Искусство минимализма

Минимализм описывает движения в различных формах искусства и дизайна, особенно на визуальном искусстве и музыке, где произведение предназначено для раскрытия сущности, основности или идентичности субъекта путем устранения всех несущественных форм, особенностей или концепций. Как конкретное движение в искусстве, оно отождествляется с событиями в западном искусстве после Второй мировой войны, наиболее сильно с изобразительными искусствами США в 1960-х и начале 1970-х годов. В число видных художников, связанных с этим движением, входят Ад Рейнхардт, Тони Смит, Дональд Джадд, Джон МакКракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Ларри Белл, Энн Труйтт, Ив Клейн и Фрэнк Стелла. Сами художники иногда реагировали на этикетку из-за негативного влияния упрощения работы. Минимализм часто интерпретируется как реакция против абстрактного экспрессионизма и мост на постминимальные практики искусства.

Минимальное искусство, минимализм в визуальном искусстве
Минимализм в визуальном искусстве, обычно называемый «минимальным искусством», литературным искусством и искусством ABC, появился в Нью-Йорке в начале 1960-х годов. Первоначально минимальное искусство появилось в Нью-Йорке в 60-х годах, когда новые и старые художники перешли к геометрической абстракции; исследуя картину в случаях Фрэнка Стеллы, Кеннета Ноланда, Аль-Хелда, Эллсуорта Келли, Роберта Раймана и других; и скульптуры в произведениях различных художников, в том числе Дэвида Смита, Энтони Каро, Тони Смита, Сол Левитта, Карла Андре, Дэн Флавин, Дональда Джадда и других. Скульптура Джадда была продемонстрирована в 1964 году в Галерее Грин в Манхэттене, как и первые флюоресцентные работы Флавина, в то время как другие ведущие галереи Манхэттена, такие как Галерея Лео Кастелли и Галерея Пейса, также начали демонстрировать художников, ориентированных на геометрическую абстракцию. Кроме того, были две семенные и влиятельные музейные выставки: «Первичные структуры:« Младшая американская и британская скульптура », показанная с 27 апреля по 12 июня 1966 года в Еврейском музее в Нью-Йорке, организованная куратором музея по скульптуре и скульптуре Кинастоном Макшином и Systemist Painting, в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, куратор Лоуренса Дивайла, также в 1966 году, который продемонстрировал геометрическую абстракцию в мире американского искусства через Shaped canvas, Color Field и Hard-edge painting. После этих выставок и нескольких других появилось художественное движение, называемое минимальным искусством.

история
Жан Метцингер, последовавший за сукке-де-скандалом, созданный на кубистском шоу в салоне 1911 года в интервью журналу Cyril Berger, опубликованном в Paris-Journal 29 мая 1911 года, заявил:

Мы, кубисты, только сделали свой долг, создав новый ритм на благо человечества. Другие придут за нами, кто сделает то же самое. Что они найдут? Это огромная тайна будущего. Кто знает, если когда-нибудь, великий художник, с презрением глядя на часто жестокую игру предполагаемых колористов и принимая семь цветов обратно к первозданному белому единству, охватывающему их всех, не будет демонстрировать абсолютно белые полотна, ничто, абсолютно ничего на них , (Жан Метцингер, 29 мая 1911 года)

Мецзингер (тогда) смело предсказал, что художники будут абстрагироваться до логического завершения, полностью освободив репрезентативную тему и вернувшись к тому, что Метцингер называет «изначальным белым единством», «совершенно белый холст» будет реализован через два года. Писатель сатирического манифеста, возможно, Фрэнсис Пикабия в публикации под названием «Эволюция искусства: Vers l’amorphisme» в «Les Hommes du Jour» (3 мая 1913 года), возможно, имел в виду видение Метцингера, когда автор оправдал пустоту аморфизма полос, утверждая, что «света достаточно для нас». С точки зрения, пишет искусствовед Джеффри С. Вайс, «Vers Amorphisme может быть тарабарщиной, но также достаточно основополагающего языка для прогнозирования экстремальных редуктивистских последствий неъективности».

