미니멀리즘은 모든 형태의 예술과 디자인, 특히 비주얼 아트와 음악의 움직임을 묘사합니다. 여기서 비 필수적인 형태, 특징 또는 개념을 제거함으로써 주제의 본질, 필수 요소 또는 정체성을 드러내는 작업이 이루어집니다. 예술의 특수한 움직임으로서, 제 2 차 세계 대전 후 서양 미술에서의 발전과 함께, 1960 년대와 1970 년대 초 미국 시각 예술과 가장 강하게 일치합니다. 이 운동과 관련이있는 유명 예술가는 Ad Reinhardt, Tony Smith, Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt, Yves Klein 및 Frank Stella 등이 있습니다. 예술가들은 때때로 단순한 작업이라는 부정적인 의미 때문에 레이블에 반하는 경우가 있습니다. 미니멀리즘은 추상 표현주의에 대한 반응으로 해석되고 포스트 미니멀 아트 관행에 대한 다리 역할을합니다.
최소한의 미술, 시각 미술의 미니멀리즘
일반적으로 “최소한의 예술”이라고하는 시각 예술의 미니멀리즘, 문학 주의적 예술 및 ABC 아트는 1960 년대 초반 뉴욕에서 나타났습니다. 처음에는 60 년대 뉴욕의 새로운 예술가들이 기하학적 추상화로 옮겨 감에 따라 최소한의 예술 작품이 등장했습니다. Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman 및 기타의 경우 그림을 통한 탐구. David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd 등 다양한 작가의 작품을 조각합니다. Judd의 조각품은 1964 년 Manhattan의 Green Gallery에서 Flavin의 첫 번째 형광등 작품과 함께 전시되었으며 다른 Leh Castelli 갤러리와 Pace Gallery와 같은 맨하탄 갤러리도 기하학적 추상에 중점을 둔 예술가를 소개하기 시작했습니다. 또한 1966 년 4 월 27 일부터 6 월 12 일까지 뉴욕의 유대인 박물관에서 회화 및 조각가 큐레이터 인 Kynaston McShine이 주관 한 2 개의 독창적 인 영향력있는 박물관 전시회 (Primary Structures : Younger American and British Sculpture)가있었습니다. 1966 년 Lawrence Alloway가 큐레이터 한 Solomon R. Guggenheim Museum의 Systemic Painting은 Shaped canvas, Color Field 및 Hard-edge painting을 통해 미국 미술계의 기하학적 추상화를 선보였습니다. 그 전시회와 몇몇 다른 사람들을 계기로 최소한의 예술이라는 예술 운동이 나타났습니다.
역사
Jean Metzinger는 1911 년 Salon des Indépendants에 출연 한 Cubist에서 창작 한 Succès de scandale에 이어 1911 년 5 월 29 일 Paris-Journal에 실린 Cyril Berger와의 인터뷰에서 다음과 같이 말했습니다 :
우리는 입체파는 인류의 이익을 위해 새로운 리듬을 창조함으로써 우리의 의무를 다했습니다. 다른 사람들도 우리를 뒤쫓아 올 것입니다. 그들이 무엇을 찾을 수 있을까요? 그것이 미래의 엄청난 비밀입니다. 언젠가, 위대한 화가, 상상을 많이하는 색채 주의자들의 잔혹한 게임을 경시하고 일곱 색을 모두를 포함하는 원초적인 하얀 단결로 되돌려 놓는다면, 완전히 흰색 캔버스를 전시하지 않을 것이며, 전혀 아무것도, 전혀 없을 것입니다. . (Jean Metzinger, 1911 년 5 월 29 일)
Metzinger의 (당시) 예술가들은 표현의 주제를 완전히 물러나고 Metzinger가 “원시 백색 통일성”이라고 부르는 “완전한 흰색 캔버스”로 돌아가는 것에 의한 논리적 결론에 대한 추상화는 2 년 후에 실현 될 것이라고 예언했다. 저자는 Francis Picabia (아마도 Francis Picabia)라는 제목의 저서 「진화론자 : 베르모르 ‘(Re lommes du Jour, 1913 년 5 월 3 일)에서, 저자가 무형성의 비어 있음을 정당화했을 때 Metzinger의 비전을 염두에 두었을 수도있다. ‘빛은 우리에게 충분하다’고 주장함으로써 캔버스를 탄생시켰다. 원근법으로 예술 사학자 Jeffery S. Weiss는 다음과 같이 썼다. “Vers Amorphisme은 횡설수설일지도 모른다. 그러나 그것은 비 객관성의 극단적 인 개혁 주의적 함의를 예상하기위한 기본 언어로도 충분하다.”
