Gli illustri accademici del primo Seicento, come Andrea Sacchi, ritenevano che la pittura di genere e nature morte non portava la “gravitas” meritata per la pittura per essere considerata grande. Una formulazione influente del 1667 di André Félibien, un storiografo, architetto e teorico del classicismo francese divenne la classica affermazione della teoria della gerarchia dei generi per il XVIII secolo:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au dessus d’un autre qui ne fait des frutti, des fleurs ou coquilles. Celui qui peint des animaux vivants, oltre a stimabile que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figura de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, è certo che aussi que celui qui si rende l’imitateur de Dieu en peignant des figure humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Colui che produce paesaggi perfetti è al di sopra di un altro che produce solo frutta, fiori o frutti di mare. Colui che dipinge animali viventi è più stimabile di quelli che rappresentano solo cose morte senza movimento, e poiché l’uomo è l’opera più perfetta di Dio sulla terra, è anche certo che colui che diventa un imitatore di Dio nel rappresentare figure umane, è molto più eccellente di tutti gli altri … “.

Pittura olandese e fiamminga
La natura morta si sviluppò come una categoria separata nei Paesi Bassi nell’ultimo quarto del XVI secolo. Il termine inglese still life deriva dalla parola olandese stilleven mentre le lingue romanze (così come greco, polacco, russo e turco) tendono a usare termini che indicano la natura morta. La pittura dei primi Paesi Bassi del XV secolo aveva sviluppato tecniche altamente illusionistiche sia nella pittura su pannello che nei manoscritti miniati, dove i confini spesso presentavano elaborate esposizioni di fiori, insetti e, in un’opera come le Ore di Caterina di Cleves, una grande varietà di oggetti. Quando il manoscritto miniato fu spostato dal libro stampato, le stesse abilità furono successivamente impiegate nell’illustrazione botanica scientifica; i Paesi Bassi hanno guidato l’Europa sia nella botanica che nella sua rappresentazione artistica. L’artista fiammingo Joris Hoefnagel (1542-1601) realizzò acquerelli e tempere di fiori e di altri soggetti di natura morta per l’imperatore Rodolfo II, e vi furono molte illustrazioni incise per libri (spesso poi colorate a mano), come il Florilegio di Hans Collaert , pubblicato da Plantin nel 1600.

Circa 1600 dipinti floreali negli olii diventarono una specie di mania; Karel van Mander dipinse alcune opere lui stesso e registra che anche altri artisti del Manierismo del Nord come Cornelis van Haarlem lo fecero. Non si conoscono esemplari di fiori sopravvissuti, ma molti sopravvivono grazie agli specialisti principali, Jan Brueghel il Vecchio e Ambrosius Bosschaert, entrambi attivi nei Paesi Bassi meridionali.

Mentre gli artisti del Nord trovavano scarse opportunità di produrre l’iconografia religiosa che era stata per lungo tempo le loro immagini base di soggetti religiosi erano proibite nella Chiesa protestante riformata olandese – la continua tradizione settentrionale di realismo dettagliato e simboli nascosti attraeva la crescente borghesia olandese , che stavano sostituendo Chiesa e Stato come principali patroni dell’arte nei Paesi Bassi. A ciò si aggiungeva la mania olandese per l’orticoltura, in particolare il tulipano. Queste due visioni di fiori – come oggetti estetici e simboli religiosi – si sono fuse per creare un mercato molto forte per questo tipo di nature morte. La natura morta, come la maggior parte delle opere d’arte olandesi, veniva generalmente venduta in mercati aperti o da rivenditori, o da artisti nei loro studi, e raramente commissionata; quindi, gli artisti solitamente sceglievano l’argomento e l’arrangiamento. Così popolare era questo tipo di pittura di nature morte, che gran parte della tecnica della pittura olandese dei fiori era codificata nel trattato del 1740 Groot Schilderboeck di Gerard de Lairesse, che forniva un’ampia consulenza sul colore, l’organizzazione, la pennellata, la preparazione degli esemplari, armonia, composizione, prospettiva, ecc.

Il simbolismo dei fiori si era evoluto fin dai primi tempi cristiani. I fiori più comuni e i loro significati simbolici includono: rosa (Vergine Maria, transitorietà, Venere, amore); giglio (Vergine Maria, verginità, seno femminile, purezza della mente o della giustizia); tulipano (vistosità, nobiltà); girasole (fedeltà, amore divino, devozione); viola (modestia, riserva, umiltà); colombina (malinconia);papavero (potere, sonno, morte). Per quanto riguarda gli insetti, la farfalla rappresenta la trasformazione e la risurrezione mentre la libellula simboleggia la transitorietà e il duro lavoro della formica e l’attenzione al raccolto.
Anche gli artisti fiamminghi e olandesi si ramificavano e rianimavano l’antica tradizione di trompe-l’œil, la natura morta greca, in particolare l’imitazione della natura o della mimesi, che chiamavano bedriegertje (“piccolo inganno”). Oltre a questi tipi di nature morte, gli artisti olandesi hanno identificato e sviluppato separatamente dipinti “di cucina e di mercato”, piatti per la colazione e il cibo, nature morte, dipinti di vanitas e quadri di allegorie.
Nei Paesi Bassi meridionali cattolici è stato sviluppato il genere delle pitture ghirlande. Intorno al 1607-1608, gli artisti di Anversa Jan Brueghel il Vecchio e Hendrick van Balen hanno iniziato a creare queste immagini che consistono in un’immagine (di solito devozionale) circondata da una lussureggiante ghirlanda di nature morte. I dipinti erano collaborazioni tra due specialisti: una natura morta e una figura pittore. Daniel Seghers ha ulteriormente sviluppato il genere. Originariamente al servizio di una funzione devozionale, i dipinti a ghirlanda divennero estremamente popolari e furono ampiamente usati come decorazione delle case.

