Minimalismo descreve movimentos em várias formas de arte e design, especialmente arte visual e música, onde o trabalho é definido para expor a essência, essencial ou identidade de um assunto através da eliminação de todas as formas não essenciais, características ou conceitos. Como um movimento específico nas artes, ele é identificado com os desenvolvimentos na arte ocidental pós-Segunda Guerra Mundial, mais fortemente com as artes visuais americanas nos anos 60 e início dos anos 70. Artistas proeminentes associados a esse movimento incluem Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein e Frank Stella. Os próprios artistas às vezes reagiram contra o rótulo devido à implicação negativa do trabalho ser simplista. O minimalismo é frequentemente interpretado como uma reação contra o expressionismo abstrato e uma ponte para as práticas artísticas pós-mínimas.
Arte minimalista, minimalismo na arte visual
Minimalismo em arte visual, geralmente referido como “arte minimalista”, arte literalista e ABC Art surgiu em Nova York no início dos anos 1960. Inicialmente, a arte minimal apareceu em Nova York nos anos 60, à medida que novos e antigos artistas se moviam em direção à abstração geométrica; explorando via pintura nos casos de Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman e outros; e escultura nas obras de vários artistas, incluindo David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, LeWitt Sol, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd e outros. A escultura de Judd foi apresentada em 1964 na Green Gallery em Manhattan, assim como as primeiras obras de luz fluorescente de Flavin, enquanto outras grandes galerias de Manhattan, como a Galeria Leo Castelli e a Galeria Pace, também começaram a mostrar artistas focados na abstração geométrica. Além disso, houve duas exposições de museus influentes e seminais: Estruturas Primárias: Escultura Americana e Britânica mais jovem ‘exibida de 27 de abril a 12 de junho de 1966 no Museu Judaico de Nova York, organizada pelo curador de Pintura e Escultura do museu, Kynaston McShine e Pintura sistêmica, no Museu Solomon R. Guggenheim, com curadoria de Lawrence Alloway, também em 1966, que mostrava a abstração geométrica no mundo da arte norte-americana via tela em forma, campo de cores e pintura hard-edge. Na sequência dessas exposições e algumas outras, o movimento artístico chamado minimal art surgiu.
História
Jean Metzinger, seguindo o Succès de scandale criado a partir da exibição cubista no Salon des Indépendants de 1911, em uma entrevista com Cyril Berger publicada em Paris-Journal 29 de maio de 1911, declarou:
Nós, cubistas, apenas cumprimos nosso dever criando um novo ritmo para o benefício da humanidade. Outros virão atrás de nós que farão o mesmo. O que eles encontrarão? Esse é o tremendo segredo do futuro. Quem sabe se algum dia, um grande pintor, olhando com desprezo o jogo muitas vezes brutal de supostos coloristas e levando as sete cores de volta à unidade branca primordial que os envolve, não exibirá telas completamente brancas, sem nada, absolutamente nada sobre elas . (Jean Metzinger, 29 de maio de 1911)
A predição audaciosa de Metzinger (então) de que os artistas levariam a abstração à sua conclusão lógica, desocupando inteiramente o assunto representacional e retornando ao que Metzinger chama de “unidade branca primordial”, uma “tela completamente branca” seria realizada dois anos depois. O escritor de um manifesto satírico, possivelmente Francis Picabia, em uma publicação intitulada Evolução de l’art: Vers l’amorphisme, em Les Hommes du Jour (3 de maio de 1913), pode ter tido a visão de Metzinger em mente quando o autor justificou o espaço em branco do amorfismo. telas alegando que “a luz é suficiente para nós”. Com perspectiva, escreve o historiador de arte Jeffery S. Weiss, “Vers Amorphisme pode ser rabugento, mas também foi uma linguagem fundacional suficiente para antecipar as implicações extremamente reducionistas da não-objetividade”.