단색 회화는 1882 년 파리에서 열린 최초의 Incoherent arts 전시회에서 시인 Paul Bilhaud의 검은 그림으로 “Combat de Nègres dans un tunnel”(흑인들이 터널에서 싸움)이라는 제목으로 시작되었습니다. 1880 년대 Incoherent Arts의 후속 전시회에서 작가 Alphonse Allais는 “Première communion de jeunes는 눈 속에서 빈혈을 채우는 최초의 친교”( ” “,”흰색 “), 또는”Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge “(“붉은 바다 기슭의 아폽 전기 선택 추기경에 의해 토마토 수확 “, 빨간색). 그러나 이런 종류의 활동은 20 세기의 다다, 또는 네오 다다, 특히 1960 년대 플럭서스 그룹의 작품과 더 유사하다. 말레 비치 이후 20 세기의 흑백 그림보다 더 유사하다.
넓고 일반적인 의미에서, 바우 하우스 (Bauhaus)와 관련된 화가의 기하학적 인 추상화, 카디 미르 말레 비크 (Kazimir Malevich), 피에트로 몬드리안 (Piet Mondrian) 및 데 스티일 운동과 관련된 다른 예술가들과 러시아 건설 운동가의 작품에서 유럽식 미니멀리즘의 뿌리를 찾는다. 루마니아 조각가 Constantin Brâncuşi의 작품에서. 최소한의 예술은 또한 바넷 뉴만, 광고 라인 하르트, 조세프 알베스 (Jose Reinhardt), 파블로 피카소 (Pablo Picasso), 마르셀 뒤샹 (Marcel Duchamp), 조르지오 모란 디 (Giorgio Morandi) 등과 같은 다양한 예술가들의 작품에서 영감을 얻었습니다. 미니멀리즘은 또한 1940 년대와 1950 년대에 뉴욕 학교에서 지배적이었던 추상 표현주의의 회화 적 주체성에 대한 반응이었다.
모노크롬 그림의 해석 가능성 (불가능 성 포함)의 다양성은 아마 단색이 왜 그렇게 많은 예술가, 비평가 및 작가에게 매력적인지에 틀림 없다. 단색이 지배적이지 않고 소수의 예술가 만이 독점적으로 헌신 해 왔지만 결코 사라지지 않았습니다. 그것은 마치 높은 모더니즘을 잊어 버리는 유령, 또는 그것의 상징으로 재현되어 마치 심미적이고 사회 정치적인 격동의시기에 나타납니다.
미니멀리즘 페인트
미니멀리스트 화가는 Malevich와 Ad Reinhardt라는 두 위대한 수사에 의해 영감을 받았습니다. 첫 번째는 첫째, “순수하고”추상적 인 그림을 조장하는 1915 년 러시아에서 태어난 운동 인 Suprematism의 위대한 대표자입니다. Malevich는 회화가 상징적이거나 비 유적 표현에서 벗어나 비 주관적이어야한다고 말한다. 그는 르네상스로부터 물려받은 고대의 그림 전통을 깔끔하게 청소하고 죽음을 선언 한 1915 년에 흰색 바탕에 유명한 검은 색 광장을 만들었습니다. 이 라인에서 Ad Reinhardt는 1960 년대 내내 그리고 그의 죽음 전까지 공허하고 무의미한 일련의 단색 회화를 만들었습니다.
