La pittura di storia è una forma d’arte che ha le sue origini nel Rinascimento. Nella pittura storica, il materiale storico, religioso, mitico, leggendario o letterario viene mostrato condensato in un momento storico. La pittura di storia è un genere di pittura definito dal soggetto piuttosto che dallo stile artistico. I dipinti storici di solito rappresentano un momento in una storia narrativa, piuttosto che un soggetto specifico e statico, come in un ritratto.

Il termine deriva dai più ampi sensi della parola historia in latino e in italiano, che significa “storia” o “narrativa”, e essenzialmente significa “trama della storia”. La maggior parte dei dipinti di storia non sono scene della storia, in particolare dipinti risalenti a prima del 1850 circa. Una caratteristica importante della pittura di storia è che i personaggi principali mostrati sono nominabili. [2] Spesso c’è il focus di un eroe, una singola personalità mostrata come una recitazione autonoma. Le immagini storiche servono a trasfigurarle deliberatamente, a esagerarle e a creare un mito della storia, non una rappresentazione realistica degli eventi passati. Furono spesso commissionati, acquistati o emessi dai sovrani.

Nell’inglese moderno, la pittura storica è talvolta usata per descrivere la pittura di scene della storia nel suo senso più stretto, in particolare per l’arte del 19 ° secolo, esclusi i soggetti religiosi, mitologici e allegorici, che sono inclusi nel termine più ampio della pittura di storia, e prima del 19 ° secolo erano i soggetti più comuni per i dipinti di storia.

I dipinti di storia contengono quasi sempre un numero di figure, spesso un gran numero, e normalmente mostrano un tipo di azione che è un momento in una narrazione. Il genere comprende rappresentazioni di momenti nelle narrazioni religiose, soprattutto la Vita di Cristo, nonché scene narrative della mitologia e anche scene allegoriche. Questi gruppi furono a lungo i più frequentemente dipinti; opere come il soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo sono quindi dipinti di storia, così come i più grandi dipinti prima del XIX secolo. Il termine comprende grandi dipinti a olio su tela o affreschi prodotti tra il Rinascimento e la fine del XIX secolo, dopo di che il termine non viene generalmente utilizzato anche per le numerose opere che ancora soddisfano la definizione di base.

La pittura di storia può essere usata in modo intercambiabile con la pittura storica, ed era usata in modo particolare prima del XX secolo. Laddove viene fatta una distinzione, la “pittura storica” ​​è la pittura di scene della storia secolare, siano esse episodi specifici o scene generalizzate. Nel diciannovesimo secolo, la pittura storica in questo senso divenne un genere distinto. In frasi come “materiali storici per la pittura”, “storico” significa in uso prima del 1900 circa, o qualche data precedente.

Valutazione
La pittura di storia era tradizionalmente considerata il genere più importante. Questa preminenza è spiegata all’interno di un certo concetto di arte in generale: non è valutata così tanto che l’arte imita la vita, ma piuttosto che propone esempi nobili e plausibili. Non è narrato ciò che fanno gli uomini, ma ciò che possono fare. Ecco perché viene difesa la superiorità di quelle opere artistiche in cui ciò che viene narrato è considerato alto o nobile.

L’artista rinascimentale Alberti, nella sua opera De Pictura, Libro II, ha sottolineato che “la rilevanza di un dipinto non si misura dalle sue dimensioni, ma da ciò che racconta, dalla sua storia”. 2 L’idea viene dalla Grecia classica, in cui la tragedia è stata valutata di più, cioè la rappresentazione di un’azione nobile compiuta da dei o eroi, piuttosto che dalla commedia, che è stata intesa come l’azione quotidiana delle persone volgari. In questo senso, Aristotele, nella sua Poetica, finisce per dare prevalenza alla narrativa poetica, dal momento che narra ciò che potrebbe accadere, ciò che è possibile, plausibile o necessario, piuttosto che ciò che è realmente accaduto, che sarebbe il campo dello storico. Ora, tenendo presente che non è che questa finzione è pura invenzione o fantasia, ma che il mito è fabulazione, stilizzazione o idealizzazione basata su esempi umani storicamente possibili. Quando Aristotele apprezza la tragedia sopra ogni altra cosa, è perché, tra tutte le possibili azioni umane, quelle che imita sono le migliori e le più nobili.

Ecco perché, quando nel 1667 André Félibien (storiografo, architetto e teorico del classicismo francese) gerarchizzò i generi pittorici, riservò il primo posto alla pittura di storia, che considerava il grande genere. Durante il diciassettesimo e diciannovesimo secolo, questo genere fu la pietra di paragone di ogni pittore, in cui dovette sforzarsi di distinguersi e che gli valse il riconoscimento attraverso premi (come il Premio di Roma), il favore del grande pubblico e persino l’ammissione alle accademie di vernice. Oltre all’alto livello del messaggio trasmesso, c’erano ragioni tecniche. In effetti, questo tipo di pittura richiedeva all’artista di avere una grande padronanza di altri generi come la ritrattistica o il paesaggio, e doveva avere una certa cultura, con una particolare conoscenza della letteratura e della storia.

Certamente, questa posizione iniziò a declinare dalla fine del XVIII secolo e per tutto il XIX secolo, a beneficio di altri generi come ritrattistica, scene di genere e paesaggio. A poco a poco, la rappresentazione di ciò che l’arte classica considerava “commedia” iniziò ad essere più apprezzata: le storie quotidiane, minori di persone volgari. Non a caso, le rappresentazioni di Hogarth dei suoi contemporanei furono chiamate da questo dipinto di storia comica “pittura di storia comica”.

Caratteristiche
La pittura storica è caratterizzata, in termini di contenuto, come pittura narrativa: la scena rappresentata racconta una storia. Quindi esprime un’interpretazione della vita o trasmette un messaggio morale o intellettuale.