Монохромная живопись была начата на первой выставке Incoherent arts в 1882 году в Париже с черной живописью поэта Пола Билау, озаглавленной «Combat de Nègres dans un tunnel» (борьба негров в туннеле). В последующих выставках «Бессвязных искусств» (также в 1880-х годах) писатель Альфонс Алэис предложил семь других монохромных картин, таких как «Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige» («Первое общение анемичных молодых девушек в снегу» «белый»), или «Реконструировать парную карту апоплексики ай бад де ла Мер Руж» («Уборка урожая по апоплектическим кардиналам на берегу Красного моря», красный). Однако этот вид деятельности больше похож на двадцатый век Дада, или Нео-Дада, и особенно на работы группы Fluxus 1960-х годов, чем на монохромную живопись 20 века с Малевича.

В широком и общем смысле европейские корни минимализма встречаются в геометрических абстракциях художников, связанных с Баухаусом, в работах Казимира Малевича, Пьет Мондриана и других художников, связанных с движением Де Стидж, и русского конструктивистского движения, и в творчестве румынского скульптора Константина Бранкуши. Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетта Ньюмена, Ад Рейнхардта, Йозефа Альберса и произведений таких разных художников, как Пабло Пикассо, Марселя Дюшана, Джорджио Моранди и других. Минимализм был также реакцией на живописную субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в нью-йоркской школе в 1940-х и 1950-х годах.

Широкий спектр возможностей (в том числе невозможность) интерпретации монохромных картин, пожалуй, почему монохром настолько привлекателен для многих художников, критиков и писателей. Хотя монохромность никогда не становилась доминирующей, и немногие художники посвятили себя исключительно этому, она никогда не уходила. Он появляется, как будто призрак преследует высокий модернизм или как символ его, появляющийся во времена эстетических и социально-политических потрясений.

Минимализм краски
Минималистские художники вдохновлены двумя великими опекунами: Малевич и Ад Рейнхардт. Первый, во-первых, большой представитель супрематизма, движение, рожденное в России в 1915 году, которое способствует «чистой» и абстрактной живописи. Малевич говорит, что живопись должна освободиться от какого-либо символического или образного представления и стать не-субъективной. Он создал знаменитую Черную площадь на белом фоне в 1915 году, которая сделала чистый образ древней живописной традиции, унаследованной от эпохи Возрождения, и объявила о ее смерти. В этой линии Ад Рейнхардт, созданный в течение 1960-х годов и до его смерти, монохромные картины в серии, которые делают пустоту и ничто превалируют.

Работая над переопределением искусства и, в частности, рисуя, Фрэнк Стелла продолжает движение Эд Рейнхардта, двигаясь к геометрической абстракции. Он создает настольные объекты с оригинальными формами рамок, показывающими прямые, концентрические или диагональные линии, регулярные и однородные, которые должны больше ширины используемой кисти, чем руки художника. Он отказывается от интерпретации в искусстве: то, что он хочет, деперсонализирует произведение искусства, чтобы закончить фигуры гения, замученные эго, негабаритные для Джексона Поллока. «Моя картина основана на том факте, что только там можно увидеть, – говорит Стелла.

Минималистские художники хотят ограничить любые следы графического счета или вмешательства руки художника. Кроме того, минималистские работы обычно состоят из двух или трех цветов и основных форм: круглые, квадратные, прямые и т. Д. Простота первостепенна и нет субъективного представления за минимализмом; он лишен какой-либо символики и пытается играть только на формах и цветах, избегая эмоций в буквальном смысле этого слова: искусство, лишенное чувств.