A pintura monocromática foi iniciada na primeira exposição de artes Incoherent em 1882 em Paris, com uma pintura negra do poeta Paul Bilhaud intitulada “Combate de Nègres num túnel” (negros lutam em um túnel). Nas exposições posteriores das artes Incoerentes (também na década de 1880), o escritor Alphonse Allais propôs sete outras pinturas monocromáticas, como “Primeira comunhão de jovens anêmicas na neve”. “, branco), ou” Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Rouge “(” Tomate colhido por cardeais apopléticos na costa do Mar Vermelho “, vermelho). No entanto, esse tipo de atividade tem mais semelhança com o Dada do século 20, ou Neo-Dada, e particularmente com as obras do grupo Fluxus dos anos 1960, do que com a pintura monocromática do século XX, desde Malevich.
Em um sentido amplo e geral, encontram-se raízes européias do minimalismo nas abstrações geométricas de pintores associados à Bauhaus, nas obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian e outros artistas associados ao movimento De Stijl e ao movimento construtivista russo, e no trabalho do escultor romeno Constantin Brâncuși. A arte minimalista também é inspirada em parte pelas pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt e Josef Albers, e obras de artistas tão diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi e outros. O minimalismo também foi uma reação contra a subjetividade pictórica do expressionismo abstrato que havia sido dominante na Escola de Nova York durante as décadas de 1940 e 1950.
A ampla gama de possibilidades (incluindo a impossibilidade) de interpretação de pinturas monocromáticas é, possivelmente, o motivo pelo qual o monocromático é tão atraente para tantos artistas, críticos e escritores. Embora o monocromático nunca tenha se tornado dominante e poucos artistas tenham se comprometido exclusivamente com ele, ele nunca foi embora. Reaparece como se um espectro assombrasse o alto modernismo, ou como um símbolo dele, aparecendo em tempos de convulsões estéticas e sociopolíticas.
Pintar Minimalismo
Os pintores minimalistas são inspirados por duas grandes figuras tutelares: Malevich e Ad Reinhardt. O primeiro, primeiro, é um grande representante do Suprematismo, um movimento nascido na Rússia em 1915 que promove a pintura “pura” e abstrata. Malevich diz que a pintura deve se libertar de qualquer representação simbólica ou figurativa e se tornar não subjetiva. Ele criou a famosa Praça Negra em um fundo branco em 1915, que fez uma limpeza da antiga tradição pictórica herdada do Renascimento e declarou sua morte. Nesta linha, Ad Reinhardt fez ao longo dos anos 1960 e até sua morte, pinturas monocromáticas em série que fazem o vazio e o nada prevalecer.
Trabalhando em uma redefinição de arte e pintura em particular, Frank Stella continua o impulso de Ad Reinhardt, movendo-se em direção à abstração geométrica. Ele cria objetos de quadro com formas de quadro originais, mostrando linhas retas, concêntricas ou diagonais, regulares e homogêneas, que devem mais à largura do pincel usado do que à mão do artista. Ele recusa a interpretação na arte: o que ele quer é despersonalizar a obra de arte para acabar com as figuras de gênio torturadas ao ego superdimensionadas para o Jackson Pollock. “Minha pintura é baseada no fato de que só existe o que pode ser visto lá”, diz Stella.
Os pintores minimalistas querem limitar qualquer vestígio de factura pictórica ou intervenção da mão do pintor. Além disso, trabalhos minimalistas geralmente consistem em duas ou três cores e formas básicas: redondas, quadradas, retas, etc. A simplicidade é primordial e não há representação subjetiva por trás do minimalismo; ele é desprovido de qualquer simbolismo e tenta jogar apenas em formas e cores evitando emoções no sentido literal do termo: uma arte desprovida de sentimentos.
