansait et chantait. L’orchestre, qui avait un diamètre moyen de 78 pieds, était situé sur une terrasse aplatie au pied d’une colline, dont la pente produisait un théâtre naturel, littéralement «à voir». Plus tard, le terme «théâtre» est venu s’appliquer à toute la zone du théâtre, de l’orchestre et du skené. Le coryphaeus était le chef choriste qui pouvait entrer dans l’histoire en tant que personnage capable d’interagir avec les personnages d’une pièce de théâtre.

Les théâtres ont été construits à l’origine sur une très grande échelle pour accueillir le grand nombre de personnes sur scène, ainsi que le grand nombre de personnes dans le public, jusqu’à quatorze mille. Les mathématiques jouent un grand rôle dans la construction de ces théâtres, car leurs concepteurs doivent être capables de créer une acoustique qui leur permet de faire entendre la voix des acteurs dans tout le théâtre, y compris dans la rangée supérieure des sièges. La compréhension de l’acoustique par le grec se compare très favorablement à l’état actuel de la technique. Les premiers sièges dans les théâtres grecs (autres que le simple fait de s’asseoir sur le sol) étaient en bois, mais vers 499 avant notre ère, la pratique consistant à incruster des blocs de pierre sur le côté de la colline pour créer des sièges permanents et stables devint plus courante. Ils ont été appelés les « prohedria » et réservés aux prêtres et à quelques citoyens les plus respectés.

En 465 AEC, les dramaturges ont commencé à utiliser une toile de fond ou un mur scénique, qui pendait ou se tenait derrière l’orchestre, qui servait également de zone où les acteurs pouvaient changer leurs costumes. Il était connu comme le skênê (d’où le mot « scène » dérive). La mort d’un personnage a toujours été entendue derrière le skênê, car il était considéré comme inapproprié de montrer un meurtre en raison de l’auditoire [la citation nécessaire] Inversement, il y a des arguments savants que la mort dans la tragédie grecque a été dépeinte considérations, et non la pudeur ou la sensibilité de l’auditoire. [11] En 425 av. J.-C., un mur de scène en pierre, appelé paraskenia, devint un complément commun au skênê dans les théâtres. Un paraskenia était un long mur avec des côtés saillants, qui ont pu avoir des portes pour les entrées et les sorties. Juste derrière le paraskenia était le proskenion. Le proskenion («devant la scène») était magnifique et ressemblait à l’avant-scène moderne.

Les théâtres grecs avaient aussi de grandes entrées cintrées appelées parodoi ou eisodoi, à travers lesquelles les acteurs et les membres du chœur entraient et sortaient de l’orchestre. À la fin du Ve siècle av. J.-C., à l’époque de la guerre du Péloponnèse, le skênê, le mur du fond, avait deux étages. L’histoire supérieure s’appelait l’épiskenion. Certains théâtres disposaient également d’une tribune élevée sur l’orchestre appelée logeion.

Genèse
La Dionysia et la partie la plus importante du théâtre d’aujourd’hui, les tragédies, étaient déjà sous Peisistratos un festival important sur le plan religieux, mais par le Phylenreform de Kleisthenes était tous impliqués Attica dans les festivals dionysiaques. Au départ, il n’y avait qu’un seul acteur, dont un chorale, qui ne chantait pas, mais répondait parfois à l’acteur. Après la destruction par les Perses un skené s’est développé au theatron, et bientôt d’autres additions ont été inventées. Les trois tragédies ont été suivies par la pièce de satyre, une suite joyeuse et libératrice.

La floraison classique du théâtre grec finit avec le déclin de la polis classique d’Athènes et la fondation des royaumes hellénistiques.

Les caractéristiques essentielles de l’art scénique grec ont été préservées, principalement à cause de la poétique d’Aristote (384 à 322 avant J.-C.). D’une part, l’influence sur le théâtre européen est démontrée par le fait que beaucoup de matériaux utilisés par les Grecs classiques ont plus tard suscité de l’intérêt et ont continué à être utilisés, tels que les vieux poètes comiques romains Plaute et Terence. D’un autre côté, il y eut aussi de nombreuses tentatives pour stimuler une «renaissance» de la période classique, en prenant toujours en compte les courants temporels dominants.

Construction
Les théâtres grecs étaient des théâtres en plein air construits dans une colline, principalement nord-sud. La recherche sur la pratique du théâtre grec est confrontée au fait qu’il y a très peu de documents au théâtre du cinquième siècle avant JC. Chr., L’âge dit classique des poètes tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide. À ce jour, il n’a pas été clairement établi si l’orchestre et l’auditorium, le soi-disant Theatron, dans le théâtre dionysiaque athénien du cinquième siècle avaient déjà une forme ronde avec une maison de scène située devant l’orchestre (comme dans le croquis d’accompagnement) ou si l’orchestre et le théâtre étaient rectangulaires. Les théâtres grecs préservés du cinquième siècle ont tous une forme rectangulaire et cela est susceptible de rendre probable le Théâtre d’Athènes. Les éléments suivants sont considérés comme largement sécurisés pour le cinquième siècle:

Theatron (d’abord en bois, plus tard en pierre),
Skené (maison de théâtre en bois, d’où « scène »),
Orchestra, l’aire de jeu pour la chorale et les acteurs,
Parodoi, les deux entrées de l’orchestre,
Ekkyklema, une plate-forme qui a été déployée hors de la maison pour visualiser des scènes de scènes dans la maison dans un tableau,
Mechane, une grue avec laquelle le deus ex machina a semblé flotter sur la scène et intervenir dans l’événement tragique.
La situation documentaire pour la pratique agissante actuelle est également médiocre.

