Europe du Nord encore la vie au XVIIe siècle

D’éminents Académiciens du début du 17ème siècle, comme Andrea Sacchi, ont estimé que le genre et la nature-peinture n’ont pas porté les «gravitas» méritées pour la peinture à considérer comme grands. Une formulation influente de 1667 d’André Félibien, historiographe, architecte et théoricien du classicisme français, devint l’affirmation classique de la théorie de la hiérarchie des genres pour le XVIIIe siècle:

Willem Kalf (1619-1693), huile sur toile, The J. Paul Getty Museum

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui représentent des choses mortes et sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est certain aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Celui qui produit des paysages parfaits est supérieur à celui qui ne produit que des fruits, des fleurs ou des fruits de mer. Celui qui peint les animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes sans mouvement, et comme l’homme est l’œuvre la plus parfaite de Dieu sur la terre, il est aussi certain que celui qui devient un imitateur de Dieu en représentant des figures humaines est beaucoup plus excellent que tous les autres … « .

Pieter Claesz (1597-1660), Nature morte aux instruments de musique (1623)

Peinture hollandaise et flamande

La nature morte s’est développée en tant que catégorie distincte dans les Pays-Bas au cours du dernier quart du 16ème siècle. Le terme anglais still life vient du mot néerlandais stilleven alors que les langues romanes (ainsi que le grec, le polonais, le russe et le turc) ont tendance à utiliser des termes qui signifient la nature morte. La peinture des premiers Néerlandais du XVe siècle a développé des techniques très illusionnistes tant dans la peinture sur panneau que dans les manuscrits enluminés, où les frontières présentaient souvent des compositions élaborées de fleurs, d’insectes et, dans une œuvre comme les Heures de Catherine de Clèves. Quand le manuscrit enluminé a été déplacé par le livre imprimé, les mêmes qualifications ont été plus tard déployées dans l’illustration botanique scientifique; les Pays-Bas ont mené l’Europe à la fois dans la botanique et sa représentation dans l’art. L’artiste flamand Joris Hoefnagel (1542-1601) réalise des aquarelles et des gouaches de fleurs et d’autres natures mortes pour l’empereur Rodolphe II, et de nombreuses illustrations gravées pour des livres (souvent à la main), comme le Florilège de Hans Collaert. , publié par Plantin en 1600.

Environ 1600 peintures à la fleur dans les huiles sont devenues quelque chose d’un engouement; Karel van Mander a lui-même peint quelques œuvres et note que d’autres artistes maniéristes du Nord tels que Cornelis van Haarlem l’ont également fait. On ne connaît pas de fleurs qui y survivent, mais beaucoup survivent grâce aux grands spécialistes Jan Brueghel l’Ancien et Ambrosius Bosschaert, tous deux actifs dans le sud des Pays-Bas.

Tandis que les artistes du Nord trouvaient une occasion limitée de produire l’iconographie religieuse qui était depuis longtemps leurs images de base des sujets religieux interdits dans l’Église réformée réformée hollandaise, la tradition nordique du réalisme détaillé et des symboles cachés attirait les classes moyennes hollandaises en pleine croissance. , qui remplaçaient l’Église et l’État comme principaux patrons de l’art aux Pays-Bas. Ajouté à cela, la manie hollandaise pour l’horticulture, en particulier la tulipe. Ces deux visions des fleurs – en tant qu’objets esthétiques et en tant que symboles religieux – ont fusionné pour créer un marché très fort pour ce type de nature morte. La nature morte, comme la plupart des œuvres d’art hollandaises, était généralement vendue sur des marchés ouverts ou par des marchands, ou par des artistes dans leurs studios, et rarement commandée; par conséquent, les artistes choisissaient généralement le sujet et l’arrangement. Ce type de peinture de natures mortes était si populaire qu’une grande partie de la technique de la peinture hollandaise fut codifiée dans le traité Groot Schilderboeck de 1740 de Gérard de Lairesse, qui donnait de nombreux conseils sur la couleur, l’arrangement, le pinceau, la préparation des spécimens, harmonie, composition, perspective, etc.

Le symbolisme des fleurs a évolué depuis les premiers jours chrétiens. Les fleurs les plus communes et leurs significations symboliques incluent: rose (Vierge Marie, éphémère, Vénus, amour); lis (Vierge Marie, virginité, sein féminin, pureté d’esprit ou justice); tulipe (ostentation, noblesse); le tournesol (fidélité, amour divin, dévotion); violet (modestie, réserve, humilité); ancolie (mélancolie); coquelicot (pouvoir, sommeil, mort). Quant aux insectes, le papillon représente la transformation et la résurrection tandis que la libellule symbolise le caractère éphémère et le travail acharné et l’attention à la moisson.

Les artistes flamands et hollandais se sont aussi diversifiés et ont relancé la tradition grecque de natures mortes du trompe-l’œil, en particulier l’imitation de la nature ou de la mimesis, qu’ils appelaient bedriegertje («petite tromperie»). En plus de ces natures mortes, les artistes hollandais ont identifié et développé séparément des peintures «cuisine et marché», des natures mortes de table de petit déjeuner et de table, des tableaux de vanités et des peintures de collection allégoriques.

