Prominentes académicos de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi, consideraron que el género y la pintura de naturalezas muertas no tenían la «gracia» que merecía la pintura como para ser considerada grandiosa. Una influyente formulación de 1667 realizada por André Félibien, un historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés, se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de géneros para el siglo XVIII:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il is certain aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Quien produce paisajes perfectos está por encima de otro que solo produce frutas, flores o mariscos. El que pinta animales vivos es más estimable que aquellos que solo representan cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios en la tierra, también es cierto que el que se convierte en un imitador de Dios representando figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás … «.

Pintura holandesa y flamenca

La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. El término inglés still life se deriva de la palabra holandesa stilleven, mientras que las lenguas romances (así como las griegas, polacas, rusas y turcas) tienden a usar términos que significan naturaleza muerta. La pintura temprana de los Países Bajos del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en pintura de panel como en manuscritos iluminados, donde las fronteras a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en una obra como las Horas de Catalina de Cleves, una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue desplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se implementaron más tarde en la ilustración botánica científica; los Países Bajos lideraron a Europa tanto en botánica como en su representación en el arte. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) hizo pinturas al aguafuerte y gouache de flores y otros temas de naturalezas muertas para el emperador Rudolf II, y había muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreados a mano), como el florilegio de Hans Collaert. , publicado por Plantin en 1600.

Alrededor de 1600 pinturas de flores en óleo se convirtieron en una locura; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo, y registra que otros artistas manieristas del norte como Cornelis van Haarlem también lo hicieron. No se conocen piezas de flores que hayan sobrevivido, pero muchos sobreviven por los principales especialistas, Jan Brueghel the Elder y Ambrosius Bosschaert, ambos activos en el sur de los Países Bajos.

Mientras que los artistas en el Norte encontraron oportunidades limitadas para producir la iconografía religiosa que durante mucho tiempo habían sido sus imágenes básicas de temas religiosos prohibidos en la Iglesia Protestante Reformada Holandesa, la tradición norteña de realismo detallado y símbolos ocultos atraía a las crecientes clases medias holandesas. , que estaban reemplazando a la Iglesia y al Estado como principales patrocinadores del arte en los Países Bajos. A esto se agregó la manía holandesa por la horticultura, en particular el tulipán. Estos dos puntos de vista de las flores, como objetos estéticos y como símbolos religiosos, se fusionaron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturalezas muertas. La naturaleza muerta, como la mayoría de las obras de arte holandesas, generalmente se vendía en mercados abiertos o por vendedores, o por artistas en sus estudios, y raramente se encargaba; por lo tanto, los artistas generalmente eligen el tema y la disposición. Tan popular era este tipo de pintura de bodegones, que gran parte de la técnica de pintura de flores holandesa fue codificada en el tratado de Groot Schilderboeck de 1740 por Gerard de Lairesse, que dio consejos de gran alcance sobre el color, arreglos, pinceladas, preparación de muestras, armonía, composición, perspectiva, etc.

El simbolismo de las flores había evolucionado desde los primeros días del cristianismo. Las flores más comunes y sus significados simbólicos incluyen: rosa (Virgen María, fugacidad, Venus, amor); lirio (Virgen María, virginidad, pecho femenino, pureza mental o justicia); tulipán (vistosidad, nobleza); girasol (fidelidad, amor divino, devoción); violeta (modestia, reserva, humildad); aguileña (melancolía); amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección, mientras que la libélula simboliza la fugacidad y el trabajo duro de la hormiga y la atención a la cosecha.

Los artistas flamencos y holandeses también se diversificaron y revivieron la tradición de la naturaleza muerta griega antigua de trompe-l’œil, particularmente la imitación de la naturaleza o mimesis, que denominaron bedriegertje («pequeño engaño»). Además de estos tipos de naturalezas muertas, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron por separado las pinturas de «cocina y mercado», el desayuno y la mesa de comidas, las pinturas vanitas y las pinturas alegóricas de colección.

En los Países Bajos católicos del sur se desarrolló el género de pinturas con guirnaldas. Alrededor de 1607-1608, los artistas de Amberes Jan Brueghel the Elder y Hendrick van Balen comenzaron a crear estas imágenes que consisten en una imagen (generalmente devocional) que está rodeada por una exuberante corona de naturaleza muerta. Las pinturas fueron colaboraciones entre dos especialistas: una naturaleza muerta y un pintor de figuras. Daniel Seghers desarrolló el género aún más. Originalmente al servicio de una función devocional, las pinturas con guirnaldas se volvieron extremadamente populares y se usaron ampliamente como decoración de hogares.