Di solito sono dipinti di grande formato, di grandi dimensioni. C’è una concentrazione di alcuni personaggi principali tra altri personaggi minori in una folla confusa. E tutto ciò incorniciato, generalmente sullo sfondo e nei luoghi meno importanti del dipinto, in strutture architettoniche tipiche dell’epoca rappresentata.

I colori sono generalmente sobri. Si presta attenzione agli accessori, ai dettagli di abbigliamento o agli oggetti relativi all’argomento da trattare. Tuttavia, l’evento, se del caso, non è necessario che si sia verificato esattamente come è rappresentato, e gli artisti spesso si prendono grandi libertà con eventi storici nel ritrarre il messaggio desiderato. Questo non è sempre stato il caso, poiché all’inizio gli artisti vestivano i loro personaggi con costumi classici, indipendentemente da quando si fossero verificati gli eventi segnalati. Quando Benjamin West iniziò a rappresentare La morte del generale Wolfe nel 1770 In abiti contemporanei, diverse persone gli dissero fermamente di indossare abiti classici. Ma ha rappresentato la scena nei panni del momento in cui si è verificato l’evento. Sebbene re Giorgio III si rifiutasse di acquistare l’opera, West riuscì sia a superare le obiezioni dei suoi critici sia a inaugurare uno stile più storicamente appropriato in tali dipinti.

La pittura di storia del genere
Una delle ragioni per l’emergere di questa disciplina artistica è stata la consapevolezza mutevole della storia e la necessità associata di rappresentare il passato con determinate intenzioni. Gli artisti hanno dipinto motivi storici in grande formato e talvolta in coerenza con il luogo della mostra, che hanno interpretato e simulato in immagini.

Comune alla pittura storica in tutte le epoche storico-artistiche è la delimitazione dal quadro dell’evento, che spesso rappresentava eventi quotidiani come il lavoro sul campo o la vita di città. Il quadro storico, d’altra parte, può e vuole raccontare il momento storicamente speciale attraverso un simbolismo senza tempo e trasferibile. Spesso si pone la questione se un’immagine storica sia arte o storia. Entrambe le discipline possono dare una risposta a questo, che deve essere compreso in base alla prospettiva scientifica.

Per lo storico il quadro storico è anche storia o storia nella misura in cui il momento storico sottratto viene sottratto alla storia delle origini e alle circostanze in cui si è trovato il pittore. Viste e intenzioni, nonché design significa tipico di un tempo, conferiscono all’immagine storica un contenuto storico reale. Il contenuto, che spesso è sapientemente messo in scena, manipolato o tagliato da una verità, è semplicemente l’interpretazione di un evento o l’interpretazione del passato da parte dell’artista. Da questo punto di vista, ora è possibile avvicinarsi all’immagine dal punto di vista dell’arte. Il contenuto e l’espressione delle immagini storiche sono determinati dai principi di design estetico dell’arte, quindi la messa in scena visiva della storia deve essere vista come un’arte (opera).

Anche la messa in scena artistica e il design del pittore di solito non sono sotto la sua direzione, come intenzioni come l’adorazione dei sovrani, che sono state spesso commissionate dalle parti rappresentate stesse per legittimare una persona o uno stato e legittimarlo. In questo modo, il lavoro artistico autonomo e gli interessi politici si escludono a vicenda. Tuttavia, questa dimensione non era necessariamente chiara per lo spettatore contemporaneo, poiché la rappresentazione spesso trasfigurata ha avuto un reale effetto sul destinatario. Quindi raramente esisteva una separazione tra finzione e realtà, dovuta al livello di istruzione ma anche al grado di maturità di ampie fasce della società.

Inoltre, la tangibilità dell’immagine media era un vantaggio, dal momento che qualcosa apparentemente era raffigurato oggettivamente in essa. In questo senso, l’artista ha interpretato il passato nel presente, il tempo in cui l’immagine è stata creata, prendendo una certa prospettiva, e quindi l’ha aggiornata per il pubblico. Allo spettatore dovrebbe essere mostrata una simbiosi tra passato e futuro iniziata dall’immagine, con l’obiettivo di storicizzare il materiale rappresentato nella memoria. Questa offerta visiva è stata particolarmente interessante per i destinatari ingenui e non istruiti.

Prestigio
I dipinti di storia erano tradizionalmente considerati la più alta forma di pittura occidentale, occupando il posto più prestigioso nella gerarchia dei generi e considerati l’equivalente dell’epopea della letteratura. Nel suo De Pictura del 1436, Leon Battista Alberti aveva sostenuto che la pittura di storia a più figure era la più nobile forma d’arte, in quanto la più difficile, che richiedeva la padronanza di tutti gli altri, perché era una forma visiva della storia e perché aveva il massimo potenziale per spostare lo spettatore. Ha posto l’accento sulla capacità di rappresentare le interazioni tra le figure con gesti ed espressioni.

Questa visione rimase generale fino al 19 ° secolo, quando i movimenti artistici iniziarono a lottare contro le istituzioni dell’establishment dell’arte accademica, che continuarono ad aderirvi. Allo stesso tempo, dall’ultima parte del 18 ° secolo vi fu un crescente interesse nel rappresentare la forma della storia dipingendo momenti drammatici della storia recente o contemporanea, che erano stati per lungo tempo confinati in scene di battaglia e scene di resa formale e simili. Scene della storia antica erano state popolari nel primo Rinascimento, e ancora una volta sono diventate comuni nei periodi barocco e rococò, e ancora di più con l’ascesa del neoclassicismo. In alcuni contesti del XIX o XX secolo, il termine può riferirsi specificamente ai dipinti di scene della storia secolare, piuttosto che a quelli di narrazioni religiose, letteratura o mitologia.