예술의 재정의 작업과 특히 그림을 그리는 Frank Stella는 Ad Reinhardt의 기세를 계속해서 기하학적 인 추상화로 옮깁니다. 그는 작가의 손보다 사용 된 브러시의 너비에 더 많은 빚을지고있는 직선, 동심 또는 대각선, 규칙적이고 균질 한 선들을 보여주는 원래의 프레임 모양을 가진 tableau-objets를 만듭니다. 그는 예술에서의 해석을 거부한다 : 그가 원하는 것은 예술 작품을 비 개인화하여 잭슨 폴록 특대의 자아에게 고문받는 천재의 인물로 끝내는 것이다. “내 그림은 그곳에 만 볼 수있는 것이 있다는 사실에 근거합니다.”라고 Stella는 말합니다.
미니멀리스트 화가는 화보 송장의 흔적이나 화가의 손에 대한 개입을 제한하려고합니다. 또한 미니멀리스트 작품은 보통 2 ~ 3 가지 색상과 기본 모양으로 구성됩니다 : 원형, 사각형, 직선 등 단순성이 가장 중요하며 미니멀리즘 뒤에 주관적인 표현이 없습니다. 그는 어떤 상징도 없으며 단어의 문자적인 의미에서 정서를 피하는 형태와 색깔에서만 놀려고합니다 : 감정이 결여 된 예술.
조각 미니멀리즘
미니멀리스트 예술가들은 단순한 재료로 만들어진 단순한 기초 구조를 사용하고 종종 원시 형태 (광택이있는 구리, 강철)로 남겨지며 형태 자체가 용해되는 아래의 요소로 구성된 깨끗한 형태를 사용합니다. 금속 타일로 만든 포장 (Carl Andre) (Donald Judd), 중력의 작용만으로 찢어 지거나 변형되는 조각 (Robert Morris), 네온 백색 또는 유색 (Dan Flavin) 튜브의 선형 구조, 또는 유사한 모양 / 부피의 반복 (Donald Judd) , 커브에서 그리고 커브 (Albert Hirsch)에 위조 된 사각형 섹션 중공 막대는 미니멀리스트 작품의 특징적인 예입니다. 단순한 기하학적 볼륨의 선택은 (기교없이) 즉시 무엇인지 파악해야합니다. 색상, 개별 자료는 정서적 인 역사가없는 물건을 생산할 수있게 해주므로 조각품의 내용은 조각 그 자체가 아니며 필수적으로 제한되기 때문에 최소한의 표현입니다.
또한 미니멀리즘은 예술 장르의 융합을 옹호합니다. 예를 들어, 2008 년 그랜드 팔레 (Grand Palais)의 리차드 세라 (Richard Serra)의 산책로 (Promenade)는 시청자가 제목에서 알 수 있듯이 5 개의 철판 주변을 돌아 다니며 건물을 돌아 다니며 초청했습니다. 이 산책은 음악으로, 특히 올리비에 몽인 (Olivier Mongin)이 Esprit 잡지에서 지적한 Philip Glass의 “punctuated”였습니다.
음악의 미니멀리즘
미니멀리스트 음악은 1960 년대 미국에서 출현 한 현대 음악의 흐름입니다. 가장 유명한 대표자는 Steve Reich, Michael Nyman, John Adams, Philip Glass, Terry Riley, The Monte Young, Arvo Pärt … 미니멀리스트라는 용어는 일반적으로이 음악에 적합하지 않다고 여겨지며 “Repetitive” 그것은 부분적으로 반복 원칙에 기반하기 때문입니다. 그녀는 다양한 영향, 연속성, 존 케이지 (John Cage) 주변의 미국 음악 전위, 재즈 및 비 서구 음악을 가지고 있습니다.
미니멀리스트 음악은 다양한 스타일의 음악을 포함하며 때로는 포스트 모던 음악과 혼동됩니다. 최초의 미니멀리스트 작품은 실제로 La Monte Young의 드론 사용, 반복 기술, Steve Reich의 위상 이동 또는 Philip Glass의 모티프 추가 / 제거를 통해 드문 드문 소재를 사용합니다. 그러나 최근의 작품은 특히 John Adams의 음악 작품을 “최소한”사용하지 못하게되었습니다.