Un género especial de la naturaleza muerta era el llamado pronkstilleven (en holandés para «naturaleza muerta ostentosa»). Este estilo de pintura adornada de bodegones fue desarrollado en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht. Pintaban naturalezas muertas que enfatizaban la abundancia al representar una diversidad de objetos, frutas, flores y juegos muertos, a menudo junto con personas y animales vivos. El estilo pronto fue adoptado por artistas de la República holandesa.

Especialmente populares en este período fueron las pinturas vanitas, en las que suntuosos arreglos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, plata fina y cristal, fueron acompañados por recuerdos simbólicos de la vida impermanencia.Además, una calavera, un reloj de arena o un reloj de bolsillo, una vela encendida o un libro con las páginas girando, servirían como un mensaje moralizante sobre lo efímero de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y las flores se mostrarían empezando a deteriorarse o desvanecerse para enfatizar el mismo punto.

Cornelis Norbertus Gysbrechts (hacia 1660-1683), Trompe l’oeil(hacia 1680), Museo de Arte del Condado de Los Ángeles	Jan Philip van Thielen (1618-1667), Jarrón de flores (hacia 1660), Museo Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra	Maria van Oosterwijk,Vanitas-Naturaleza muerta(1693)	Jan Jansz. Treck (1606-1652), jarra de peltre Still Life y dos platos de porcelana(1645)	Lubin Baugin (hacia 1610-1663), Le Dessert de gaufrettes (hacia 1631), Musée du Louvre, París

Otro tipo de naturaleza muerta, conocidos como ontbijtjes o «pinturas de desayuno», representan tanto una presentación literal de los manjares que la clase alta podría disfrutar como un recordatorio religioso para evitar la gula. Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó una de las primeras imágenes de wall-rack, pinturas de naturaleza muerta trompe-l’œil que presentan objetos atados, atados o unidos de alguna otra manera a un tablero de pared, un tipo de naturaleza muerta muy popular en el mundo. Estados Unidos en el siglo XIX. Otra variación fue el bodegón trompe-l’œil que representaba objetos asociados con una profesión determinada, como con la pintura de Cornelis Norbertus Gysbrecht «Caballete del pintor con pieza de fruta», que muestra todas las herramientas del oficio de un pintor. También popular en la primera mitad del siglo XVII fue la pintura de un gran surtido de especímenes en forma alegórica, como los «cinco sentidos», «cuatro continentes» o «las cuatro estaciones», mostrando una diosa o figura alegórica rodeada por objetos apropiados naturales y hechos por el hombre.La popularidad de las pinturas vanitas, y estas otras formas de naturaleza muerta, pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también a España y Francia.

La producción neerlandesa de naturalezas muertas era enorme y se exportaron ampliamente, especialmente al norte de Europa; Gran Bretaña apenas produjo ningún sí mismo. La naturaleza muerta alemana siguió de cerca los modelos holandeses; Georg Flegel fue un pionero en bodegones puros sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar objetos detallados en armarios, armarios y vitrinas, y producir vistas simultáneas múltiples.

Pinturas holandesas, flamencas, alemanas y francesas

Peter Paul Rubens, Diana Regreso de la caza , elementos de naturaleza muerta por un especialista (c.1615)	Rembrandt, naturaleza muerta con dos pavos reales muertos y una niña(hacia 1639)	Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Naturaleza muerta con pastel, Jarra de plata y Cangrejo (1658)	Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Naturaleza muerta de las flores (1614)
Samuel van Hoogstraten, Feigned Letter Rack con Writing Implements (hacia 1655)	Pieter Boel (1626-1674),Naturaleza muerta con un globo y un loro (c 1658)	Pieter Claesz (c.1597-1660),naturaleza muerta (1623)	Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), naturaleza muerta con frutas, flores, vasos y langosta(hacia 1660)
Peter Binoit, 1618, Castillo de Skokloster.	Pieter Claesz (hacia 1597-1660), naturaleza muerta con tina de sal	Osias Beert the Elder, platos con ostras, fruta y vino	George Flegel (1566-1638),Naturaleza muerta con pan y productos de confitería , 1630