Sviluppo
Il termine non è generalmente usato nella storia dell’arte nel parlare di pittura medievale, sebbene la tradizione occidentale si stesse sviluppando in grandi pale d’altare, cicli di affreschi e altre opere, oltre a miniature in manoscritti miniati. Viene alla ribalta nella pittura rinascimentale italiana, dove furono prodotte una serie di opere sempre più ambiziose, molte ancora religiose, ma molte, soprattutto a Firenze, che in realtà presentavano scene storiche quasi contemporanee come il set di tre enormi tele su The La battaglia di San Romano di Paolo Uccello, la battaglia abortiva di Cascina di Michelangelo e la battaglia di Anghiari di Leonardo da Vinci, nessuna delle quali fu completata. Anche le scene della storia antica e della mitologia erano popolari. Scrittori come Alberti e il secolo successivo Giorgio Vasari nelle sue Vite degli artisti, seguirono l’opinione pubblica e artistica nel giudicare i migliori pittori soprattutto sulla loro produzione di grandi opere di pittura storica (sebbene in realtà l’unico moderno (post-classico) l’opera descritta in De Pictura è l’enorme Navicella in mosaico di Giotto). Gli artisti hanno continuato per secoli a cercare di farsi una reputazione producendo tali opere, spesso trascurando i generi a cui i loro talenti erano più adatti.

C’era qualche obiezione al termine, poiché molti scrittori preferivano termini come “pittura poetica” (poesia), o volevano fare una distinzione tra la “vera” istoria, che copre la storia tra cui scene bibliche e religiose, e la fabula, che copre pagano mito, allegoria e scene di finzione, che non potevano essere considerati veri. Le grandi opere di Raffaello furono a lungo considerate, insieme a quelle di Michelangelo, i migliori modelli per il genere.

Nelle Stanze di Raffaello nel Palazzo del Vaticano, allegorie e scene storiche sono mescolate insieme, e le vignette di Raffaello mostrano scene dei Vangeli, tutte nel Grand Manner che dall’Alto Rinascimento furono associate e spesso attese nella pittura storica. Nel tardo Rinascimento e nel Barocco il dipinto della storia attuale tendeva a degenerare in scene di battaglia panoramiche con il monarca vittorioso o il generale arroccato su un cavallo accompagnato dal suo seguito, o scene formali di cerimonie, anche se alcuni artisti sono riusciti a realizzare un capolavoro da tale materiale senza compromessi, come ha fatto Velázquez con il suo La resa di Breda.

Una formulazione influente della gerarchia dei generi, che conferma la pittura storica nella parte superiore, fu fatta nel 1667 da André Félibien, uno storiografo, architetto e teorico del classicismo francese diventato la classica dichiarazione della teoria per il 18 ° secolo:

Celui qui fait parfaitement of païsages is au-dessus d’un autre qui de fait que of fruit, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus stimable que ceux qui ne rappresents que des choses mortes & sans mouvement; & come the figure of the homme is the plus parfait ouvrage de Dieu sur the Terre, the est auss que celui qui is render the imitingur of Dieu en peignant of figures humaines, est beaucoup plus great que tous les autres … un peint qui come fa i ritratti, non c’è niente di meglio che avere la perfezione alta dell’Arte, e non c’è niente di meglio che ricordare i ricordi di sávans. Il faut pour cela passer d’une seule figura alla rappresentazione di plusieurs ensemble; il faut traiter l’histoire & la fable; il faut représenter de grandes action come the historiens, ou of sujets agréables comme les Poëtes; & montant encore plus haut, il faut of compositions allégoriques, sçavoir couvrir sous il voile de la favola the vertus des grands hommes, & les mystères les plus relevez.

Chi produce paesaggi perfetti è al di sopra di un altro che produce solo frutta, fiori o conchiglie. Chi dipinge animali viventi è più di quelli che rappresentano solo cose morte senza movimento, e poiché l’uomo è l’opera più perfetta di Dio sulla terra, è anche certo che chi diventa un imitatore di Dio nel rappresentare figure umane, è molto più eccellente di tutti gli altri … un pittore che fa solo ritratti non ha ancora la più alta perfezione della sua arte e non può aspettarsi l’onore a causa dei più abili. Per questo deve passare dal rappresentare una singola figura a più insieme; la storia e il mito devono essere raffigurati; i grandi eventi devono essere rappresentati come dagli storici, o come i poeti, i soggetti che piaceranno, e arrampicarsi ancora più in alto, deve avere l’abilità di coprire sotto il velo del mito le virtù dei grandi uomini nelle allegorie e i misteri che rivelano ” .

Verso la fine del XVIII secolo, con la pittura sia religiosa che mitolologica in declino, vi fu una crescente domanda di dipinti di scene della storia, compresa la storia contemporanea. Ciò è stato in parte guidato dal mutevole pubblico di dipinti ambiziosi, che ora si sono sempre più affermati in mostre pubbliche piuttosto che impressionando i proprietari e i visitatori di palazzi ed edifici pubblici. La storia classica è rimasta popolare, ma le scene delle storie nazionali sono state spesso le più accolte. Dal 1760 in poi, la Society of Artists of Great Britain, il primo ente ad organizzare mostre periodiche a Londra, assegnò ogni anno due generosi premi a dipinti di soggetti della storia britannica.

La natura non eroica dell’abito moderno era considerata una grave difficoltà. Quando, nel 1770, Benjamin West propose di dipingere La morte del generale Wolfe in abiti contemporanei, fu fermamente incaricato di usare il costume classico da molte persone. Ignorò questi commenti e mostrò la scena in abiti moderni. Sebbene Giorgio III si rifiutasse di acquistare l’opera, West riuscì sia a superare le obiezioni dei suoi critici sia ad inaugurare uno stile più accurato dal punto di vista storico in tali dipinti. Altri artisti hanno raffigurato scene, indipendentemente da quando si sono verificate, in abiti classici e per molto tempo, specialmente durante la Rivoluzione francese, la pittura di storia si è spesso concentrata sulle raffigurazioni dell’eroico nudo maschile.