Минимализм в скульптуре
Художники-минималисты используют простые элементарные структуры из простых материалов и часто оставляют необработанную (полированную меди, сталь) и чистые формы, состоящие из элементов, ниже которых сама форма растворяется: тротуар из металлической плитки (Carl Andre), большой складной или листовой прокат (Ричард Серра), повторение похожих форм / объемов (Дональд Джадд), кусочки войлока, рваные и деформированные только действием силы тяжести (Роберт Моррис), линейные композиции в пробирках неонового белого или цветного (Дэн Флавин) , квадратные сечения полых стержней, выкованных в кривых и кривых (Альберт Хирш), являются характерными примерами минималистских работ. Выбор простых геометрических томов должен быть воспринят немедленно за то, что они (без искусства). Цвета, отдельные материалы позволяют создавать объекты, которые не имеют эмоциональной истории, и поэтому содержание скульптуры – это не что иное, как сама скульптура, это минимальное представление, поскольку оно ограничено «существенным».

Кроме того, минимализм выступает за слияние художественных жанров. Например, Променад Ричарда Серра в Гранд-Пале в 2008 году пригласил зрителя, как указывает его название, передвинуть здание вокруг пяти стальных пластин. Эти прогулки были «акцентированы» музыкой, особенно в том, что Филипп Гласс, как Оливье Монгин указывает в журнале Esprit.

Минимализм в музыке
Минималистская музыка – это современная музыка, появившаяся в 1960-х годах в Соединенных Штатах. Его самые известные представители: Стив Рейх, Майкл Найман, Джон Адамс, Филипп Гласс, Терри Райли, Монте Янг, Арво Пярт … Термин минималистский обычно считается непригодным для этой музыки, которая также называется «Повторяющаяся», потому что это частично основано на принципе повторения. Она имеет различные влияния, сериализм, американский музыкальный авангард вокруг Джона Кейджа, а также джаз и незападную музыку.

Термин минималистская музыка охватывает широкий спектр стилей и иногда путается с постмодернистской музыкой. Первые работы минималистов фактически используют довольно разреженный материал с использованием дронов в Ла Монте Янг или методы повторения, сдвигом фазы в Steve Reich или добавлением / вычитанием мотивов в Philip Glass. Однако более поздние работы все больше отклоняются от «минимального» использования музыкального материала, особенно у Джона Адамса.

Минимализм в дизайне
Нынешний минималистский дизайн вписывается в подход, принятый в начале XX века Баухаусом; особенно архитекторами и дизайнерами, такими как Людвиг Мис ван дер Роэ и Марсель Брейер. Некоторые довоенные творения, такие как стул Зигзага Геррита Ритвельда, также можно назвать «минимальными».

Работа таких скульпторов, как Фрэнк Стелла или Дональд Джадд, оказала влияние на таких дизайнеров, как Широ Курамата. Дональд Джадд также разработал мебель.

Среди дизайнеров, которых можно назвать минималистами, являются: Джаспер Моррисон, Жан-Мари Массо, Ронан и Эрван Бурульлек или Сиро Курамата со своими почти несущественными творениями.

Монохромное возрождение
Во Франции с 1947 по 1948 год Ив Клейн задумал свою монотоновую симфонию (1949, формально «Монотон-тишину»), состоящую из одного 20-минутного продолжительного аккорда, за которым последовала 20-минутная тишина – прецедент для гуляющей музыки La Monte Young и Джон Кейдж 4’33 “. Хотя Клейн писал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, его первым публичным показом стала публикация книги художника Ив: Пинтуры в ноябре 1954 года.