Dans les Pays-Bas méridionaux catholiques, le genre des peintures de guirlandes a été développé. Autour de 1607-1608, les artistes anversois Jan Brueghel l’Ancien et Hendrick van Balen ont commencé à créer ces images qui consistent en une image (habituellement dévotionnelle) entourée d’une luxuriante couronne de vie. Les peintures étaient des collaborations entre deux spécialistes: une nature morte et un peintre de figures. Daniel Seghers a développé le genre plus loin. À l’origine servant une fonction de dévotion, les peintures de guirlande sont devenues extrêmement populaires et ont été largement utilisées comme décoration des maisons.

Un genre particulier de nature morte était le soi-disant pronkstilleven (néerlandais pour «nature morte ostentatoire»). Ce style de peinture morte décorée a été développé dans les années 1640 à Anvers par des artistes flamands tels que Frans Snyders et Adriaen van Utrecht. Ils peignaient des natures mortes qui mettaient l’accent sur l’abondance en représentant une diversité d’objets, de fruits, de fleurs et de gibier mort, souvent avec des êtres vivants et des animaux. Le style a été bientôt adopté par des artistes de la République néerlandaise.

Les tableaux de Vanitas, où de somptueux arrangements de fruits et de fleurs, livres, statuettes, vases, pièces de monnaie, bijoux, peintures, instruments musicaux et scientifiques, insignes militaires, argent fin et cristal, étaient accompagnés de rappels symboliques impermanence. De plus, un crâne, un sablier ou une montre de poche, une bougie qui brûle ou un livre dont les pages tournent, serviraient de message moralisateur sur l’éphémérité des plaisirs sensoriels. Souvent, certains fruits et fleurs eux-mêmes commencent à se gâter ou s’effacer pour souligner le même point.

Cornelis Norbertus Gysbrechts (vers 1660-1683),Trompe l’oeil (vers 1680), musée d’art du comté de Los Angeles

Jan Philip van Thielen (1618-1667), Vase de fleurs(vers 1660), Fitzwilliam Museum, Cambridge, Angleterre

Maria van Oosterwijk,Vanitas-Nature morte(1693)

Jan Jansz. Treck (1606-1652), Cruche en étain nature morte et deux assiettes en porcelaine(1645)

Lubin Baugin (vers 1610-1663), Le Dessert de Gaufrettes (vers 1631), Musée du Louvre, Paris

Un autre type de nature morte, connu sous le nom d’ontbijtjes ou «peintures de petit-déjeuner», représente à la fois une présentation littérale de friandises que la classe supérieure pourrait apprécier et un rappel religieux pour éviter la gourmandise. Vers 1650, Samuel van Hoogstraten peint l’une des premières peintures murales en forme de trompe-l’œil représentant des objets liés, attachés ou attachés d’une autre manière à un panneau mural, un type de nature morte très populaire dans le monde. États-Unis au 19ème siècle. Autre variante: les objets en trompe-l’œil représentant la vie de tous les jours, associés à une profession donnée, comme le tableau de Cornelis Norbertus Gysbrecht «Le chevalet du peintre à la pièce de fruit» qui présente tous les outils du métier de peintre. La peinture d’un grand assortiment de spécimens sous forme allégorique, tels que les « cinq sens », « quatre continents » par des objets naturels et artificiels appropriés.La popularité des peintures vanitas et de ces autres formes de natures mortes se répandit bientôt de Hollande en Flandres et en Allemagne, mais aussi en Espagne et en France.

La production des natures mortes aux Pays-Bas était énorme et ils étaient très largement exportés, en particulier en Europe du Nord; La Grande-Bretagne ne s’est guère produite. La nature morte allemande suivait de près les modèles hollandais; Georg Flegel fut un pionnier de la nature morte sans figures et créa l’innovation compositionnelle consistant à placer des objets détaillés dans des armoires, des armoires et des vitrines, et à produire des vues multiples simultanées.

Tableaux néerlandais, flamands, allemands et français

Peter Paul Rubens, Diane revenant de la chasse , éléments de nature morte par un spécialiste (vers 1615)

Rembrandt, Nature morte avec deux paons morts et une fille (vers 1639)

Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Nature morte avec tarte, aiguière d’argent et crabe(1658)

Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Nature morte de fleurs(1614)

Samuel van Hoogstraten, Rack à lettres en relief avec instruments d’écriture (vers 1655)

Pieter Boel (1626-1674),Nature morte avec un globe et un perroquet(vers 1658)

Pieter Claesz (v.1597-1660),Nature morte (1623)

Jan Davidsz. de Heem (1606-1684),Nature morte aux fruits, aux fleurs, aux verres et au homard (vers 1660)

Peter Binoit, 1618, château de Skokloster.

Pieter Claesz (vers 1597-1660), Nature morte avec bain de sel

Osias Beert l’Ancien, Plats d’huîtres, de fruits et de vin

George Flegel (1566-1638), Nature morte au pain et à la confiserie , 1630