La grande produzione, utilizzando i migliori artisti francesi, di dipinti di propaganda che glorificavano le gesta di Napoleone, erano accompagnati da opere, che mostravano vittorie e perdite, dall’alleanza anti-napoleonica di artisti come Goya e J.M.W. Turner. La zattera della medusa di Théodore Géricault (1818-1819) fu una sensazione, sembrando aggiornare la pittura di storia per il 19 ° secolo e mostrando figure anonime famose solo per essere state vittime di quello che allora era un disastro famoso e controverso in mare. Convenientemente i loro abiti erano stati logorati da stracci dall’aspetto classico nel punto in cui il dipinto raffigura. Allo stesso tempo, la domanda di grandi dipinti tradizionali di storia religiosa è in gran parte diminuita.

A metà del XIX secolo nacque uno stile noto come storicismo, che segnò un’imitazione formale di stili storici e / o artisti. Un altro sviluppo nel diciannovesimo secolo fu il trattamento di soggetti storici, spesso su larga scala, con i valori della pittura di genere, la rappresentazione di scene della vita quotidiana e l’aneddoto. Grandi rappresentazioni di eventi di grande importanza pubblica sono state integrate con scene che descrivono incidenti più personali nella vita del grande, o di scene incentrate su figure senza nome coinvolte in eventi storici, come nello stile Troubadour. Allo stesso tempo, scene di vita ordinaria con contenuto morale, politico o satirico sono diventate spesso il veicolo principale per l’interazione espressiva tra le figure della pittura, sia che si tratti di un ambiente moderno o storico.

Verso la fine del XIX secolo, la pittura di storia fu spesso esplicitamente respinta da movimenti d’avanguardia come gli impressionisti (eccetto Édouard Manet) e i simbolisti, e secondo uno scrittore recente “Il modernismo era in larga misura costruito sul rifiuto della storia Pittura … Tutti gli altri generi sono considerati in grado di entrare, in una forma o nell’altra, nel “pantheon” della modernità considerato, ma la pittura di storia è esclusa “.

15 ° secolo
Oltre alle discipline di genere, ritratto, paesaggio e natura morta, anche la pittura di storia si è sviluppata nel XV secolo. Non da ultimo a causa della crescente preoccupazione per la propria identità e il passato della società, questo genere è stato formato attraverso una consapevolezza precedentemente non disponibile della storia e del passato.

C’era un consenso sul fatto che una persona fosse più difficile da rappresentare di un paesaggio e per questo motivo una gerarchia si sviluppò gradualmente tra i pittori. Godevano di una reputazione superiore per la creazione di storie o ritratti e anche di una migliore retribuzione. Il contenuto e i motivi delle prime immagini storiche erano basati su elementi e figure del mondo antico e adattarono così le figure o i temi della mitologia. Oltre a questa funzione creativa, le immagini avevano tutte un contenuto storico o religioso, e raramente le combinavano entrambe nell’immagine.

Il centro della prima fase della pittura di storia è l’Italia, dove Leon Battista Alberti si occupò in anticipo della teoria dell’arte di questo tipo di pittura. Per lui, il pittore di storia dovrebbe avere uno status speciale tra gli altri artisti. Oltre alla conoscenza dei fatti storici, che era importante per il contenuto dell’immagine, il pittore dovrebbe essere in grado di ispirare lo spettatore con il modo in cui ha progettato la realtà. Al fine di lasciare questo effetto sul destinatario, l’obiettivo educativo primario di un pittore era lo studio della natura e della matematica – non l’educazione umanistica – al fine di rendere le figure e gli elementi del quadro il più attraenti possibile attraverso la mimesi della realtà.

16 ° secolo
I principi di progettazione del 15 ° secolo dovrebbero inizialmente essere rispettati nel 16 ° secolo successivo. La visione della teoria dell’arte italiana che si stava lentamente costituendo doveva ancora fornire al pittore linee guida e un quadro per il suo lavoro. Il fatto che i pittori storici debbano anche conoscere il materiale storico che hanno ritratto è ulteriormente maturato. La forma di rappresentazione ha anche sostenuto che lo spettatore dovrebbe essere attratto dall’immagine e influenzato. La richiesta di preservare la convenevolezza era una nuova attenzione per l’adeguatezza della presentazione. In teoria, i motivi idealizzanti sono stati respinti il ​​più possibile e hanno attirato l’arte della rappresentazione del pittore. Oltre alle influenze della Chiesa cattolica sui motivi e sul contenuto dell’immagine – in molti casi le opere d’arte sono state interpretate come sermoni nelle immagini – la richiesta di una semplice lettura delle immagini ha segnato questa fase della pittura storica. Gabriele Paleotti ha richiesto un design rigoroso e chiaro, che dovrebbe rendere più semplice per lo spettatore la lettura delle immagini. Inoltre, ha visto nell’immagine media l’opportunità di rivolgersi a un gruppo di destinatari molto più ampio di quanto fosse possibile con scritti e testi, dal momento che solo poche persone hanno apprezzato la formazione in lettura e scrittura. L’epoca del passaggio dal Rinascimento a Berque, noto come Manierismo, rappresentava il pittore non solo come un artigiano che progettava quadri, ma piuttosto come il creatore di un’opera il cui talento si riflette nelle opere che ha creato.

