极简主义描述各种形式的艺术和设计中的运动，尤其是视觉艺术和音乐，其中的工作旨在通过消除所有非必要的形式，特征或概念来揭示主题的本质，要素或身份。 作为艺术中的特定运动，它被认为是二战后西方艺术的发展，最强烈的是20世纪60年代和70年代初的美国视觉艺术。 与此运动相关的着名艺术家包括Ad Reinhardt，Tony Smith，Donald Judd，John McCracken，Agnes Martin，Dan Flavin，Robert Morris，Larry Bell，Anne Truitt，Yves Klein和Frank Stella。 艺术家本身有时会对标签作出反应，因为作品的负面含义是过于简单化。 极简主义通常被解释为对抽象表现主义的反应，也是对最低限度艺术实践的桥梁。
极简艺术，视觉艺术极简主义
视觉艺术中的极简主义，通常被称为“极简艺术”，文字艺术和ABC艺术，于20世纪60年代初在纽约出现。 随着新老艺术家走向几何抽象，最初的艺术最初出现在60年代的纽约; 在Frank Stella，Kenneth Noland，Al Held，Ellsworth Kelly，Robert Ryman等人的案例中通过绘画进行探索; 和大卫史密斯，安东尼卡罗，托尼史密斯，索尔莱威特，卡尔安德烈，丹弗拉文，唐纳德贾德等人在各种艺术家的作品和雕塑。 Judd的雕塑于1964年在曼哈顿绿色画廊展出，Flavin的第一个荧光灯作品，而其他领先的曼哈顿画廊，如Leo Castelli画廊和Pace画廊也开始展示专注于几何抽象的艺术家。 此外，还有两个开创性和有影响力的博物馆展览：主要结构：1966年6月27日至6月12日在纽约犹太博物馆展出的主要结构：年轻的美国和英国雕塑，由博物馆的绘画和雕塑策展人Kynaston McShine和系统绘画，在Lawrence Alloway策划的所罗门R.古根海姆博物馆，也是在1966年，通过形状画布，色域和硬边画展示了美国艺术世界的几何抽象。 在那些展览和其他一些展览之后，艺术运动被称为最小艺术。
历史
Jean Metzinger继1911年5月29日在巴黎 – 日刊发表的Cyril Berger采访中，在1911年SalondesIndépendants展出的立体主义画作中创作的Succèsdescandale声明：
我们立体主义者只是为了人类的利益创造了一种新的节奏而完成了我们的职责。 其他人会跟我们一起做同样的事情。 他们会发现什么？ 这是未来的巨大秘密。 谁知道，如果有一天，一个伟大的画家，蔑视通常残酷的游戏假定的调色师，并将七种颜色带回到包含他们所有的原始白色统一，将不会展示完全白色的画布，没有任何东西，绝对没有什么。 （Jean Metzinger，1911年5月29日）
Metzinger（当时）大胆预测，艺术家将完全放弃代表性主题并回归Metzinger所谓的“原始白色统一”，即“完全白色画布”，将抽象化为其逻辑结论。两年后将实现。 讽刺宣言的作者，可能是弗朗西斯·皮卡比亚，在Les Hommes du Jour（1913年5月3日）的题为“进化艺术：Vers l’amorphisme”的出版物中，当作者证明无定形的空白时，可能已经考虑到了Metzinger的愿景。画布声称“光线对我们来说足够了”。 艺术历史学家杰弗里·韦斯（Jeffery S. Weiss）写道，从视角来看，“同性恋者可能是胡言乱语，但它也足以成为预测非客观性的极端还原论意义的基础语言”。
单色绘画是在1882年在巴黎举行的第一届Incoherent艺术展览会上发起的，其中有诗人保罗·比尔豪德（Paul Bilhaud）的黑色画作，名为“Nessgres dans un tunnel”（黑人在隧道中战斗）。 在随后的Incoherent艺术展览中（也是在19世纪80年代），作家Alphonse Allais提出了其他七种单色画作，例如“Premièrecommunionde jeunes filles chlorotiques par un temps de neige”（“雪中贫血少女的第一次交流” “，白色），或”Récoltedela tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge“（”红海岸上的中风红衣主教收获番茄“，红色）。 然而，这种活动与20世纪的Dada或Neo-Dada有更多的相似之处，特别是20世纪60年代的激浪派的作品，而不是自Malevich以来的20世纪单色画。