Художник и критик Томас Лоусон отмечал в своем эссе 1981 года «Последний выход: живопись» Artforum, октябрь: 40-47, минимализм не отвергал утверждения Климента Гринберга о сокращении модернистской живописи до поверхности и материалов так же, как и его утверждения буквально. По мнению Лоусона, минимализм был результатом, хотя термин «минимализм» обычно не воспринимался художниками, связанными с ним, и многие практикующие искусства, обозначенные минималистскими критиками, не идентифицировали его как движение как таковое. Исключением из этого требования был сам Климент Гринберг; в своей записке 1978 года в своем эссе «Модернистская живопись» он отрекся от этой неправильной интерпретации того, что он сказал; Гринберг писал:

Были некоторые дальнейшие конструкции того, что я написал, которые переходят в нелепость: что я рассматриваю плоскостность и включение плоскостности не только как предельные условия изобразительного искусства, но и как критерии эстетического качества в изобразительном искусстве; что чем дальше работа продвигает самоопределение искусства, тем лучше будет работа. Философ или историк искусства, который может представить, что я или любой другой, приходящий к эстетическим суждениям, таким образом читает ужасно больше в себе, чем в мою статью.

В отличие от более субъективных абстрактных экспрессионистов предыдущего десятилетия, за исключением Барнетта Ньюмена и Ад Рейнхардта; на минималистов повлияли также композиторы Джон Кейдж и Ламонт Янг, поэт Уильям Карлос Уильямс и ландшафтный архитектор Фредерик Лол Олмстед. Они очень четко заявили, что их искусство не касалось самовыражения, в отличие от более субъективной философии предыдущего десятилетия о том, что искусство делает их «объективными». В общем, функции минимализма включали геометрические, часто кубические формы, очищенные от значительной метафоры, равноправие частей, повторение, нейтральные поверхности и промышленные материалы.

Роберт Моррис, влиятельный теоретик и художник, написал трехчастное эссе «Заметки о скульптуре 1-3», первоначально опубликованное по трем статьям Artforum в 1966 году. В этих эссе Моррис попытался определить концептуальную структуру и формальные элементы для себя и тот, который будет охватывать практику его современников. В этих эссе большое внимание уделено идее гештальта – «частей … связанных друг с другом таким образом, что они создают максимальную устойчивость к восприятию». Моррис позже описал искусство, представленное «отмеченным боковым распространением и не упорядоченными единицами или симметричными интервалами …» в «Заметках о скульптуре: за пределами объектов», изначально опубликованной в «Artforum», 1969, продолжая говорить, что «неопределенность расположения частей является буквальным аспектом физического существования вещи ». Общий сдвиг в теории, в котором это эссе является выражением, предполагает переход к тому, что позже будет называться постминимализмом. Одним из первых художников, особенно связанных с минимализмом, был художник Фрэнк Стелла, чьи ранние «полосатые» картины были включены в шоу 1959 года, американцы, организованные Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Ширина полос в полосатых картинах Фрэнка Стелласа определялась размерами пиломатериала, используемого для носилок, видимым как глубина картины при взгляде сбоку, использовалась для создания поддерживающего шасси, на котором растянулось полотно. Поэтому решения о структурах на передней поверхности полотна были не совсем субъективными, а предварительно обусловлены «заданной» особенностью физического построения опоры. В шоу-каталоге Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел нужным рисовать полоски. В его картине нет ничего другого». Эти редуктивные работы были резко контрастированы с заполненными энергией и, по-видимому, очень субъективными и эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайн и, с точки зрения прецедента среди предыдущих поколений абстрактных экспрессионистов, больше склонялись к менее строгим, часто мрачным , картины цветного поля Барнетта Ньюмена и Марка Ротко. Хотя Стелла сразу же обратила внимание на шоу MoMA, художники, включая Кеннета Ноланда, Джин Дэвис, Роберта Мазервелла и Роберта Раймана, также начали изучать полосы, монохромные и жесткие форматы с конца 50-х до 60-х годов.