17 ° secolo
Verso la fine del XVI secolo e all’inizio del XVII secolo, il centro della pittura (storica) si spostò sempre più dall’Italia alla Francia. Anche qui le opinioni sullo scopo e sul contenuto della pittura storica si dividono sempre di più. Da un lato, questo tipo di immagine divenne il soggetto della disciplina ora istituzionalizzata all’Académie Française. Il comitato artistico dell’Accademia aveva compiti sia organizzativi che concettuali nel campo della pittura. Il consiglio decise sullo status del titolo professionale di pittore, sulle regole dell’arte prevalente, sull’apprendistato e l’insegnamento dei pittori e sulla funzionalizzazione della pittura in questioni politiche. D’altra parte, pittori e critici come Roger de Piles hanno fermato l’indipendenza dei pittori. De Piles si oppose chiaramente all’arte accademica, il cui nucleo si riferiva alla percezione del pittore e non a regolarità stabilite. Entrambi gli approcci alla teoria dell’arte, quello dell’Accademia e del De Piles, combinavano l’aspetto educativo e morale delle immagini storiche.

18mo secolo
Il lavoro preliminare del 17 ° secolo nel campo della critica d’arte ha aperto una discussione ancora maggiore nel 18 ° secolo nelle istituzioni, ma anche da parte di privati ​​con argomenti di pittura storica. Denis Diderotre ha messo in luce il conflitto già esistente tra le idee di base dell’Académie Française e quelle di de Piles. Un’opposizione tra i principi del design estetico nel senso del pittore stesso e le regole conservative della pittura è difficile da conciliare, afferma Diderot. Nei pittori contemporanei, vide solo l’incapacità di trasferire le dichiarazioni morali dei personaggi eroi, in modo che non ci fosse espressione di passione. I pensieri di Diderot sull’estetica andarono persino oltre i vecchi principi del genere e conferì ai pittori di dipinti espressivi di paesaggi lo stesso status dei pittori di storia.

Il teorico dell’arte Louis Etienne Watelet, d’altra parte, ha chiaramente respinto questa valutazione e ha ritenuto giustificata la gerarchia dei generi nella pittura. Poiché il pittore di storia ha bisogno di più conoscenze degli artisti di altre discipline, deve anche ricevere più fama e supporto, ha detto Watelet. Ha anche chiesto che il pubblico, le istituzioni e i sovrani debbano sostenere il pittore di storia con ordini.

La discussione tra le regole della pittura e i principi del design indipendente fu definitivamente interrotta dal pittore Benjamin West. La pittura di West The Death of General Wolfe non si concentrava più direttamente sul principio del design, ma piuttosto sul contenuto rappresentato. L’ovest, come suggerisce il titolo, dipinse la morte del generale britannico James Wolfe nella battaglia a livello di Abramo contro le truppe francesi vicino a Quebec nel settembre 1759. La cosa speciale di questa immagine fu che mostrava un evento nella storia contemporanea e fu realizzato subito dopo la morte del generale. Dopo alcune discussioni sulla mostra del film, West è riuscita a prevalere ed è stata resa accessibile al pubblico. West basava la sua immagine sul fatto che, oltre alla posizione del pittore, si vedeva anche come uno storico, il cui compito era quello di documentare una storia contemporanea così importante nel mezzo dell’immagine.

Inizialmente, la “pittura storica” ​​e la “pittura storica” ​​sono state usate in modo intercambiabile in inglese, come quando Sir Joshua Reynolds nel suo quarto Discorso usa entrambi indiscriminatamente per coprire la “pittura storica”, mentre dice “… dovrebbe essere chiamato poetico, come in realtà è “, che riflette il termine francese peinture historique, un equivalente della” pittura di storia “. I termini iniziarono a separarsi nel diciannovesimo secolo, con la “pittura storica” ​​che divenne un sottogruppo di “pittura storica” ​​limitato a soggetti presi dalla storia in senso normale. Nel 1853 John Ruskin chiese al suo pubblico: “Cosa intendi attualmente per pittura storica? Oggigiorno significa lo sforzo, per il potere dell’immaginazione, di ritrarre qualche evento storico dei giorni passati.” Quindi, ad esempio, il catalogo di tre volumi di Harold Wethey dei dipinti di Tiziano (Phaidon, 1969-1975) è diviso tra “Dipinti religiosi”, “Ritratti” e “Dipinti mitologici e storici”, sebbene entrambi i volumi I e III coprano ciò che è incluso nel termine “Dipinti storici”. Questa distinzione è utile ma non viene affatto osservata in generale, e i termini sono ancora spesso usati in modo confuso.

A causa del potenziale di confusione, la moderna scrittura accademica tende a evitare la frase “pittura storica”, parlando invece di “materia storica” ​​nella pittura di storia, ma dove la frase è ancora usata nella borsa di studio contemporanea significherà normalmente la pittura di soggetti di storia, molto spesso nel XIX secolo. “Pittura storica” ​​può anche essere usata, specialmente nella discussione delle tecniche pittoriche negli studi sulla conservazione, per indicare “vecchia”, al contrario della pittura moderna o recente.

19esimo secolo
La pittura di storia nell’area dell’odierna Germania si è successivamente sviluppata come z. B. in Italia e Francia. Le immagini della fine del XVIII e dell’inizio del XIX secolo hanno mostrato eventi epico-filosoficamente esagerati nella storia del mondo o della regione fino alle storie popolari; predominavano dipinti militari e da battaglia, nonché dipinti monumentali.

Nella seconda metà del XIX secolo, alcune grandi potenze europee avanzarono con i loro sforzi di colonizzazione. Ciò ha aperto nuove prospettive e contenuti per i pittori. Il culto delle persone è stato praticato anche nel mezzo dell’immagine. Anche il patriottismo è stato discusso in senso figurato.

