Das historische Gemälde ist eine Kunstform, die ihren Ursprung in der Renaissance hat. In der historischen Malerei wird historisches, religiöses, mythisches, legendäres oder literarisches Material zu einem ahistorischen Moment verdichtet dargestellt. Die Historienmalerei ist ein Genre in der Malerei, das eher durch ihren Gegenstand als durch ihren künstlerischen Stil definiert wird. Geschichtsbilder zeigen normalerweise einen Moment in einer narrativen Geschichte und nicht wie in einem Porträt ein bestimmtes und statisches Thema.

Der Begriff leitet sich von den weiteren Sinnen des Wortes historia in Latein und Italienisch ab und bedeutet „Geschichte“ oder „Erzählung“ und bedeutet im Wesentlichen „Geschichtenmalerei“. Die meisten historischen Gemälde sind keine Szenen aus der Geschichte, insbesondere Gemälde aus der Zeit vor 1850. Ein wichtiges Merkmal der historischen Malerei ist, dass die gezeigten Hauptfiguren benennbar sind. [2] Es gibt oft den Fokus eines Helden, eine einzelne Persönlichkeit, die als autonom handelnd dargestellt wird. Historische Bilder dienen dazu, sie bewusst zu verwandeln, zu übertreiben und einen Mythos der Geschichte zu schaffen, keine realistische Darstellung vergangener Ereignisse. Sie wurden oft von Herrschern in Auftrag gegeben, gekauft oder ausgegeben.

Im modernen Englisch wird die historische Malerei manchmal verwendet, um die Malerei von Szenen aus der Geschichte im engeren Sinne zu beschreiben, insbesondere für die Kunst des 19. Jahrhunderts, mit Ausnahme religiöser, mythologischer und allegorischer Themen, die im breiteren Begriff der Geschichtsmalerei enthalten sind, und vor der Das 19. Jahrhundert war das häufigste Thema für historische Gemälde.

Geschichtsbilder enthalten fast immer eine Reihe von Figuren, oft eine große Anzahl, und zeigen normalerweise eine Art von Handlung, die ein Moment in einer Erzählung ist. Das Genre umfasst Darstellungen von Momenten in religiösen Erzählungen, vor allem des Lebens Christi, sowie Erzählszenen aus der Mythologie und allegorische Szenen. Diese Gruppen wurden lange Zeit am häufigsten gemalt; Werke wie Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle sind daher historische Gemälde, ebenso wie die meisten sehr großen Gemälde vor dem 19. Jahrhundert. Der Begriff umfasst große Gemälde in Öl auf Leinwand oder Fresko, die zwischen der Renaissance und dem späten 19. Jahrhundert entstanden sind. Danach wird der Begriff im Allgemeinen nicht einmal für die vielen Werke verwendet, die noch der grundlegenden Definition entsprechen.

Die historische Malerei kann austauschbar mit der historischen Malerei verwendet werden und wurde insbesondere vor dem 20. Jahrhundert verwendet. Wo unterschieden wird, ist „historische Malerei“ die Malerei von Szenen aus der säkularen Geschichte, ob bestimmte Episoden oder verallgemeinerte Szenen. Im 19. Jahrhundert wurde die historische Malerei in diesem Sinne zu einem eigenständigen Genre. In Phrasen wie „historisches Malmaterial“ bedeutet „historisch“, dass es vor etwa 1900 oder einem früheren Datum verwendet wird.

Bewertung
Die Historienmalerei galt traditionell als das wichtigste Genre. Diese Vorrangstellung erklärt sich in einem bestimmten Kunstbegriff im Allgemeinen: Sie wird nicht so sehr geschätzt, dass Kunst das Leben imitiert, sondern edle und plausible Beispiele vorschlägt. Es wird nicht erzählt, was Männer tun, sondern was sie tun können. Deshalb wird die Überlegenheit jener künstlerischen Werke verteidigt, in denen das, was erzählt wird, als hoch oder edel angesehen wird.