L’origine de la tragédie grecque est les dithyrambes, chansons chorales solennelles en l’honneur de Dionysos, dont le maître est Arion de Lesbos. Le premier poète tragique était Thespis, à qui l’on se souvient encore du nom du théâtre comme un Thespiskarren, il a confronté la chorale à un seul acteur solo, le protagoniste, dans le masque de Dionysos. Eschyle introduit le deuxième acteur, l’antagoniste, et finalement Sophocle le troisième, le tritagoniste.

Le nombre d’acteurs reste limité à trois. Si plus de personnes apparaissent, jamais plus de trois en même temps, et au moins un acteur doit changer de masque.

Le choeur se composait de 12 ou 15 chorales, se déplaçait au prologue à travers les parodoïs du théâtre et restait généralement tout au long de la représentation à l’orchestre.

En tant qu’acteurs et chorales (membres de la chorale), seuls les hommes étaient autorisés à jouer. Il a été joué avec des masques.

Les séquences de mouvement des chorégraphes et des acteurs, la manière de parler ou de chanter et la musique sont à peine transmises. Il y a beaucoup de controverse dans la recherche sur la façon dont les textes dramatiques obtenus peuvent être utilisés pour tirer des conclusions sur la pratique de la scène. Malgré un grand intérêt de recherche, on en sait très peu sur le théâtre grec ancien.

Fonction sociale
Le théâtre grec n’était pas seulement pour les hommes. Bien que seuls des citoyens libres puissent participer (pas d’esclaves), pour les femmes les rangées arrières de sièges étaient réservées.

L’équipement du choeur et son entretien étaient la tâche du chorégraphe. Le chœur était un Leiturgie important, c’est-à-dire une représentation d’une personne privée pour la communauté polis.

Le théâtre a servi pour le divertissement de la population et depuis l’émergence de la comédie aussi pour le divertissement. Bien que la visite ait été socialement obligatoire en raison de son caractère religieux, l’hommage des acteurs et des auteurs témoigne d’une appréciation plus large; parce que les participants célèbres ont été attribués et pris en charge par l’état.

Éléments scéniques
Il y avait plusieurs éléments scéniques couramment utilisés dans le théâtre grec:

mechane, une grue qui donnait l’impression d’un acteur volant (deus ex machina)
ekkyklêma, une plate-forme à roues souvent utilisée pour mettre en évidence des personnages morts pour le public
pinakes, photos accrochées pour créer des paysages
thyromata, images plus complexes construites dans la scène de second niveau (3ème niveau à partir du sol)
les accessoires phalliques étaient utilisés pour les jeux de satyre, symbolisant la fertilité en l’honneur de Dionysos.

Les masques

Les masques
Le terme Grec ancien pour un masque est prosopon (litt., « Face »), [12] et était un élément important dans le culte de Dionysos à Athènes, probablement utilisé dans les rites cérémoniels et les célébrations. La plupart des preuves proviennent seulement de quelques peintures de vase du 5ème siècle avant JC, comme celle montrant un masque du dieu suspendu à un arbre avec une robe décorée suspendue au-dessous et dansant et le vase Pronomos, [13] qui représente des pour un jeu de satyre. [14] Aucune preuve physique ne nous reste disponible, car les masques étaient faits de matériaux organiques et ne sont pas considérés comme des objets permanents, étant finalement dédiés à l’autel de Dionysos après les représentations. Néanmoins, le masque est connu pour avoir été utilisé depuis l’époque d’Eschyle et considéré comme l’une des conventions emblématiques du théâtre grec classique. [15]

Des masques ont également été réalisés pour les membres du choeur, qui jouent un rôle dans l’action et commentent les événements dans lesquels ils sont pris. Bien qu’il y ait douze ou quinze membres du choeur tragique, ils portent tous le même masque parce qu’ils sont considérés comme représentant un personnage.

Détails du masque
Des illustrations de masques théâtraux du 5ème siècle montrent des masques ressemblant à des casques, couvrant tout le visage et la tête, avec des trous pour les yeux et une petite ouverture pour la bouche, ainsi qu’une perruque intégrée. Ces peintures ne montrent jamais de masques réels sur les acteurs dans la performance; ils sont le plus souvent montrés manipulés par les acteurs avant ou après une représentation, cet espace liminal entre le public et la scène, entre le mythe et la réalité [16]. Effectivement, le masque a transformé l’acteur autant que la mémorisation du texte. Par conséquent, la performance dans la Grèce antique n’a pas distingué l’acteur masqué du caractère théâtral.