Per quanto riguarda la forma della rappresentazione, il critico d’arte Robert Vischer ha richiesto che le immagini storiche fossero “allegre e prive di miti” e che dovessero avere un chiaro colore artistico. Di conseguenza, come alcuni dei suoi predecessori europei, stabilì delle regole per l’arte, che avrebbe successivamente rivisto a favore della libertà dell’arte. Il suo ideale ora era lo sviluppo artistico libero, che, tuttavia, dovrebbe mirare a un’immagine espressiva.

Cornelius Gurlitt trasferì questo conflitto tra conoscenza storica e progettazione delle immagini, di cui Alberti discusse nel XV secolo, ai destinatari. A suo avviso, vedere le immagini storiche da parte di uno spettatore non istruito significa solo metà del godimento estetico e reale. Inoltre, ha fatto appello ai principi di progettazione dei pittori contemporanei, perché idealizzano la rappresentazione di persone e fatti e, di conseguenza, chiariscono la storia ed evocano una “realtà stentata”.

Richard Muther lo vide allo stesso modo, sebbene lo analizzasse un po ‘più lontano attribuendo il compito della pittura storica a trasmettere conoscenza storica. La funzione e lo scopo della pittura storica erano particolarmente complessi nel diciannovesimo secolo, dal momento che è possibile registrare uno spettro di edificazione privata ed emozione sentimentale, conoscenza scientifica e istruzione illustrativa.

L’anno 1871 fu particolarmente significativo in Prussia. Dopo la vittoria della Prussia contro la Francia nella guerra franco-prussiana nel 1870/71 e la proclamazione del Reich tedesco a Versailles, cioè in territorio ostile, il passato fu accolto da numerosi pittori a favore dell’élite politica al potere, tra cui l’imperatore, in per legittimare l’unità nazionale a lungo forzata. Dalla seconda metà del XIX secolo, si possono identificare cinque motivi centrali, che servivano a questo scopo in modo manipolativo: il primo di questi motivi era la battaglia nella foresta di Teutoburgo nel 9 d.C. tra Varus e Arminius, noto anche come Hermann der Cherusker, da cui Hermann è emerso come il vincitore, che è stato capito come il primo tedesco nella ri-funzionalizzazione pittorica del 19 ° secolo. Come risultato della fondazione dell’impero, non solo fu reso omaggio in alcuni dipinti, come quelli di Karl Friedrich Schinkel e Friedrich Gunkel, ma anche il monumento Hermann a Detmold, inaugurato nel 1875.

Il secondo evento storico che è stato ricevuto e alienato in molti modi è la morte di Federico I Barbarossa. La sua morte in Anatolia durante le Crociate nel 1190 fu adattata e funzionalizzata da artisti. Quindi Wilhelm I appare in una foto nella pergamena di Barbarossa, che non dovrebbe imitare il Sacro Romano Impero, ma dovrebbe piuttosto essere interpretato come una foto del successore o esecutore delle intenzioni di Federico I. Poiché Barbarossa aveva una forte somiglianza con Gesù crocifisso nella pittura contemporanea, non solo si appellava alle tradizioni politiche, ma anche alla religiosità della nazione. Anche Friedrich Kaulbach e Hermann Wislicenus (Palazzo Imperiale di Goslar) lavorarono sul motivo Barbarossa e lo trasfigurarono nel senso delle intenzioni politiche. La presenza del nome Barbarossa fu chiaramente sentita anche oltre la fine del secolo, perché non solo Guglielmo I, ma anche Adolf Hitler con la compagnia Barbarossa cercarono di legittimare le loro pretese di potere e di governare in Europa con il nome dell’ex imperatore.

Una persona il cui background religioso è stato aggiornato come tedesco nel 19 ° secolo è anche usata per il motivo successivo. Martin Lutero, che è stato ritratto in immagini da artisti, anche se ha vissuto molto prima, come illuminante. Anche in questo esempio, il pittore interpreta un evento storico in una retrospettiva: l’incendio della minaccia del divieto da parte di Lutero nel 1520. Catel lo considera nella sua immagine Martin Lutero brucia il toro papale e la legge canonica. Lutero è rappresentato nel simbolismo del design del 19 ° secolo come il riformatore e l’illuminatore dei tedeschi, che ha portato la lingua di molti a pochi (istruiti) attraverso le sue traduzioni della Bibbia, suggerendo allo stesso tempo allo spettatore di queste immagini che Lutero fu il fondatore dell’Impero protestante. La Riforma fu un importante centro dell’origine dell’unità nazionale nell’allontanamento attraverso l’arte e la politica del XIX secolo.

Nell’ordine cronologico del tempo, il prossimo evento storico può essere nuovamente localizzato solo all’inizio del XIX secolo. La battaglia delle nazioni vicino a Lipsia nel 1813 e gli anni precedenti della guerra influenzarono non solo gli scritti politici e letterari, ma anche la pittura contemporanea. L’élite intellettuale si è preparata con parole e immagini per raggiungere la solidarietà e la coesione patriottica tra la popolazione nei confronti del nemico francese guidato da Napoleone.

Il dipinto Ferdinande von Schmettau che sacrificava i suoi capelli sull’altare della patria era una delle immagini più conosciute dell’epoca; ha unito tutti i motivi nella foto e nel titolo previsti per l’evento storico. Gli elementi di unità e la volontà di fare sacrifici così come i motivi religiosi diventano chiari nel titolo e nella rappresentazione grafica e sono ampliati da altre opere in settori come la dichiarazione volontaria di guerra e successivamente dal motivo del vincitore. Come il motivo Barbarossa, quello della Battaglia delle Nazioni vicino a Lipsia influenzò la storia del secolo successivo. Nel 1913 qui ebbe luogo anche il Monumento alla Battaglia delle Nazioni Unite vicino a Lipsia e l’alienazione. Il memoriale, progettato per i caduti, servì come simbolo della vittoria tedesca, ma senza l’alleanza russo-austriaca contro Napoleone, quest’ultimo probabilmente non sarebbe stato sconfitto.