Der Renaissancekünstler Alberti wies in seiner Arbeit De Pictura, Buch II, darauf hin, dass „die Relevanz eines Gemäldes nicht an seiner Größe gemessen wird, sondern an dem, was es erzählt, an seiner Geschichte“. 2 Die Idee stammt aus dem klassischen Griechenland, in dem die Tragödie mehr geschätzt wurde, dh die Darstellung einer edlen Handlung von Göttern oder Helden, als die Komödie, die als alltägliche Handlung vulgärer Menschen verstanden wurde. In diesem Sinne setzt Aristoteles in seiner Poetik die poetische Fiktion in den Vordergrund, da sie erzählt, was passieren könnte, was möglich, plausibel oder notwendig ist, und nicht, was tatsächlich passiert ist, was das Feld des Historikers sein würde. In Anbetracht dessen, dass es sich bei dieser Fiktion nicht um eine reine Erfindung oder Fantasie handelt, sondern darum, dass der Mythos eine Fabulation, Stilisierung oder Idealisierung ist, die auf historisch möglichen menschlichen Beispielen basiert. Wenn Aristoteles die Tragödie über alles schätzt, dann deshalb, weil von allen möglichen menschlichen Handlungen diejenigen, die er nachahmt, die besten und edelsten sind.

Als André Félibien (Historiker, Architekt und Theoretiker des französischen Klassizismus) 1667 die Bildgenres hierarchisierte, reservierte er deshalb den ersten Platz für die Historienmalerei, die er als das große Genre betrachtete. Während des 17. bis 19. Jahrhunderts war dieses Genre der Prüfstein eines jeden Malers, in dem er sich abheben musste und der ihm Anerkennung durch Preise (wie den Rom-Preis), die Gunst der Öffentlichkeit und sogar die Zulassung einbrachte zu Akademien von Farbe. Neben dem hohen Niveau der von ihnen übermittelten Nachricht gab es technische Gründe. Tatsächlich erforderte diese Art der Malerei, dass der Künstler andere Genres wie Porträt oder Landschaft beherrschte, und er musste eine bestimmte Kultur mit besonderen Kenntnissen in Literatur und Geschichte haben.

Sicherlich begann diese Position ab dem Ende des 18. Jahrhunderts und im Laufe des 19. Jahrhunderts zugunsten anderer Genres wie Porträtmalerei, Genreszenen und Landschaft abzunehmen. Nach und nach wurde die Darstellung dessen, was die klassische Kunst als „Komödie“ betrachtete, immer wertvoller: der Alltag, die kleinen Geschichten vulgärer Menschen. Nicht zufällig wurden Hogarths Darstellungen seiner Zeitgenossen von diesem Comic-Geschichtsgemälde „Comic-Geschichtsmalerei“ genannt.

Eigenschaften
Die Historienmalerei wird inhaltlich als narratives Gemälde charakterisiert: Die dargestellte Szene erzählt eine Geschichte. So drückt es eine Interpretation des Lebens aus oder vermittelt eine moralische oder intellektuelle Botschaft.

Es sind normalerweise großformatige Gemälde mit großen Abmessungen. Es gibt eine Konzentration einiger Hauptfiguren inmitten anderer Nebenfiguren in einer verwirrten Menge. Und das alles gerahmt, im Allgemeinen im Hintergrund und an den am wenigsten markanten Stellen des Gemäldes, in architektonischen Strukturen, die für die aktuelle Zeit typisch sind.

Farben sind normalerweise nüchtern. Accessoires, Kleidungsdetails oder Gegenstände, die sich auf das zu behandelnde Thema beziehen, werden sorgfältig behandelt. Gegebenenfalls muss das Ereignis jedoch nicht genau so stattgefunden haben, wie es dargestellt wurde, und Künstler nehmen sich bei historischen Ereignissen häufig große Freiheiten bei der Darstellung der gewünschten Botschaft. Dies war nicht immer der Fall, da die Künstler zu Beginn ihre Figuren in klassischen Kostümen kleideten, unabhängig davon, wann die gemeldeten Ereignisse eingetreten waren. Als Benjamin West 1770 den Tod von General Wolfe in zeitgenössischer Kleidung darstellte, sagten ihm mehrere Leute nachdrücklich, er solle klassische Kleidung tragen. Aber er stellte die Szene in der Kleidung des Augenblicks des Ereignisses dar. Obwohl König George III. Sich weigerte, das Werk zu kaufen, gelang es West, sowohl die Einwände seiner Kritiker zu überwinden als auch einen historisch angemesseneren Stil in solchen Gemälden zu etablieren.

Die Gattung Geschichte Malerei
Ein Grund für die Entstehung dieser Kunstdisziplin war das sich ändernde Bewusstsein für die Geschichte sowie die damit verbundene Notwendigkeit, die Vergangenheit mit bestimmten Absichten darzustellen. Künstler malten historische Motive in großem Format und manchmal in Übereinstimmung mit dem Ausstellungsort, den sie interpretierten und in Bildern fälschten.