Minimalismo na escultura
Os artistas minimalistas usam estruturas simples e elementares, feitas de materiais simples e muitas vezes deixadas em bruto (cobre polido, aço) e formas limpas, constituídas por elementos abaixo dos quais a própria forma se dissolve: pavimento de ladrilhos metálicos (Carl Andre) folhas de metal laminadas (Richard Serra), repetição de formas / volumes semelhantes (Donald Judd), pedaços de feltro lacerados e deformados apenas pela ação da gravidade (Robert Morris), composições lineares em tubos de neon branco ou colorido (Dan Flavin) As barras ocas quadradas forjadas em curvas e contra curvas (Albert Hirsch) são exemplos característicos de obras minimalistas. A escolha de volumes geométricos simples deve ser apreendida imediatamente pelo que são (sem artifícios). As cores, os materiais individuais permitem produzir objetos que não têm história emocional e, portanto, o conteúdo da escultura não é outro senão a escultura em si, é uma representação mínima, porque é limitado ao essencial.
Além disso, o minimalismo defende uma fusão de gêneros artísticos. Por exemplo, a Promenade de Richard Serra no Grand Palais em 2008 convidou o espectador, como o título indica, a se movimentar pelo prédio em torno das cinco chapas de aço. Essas caminhadas foram “pontuadas” pela música, especialmente a de Philip Glass, como aponta Olivier Mongin na revista Esprit.
Minimalismo na música
A música minimalista é uma corrente de música contemporânea que surgiu nos anos 1960 nos Estados Unidos. Seus representantes mais famosos são: Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, O Monte Young, Arvo Pärt … O termo minimalista é geralmente considerado inadequado para essa música, que também é chamada de “Repetitiva”. porque é parcialmente baseado em um princípio de repetição. Ela tem várias influências, serialismo, a vanguarda musical americana em torno de John Cage, bem como jazz e música não-ocidental.
O termo música minimalista engloba um amplo espectro de estilos e às vezes é confundido com a música pós-moderna. Os primeiros trabalhos minimalistas usam um material bastante escasso, com o uso de drones em La Monte Young, ou técnicas de repetição, por mudança de fase em Steve Reich, ou por adição / subtração de motivos em Philip Glass. Trabalhos posteriores, no entanto, desviam-se cada vez mais de um uso “mínimo” de material musical, especialmente em John Adams.
Minimalismo no design
O atual design minimalista se encaixa na abordagem adotada no início do século XX pela Bauhaus; especialmente por arquitetos e designers como Ludwig Mies van der Rohe e Marcel Breuer. Algumas criações anteriores à guerra, como a cadeira Zig-zag de Gerrit Rietveld, também podem ser descritas como “mínimas”.
O trabalho de escultores como Frank Stella ou Donald Judd teve influência em designers como Shiro Kuramata. Donald Judd também projetou móveis.
Entre os designers que podem ser descritos como minimalistas estão: Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan e Erwan Bouroullec ou Shiro Kuramata com suas criações quase imateriais.
Renascimento Monocromático
Na França, entre 1947 e 1948, Yves Klein concebeu sua Monotone Symphony (1949, formalmente The Monotone-Silence Symphony) que consistiu em um único acorde sustentado de 20 minutos, seguido de um silêncio de 20 minutos – um precedente para a música de drone de La Monte Young. e John Cage de 4′33 ″. Embora Klein tivesse pintado monocromos já em 1949 e realizado a primeira exposição privada deste trabalho em 1950, sua primeira exibição pública foi a publicação do livro do Artista Yves: Peintures em novembro de 1954.