디자인의 미니멀리즘
현재의 미니멀리스트 디자인은 바우 하우스에 의해 xx 세기 초에 취해진 접근법에 적합합니다. 특히 Ludwig Mies van der Rohe와 Marcel Breuer와 같은 건축가와 디자이너가 그렇습니다. Gerrit Rietveld의 Zig-zag 의자와 같은 일부 전전 제작물은 “최소”라고도 할 수 있습니다.
프랭크 스텔라 (Frank Stella) 나 도널드 저드 (Donald Judd)와 같은 조각가들의 작품은 쿠라 마타 시로 (Shiro Kuramata)와 같은 디자이너에게 영향을 미쳤습니다. Donald Judd도 가구를 디자인했습니다.
미니멀리스트로 묘사 될 수있는 디자이너 중에는 Jasper Morrison, Jean-Marie Massaud, Ronan & Erwan Bouroullec 또는 Kuramata Shiro가 있습니다.
흑백 부흥
1947 년에서 1948 년 사이 프랑스에서 이브 클라인은 단조로운 20 분간 지속 된 코드와 20 분간의 무음으로 구성된 모노톤 심포니 (1942 년 공식적으로 모노톤 침묵 교향곡)를 고안했다.이 노래는 라 몬트 영의 무인 음악 존 케이지 (John Cage)의 4’33 “. Klein은 1949 년 초 단색을 입히고 1950 년에이 작품의 첫 번째 개인전을 가졌지 만 그의 첫 번째 공개 상영은 1954 년 11 월 Yves : Peintures라는 책의 출간작이었습니다.
예술가 겸 비평가 토마스 로손 (Thomas Lawson)은 1981 년 에세이 “마지막 출구 : 회화”Artforum, 10 월 : 40-47에 언급하면서 미니멀리즘은 근대주의 회화가 문자 그대로 표면과 재료로 축소되는 것에 대한 클레멘트 그린버그의 주장을 거부하지 않았다. Lawson의 미니멀리즘에 따르면 “미니멀리즘”이라는 용어는 일반적으로 관련 예술가들에게 받아 들여지지 않았지만 비평가가 미니멀리스트로 지정한 많은 미술가들은 그것을 마치 그와 같은 운동으로 간주하지 않았습니다. 또한 클레멘트 그린버그 자신도 예외였다. 그의 에세이 인 “근대주의 회화”에 대한 1978 년 추신에서 그는 그가 말한 것에 대한이 잘못된 해석을 부인했다. Greenberg는 다음과 같이 썼다.
나는 필자가 쓴 것의 몇 가지 추가적 구조가있다. 나는 평면 예술의 한계 조건뿐만 아니라 회화 예술의 미적 품질의 기준으로서의 평탄 도와 편평성을 고려한다. 더 많은 작품이 예술의 자기 정의를 발전시킬수록 작품은 더 잘 될 수밖에 없다. 나 또는 모든 것을 상상할 수있는 철학자 또는 미술 사학자는 이런 식으로 심미적 인 판단에 도달하면 내 기사보다는 놀랍게도 자신이나 자신에게 더 많은 것을 읽습니다.
이전의 10 년의 주관적인 추상 표현주의와 달리 Barnett Newman과 Ad Reinhardt를 제외하고는; 미니멀리스트들은 작곡가 존 케이지 (John Cage)와 라몬 테 영 (LaMonte Young), 시인 윌리암 카를로스 윌리엄스 (William Carlos Williams), 조경가 프레드릭 로옴 옴스 테드 (Frederick Law Olmsted)의 영향을 받았다. 그들은 자신의 예술이 자기 표현에 관한 것이 아니라고 명시 적으로 주장했다. 예술에 대한 지난 10 년 동안의 주관적인 철학과는 달리 ‘객관적’이었다. 일반적으로 미니멀리즘의 특징에는 기하학적 인, 종종 은유적인 형태의 많은 은유, 부분의 평등, 반복, 중립적 인 표면 및 산업 자재가 제거되었습니다.