Der historischen Malerei in allen kunsthistorischen Epochen gemeinsam ist die Abgrenzung zum Ereignisbild, das häufig alltägliche Ereignisse wie Feldarbeit oder Stadtleben darstellt. Das historische Bild hingegen kann und will durch zeitlose und übertragbare Symbolik vom historisch besonderen Moment erzählen. Oft stellt sich die Frage, ob ein historisches Bild Kunst oder Geschichte ist. Beide Disziplinen können darauf eine Antwort geben, die je nach wissenschaftlicher Perspektive verstanden werden muss.

Für den Historiker ist das historische Bild auch Geschichte oder Geschichte, sofern der abstrahierte historische Moment von der Ursprungsgeschichte und den Umständen, unter denen sich der Maler befand, abstrahiert ist. Ansichten und Absichten sowie zeittypische Gestaltungsmittel verleihen dem historischen Bild einen tatsächlichen historischen Inhalt. Der Inhalt, der oft geschickt inszeniert, manipuliert oder von einer Wahrheit beschnitten wird, ist lediglich die Interpretation eines Ereignisses oder die Interpretation der Vergangenheit durch den Künstler. Unter diesem Gesichtspunkt kann man sich nun dem Bild aus der Perspektive der Kunst nähern. Inhalt und Ausdruck historischer Bilder werden durch die ästhetischen Gestaltungsprinzipien der Kunst bestimmt, so dass die visuelle Inszenierung der Geschichte als Kunst (Werk) zu betrachten ist.

Sogar die künstlerische Inszenierung und Gestaltung des Malers steht normalerweise nicht unter seiner eigenen Leitung, da Absichten wie die Anbetung der Herrscher, die oft von den abgebildeten Parteien selbst beauftragt wurden, eine Person oder einen Staat zu legitimieren und zu legitimieren. Auf diese Weise schließen sich künstlerische Selbstarbeit und politische Interessen gegenseitig aus. Diese Dimension war dem zeitgenössischen Betrachter jedoch nicht unbedingt klar, da die oft verklärte Darstellung einen echten Einfluss auf den Empfänger hatte. Es gab also selten eine Trennung von Fiktion und Realität, was auf das Bildungsniveau, aber auch auf den Reifegrad großer Teile der Gesellschaft zurückzuführen war.

Darüber hinaus war die Greifbarkeit des mittleren Bildes von Vorteil, da darin offenbar etwas objektiv dargestellt wurde. In diesem Sinne interpretierte der Künstler die Vergangenheit in der Gegenwart, die Zeit, in der das Bild entstand, aus einer bestimmten Perspektive und aktualisierte es so für die Öffentlichkeit. Dem Betrachter sollte eine durch das Bild initiierte Symbiose zwischen Vergangenheit und Zukunft gezeigt werden, um das in der Erinnerung dargestellte Material zu historisieren. Dieses visuelle Angebot war besonders attraktiv für naive und ungebildete Empfänger.

Prestige
Geschichtsbilder wurden traditionell als die höchste Form der westlichen Malerei angesehen, die den prestigeträchtigsten Platz in der Hierarchie der Genres einnahm und als das Äquivalent zum Epos in der Literatur angesehen wurde. In seinem De Pictura von 1436 hatte Leon Battista Alberti argumentiert, dass die mehrfigurige Geschichtsmalerei die edelste und schwierigste Kunstform sei, die die Beherrschung aller anderen erfordere, weil sie eine visuelle Form der Geschichte sei und weil es hatte das größte Potenzial, den Betrachter zu bewegen. Er legte Wert auf die Fähigkeit, die Wechselwirkungen zwischen den Figuren durch Geste und Ausdruck darzustellen.

Diese Ansicht blieb bis zum 19. Jahrhundert allgemein, als künstlerische Bewegungen gegen die etablierten Institutionen der akademischen Kunst zu kämpfen begannen, die weiterhin daran festhielten. Gleichzeitig gab es ab der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ein verstärktes Interesse an der Darstellung von dramatischen Momenten des Dramas aus der jüngeren oder zeitgenössischen Geschichte, die lange Zeit weitgehend auf Kampfszenen und Szenen formaler Kapitulation beschränkt waren und dergleichen. Szenen aus der alten Geschichte waren in der frühen Renaissance populär gewesen und wurden im Barock und im Rokoko erneut verbreitet, und dies umso mehr, als der Neoklassizismus aufkam. In einigen Kontexten des 19. oder 20. Jahrhunderts bezieht sich der Begriff möglicherweise speziell auf Gemälde von Szenen aus der säkularen Geschichte und nicht auf solche aus religiösen Erzählungen, Literatur oder Mythologie.