O artista e crítico Thomas Lawson observou em seu ensaio de 1981 “Last Exit: Painting” Artforum, 40-47 de outubro, o minimalismo não rejeitou as alegações de Clement Greenberg sobre a redução da pintura modernista à superfície e os materiais, mas sim as suas afirmações. Segundo Lawson, o minimalismo foi o resultado, embora o termo “minimalismo” não fosse geralmente adotado pelos artistas associados a ele, e muitos praticantes da arte designados como minimalistas pelos críticos não o identificaram como um movimento como tal. Também tomando exceção a essa afirmação estava o próprio Clement Greenberg; em seu pós-escrito de 1978 para seu ensaio Modernist Painting, ele negou essa interpretação incorreta do que ele disse; Greenberg escreveu:
Tem havido algumas construções adicionais do que escrevi que vão para o absurdo: que considero o nivelamento e a inclinação do nivelamento não apenas como as condições limitantes da arte pictórica, mas como critérios de qualidade estética na arte pictórica; que quanto mais um trabalho avança na autodefinição de uma arte, melhor será o trabalho. O filósofo ou historiador da arte que pode me visualizar – ou qualquer um – chegar a juízos estéticos dessa maneira, lê-se de maneira chocante em si mesmo do que em meu artigo.
Em contraste com os Expressionistas Abstratos mais subjetivos da década anterior, com as exceções de Barnett Newman e Ad Reinhardt; os minimalistas também foram influenciados pelos compositores John Cage e LaMonte Young, pelo poeta William Carlos Williams e pelo arquiteto paisagista Frederick Law Olmsted. Eles afirmaram explicitamente que sua arte não era sobre a autoexpressão, ao contrário da filosofia mais subjetiva da década anterior sobre a arte de fazer deles ser “objetiva”. Em geral, as características do minimalismo incluíam formas geométricas, muitas vezes cúbicas, expurgadas de muita metáfora, igualdade de partes, repetição, superfícies neutras e materiais industriais.
Robert Morris, um influente teórico e artista, escreveu um ensaio de três partes, “Notes on Sculpture 1-3”, originalmente publicado em três edições do Artforum em 1966. Nesses ensaios, Morris tentou definir um quadro conceitual e elementos formais para si mesmo. e aquele que abraçaria as práticas de seus contemporâneos. Esses ensaios deram grande atenção à idéia da gestalt – “partes … unidas de tal maneira que criam uma resistência máxima à separação perceptiva”. Morris mais tarde descreveu uma arte representada por uma “expansão lateral acentuada e nenhuma unidade regularizada ou intervalos simétricos …” em “Notas sobre escultura: além dos objetos”, publicado originalmente em Artforum, 1969, continuando a dizer que “indeterminação do arranjo de partes é um aspecto literal da existência física da coisa “. A mudança geral na teoria da qual este ensaio é uma expressão sugere as transições para o que mais tarde seria referido como pós-minimalismo. Um dos primeiros artistas especificamente associados ao minimalismo foi o pintor Frank Stella, cujas primeiras pinturas de “listras” foram incluídas no show de 1959, Americanos, organizado por Dorothy Miller no Museu de Arte Moderna de Nova York.
A largura das listras nas pinturas de risca de giz de Frank Stellas era determinada pelas dimensões da madeira usada para macas, visível como a profundidade da pintura quando vista de lado, usada para construir o chassi de suporte sobre o qual a tela era esticada. As decisões sobre estruturas na superfície frontal da tela, portanto, não eram inteiramente subjetivas, mas pré-condicionadas por uma característica “dada” da construção física do suporte. No catálogo da exposição, Carl Andre observou: “A arte exclui o desnecessário. Frank Stella achou necessário pintar listras. Não há mais nada em sua pintura”. Esses trabalhos redutivos estavam em nítido contraste com as pinturas cheias de energia e aparentemente altamente subjetivas e emocionalmente carregadas de Willem de Kooning ou Franz Kline e, em termos de precedente entre a geração anterior de expressionistas abstratos, inclinavam-se mais para as menos gestuais, muitas vezes sombrias. , pinturas coloridas de Barnett Newman e Mark Rothko. Embora Stella tenha recebido atenção imediata do programa do MoMA, artistas como Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell e Robert Ryman também começaram a explorar as faixas, monocromáticas e hard-edge do final dos anos 50 até a década de 1960.
