Il minimalismo descrive i movimenti in varie forme di arte e design, in particolare l’arte visiva e la musica, dove il lavoro è impostato per esporre l’essenza, l’essenza o l’identità di un soggetto eliminando tutte le forme, caratteristiche o concetti non essenziali. Come movimento specifico nelle arti si identifica con gli sviluppi nell’arte occidentale del secondo dopoguerra, in particolare con le arti visive americane negli anni ’60 e nei primi anni ’70. Artisti di spicco associati a questo movimento includono Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein e Frank Stella. Gli artisti stessi a volte hanno reagito contro l’etichetta a causa delle implicazioni negative del lavoro semplicistico. Il minimalismo è spesso interpretato come una reazione contro l’espressionismo astratto e un ponte verso le pratiche artistiche postminime.

Minimal art, minimalismo nell’arte visiva
Il minimalismo nell’arte visiva, generalmente definito “arte minimale”, l’arte letterale e l’arte ABC è emerso a New York nei primi anni ’60. Inizialmente l’arte minimale apparve a New York negli anni ’60 quando nuovi e più anziani artisti si spostarono verso l’astrazione geometrica; esplorare attraverso la pittura nei casi di Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman e altri; e la scultura nelle opere di vari artisti tra cui David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd e altri. La scultura di Judd è stata esposta nel 1964 alla Green Gallery di Manhattan, così come le prime opere fluorescenti di Flavin, mentre altre importanti gallerie di Manhattan come la Galleria Leo Castelli e la Pace Gallery hanno iniziato a mostrare artisti concentrati sull’astrazione geometrica. Inoltre, sono state esposte due importanti mostre museali: Primary Structures: Younger American and British Sculpture ‘, tenutasi dal 27 aprile al 12 giugno 1966 al Jewish Museum di New York, organizzata dal curatore del museo di pittura e scultura, Kynaston McShine e La pittura sistemica, al Solomon R. Guggenheim Museum, curata da Lawrence Alloway anche nel 1966, che mostrava l’astrazione geometrica nel mondo dell’arte americano attraverso la tela sagomata, Color Field e la pittura Hard-edge. Sulla scia di quelle mostre e di pochi altri, il movimento artistico chiamato minimal art è emerso.

Storia
Jean Metzinger, in seguito alle Succès de scandale create dalla mostra cubista al Salon des Indépendants del 1911, in un’intervista a Cyril Berger pubblicata a Parigi il 29 maggio 1911, dichiarò:

Noi cubisti abbiamo fatto il nostro dovere solo creando un nuovo ritmo a beneficio dell’umanità. Altri verranno dopo di noi che faranno lo stesso. Cosa troveranno? Questo è il tremendo segreto del futuro. Chissà se un giorno, un grande pittore, guardando con disprezzo al gioco spesso brutale dei presunti coloristi e riportando i sette colori all’unità bianca primordiale che li circonda tutti, non esibirà tele completamente bianche, con nulla, assolutamente nulla su di loro . (Jean Metzinger, 29 maggio 1911)

La predizione audace di Metzinger (allora) secondo la quale gli artisti prenderebbero l’astrazione fino alla sua logica conclusione svuotando completamente l’argomento rappresentativo e ritornando a ciò che Metzinger chiama “unità bianca primordiale”, una “tela completamente bianca” sarebbe realizzata due anni dopo. L’autore di un manifesto satirico, forse Francis Picabia, in una pubblicazione intitolata Evolution de l’art: Vers l’amorphisme, in Les Hommes du Jour (3 maggio 1913), potrebbe aver avuto in mente la visione di Metzinger quando l’autore ha giustificato l’amorfo tele affermando che “la luce è abbastanza per noi”. Con prospettiva, scrive lo storico dell’arte Jeffery S. Weiss, “Vers Amorphisme può essere senza senso, ma era anche abbastanza di un linguaggio fondamentale per anticipare le implicazioni riduttive estreme della non-oggettività”.