Entwicklung
Der Begriff wird in der Kunstgeschichte im Allgemeinen nicht verwendet, wenn von mittelalterlicher Malerei gesprochen wird, obwohl sich die westliche Tradition in großen Altarbildern, Freskenzyklen und anderen Werken sowie in Miniaturen in beleuchteten Manuskripten entwickelte. Es tritt in der italienischen Renaissance-Malerei in den Vordergrund, wo eine Reihe von immer ehrgeizigeren Werken entstanden, von denen viele noch religiös sind, aber einige, insbesondere in Florenz, die tatsächlich zeitnahe historische Szenen wie das Set von drei riesigen Leinwänden auf The zeigten Schlacht von San Romano von Paolo Uccello, die fehlgeschlagene Schlacht von Cascina von Michelangelo und die Schlacht von Anghiari von Leonardo da Vinci, die beide nicht abgeschlossen wurden. Beliebt waren auch Szenen aus der alten Geschichte und Mythologie. Schriftsteller wie Alberti und Giorgio Vasari aus dem folgenden Jahrhundert verfolgten in seinem Leben der Künstler die öffentliche und künstlerische Meinung, indem sie die besten Maler vor allem nach ihrer Produktion großer Werke der historischen Malerei beurteilten (obwohl tatsächlich die einzige moderne (postklassische)). Die in De Pictura beschriebene Arbeit ist Giottos riesige Navicella im Mosaik. Die Künstler bemühten sich jahrhundertelang, sich durch die Produktion solcher Werke einen Namen zu machen, und vernachlässigten häufig Genres, für die ihre Talente besser geeignet waren.

Es gab einige Einwände gegen den Begriff, da viele Schriftsteller Begriffe wie „poetische Malerei“ (poesia) bevorzugten oder zwischen der „wahren“ Istoria, die die Geschichte einschließlich biblischer und religiöser Szenen abdeckt, und der Fabel, die heidnisch abdeckt, unterscheiden wollten Mythos, Allegorie und Szenen aus der Fiktion, die nicht als wahr angesehen werden konnten. Die großen Werke Raphaels galten lange Zeit mit denen von Michelangelo als die besten Modelle des Genres.

In den Raphael-Räumen im Vatikanpalast werden Allegorien und historische Szenen miteinander vermischt, und die Raphael-Cartoons zeigen Szenen aus den Evangelien, alle auf die großartige Art und Weise, die aus der Hochrenaissance mit der Geschichtsmalerei in Verbindung gebracht wurde und in dieser oft erwartet wurde. In der Spätrenaissance und im Barock neigte die Malerei der tatsächlichen Geschichte dazu, in Panorama-Kampfszenen mit dem siegreichen Monarchen oder General auf einem Pferd mit seinem Gefolge oder formellen Zeremonien-Szenen zu degenerieren, obwohl es einigen Künstlern gelang, daraus ein Meisterwerk zu machen vielversprechendes Material, wie es Velázquez mit seiner Übergabe von Breda tat.

Eine einflussreiche Formulierung der Hierarchie der Genres, die die historische Malerei an der Spitze bestätigt, wurde 1667 von André Félibien, einem Historiographen, Architekten und Theoretiker des französischen Klassizismus, gemacht, der zur klassischen Aussage der Theorie für das 18. Jahrhundert wurde:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des Obstes, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus schätzbare que ceux qui ne repräsentative que des choses mortes & sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est bestimmte aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figuren humaines, est beaucoup plus ausgezeichnete que tous les autres … un Peintre qui ne fait que des Porträts, n’a pas encore cette haute Perfektion de l’Art, & ne peut prétendre à l’honneur que reçoivent les plus sçavans. Il faut pour cela passer d’une seule figur à la représentation de plusieurs ensemble; il faut traiter l’histoire & la fable; il faut représenter de grandes aktionen comme les historiens, ou des sujets agréables comme les Poëtes; & montant encore plus haut, il faut par des compositions allégoriques, sçavoir couvrir sous le voile de la fable les vertus des grands hommes, & les mystères les plus relevez.