Por causa de uma tendência na arte minimal de excluir o pictórico, ilusionista e fictício em favor do literal, houve um movimento longe do pictórico e em direção a preocupações esculturais. Donald Judd começou como pintor e terminou como criador de objetos. Seu ensaio seminal, “Objetos Específicos” (publicado no Arts Yearbook, 1965), foi uma pedra de toque da teoria para a formação da estética minimalista. Neste ensaio, Judd encontrou um ponto de partida para um novo território para a arte americana e uma rejeição simultânea de valores artísticos europeus residuais herdados. Ele apontou para a evidência deste desenvolvimento nas obras de uma série de artistas ativos em Nova York na época, incluindo Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. De importância “preliminar” para Judd estava o trabalho de George Earl Ortman, que havia concretizado e destilado as formas da pintura em geometrias contundentes, duras e filosoficamente carregadas. Esses Objetos Específicos habitaram um espaço não confortavelmente classificável como pintura ou escultura. Que a identidade categórica de tais objetos estava em questão, e que eles evitavam a fácil associação com convenções gastas e excessivamente familiares, era uma parte de seu valor para Judd.
Este movimento foi fortemente criticado pelos críticos e historiadores da arte formalista modernista. Alguns críticos achavam que a arte mínima representava um equívoco da moderna dialética da pintura e da escultura, tal como definida pelo crítico Clement Greenberg, possivelmente o crítico americano dominante da pintura no período que antecedeu a década de 1960. A crítica mais notável do minimalismo foi produzida por Michael Fried, um crítico formalista, que se opôs ao trabalho com base em sua “teatralidade”. Em Art and Objecthood (publicado no Artforum em junho de 1967), ele declarou que a obra de arte mínima, particularmente a escultura mínima, era baseada em um compromisso com a fisicalidade do espectador. Ele argumentou que um trabalho como o de Robert Morris transformou o ato de ver em um tipo de espetáculo, no qual o artifício da observação do ato e a participação do espectador na obra foram revelados. Fried viu esse deslocamento da experiência do espectador de um compromisso estético para dentro de um evento fora da obra de arte como uma falha da arte mínima. O ensaio de Fried foi imediatamente desafiado pelo artista pós-minimalista e terra Robert Smithson em uma carta ao editor na edição de outubro da Artforum. Smithson afirmou o seguinte: “O que Fried mais teme é a consciência do que ele está fazendo – ou seja, ser ele mesmo teatral”.
Além dos já mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl André, Robert Ryman e Donald Judd outros artistas minimalistas incluem: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Ronald Bladen, Agnes Martin, Jo Baer, Paul Mogensen, Ronald Davis, Charles Hinman, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson e Anne Truitt.
Ad Reinhardt, na verdade um artista da geração Expressionista Abstrata, mas cuja pintura reducionista quase toda preta parecia antecipar o minimalismo, tinha a dizer sobre o valor de uma abordagem redutora da arte:
Quanto mais coisas, quanto mais ocupada a obra de arte, pior é. Mais é menos. Menos é mais. O olho é uma ameaça para clarear a vista. O desnudar de si mesmo é obsceno. A arte começa com a eliminação da natureza.
A observação de Reinhardt aborda diretamente e contradiz a consideração de Hans Hofmann pela natureza como a fonte de suas próprias pinturas expressionistas abstratas. Em uma famosa troca entre Hofmann e Jackson Pollock, contada por Lee Krasner em uma entrevista com Dorothy Strickler (1964-11-02) para o Smithsonian Institution Archives of American Art. Nas palavras de Krasner,
“Quando trouxe Hofmann para conhecer Pollock e ver o seu trabalho que foi antes de nos mudarmos para cá, a reação de Hofmann foi – uma das perguntas que ele fez a Jackson foi trabalhar com a natureza? Não havia naturezas mortas ao redor ou modelos ao redor e Jackson a resposta foi, eu sou a natureza. E a resposta de Hofmann foi: Ah, mas se você trabalhar de coração, vai se repetir. Ao que Jackson não respondeu nada. ” O encontro entre Pollock e Hofmann ocorreu em 1942.