Les fabricants de masques ont été appelés skeuopoios ou «fabricant des propriétés», suggérant ainsi que leur rôle englobait de multiples devoirs et tâches. Les masques étaient très probablement faits de matériaux légers et organiques, comme le lin raidi, le cuir, le bois ou le liège, avec la perruque faite de poils humains ou animaux. [17] En raison des restrictions visuelles imposées par ces masques, il était impératif que les acteurs entendent pour s’orienter et s’équilibrer. Ainsi, on pense que les oreilles étaient couvertes par des quantités substantielles de cheveux et non par le masque lui-même. L’ouverture de la bouche était relativement petite, empêchant la bouche d’être vue pendant les représentations. Vervain et Wiles affirment que cette petite taille décourage l’idée que le masque a fonctionné comme un mégaphone, comme initialement présenté dans les années 1960. [14] Le fabricant de masques grecs, Thanos Vovolis, suggère que le masque sert de résonateur pour la tête, améliorant ainsi l’acoustique vocale et modifiant sa qualité. Cela conduit à une augmentation de l’énergie et de la présence, permettant la métamorphose plus complète de l’acteur dans son personnage. [18]

Fonctions de masque
Dans un grand théâtre en plein air, comme le théâtre de Dionysos à Athènes, les masques classiques pouvaient créer un sentiment de terreur dans le public créant une panique à grande échelle, d’autant plus qu’ils avaient des traits et des expressions faciaux intensément exagérés. Ils ont permis à un acteur d’apparaître et de réapparaître dans plusieurs rôles différents, empêchant ainsi l’auditoire d’identifier l’acteur à un personnage spécifique. Leurs variations aident l’auditoire à distinguer le sexe, l’âge et le statut social, en plus de révéler un changement dans l’apparence d’un personnage particulier, par exemple Œdipe après s’être aveuglé. [19] Des masques uniques ont également été créés pour des personnages et des événements spécifiques dans une pièce, tels que Les Furies dans les Euménides d’Eschyle et Penthée et Cadmus dans Les Bacchantes d’Euripide. Portés par le refrain, les masques ont créé un sentiment d’unité et d’uniformité, tout en représentant un personnage à plusieurs voix ou un organisme unique et en même temps encouragé l’interdépendance et une sensibilité accrue entre chaque individu du groupe. Seulement 2 ou 3 acteurs étaient autorisés sur la scène en même temps, et les masques permettaient des transitions rapides d’un personnage à l’autre. Il n’y avait que des acteurs masculins, mais les masques leur permettaient de jouer des personnages féminins.

D’autres détails de costume
Les acteurs de ces pièces qui avaient des rôles tragiques portaient des bottes appelées cothurni qui les élevaient au-dessus des autres acteurs. Les acteurs avec des rôles comiques portaient seulement une chaussure à semelle mince appelée une chaussette. Pour cette raison, l’art dramatique est parfois appelé « Sock and Buskin ».

Melpomène est la muse de la tragédie et est souvent représenté tenant le masque tragique et portant des cothurni. Thalia est la muse de la comédie et est également associée au masque de la comédie et des « chaussettes » comiques.

Les acteurs masculins jouant des rôles féminins porteraient une structure en bois sur leur poitrine (postterneda) pour imiter l’aspect des seins et une autre structure sur leur estomac (progastreda) pour les faire paraître plus doux et plus proches des femmes. Ils porteraient également des bas de corps blancs sous leurs costumes pour rendre leur peau plus belle.

La plus grande partie des détails proviennent de la poterie de l’époque, les costumes et les masques étant fabriqués à partir de matériaux jetables. Il n’y a donc pas de vestiges de costumes de ce temps. La plus grande source d’information est le vase Pronomos, où les acteurs sont peints lors d’une soirée after-show.

Costumer donnerait un sentiment de caractère, comme dans le sexe, l’âge, le statut social et la classe. Par exemple, les personnages de classe supérieure seraient habillés avec des vêtements plus beaux, bien que tout le monde soit habillé assez bien. Contrairement à la croyance populaire, ils ne s’habillaient pas seulement de chiffons et de sandales, car ils voulaient impressionner. Quelques exemples de costumes de théâtre grec incluent de longues robes appelées le chiton qui a atteint le plancher pour les acteurs jouant des dieux, des héros et des vieillards. Les acteurs jouant des déesses et des personnages féminins qui détenaient beaucoup de pouvoir portaient des pourpres et des ors. Les acteurs jouant au Queens et aux Princesses portaient de longues capes qui traînaient sur le sol et étaient décorées d’étoiles d’or et d’autres bijoux, et les guerriers étaient vêtus d’une variété d’armures et portaient des casques ornés de plumes. Les costumes étaient censés être colorés et évidents pour être facilement vu par tous les sièges du public.