Wer perfekte Landschaften hervorbringt, steht über einem anderen, der nur Früchte, Blumen oder Muscheln hervorbringt. Wer lebende Tiere malt, ist mehr als diejenigen, die nur tote Dinge ohne Bewegung darstellen, und da der Mensch das vollkommenste Werk Gottes auf Erden ist, ist es auch sicher, dass derjenige, der ein Nachahmer Gottes bei der Darstellung menschlicher Figuren wird, viel ist Hervorragender als alle anderen … Ein Maler, der nur Porträts macht, hat immer noch nicht die höchste Perfektion seiner Kunst und kann die Ehre aufgrund der erfahrensten nicht erwarten. Dafür muss er von der Darstellung einer einzelnen Figur zu mehreren zusammen übergehen; Geschichte und Mythos müssen dargestellt werden; Große Ereignisse müssen wie von Historikern dargestellt werden, oder wie die Dichter, Themen, die gefallen werden, und noch höher klettern, muss er die Fähigkeit haben, die Tugenden großer Männer in Allegorien und die Geheimnisse, die sie enthüllen, unter dem Schleier des Mythos zu verbergen. “ .

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts, als sowohl die religiöse als auch die mytholologische Malerei im Niedergang begriffen waren, gab es eine erhöhte Nachfrage nach Gemälden von Szenen aus der Geschichte, einschließlich der Zeitgeschichte. Dies war zum Teil auf das sich wandelnde Publikum für ehrgeizige Gemälde zurückzuführen, das sich nun zunehmend in öffentlichen Ausstellungen einen Namen machte, anstatt die Eigentümer und Besucher von Palästen und öffentlichen Gebäuden zu beeindrucken. Die klassische Geschichte blieb populär, aber Szenen aus der nationalen Geschichte wurden oft am besten aufgenommen. Ab 1760 vergab die Society of Artists of Great Britain, die als erste Organisation regelmäßig Ausstellungen in London organisierte, jedes Jahr zwei großzügige Preise für Gemälde von Themen aus der britischen Geschichte.

Die Unheldenhaftigkeit moderner Kleidung wurde als ernsthafte Schwierigkeit angesehen. Als Benjamin West 1770 vorschlug, den Tod von General Wolfe in zeitgenössischer Kleidung zu malen, wurde er von vielen Menschen nachdrücklich angewiesen, klassische Kostüme zu verwenden. Er ignorierte diese Kommentare und zeigte die Szene in moderner Kleidung. Obwohl George III. Sich weigerte, das Werk zu kaufen, gelang es West, sowohl die Einwände seiner Kritiker zu überwinden als auch einen historisch genaueren Stil in solchen Gemälden zu etablieren. Andere Künstler zeigten Szenen, unabhängig davon, wann sie auftraten, in klassischer Kleidung und lange Zeit, insbesondere während der Französischen Revolution, konzentrierte sich die Historienmalerei häufig auf Darstellungen des heroischen männlichen Akts.

Die große Produktion von Propagandabildern unter Verwendung der besten französischen Künstler, die die Heldentaten Napoleons verherrlichten, wurde durch Werke ergänzt, die sowohl Siege als auch Verluste aus der anti-napoleonischen Allianz von Künstlern wie Goya und J.M.W. Turner. Théodore Géricaults Das Floß der Medusa (1818–1819) war eine Sensation, die das historische Gemälde des 19. Jahrhunderts zu aktualisieren schien und anonyme Figuren zeigte, die nur dafür berühmt waren, Opfer einer damals berühmten und kontroversen Katastrophe auf See zu sein. Praktischerweise waren ihre Kleider bis zu dem Punkt, den das Gemälde darstellt, zu klassisch anmutenden Lumpen abgetragen worden. Gleichzeitig ging die Nachfrage nach traditionellen großen Gemälden der Religionsgeschichte weitgehend zurück.