영향력있는 이론가이자 예술가 인 로버트 모리스 (Robert Morris)는 1966 년 아트 포럼 (Artforum) 3 호에 걸쳐 발행 된 3 편의 에세이 인 “Notes on Sculpture 1-3″을 썼다.이 에세이에서 모리스는 개념적 틀과 자신을위한 형식적인 요소를 정의하려고 시도했다 그리고 동시대 인의 관습을 받아 들일만한 하나. 이 에세이들은 제 슈트 탈의 개념에 큰 관심을 기울였습니다. “부분들은 … 지각 분리에 최대한의 저항을 일으키는 방식으로 결합되었습니다.” 모리스는 1969 년 아트 포럼 (Artforum)에서 처음 출판 된 “조각에 관한 주석 : 객체를 넘어서는 주석”에서 “표시된 측면 확산과 정규화 된 단위 또는 대칭 간격 없음”으로 표현 된 예술을 다음과 같이 계속 언급했다. “파트 배치의 불확정성 그 물건의 물리적 인 존재의 문자 적 측면이다. ” 이 에세이가 표현 인 이론의 일반적인 변화는 후기의 후기주의라고 할 수있는 것으로의 전환을 시사한다. 미니멀리즘과 관련이있는 최초의 예술가 중 한 명은 화가 프랭크 스텔라 (Frank Stella)였다. 1959 년 뉴욕의 현대 미술관 (Museum of Modern Art)에서 도로시 밀러 (Dorothy Miller)가 주최 한 1959 년작 “Pinstripe”
Frank Stellas의 핀 스트라이프 그림의 줄무늬 폭은 가로장에서 보았을 때 그림의 깊이로 볼 수있는 받침대에 사용되는 목재의 크기에 따라 결정되며 캔버스가 늘어난지지 섀시를 만드는 데 사용됩니다. 따라서 캔버스 전면의 구조에 대한 결정은 전적으로 주관적이지는 않지만 지원의 물리적 구성의 “주어진”특성에 의해 사전 조건으로 결정되었습니다. 쇼 카탈로그에서 Carl Andre는 “Art는 불필요한 것들을 배제하고 Frank Stella는 줄무늬를 그릴 필요가 있음을 알았습니다. 그의 그림에는 다른 것이 없습니다.” 이러한 환원성 작품은 에너지가 가득차 있고 분명히 주관적이며 감정적으로 위닝 된 빌렘 드 쿠닝이나 프란츠 클라인의 그림과는 현저한 대조를 이루었으며 이전 세대의 추상적 표현주의 자의 선례로 볼 때 덜 제스츄어가되고 종종 우울한쪽으로 기울어졌다 바넷 뉴먼 (Barnett Newman)과 마크 로스 코 (Mark Rothko)의 색채 그림. Stella가 MoMA 쇼에서 즉각적인 관심을 받았지만 Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell 및 Robert Ryman 등의 아티스트는 50 년대 후반부터 1960 년대까지 줄무늬, 단색 및 하드 가장자리 형식을 탐구하기 시작했습니다.
문자 그대로의 그림을 외면하고, 환상적이고 가상적 인 것을 배제하려는 최소한의 예술 경향 때문에 회화 적으로 그리고 조각적인 관심으로 이동하는 움직임이있었습니다. Donald Judd는 화가로서 시작하여 사물의 창작자로 끝났습니다. 그의 독창적 인 수필 인 “특정 대상”(1965 년 예술 연감 (Arts Yearbook)에 발표 됨)은 미니멀리스트 미학의 형성을위한 이론의 시금석이었다. 이 에세이에서 Judd는 미국 미술을위한 새로운 영토의 출발점과 잔여의 유럽 예술적 가치에 대한 동시 거부를 발견했습니다. 그는 재스퍼 존스 (Jasper Johns), 댄 플라 빈 (Dan Flavin), 리 본 테코 (Lee Bontecou) 등 당시 뉴욕에서 활발한 다양한 예술가들의 작품에서 이러한 발전의 증거를 지적했다. Judd에 대한 “예비 적”중요성은 George Earl Ortman이 회화의 형태를 뭉툭하고 터프하며 철학적으로 기하학적 인 형태로 구체화하고 증류 한 것입니다. 이 특정 대상은 그림이나 조각으로 편안하게 분류 할 수없는 공간에 거주했습니다. 그러한 사물의 범주 적 정체성은 의문의 여지가 있으며, 잘 착용되고 지나치게 친숙한 관례와의 쉬운 연관을 피하는 것이 Judd에 대한 그들의 가치의 한 부분이었습니다.