在广义和一般意义上，人们在与包豪斯相关的画家的几何抽象中找到欧洲的极简主义根源，在Kazimir Malevich，Piet Mondrian和其他与De Stijl运动相关的艺术家和俄罗斯建构主义运动的作品中，以及在罗马尼亚雕塑家ConstantinBrâncuşi的作品中。 最小的艺术也部分受到了Barnett Newman，Ad Reinhardt，Josef Albers以及Pablo Picasso，Marcel Duchamp，Giorgio Morandi等艺术家的作品的启发。 极简主义也是对20世纪40年代和50年代在纽约学派中占主导地位的抽象表现主义的绘画主体性的反应。
单色绘画解释的广泛可能性（包括不可能性）可以说是单色如此吸引众多艺术家，评论家和作家的原因。 虽然单色从未成为主导，很少有艺术家专门致力于它，但它从未消失过。 它再次出现，好像一个幽灵高高的现代主义，或作为它的象征，在美学和社会政治动荡时期出现。
画极简主义
极简主义画家的灵感来自两位伟大的守护人物：Malevich和Ad Reinhardt。 第一个，第一个是Suprematism的伟大代表，这个运动于1915年在俄罗斯诞生，促进了“纯粹”和抽象绘画。 马列维奇说，绘画必须摆脱任何象征性或象征性的表现，变得非主观。 他于1915年在白色背景上创造了着名的黑色广场，彻底清除了文艺复兴时期遗留下来的古代绘画传统并宣告其死亡。 在这一行中，Ad Reinhardt在整个20世纪60年代制作，直到他去世，系列中的单色画作使空虚和虚无盛行。
致力于重新定义艺术，特别是绘画，弗兰克斯特拉通过向几何抽象的方向继续推进Ad Reinhardt的动力。 他创造了具有原始框架形状的画面对象，显示直线，同心或对角线，规则和均匀，这更多地取决于所使用的画笔的宽度而不是艺术家的手。 他拒绝接受艺术中的解释：他想要的是将艺术作品去个性化，最终将天才的形象折磨到对杰克逊波洛克超大的自我。 “我的绘画是基于这样一个事实：只有那里可以看到的东西，”斯特拉说。
极简主义画家希望限制画家发票的任何痕迹或画家手的干预。 此外，极简主义作品通常由两种或三种颜色和基本形状组成：圆形，方形，直线等。简约至上，极简主义背后没有主观表现; 他没有任何象征意义，只试图在形式和颜色上发挥作用，避免在字面意义上的情感：一种没有感情的艺术。
雕塑的极简主义
极简主义艺术家使用简单的基本结构，由简单的材料制成，通常留下原始（抛光的铜，钢）和清洁的形式，由形状本身溶解的元素组成：金属瓦（Carl Andre）的路面，大折叠或卷起的金属板（理查德塞拉），重复相似的形状/体积（唐纳德贾德），单独的重力作用（Robert Morris）撕裂和变形的毡片，霓虹白或彩色管中的线性成分（丹黄素）曲线和曲线锻造的方形截面空心杆（Albert Hirsch）是极简主义作品的典型例子。 简单几何体积的选择应立即被理解（没有技巧）。 颜色，个别材料允许产生没有情感历史的物体，因此雕塑的内容就是雕塑本身，它是一个极小的代表，因为它仅限于“必要”。
此外，极简主义提倡融合艺术流派。 例如，理查德塞拉在2008年大皇宫的长廊邀请观众，如其标题所示，围绕五块钢板在建筑物周围移动。 这些散步被音乐“打断”，尤其是Olivier Mongin在Esprit杂志上指出的Philip Glass。
音乐中的极简主义
极简主义音乐是20世纪60年代在美国出现的当代音乐潮流。 其最着名的代表是：Steve Reich，Michael Nyman，John Adams，Philip Glass，Terry Riley，The Monte Young，ArvoPärt……术语极简主义通常被认为不适合这种音乐，也被称为“重复”因为它部分基于重复原则。 她有各种影响，连环主义，围绕约翰凯奇的美国音乐前卫，以及爵士乐和非西方音乐。
极简主义音乐一词涵盖了广泛的风格，有时与后现代音乐相混淆。 第一部极简主义作品实际上使用了相当稀疏的材料，使用La Monte Young中的无人机，或重复技术，通过Steve Reich的相移，或者通过在Philip Glass中添加/减去图案。 然而，后来的作品越来越偏离音乐素材的“最小化”使用，特别是在约翰亚当斯。