Из-за тенденции в минимальном искусстве исключать иллюстрацию, иллюзию и фикцию в пользу буквального, было движение от живописного и к скульптурным проблемам. Дональд Джадд начинал как художник и заканчивался как создатель объектов. Его семантическое эссе «Конкретные объекты» (опубликованное в «Ежегоднике искусств», 1965) было пробным камнем теории формирования минималистской эстетики. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременного отказа от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на доказательства этого развития в работах множества художников, действующих в Нью-Йорке в то время, в том числе Джаспер Джонс, Дэн Флавин и Ли Бонтекоу. «Предварительным» значением для Джадда была работа Джорджа Эрла Ортмана, который конкретизировал и перегонял формы живописи в тупые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти специфические объекты населяли пространство, которое затем не было удобно классифицировать как живопись или скульптура. То, что категориальная идентичность таких объектов подвергается сомнению, и что они избегали легкой связи с хорошо изнашиваемыми и слишком знакомыми конвенциями, была частью их ценности для Джадда.

Это движение подвергалось серьезной критике со стороны модернистских формалистов-искусствоведов и историков. Некоторые критики считали, что минимальное искусство представляет собой непонимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиком Климентом Гринбергом, возможно, доминирующим американским критиком живописи в период, предшествующий 1960-м годам. Наиболее заметную критику минимализма дал Майкл Фрид, формалистский критик, который возражал против работы на основе ее «театральности». В «Искусстве и объективности» (опубликовано в «Artforum» в июне 1967 года) он заявил, что минимальное произведение искусства, особенно минимальная скульптура, было основано на взаимодействии с физикой зрителя. Он утверждал, что работа, подобная Роберту Моррису, трансформировала акт просмотра в какой-то спектакль, в котором было раскрыто искусство наблюдения за действиями и участие зрителя в работе. Фрид видел это смещение опыта зрителя от эстетического участия внутри, к событию вне произведения искусства, как к минимуму искусства. Очерк Фрид был немедленно оспорен постминималистом и земным художником Робертом Смитсоном в письме редактору в октябрьском выпуске Artforum. Смитсон заявил следующее: «То, что Фрид больше всего боится, – это сознание того, что он делает, а именно – самого театрального».

В дополнение к уже упомянутому Роберту Моррису, Фрэнку Стелле, Карлу Андре, Роберту Райману и Дональду Джадду, другие минимальные художники включают в себя: Роберта Мангольда, Ларри Белла, Дэн Флавин, Сол Левитта, Рональда Бладена, Агнес Мартин, Джо Бэра, Пола Могенсена, Рональда Дэвис, Чарльз Хинман, Дэвид Новрос, Брайс Марден, Блинки Палермо, Джон МакКракен, Ад Рейнхардт, Фред Сэндбек, Ричард Серра, Тони Смит, Патрисия Йохансон и Энн Труитт.

Ад Рейнхардт, фактически художник абстрактного экспрессионистического поколения, но тот, чьи редуктивные почти все черные картины, казалось, предвосхитили минимализм, имели это сказать о ценности редуктивного подхода к искусству:

Чем больше материала в нем, тем труднее произведение искусства, тем хуже. Больше меньше. Меньше – больше. Глаз – угроза для ясного зрения. Обман сам по себе неприличен. Искусство начинается с избавления от природы.

Замечание Рейнхардта прямо затрагивает и противоречит взгляду Ханса Хофмана на природу как на источник его собственных абстрактных картин экспрессионистов. В известном обмене между Хофманом и Джексоном Поллоком, как рассказал Ли Краснер в интервью Дороти Стриклер (1964-11-02) для Смитсоновского института архивов американского искусства. По словам Краснера,

«Когда я привел Гофмана на встречу с Поллоком и посмотрел его работу, которая была до того, как мы переехали сюда, реакция Хофманна – один из вопросов, которые он задал Джексону, – это ты работаешь с природой? Не было натюрмортов вокруг или моделей вокруг, и Джексон Ответ был, я прирожденна. И ответ Гофмана был: «Ах, но если вы будете наизусть, вы повторите сами, на что Джексон вообще не ответил». Встреча между Поллоком и Хофманом состоялась в 1942 году.