Il quinto evento storico significativo è la fondazione del Reich tedesco, l’unificazione della Germania. Nel momento storico della proclamazione imperiale, la storia tedesca sembrava essere stata adempiuta come una vittoria militare per gli eserciti tedeschi sotto la guida della Prussia. Anton von Werner è stato incaricato di prendere parte a questo evento come artista per catturarlo nella foto. Le tre versioni di Werner del suo dipinto The Proclamation of the German Empire (18 gennaio 1871) mostrano come la storia possa essere ricevuta e plasmata dal pittore. La prospettiva dello spettatore cambia in tutte le immagini, in modo che la prospettiva dei principi tedeschi e dei militari nella versione per il Castello di Berlino dal 1877, l’esercito prussiano nella versione per la Hall of Fame di Berlino dal 1882 e la famiglia Hohenzollern come dono di Bismarck dal 1885 è rappresentato. Un effetto collaterale del cambiamento di prospettiva è l’aumento dei dettagli. L’ultima, la versione Friedrichsruher, si concentra su Kaiser Wilhelm I e il principe ereditario Friedrich III., Bismarck, Moltke e Roon. Werner li dipinse tutti in modo fotorealistico mentre guardano nel presente, non nel 1871 ma nel 1885. Mostrò fino a che punto sono arrivati ​​nel presente. Solo il defunto Roon, che non era in grado di partecipare al proclama, fu dipinto come aveva visto nel 1871 e ricordato dagli altri ritratti, e come lo aveva ritratto nel 1871. L’obiettivo di Werner in questa versione era di evidenziare i meriti di l’imperatore e Bismarck, nonché i generali prussiani nel quindicesimo anno dell’impero. Anche qui, l’immagine della storia non mostra come fosse la storia, ma dovrebbe essere vista.

Simile ad Anton von Werner, anche Hermann Wislicenus fu incaricato di progettare dipinti che avrebbero dovuto formare una simbiosi tra storia e presente. Dopo che il Kaiserpfalz Goslar ebbe bisogno di un rinnovamento alla fine del XIX secolo, Wislicenus vinse un concorso per rinnovare e ridisegnare la residenza. I 52 murales da lui disegnati nella Kaisersa formarono una sequenza cronologica della storia tedesca con argomenti come la gloria imperiale medievale, un’allegoria della Bella Addormentata, che rappresentava il risveglio degli stati tedeschi dal profondo sonno politico e, in definitiva, la fondazione dell’impero in 1871. I motivi simboleggiano la carriera dell’artista e storica dell’impero, che ora è stato rianimato, per i clienti.

Ciò che è importante in tutti i dipinti dell’epoca è che lo spettatore dovrebbe essere efficace, motivo per cui è stato necessario trovare il modo appropriato di pubblicazione per garantirli. Da un lato, furono pianificate mostre come la National Gallery (fondata nel 1861) che, sulla base del modello francese, inizialmente erano destinate solo a dipinti storici. Un’altra opzione di pubblicazione era l’uso dell’esterno di edifici pubblici, come il Munich Hofarkaden. Le storie create qui furono commissionate dallo stato e, oltre allo sviluppo primario dell’orgoglio nazionale, dovevano anche essere considerate risorse educative per il popolo. Peter von Corneliusgot alla sua proposta nel 1826 attraverso l’assegnazione dell’organizzazione e del design di portici con 16 immagini della storia della casa di Wittelsbach dalla giustificazione della dinastia di Ottone I.

Sia che Ernst Forester dipinga la liberazione dell’esercito nella strozzatura di Chiusa di Otto di Wittelsbach nel 1155 o che Karl Sturmer Max Emanuel conquistasse Belgrado nel 1688, le rispettive figure importanti della casa di Wittelsbach sono sempre centrali come figure eroiche in una posa gloriosa. Questa serie di dipinti storici ha anche tentato di motivare le persone al patriottismo nel paese; sebbene il contemporaneo Sulzer osservi che le immagini hanno vantaggi educativi in ​​termini di contenuto, ma non fanno concorrenza alla storiografia. Come mostrato sopra, le ragioni nel campo della progettazione delle immagini e della selezione dei motivi sono dovute a eventi e personalità storicamente sorprendenti. L’accettazione da parte dello spettatore di queste rappresentazioni si basa sulla svolta in Europa dopo la fase della Rivoluzione francese. D’ora in poi il termine libertà era legato a quello della nazione o dello stato, e la comunità che viveva in uno stato era quindi orientata verso questo. Visualizzando miti e storia, il concetto di unità è stato interpretato come l’obiettivo principale sulla via del benessere della nazione. Materiale mitico e leggendario, come un Barbarossa addormentato, che ritrae la situazione politica prima della fondazione dell’impero nel 1871 come un bagliore nel sonno profondo, dovrebbe consentire riferimenti storici e continuità alle epoche precedenti.

Pittura storica e pittura storica

I termini
Inizialmente, la “pittura storica” ​​e la “pittura storica” ​​sono state usate in modo intercambiabile in inglese, come quando Sir Joshua Reynolds nel suo quarto Discorso usa entrambi indiscriminatamente per coprire la “pittura storica”, mentre dice “… dovrebbe essere chiamato poetico, come in realtà è “, che riflette il termine francese peinture historique, un equivalente della” pittura di storia “. I termini iniziarono a separarsi nel diciannovesimo secolo, con la “pittura storica” ​​che divenne un sottogruppo di “pittura storica” ​​limitato a soggetti presi dalla storia in senso normale. Nel 1853 John Ruskin chiese al suo pubblico: “Cosa intendi attualmente per pittura storica? Oggigiorno significa lo sforzo, per il potere dell’immaginazione, di ritrarre qualche evento storico dei giorni passati.” Quindi, ad esempio, il catalogo di tre volumi di Harold Wethey dei dipinti di Tiziano (Phaidon, 1969-1975) è diviso tra “Dipinti religiosi”, “Ritratti” e “Dipinti mitologici e storici”, sebbene entrambi i volumi I e III coprano ciò che è incluso nel termine “Dipinti storici”. Questa distinzione è utile ma non viene affatto osservata in generale, e i termini sono ancora spesso usati in modo confuso. A causa del potenziale di confusione, la moderna scrittura accademica tende a evitare la frase “pittura storica”, parlando invece di “materia storica” ​​nella pittura di storia, ma dove la frase è ancora usata nella borsa di studio contemporanea significherà normalmente la pittura di soggetti di storia, molto spesso nel XIX secolo. “Pittura storica” ​​può anche essere usata, specialmente nella discussione delle tecniche pittoriche negli studi sulla conservazione, per indicare “vecchia”, al contrario della pittura moderna o recente.