设计极简主义
目前的极简主义设计符合包豪斯在xx世纪初所采用的方法; 尤其是Ludwig Mies van der Rohe和Marcel Breuer等建筑师和设计师。 一些战前的创作，如Gerrit Rietveld的Zig-zag椅子也可以被描述为“最小”。
弗兰克斯特拉（Frank Stella）或唐纳德贾德（Donald Judd）等雕塑家的作品对像Shiro Kuramata这样的设计师产生了影响。 唐纳德贾德也设计了家具。
可以被描述为极简主义的设计师包括：Jasper Morrison，Jean-Marie Massaud，Ronan＆Erwan Bouroullec或Shiro Kuramata以及他几乎无形的创作。
单色复兴
在1947年至1948年间的法国，伊夫·克莱因构思了他的Monotone Symphony（1949年，正式的The Monotone-Silence Symphony），其中包括一个20分钟的持续和弦，然后是20分钟的沉默 – 这是La Monte Young的无人机音乐的先例和约翰凯奇的4’33“。 尽管克莱因早在1949年就已经绘制了单色，并且在1950年举办了第一次私人展览，但他的第一次公开展览是1954年11月出版的艺术家的书Yves：Peintures。
艺术家和评论家托马斯劳森在其1981年的文章“最后出口：绘画”艺术论，10月：40-47中指出，极简主义并没有拒绝克莱门特格林伯格关于现代主义绘画减少表面和材料的主张，而不是从字面上理解他的主张。 根据劳森的极简主义是结果，尽管“极简主义”一词并未被与之相关的艺术家所接受，并且许多被评论家指定为极简主义的艺术从业者并未将其视为一种运动。 克莱门特格林伯格本人也对这一说法不以为然; 在他1978年的文章“现代派绘画”中，他否认了对他所说的不正确的解释; 格林伯格写道：
我所写的内容还有一些进一步的结构可以说是荒谬的：我认为平面度和平面度不仅仅是图画艺术的限制条件，而是图像艺术中审美品质的标准; 工作进一步推进艺术的自我定义，工作必然越好。 哲学家或艺术历史学家能够设想我 – 或者任何人 – 以这种方式达到审美判断的程度，对于他或她自己来说比在我的文章中更令人震惊。
与前十年更为主观的抽象表现主义者相反，除了Barnett Newman和Ad Reinhardt; 极简主义者也受到作曲家John Cage和LaMonte Young，诗人William Carlos Williams以及景观设计师Frederick Law Olmsted的影响。 他们非常明确地表示，他们的艺术不是关于自我表达，不像过去十年更主观的艺术哲学，他们的艺术是“客观的”。 一般来说，极简主义的特征包括几何形状，通常是立方体形式，包括许多隐喻，部分相等，重复，中性表面和工业材料。
罗伯特莫里斯，一位有影响力的理论家和艺术家，写了一篇三篇文章，“雕塑1-3的注释”，最初出版于1966年的三期Artforum。在这些文章中，莫里斯试图为自己定义一个概念框架和形式元素。并且会接受他同时代人的做法。 这些文章非常注重格式塔的概念 – “部分……以这样的方式结合在一起，使它们对感知分离产生最大的抵抗力”。 莫里斯后来描述了一种艺术，其表现为“雕刻注释：超越物体”中的“标记横向扩展而没有正规化单位或对称间隔……”，最初发表于1969年的Artforum，继续说“部件布置的不确定性”是事物物理存在的字面方面。“ 理论的一般转变，这篇论文是一个表达，表明过渡到后来被称为后极简主义的过渡。 第一批与极简主义有关的艺术家之一是画家弗兰克斯特拉，他的早期“细条纹”画作被包括在1959年的美国画家中，由多萝西米勒在纽约现代艺术博物馆举办。