이 운동은 현대 주의적 형식주의 미술 평론가와 역사가들에 의해 심하게 비판 받았다. 일부 비평가들은 최소한의 예술이 1960 년대까지 이어지는시기의 회화에 대한 미국의 비평가였던 클레멘트 그린버그 (Clement Greenberg)가 정의한 것처럼 회화와 조각의 현대 변증법에 대한 오해를 표출했다고 생각했다. 미니멀리즘에 대한 가장 주목할만한 비판은 공식주의 비평가 인 마이클 프라이드 (Michael Fried)가 “연극주의”에 기초한 작업에 반대 한 사람에 의해 만들어졌다. Art and Objecthood (1967 년 6 월 Artforum에서 출판 됨)에서 그는 최소의 예술 작품, 특히 최소한의 조각은 관람자의 육체와의 교전을 기반으로한다고 선언했다. 그는 로버트 모리스 (Robert Morris)와 같은 작품이 보는 행위를 일종의 광경으로 바꿔 놓았는데, 행위 관찰의 기법과 작품에 대한 관람자의 참여가 밝혀졌다. 프라이드 (Fried)는 최소한의 예술이 실패한 것처럼 예술 작품 외부의 사건에 대한 관람자의 경험에 대한이 변위를 보았다. 프리드먼의 에세이는 포스트 포럼과 지구 예술가 인 로버트 스미스 손 (Robert Smith Smith)이 Artforum 10 월 호에서 편집장에게 보낸 편지에서 즉시 도전을 받았다. Smithson은 다음과 같이 말했습니다 : “튀김이 가장 두려워하는 것은 그가하고있는 일, 즉 연극에 대한 의식입니다.
Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Ronald Bladen, Agnes Martin, Jo Baer, Paul Mogensen, Ronald 등 이미 언급 된 Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, 데이비스, 찰스 힌먼, 데이비드 노보스, 브라이스 마든, 블링키 팔레르모, 존 맥 크라켄, 광고 라인 하트, 프레드 샌드 백, 리차드 세라, 토니 스미스, 패트리샤 요한슨, 앤 트루 리트.
사실 추상 표현주의 세대의 예술가 인 광고 라인 하르트 (Ad Reinhardt)는 거의 모든 흑인 회화가 미니멀리즘을 예견 한 것처럼 보였으 나 미술에 대한 환원 적 접근의 가치에 관해 이렇게 말하고있다.
그 안에 물건이 많을수록 미술 작품이 많을수록 더 나 빠지게됩니다. 더 많지는 않습니다. 적은 것이 더 많습니다. 눈은 시력을 맑게하는 위협이다. 누워있는 벌거숭이는 외설적이다. 예술은 자연을 제거하는 것으로 시작됩니다.
라인 하르트 (Reinhardt)의 발언은 한스 호프만 (Hans Hofmann)의 자연에 대한 존중을 자신의 추상적 표현주의 회화의 근원으로 직접 언급하고 모순된다. Hofmann과 Jackson Pollock 사이의 유명한 교류에서 Lee Krasner가 Dorothy Strickler (1964-11-02)와 함께 Smithsonian Institution Archives of American Art와의 인터뷰에서 말했습니다. 크래스 너 (Krasner)의 말에 따르면,
“호프만을 폴록을 만나고 여기로 옮기기 전에 있었던 일을 보았을 때, 호프만의 반응은 그가 잭슨에게 물어 본 질문 중 하나였습니다. 자연에서 일하십니까? 대답은 자연이었고 호프만의 대답은 “아, 그렇지만 마음으로 일하면 스스로 반복 할 것입니다. 잭슨은 전혀 대답하지 않았습니다.” Pollock과 Hofmann 간의 회의는 1942 년에 진행되었습니다.