La pittura monocroma fu iniziata alla prima mostra d’arte incoerente nel 1882 a Parigi, con un dipinto nero del poeta Paul Bilhaud dal titolo “Combat de Nègres dans un tunnel” (lotta dei negri in un tunnel). Nelle successive mostre delle arti Incoerenti (anche nel 1880) lo scrittore Alphonse Allais propose altri sette dipinti monocromi, come “Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige” (“Prima comunione di ragazze anemiche nella neve “, bianco), o” Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge “(” Raccolta del pomodoro da cardinali apoplettici sulla riva del Mar Rosso “, rosso). Tuttavia, questo tipo di attività porta più somiglianze con il Dada del 20 ° secolo, o Neo-Dada, e in particolare con le opere del gruppo Fluxus degli anni ’60, che con la pittura monocromatica del 20 ° secolo da Malevich.

In senso ampio e generale, si trovano le radici europee del minimalismo nelle astrazioni geometriche dei pittori associati al Bauhaus, nelle opere di Kazimir Malevich, Piet Mondrian e altri artisti associati al movimento De Stijl, e al movimento costruttivista russo, e nel lavoro dello scultore rumeno Constantin Brâncuşi. L’arte minimale è anche ispirata in parte dai dipinti di Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers e le opere di artisti diversi come Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi e altri. Il minimalismo fu anche una reazione contro la soggettività pittorica dell’Espressionismo astratto che era stato dominante nella Scuola di New York negli anni ’40 e ’50.

L’ampia gamma di possibilità (compresa l’impossibilità) di interpretazione di dipinti monocromatici è probabilmente il motivo per cui la monocromia è così coinvolgente per tanti artisti, critici e scrittori. Anche se la monocromia non è mai diventata dominante e pochi artisti si sono impegnati esclusivamente per essa, non se ne è mai andata. Riappare come uno spettro che infesta alto modernismo, o come simbolo di esso, che appare durante i periodi di sconvolgimenti estetici e sociopolitici.

Dipingi il minimalismo
I pittori minimalisti sono ispirati a due grandi figure tutelari: Malevich e Ad Reinhardt. Il primo, in primo luogo, è un grande rappresentante del Suprematismo, un movimento nato in Russia nel 1915 che promuove la pittura “pura” e astratta. Malevich afferma che la pittura deve liberarsi da ogni rappresentazione simbolica o figurativa e diventare non soggettiva. Ha creato il famoso Quadrato Nero su uno sfondo bianco nel 1915, che ha fatto piazza pulita dell’antica tradizione pittorica ereditata dal Rinascimento e ne ha dichiarato la morte. In questa linea, Ad Reinhardt ha fatto tutto il 1960 e fino alla sua morte, i dipinti monocromi in serie che fanno prevalere il vuoto e il nulla.

Lavorando a una ridefinizione dell’arte e alla pittura in particolare, Frank Stella continua lo slancio di Ad Reinhardt muovendosi verso l’astrazione geometrica. Realizza oggetti da tavola con forme di cornici originali, mostrando linee diritte, concentriche o diagonali, regolari e omogenee, che devono più alla larghezza del pennello usato che alla mano dell’artista. Rifiuta l’interpretazione nell’arte: ciò che vuole è spersonalizzare l’opera d’arte per finire con le figure di genio torturato all’ego sovradimensionato al Jackson Pollock. “La mia pittura si basa sul fatto che c’è solo ciò che può essere visto lì”, dice Stella.

I pittori minimalisti vogliono limitare qualsiasi traccia di fattura pittorica o intervento della mano del pittore. Inoltre, le opere minimaliste di solito consistono in due o tre colori e forme base: tonde, quadrate, linee rette, ecc. La semplicità è fondamentale e non c’è alcuna rappresentazione soggettiva dietro al minimalismo; è privo di ogni simbolismo e cerca di giocare solo su forme e colori evitando le emozioni nel senso letterale del termine: un’arte priva di sentimenti.