弗兰克·斯特拉斯（Frank Stellas）细条纹画作中的条纹宽度由用于担架的木材尺寸决定，从侧面看时可以看作是画作的深度，用于构建画布被拉伸的支撑底盘。 因此，关于帆布前表面上的结构的决定不是完全主观的，而是由支撑物的物理构造的“给定”特征预先调节。 在节目目录中，卡尔·安德烈指出，“艺术排除了不必要的东西。弗兰克斯特拉发现有必要画条纹。他的画中没有别的东西。” 这些还原作品与Willem de Kooning或Franz Kline的充满能量和显然高度主观和情感的绘画形成了鲜明的对比，而且就前一代抽象表现主义者的先例而言，更倾向于更少的手势，经常是阴沉的，Barnett Newman和Mark Rothko的彩色场画。 虽然斯特拉立刻受到了现代艺术博物馆展览的关注，但包括肯尼思诺兰，吉恩·戴维斯，罗伯特·马瑟韦尔和罗伯特·莱曼在内的艺术家们也开始探索从50年代后期到20世纪60年代的条纹，单色和硬边格式。
由于极简艺术倾向于将图画，幻觉和虚构排除在文字之外，因此有一种远离绘画和雕塑问题的运动。 唐纳德·贾德（Donald Judd）最初是一名画家，最终成为了物体的创造者。 他的开篇论文“特定对象”（发表于1965年的“艺术年鉴”）是极简主义美学形成理论的试金石。 在这篇文章中，贾德找到了美国艺术新领域的起点，同时拒绝了剩余的继承欧洲艺术价值观。 他在当时纽约活跃的一系列艺术家的作品中指出了这种发展的证据，包括Jasper Johns，Dan Flavin和Lee Bontecou。 对于贾德来说，“初步”的重要性是乔治·厄尔·奥特曼（George Earl Ortman）的作品，他将绘画形式具体化并将其提炼成钝的，坚韧的，具有哲学意义的几何形状。 这些特定物体居住的空间不像绘画或雕塑那样可以舒适地分类。 这些对象的分类身份本身就存在问题，并且他们避免与陈旧和过于熟悉的惯例轻松联系，这是他们对Judd的价值的一部分。
这一运动受到现代主义形式主义艺术评论家和历史学家的严厉批评。 一些评论家认为，最小的艺术代表了对评论家克莱门特格林伯格所定义的现代绘画和雕塑辩证法的误解，克莱门特格林伯格可以说是美国在20世纪60年代以前的主要绘画评论家。 对于极简主义最引人注目的批评是由形式主义批评家迈克尔·弗里德（Michael Fried）提出的，他在“戏剧性”的基础上反对这项工作。 在Art and Objecthood（1967年6月在Artforum上发表）中，他宣称最小的艺术作品，特别是最小的雕塑作品，是基于对观众身体性的参与。 他认为像罗伯特·莫里斯这样的作品将观看行为转变为一种景观，其中行为观察的技巧和观众对作品的参与被揭开。 弗里德看到观众的体验从内部的美学参与，到艺术品之外的事件，作为最小艺术的失败。 弗里德的文章立即受到后极端主义和地球艺术家罗伯特史密森在10月份的Artforum杂志致编辑的一封信中的挑战。 史密森表示如下：“油腻最让人担心的是他在做什么 – 即自己是戏剧性的。”
除了已经提到过的Robert Morris，Frank Stella，Carl Andre，Robert Ryman和Donald Judd，其他最小的艺术家包括：Robert Mangold，Larry Bell，Dan Flavin，Sol LeWitt，Ronald Bladen，Agnes Martin，Jo Baer，Paul Mogensen，Ronald Davis，Charles Hinman，David Novros，Brice Marden，Blinky Palermo，John McCracken，Ad Reinhardt，Fred Sandback，Richard Serra，Tony Smith，Patricia Johanson和Anne Truitt。
Ad Reinhardt，实际上是抽象表现主义一代的艺术家，但是其中几乎全黑色的还原画似乎预期极简主义的艺术家，可以说这是对艺术的还原方法的价值：
其中的东西越多，艺术作品越忙，就越糟糕。 越多越少。 少即是多。 眼睛是清除视线的威胁。 裸露自己是淫秽的。 艺术始于摆脱自然。
莱因哈特的评论直接反驳并反驳了汉斯霍夫曼对自然的看法，认为自然是他自己抽象表现主义绘画的源泉。 在霍夫曼和杰克逊波洛克之间的着名交流中，李克拉斯纳在接受多萝西斯特里克勒（1964-11-02）采访史密森学会美国艺术档案馆时说道。 用克拉斯纳的话说，
“当我带霍夫曼见到波洛克并看到他们在我们搬到这里之前的工作时，霍夫曼的反应是 – 他问杰克逊的问题之一，你是从大自然中做出来的吗？周围没有静物，周围没有模特和杰克逊的答案是，我是大自然.Hofmann的回答是，啊，但如果你的心脏工作，你会重复自己。杰克逊根本没有答复。“ 波洛克与霍夫曼之间的会晤发生在1942年。