Nella scrittura britannica sull’Ottocento i termini “pittura soggetto” o pittura “aneddotica” venivano spesso usati per opere in una linea di sviluppo che risaliva a William Hogarth di raffigurazioni monosceniche di momenti cruciali in una narrazione implicita con personaggi non identificati, come Il dipinto di William Holman Hunt del 1853 The Awakening Conscience o Augustus Egg’s Past and Present, un set di tre dipinti, che aggiorna set di Hogarth come Marriage à-la-mode.

19esimo secolo
La pittura di storia era la forma dominante di pittura accademica nelle varie accademie nazionali nel 18 ° secolo, e per la maggior parte del 19 ° secolo, e dominavano sempre più soggetti storici. Durante il periodo rivoluzionario e napoleonico, l’eroico trattamento della storia contemporanea in modo francamente propagandistico di Antoine-Jean, Baron Gros, Jacques-Louis David, Carle Vernet e altri fu sostenuto dallo stato francese, ma dopo la caduta di Napoleone nel 1815 il I governi francesi non erano considerati adatti per un trattamento eroico e molti artisti si ritirarono ulteriormente nel passato per trovare soggetti, sebbene in Gran Bretagna raffiguranti le vittorie delle guerre napoleoniche si verificarono principalmente dopo la loro fine. Un altro percorso era quello di scegliere i soggetti contemporanei che erano contrari al governo sia in patria che all’estero, e molti di quelli che erano probabilmente l’ultima grande generazione di dipinti storici erano proteste contro episodi contemporanei di repressione o oltraggi in patria o all’estero: Goya’s The Third of May 1808 (1814), La zattera della medusa di Théodore Géricault (1818–1919), Il massacro di Chios di Eugène (1824) e Liberty Leading the People (1830). Erano eroici, ma mostravano eroiche sofferenze da parte dei civili comuni.

Artisti romantici come Géricault e Delacroix e quelli di altri movimenti come la Fratellanza preraffaellita inglese hanno continuato a considerare la pittura di storia come l’ideale per le loro opere più ambiziose. Altri come Jan Matejko in Polonia, Vasily Surikov in Russia, José Moreno Carbonero in Spagna e Paul Delaroche in Francia sono diventati pittori specializzati di grandi soggetti storici. Il trovatore di stile (“stile trovatore”) era un termine francese un po ‘irritante per i primi dipinti di scene medievali e rinascimentali, che erano spesso piccoli e rappresentavano momenti di aneddoto piuttosto che di drammaticità; Ingres, Richard Parkes Bonington e Henri Fradelle hanno dipinto tali opere. Sir Roy Strong definisce questo tipo di lavoro “romantico intimo”, e in francese era noto come “peinture de genre historique” o “peinture anecdotique” (“pittura di genere storico” o “pittura aneddotica”).

Le commissioni della Chiesa per scene di grandi gruppi della Bibbia si erano notevolmente ridotte e la pittura storica divenne molto significativa. Soprattutto all’inizio del XIX secolo, gran parte della pittura storica rappresentava momenti specifici della letteratura storica, con i romanzi di Sir Walter Scott un favorito particolare, in Francia e in altri paesi europei come in Gran Bretagna. Entro la metà del secolo ci si aspettava che le scene medievali fossero studiate con molta attenzione, utilizzando il lavoro degli storici del costume, dell’architettura e di tutti gli elementi di arredamento che stavano diventando disponibili. Ne è un esempio la vasta ricerca di architettura, abbigliamento e decorazione bizantina realizzata nei musei e nelle biblioteche parigine da Moreno Carbonero per il suo capolavoro The Entry of Roger de Flor a Costantinopoli. La fornitura di esempi e competenze per artisti, nonché per designer industriali revivalisti, è stata una delle motivazioni per l’istituzione di musei come il Victoria and Albert Museum di Londra.

Nuove tecniche di stampa come il cromolitografo hanno reso le riproduzioni di stampe monocromatiche di buona qualità sia relativamente economiche che molto accessibili, e anche estremamente redditizie per artisti ed editori, poiché le vendite erano così elevate. La pittura storica ha spesso avuto una stretta relazione con il nazionalismo e pittori come Matejko in Polonia potrebbero svolgere un ruolo importante nel fissare la narrativa storica prevalente della storia nazionale nella mente popolare. In Francia, L’art Pompier (“arte dei pompieri”) era un termine irrisorio per la pittura storica accademica ufficiale, e in una fase finale, “Pittura di storia di tipo degradato, scene di brutalità e terrore, che pretendeva di illustrare episodi di romani e Storia moresca, sono state le sensazioni del Salon. Sulle pareti sovraffollate delle gallerie della mostra, i dipinti che hanno gridato più forte hanno attirato l’attenzione “. La pittura orientalista era un genere alternativo che offriva simili costumi esotici e decorazioni, e almeno altrettante opportunità per rappresentare sesso e violenza.