Minimalismo nella scultura
Gli artisti minimalisti usano strutture elementari semplici, fatte di materiali semplici e spesso lasciate grezzi (rame lucido, acciaio) e forme pulite, composte da elementi sotto i quali la forma stessa si dissolve: pavimento in piastrelle di metallo (Carl Andre), grande piegato o lamiere laminate (Richard Serra), ripetizione di forme / volumi simili (Donald Judd), pezzi di feltro lacerati e deformati dall’azione della sola gravità (Robert Morris), composizioni lineari in tubi di neon bianchi o colorati (Dan Flavin) le barre cave a sezione quadrata forgiate in curva e contro le curve (Albert Hirsch) sono esempi caratteristici di opere minimaliste. La scelta di semplici volumi geometrici deve essere immediatamente catturata per quello che sono (senza artificio). I colori, i singoli materiali permettono di produrre oggetti che non hanno storia emotiva e quindi il contenuto della scultura non è altro che la scultura stessa, è una rappresentazione minimale perché limitata all’essenziale.

Inoltre, il minimalismo sostiene una fusione di generi artistici. Ad esempio, la Passeggiata di Richard Serra al Grand Palais nel 2008 ha invitato lo spettatore, come indica il titolo, a muoversi intorno all’edificio attorno alle cinque lastre di acciaio. Queste passeggiate sono state “punteggiate” dalla musica, in particolare quella di Philip Glass come sottolinea Olivier Mongin sulla rivista Esprit.

Minimalismo nella musica
La musica minimalista è una corrente della musica contemporanea apparsa negli anni ’60 negli Stati Uniti. I suoi rappresentanti più famosi sono: Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, Il Monte Young, Arvo Pärt … Il termine minimalista è generalmente considerato inadatto a questa musica, che viene anche chiamata “Ripetitiva” perché è in parte basato su un principio di ripetizione. Ha varie influenze, il serialismo, l’avanguardia musicale americana attorno a John Cage, così come il jazz e la musica non occidentale.

Il termine musica minimalista comprende un ampio spettro di stili e talvolta viene confuso con la musica postmoderna. I primi lavori minimalisti usano in realtà un materiale piuttosto scarno, con l’uso di droni in La Monte Young, o tecniche di ripetizione, sfasamento di Steve Reich o l’aggiunta / sottrazione di motivi a Philip Glass. I lavori successivi, tuttavia, si allontanano sempre più da un uso “minimale” del materiale musicale, specialmente da John Adams.

Minimalismo nel design
L’attuale design minimalista si inserisce nell’approccio adottato all’inizio del XX secolo dal Bauhaus; soprattutto da architetti e designer come Ludwig Mies van der Rohe e Marcel Breuer. Alcune creazioni prebelliche come la sedia Zig-zag di Gerrit Rietveld possono anche essere descritte come “minimali”.

Il lavoro di scultori come Frank Stella o Donald Judd ha avuto un’influenza su designer come Shiro Kuramata. Anche Donald Judd ha progettato mobili.

Tra i designer che possono essere descritti come minimalisti: Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan & Erwan Bouroullec o Shiro Kuramata con le sue creazioni quasi immateriali.

Revival monocromatico
In Francia tra il 1947 e il 1948, Yves Klein concepì la sua Monotone Symphony (1949, formalmente Monotone-Silence Symphony) che consisteva in un singolo accordo prolungato di 20 minuti seguito da un silenzio di 20 minuti – un precedente alla musica dei due droni di La Monte Young e John Cage’s 4’33 “. Sebbene Klein avesse dipinto i monocromi già nel 1949 e avesse tenuto la prima mostra privata di quest’opera nel 1950, la sua prima esposizione pubblica fu la pubblicazione del libro d’artista Yves: Peintures nel novembre 1954.

L’artista e critico Thomas Lawson ha osservato nel suo saggio 1981 “Last Exit: Painting” Artforum, ottobre: ​​40-47, il minimalismo non ha respinto le affermazioni di Clement Greenberg sulla riduzione della pittura modernista alla superficie e ai materiali così tanto quanto le sue affermazioni letteralmente. Secondo Lawson il minimalismo era il risultato, anche se il termine “minimalismo” non era generalmente abbracciato dagli artisti ad esso associati, e molti professionisti dell’arte designati dalla critica minimalista non lo identificarono come un movimento in quanto tale. Anche l’eccezione a questa affermazione fu Clement Greenberg stesso; nel suo poscritto del 1978 al suo saggio Modernist Painting ha rinnegato questa errata interpretazione di ciò che ha detto; Greenberg ha scritto:

Ci sono state alcune ulteriori costruzioni di ciò che ho scritto che passano in assurdità: che considero la piattezza e l’inclinazione della piattezza non solo come condizioni limitanti dell’arte pittorica, ma come criteri di qualità estetica nell’arte pittorica; che più un’opera fa avanzare l’autodefinizione di un’arte, meglio è che il lavoro è destinato ad essere. Il filosofo o storico dell’arte che può immaginarmi – o chiunque – arrivando a giudizi estetici in questo modo legge in modo sconvolgente più se stesso che nel mio articolo.

In contrasto con gli espressionisti astratti più soggettivi del decennio precedente, con l’eccezione di Barnett Newman e Ad Reinhardt; i minimalisti furono influenzati anche dai compositori John Cage e LaMonte Young, il poeta William Carlos Williams, e dall’architetto paesaggista Frederick Law Olmsted. Hanno dichiarato esplicitamente che la loro arte non riguardava l’autoespressione, a differenza della filosofia più soggettiva del decennio precedente sull’arte che rendeva il loro “obiettivo”. In generale, le caratteristiche del Minimalismo includevano forme geometriche, spesso cubiche, epurate da molta metafora, uguaglianza di parti, ripetizione, superfici neutre e materiali industriali.

Robert Morris, un influente teorico e artista, ha scritto un saggio in tre parti, “Notes on Sculpture 1-3”, originariamente pubblicato su tre numeri di Artforum nel 1966. In questi saggi, Morris ha tentato di definire un quadro concettuale e elementi formali per se stesso. e uno che avrebbe abbracciato le pratiche dei suoi contemporanei. Questi saggi hanno prestato grande attenzione all’idea della Gestalt – “parti … legate insieme in modo tale da creare la massima resistenza alla separazione percettiva”. Morris descrisse in seguito un’arte rappresentata da una “spartizione laterale marcata e unità non regolarizzate o intervalli simmetrici …” in “Note sulla scultura: oltre gli oggetti”, originariamente pubblicata su Artforum del 1969, continuando a dire che “indeterminatezza della disposizione delle parti” è un aspetto letterale dell’esistenza fisica della cosa. ” Lo spostamento generale nella teoria di cui questo saggio è un’espressione suggerisce le transizioni in ciò che in seguito sarebbe definito postminimalismo. Uno dei primi artisti specificamente associati al minimalismo fu il pittore, Frank Stella, i cui primi dipinti “gessati” furono inclusi nello spettacolo del 1959, gli americani, organizzato da Dorothy Miller al Museum of Modern Art di New York.

La larghezza delle strisce nei dipinti gessati di Frank Stellas era determinata dalle dimensioni del legname utilizzato per le barelle, visibile come la profondità del dipinto visto di lato, utilizzato per costruire il telaio di supporto su cui era tesa la tela. Le decisioni sulle strutture sulla superficie frontale della tela non erano quindi del tutto soggettive, ma pre-condizionate da una caratteristica “data” della costruzione fisica del supporto. Nel catalogo della mostra, Carl Andre ha osservato: “L’arte esclude il superfluo, Frank Stella ha ritenuto necessario dipingere strisce, non c’è nient’altro nella sua pittura”. Questi lavori riduttivi erano in netto contrasto con i dipinti pieni di energia e apparentemente altamente soggettivi ed emotivamente carichi di Willem de Kooning o di Franz Kline e, in termini di precedenti tra la precedente generazione di espressionisti astratti, tendevano più verso il meno gestuale, spesso cupo , dipinti a colori di Barnett Newman e Mark Rothko. Anche se Stella ha ricevuto l’attenzione immediata dal MoMA show, artisti come Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell e Robert Ryman hanno anche iniziato a esplorare strisce, formati monocromatici e Hard-edge dalla fine degli anni ’50 fino agli anni ’60.