Uno speciale genere di nature morte era il cosiddetto pronkstilleven (in olandese significa “ostentata natura morta”). Questo stile di pittura di nature morte è stato sviluppato negli anni Quaranta ad Anversa da artisti fiamminghi come Frans Snyders e Adriaen van Utrecht. Dipingevano nature morte che enfatizzavano l’abbondanza rappresentando una varietà di oggetti, frutti, fiori e giochi morti, spesso insieme a persone viventi e animali. Lo stile fu presto adottato da artisti della Repubblica olandese.

Particolarmente popolari in questo periodo erano i dipinti di vanitas, in cui sontuosi arrangiamenti di frutta e fiori, libri, statuette, vasi, monete, gioielli, dipinti, strumenti musicali e scientifici, insegne militari, argento e cristallo, erano accompagnati da richiami simbolici di vita impermanenza. Inoltre, un teschio, una clessidra o un orologio da taschino, una candela che brucia o un libro con le pagine rivolte, servirebbe come un messaggio moralizzante sull’effimeralità dei piaceri sensoriali. Spesso alcuni dei frutti e dei fiori stessi venivano mostrati iniziando a rovinare o sbiadire per enfatizzare lo stesso punto.

Cornelis Norbertus Gysbrechts (1660-1683 circa), Trompe l’oeil (1680 ca.), Museo d’arte della contea di Los Angeles	Jan Philip van Thielen (1618-1667), Vaso di fiori (1660 ca.), Fitzwilliam Museum, Cambridge, Inghilterra	Maria van Oosterwijk, Vanitas-Still Life (1693)	Jan Jansz. Treck (1606-1652), Still Life Pewter Jug e due piatti in porcellana(1645)	Lubin Baugin (1610-1663 circa),Le Dessert de gaufrettes (1631 ca.), Museo del Louvre, Parigi

Un altro tipo di natura morta, noto come ontbijtjes o “breakfast painting”, rappresenta sia una presentazione letterale di prelibatezze che la classe superiore potrebbe godere e un richiamo religioso per evitare l’ingordigia. Intorno al 1650 Samuel van Hoogstraten dipinse una delle prime foto da parete, trompe-l’œil, nature morte che presentano oggetti legati, appiccicati o attaccati in qualche modo a un pannello a muro, un tipo di natura morta molto popolare nel Stati Uniti nel 19 ° secolo. Un’altra variazione è stata la trompe-l’œil raffigurante oggetti di natura morta associati a una determinata professione, come nel quadro di Cornelis Norbertus Gysbrecht “Painter’s Easel with Fruit Piece”, che mostra tutti gli strumenti del mestiere di un pittore. Molto popolare anche nella prima metà del XVII secolo era la pittura di un vasto assortimento di esemplari in forma allegorica, come i “cinque sensi”, i “quattro continenti” o “le quattro stagioni”, raffiguranti una dea o figura allegorica circondata da appropriati oggetti naturali e artificiali. La popolarità dei dipinti di Vanitas e di queste altre forme di natura morta si diffuse presto dall’Olanda alle Fiandre e in Germania, e anche in Spagna e in Francia.

La produzione olandese di nature morte era enorme, e furono ampiamente esportate, specialmente nell’Europa settentrionale; La Gran Bretagna non ne ha quasi mai prodotto. La natura morta tedesca seguiva da vicino i modelli olandesi; Georg Flegel è stato un pioniere nella pura natura morta senza figure e ha creato l’innovazione compositiva di collocare oggetti dettagliati in armadi, armadi e vetrine e di produrre più viste simultanee.

Dipinti olandesi, fiamminghi, tedeschi e francesi

Peter Paul Rubens, Diana Returning the Hunt , elementi di nature morte di uno specialista (1615 ca)	Rembrandt, Still-Life with Two Dead Peacocks and a Girl (1639 circa)	Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Natura morta con torta, Silver Ewer and Crab (1658)	Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Natura morta dei fiori(1614)
Samuel van Hoogstraten,Feigned Letter Rack with Writing Enplements (1655 circa)	Pieter Boel (1626-1674), Natura morta con un globo e un pappagallo (1658 circa)	Pieter Claesz (c.1597-1660), Still Life (1623)	Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Natura morta con frutta, fiori, occhiali e aragosta (1660 circa)
Peter Binoit, 1618, Castello di Skokloster.	Pieter Claesz (1597-1660 circa),Natura morta con vasca salina	Osias Beert the Elder, piatti con ostriche, frutta e vino	George Flegel (1566-1638),Natura morta con pane e confetteria , 1630