A causa della tendenza nell’arte minimale di escludere il pittorico, l’illusionistico e il fittizio in favore del letterale, c’è stato un allontanamento dal pittorico e verso preoccupazioni scultoree. Donald Judd aveva iniziato come pittore e finì come creatore di oggetti. Il suo saggio seminale, “Specific Objects” (pubblicato in Arts Yearbook, 1965), fu una pietra di paragone per la formazione dell’estetica minimalista. In questo saggio, Judd ha trovato un punto di partenza per un nuovo territorio per l’arte americana, e un rifiuto simultaneo di valori artistici europei ereditati residui. Indicò le prove di questo sviluppo nelle opere di una serie di artisti attivi a New York, tra cui Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. Di importanza “preliminare” per Judd era il lavoro di George Earl Ortman, che aveva concretizzato e distillato le forme della pittura in geometrie contorte, dure e filosoficamente caricate. Questi oggetti specifici abitavano uno spazio non facilmente classificabile come pittura o scultura. Che l’identità categorica di tali oggetti fosse in se stessa in questione e che evitassero una facile associazione con convenzioni ben consunte e troppo familiari, era una parte del loro valore per Judd.

Questo movimento fu pesantemente criticato dai critici e dagli storici d’arte formalista modernista. Alcuni critici ritenevano che l’arte minima rappresentasse un fraintendimento della dialettica moderna di pittura e scultura definita dal critico Clement Greenberg, probabilmente il critico americano dominante della pittura nel periodo precedente agli anni ’60. La critica più significativa del minimalismo è stata prodotta da Michael Fried, un critico formalista, che ha contestato il lavoro sulla base della sua “teatralità”. In Art and Objecthood (pubblicato su Artforum nel giugno 1967) dichiarò che l’opera d’arte minimale, in particolare quella minimale, era basata su un impegno con la fisicità dello spettatore. Sosteneva che un lavoro come quello di Robert Morris trasformava l’atto della visione in un tipo di spettacolo, in cui venivano svelati l’artificio dell’osservazione dell’atto e la partecipazione dello spettatore all’opera. Fried vide questo spostamento dell’esperienza dello spettatore da un impegno estetico interiore, a un evento al di fuori dell’opera d’arte come un fallimento dell’arte minimale. Il saggio di Fried è stato immediatamente contestato dall’artista postminimalista e terrestre Robert Smithson in una lettera al direttore nel numero di ottobre di Artforum. Smithson affermò quanto segue: “Quello che Fried teme di più è la consapevolezza di ciò che sta facendo – vale a dire essere lui stesso teatrale”.

Oltre al già citato Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman e Donald Judd altri artisti minimali includono: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Ronald Bladen, Agnes Martin, Jo Baer, ​​Paul Mogensen, Ronald Davis, Charles Hinman, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson e Anne Truitt.

Ad Reinhardt, in realtà un artista della generazione di espressionisti astratti, ma uno i cui dipinti riduttivi quasi completamente neri sembravano anticipare il minimalismo, aveva da dire sul valore di un approccio riduttivo all’arte:

Più cose ci sono dentro, più è impegnata l’opera d’arte, peggio è. Più è di meno. Meno è meglio. L’occhio è una minaccia per chiarire la vista. La posa nuda di se stessi è oscena. L’arte inizia con la liberazione della natura.

L’osservazione di Reinhardt si rivolge direttamente e contraddice il modo in cui Hans Hofmann considera la natura come la fonte dei suoi dipinti espressionisti astratti. In un famoso scambio tra Hofmann e Jackson Pollock raccontato da Lee Krasner in un’intervista con Dorothy Strickler (1964-11-02) per la Smithsonian Institution Archives of American Art. Nelle parole di Krasner,

“Quando ho incontrato Hofmann per incontrare Pollock e vedere il suo lavoro che era prima di trasferirci qui, la reazione di Hofmann è stata – una delle domande che ha posto a Jackson, lavori dalla natura? Non c’erano nature morte o modelli intorno e Jackson’s la risposta è stata, io sono natura. E la risposta di Hofmann è stata, Ah, ma se lavori a memoria, ti ripeterai, a cui Jackson non ha risposto affatto. ” L’incontro tra Pollock e Hofmann ebbe luogo nel 1942.