Mitte des 19. Jahrhunderts entstand ein als Historismus bekannter Stil, der eine formale Nachahmung historischer Stile und / oder Künstler darstellte. Eine weitere Entwicklung im neunzehnten Jahrhundert war die Behandlung historischer Themen, oft in großem Maßstab, mit den Werten der Genremalerei, der Darstellung von Szenen des Alltags und der Anekdote. Große Darstellungen von Ereignissen von großer öffentlicher Bedeutung wurden durch Szenen ergänzt, die persönlichere Ereignisse im Leben der Großen darstellten, oder von Szenen, die sich auf unbenannte Personen konzentrierten, die an historischen Ereignissen beteiligt waren, wie im Troubadour-Stil. Gleichzeitig wurden Szenen des gewöhnlichen Lebens mit moralischem, politischem oder satirischem Inhalt oft zum Hauptinstrument für das expressive Zusammenspiel von Figuren in der Malerei, ob in einem modernen oder historischen Umfeld.

Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts wurde die Historienmalerei häufig von Avantgarde-Bewegungen wie den Impressionisten (mit Ausnahme von Édouard Manet) und den Symbolisten ausdrücklich abgelehnt, und laut einem neueren Schriftsteller „war die Moderne in erheblichem Maße auf der Ablehnung der Geschichte aufgebaut Malerei … Alle anderen Genres gelten als in der Lage, in der einen oder anderen Form in das „Pantheon“ der Moderne einzutreten, aber die Historienmalerei ist ausgeschlossen. “

15. Jahrhundert
Neben den Disziplinen Genre, Porträt, Landschaft und Stillleben entwickelte sich im 15. Jahrhundert auch die Historienmalerei. Nicht zuletzt aufgrund der zunehmenden Sorge um die eigene Identität und die Vergangenheit der Gesellschaft wurde dieses Genre durch ein bisher nicht verfügbares Bewusstsein für Geschichte und Vergangenheit geformt.

Es bestand Einigkeit darüber, dass eine Person schwieriger darzustellen ist als eine Landschaft, und aus diesem Grund entwickelte sich unter den Malern allmählich eine Hierarchie. Sie genossen ein höheres Ansehen für die Erstellung von Geschichten oder Porträts und auch eine bessere Bezahlung. Der Inhalt und die Motive der ersten historischen Bilder basierten auf Elementen und Figuren aus der Antike und passten so die Figuren oder Themen der Mythologie an. Zusätzlich zu dieser kreativen Funktion hatten alle Bilder historischen oder religiösen Inhalt und kombinierten nicht selten beide im Bild.

Das Zentrum der ersten Phase der Historienmalerei ist Italien, wo sich Leon Battista Alberti früh mit der Kunsttheorie dieser Art von Malerei befasste. Für ihn sollte der Historienmaler unter den anderen Künstlern einen besonderen Status haben. Neben dem historischen Faktenwissen, das für den Inhalt des Bildes wichtig war, sollte der Maler den Betrachter mit der Art und Weise inspirieren können, wie er die Realität entwarf. Um diesen Effekt beim Empfänger zu belassen, war das primäre Bildungsziel eines Malers das Studium von Natur und Mathematik – nicht die humanistische Bildung -, um Figuren und Elemente des Bildes durch die Mimesis der Realität so ansprechend wie möglich zu gestalten.

16. Jahrhundert
Die Gestaltungsprinzipien des 15. Jahrhunderts sollten zunächst im folgenden 16. Jahrhundert eingehalten werden. Die Ansicht der sich langsam konstituierenden italienischen Kunsttheorie sollte dem Maler noch Richtlinien und Rahmenbedingungen für seine Arbeit geben. Die Tatsache, dass historische Maler auch Kenntnisse über das von ihnen dargestellte historische Material haben müssen, reifte weiter. Die Darstellungsform hatte auch den Anspruch, dass der Betrachter vom Bild angezogen und beeinflusst werden sollte. Die Forderung nach Erhaltung von Convenevolezza war ein neues Thema für die Angemessenheit der Präsentation. Theoretisch wurden idealisierende Motive so weit wie möglich zurückgedrängt und an die Darstellungskunst des Malers appelliert. Neben den Einflüssen der katholischen Kirche auf Motive und Bildinhalte – in vielen Fällen wurden Kunstwerke als Predigten in Bildern interpretiert – kennzeichnete die Forderung nach einem einfachen Lesen der Bilder diese Phase der historischen Malerei. Gabriele Paleotti forderte ein strenges und klares Design, das dem Betrachter das Lesen der Bilder erleichtern soll. Darüber hinaus sah er im mittleren Bild die Möglichkeit, eine viel größere Gruppe von Empfängern anzusprechen, als dies mit Schriften und Texten möglich war, da nur wenige Menschen eine Ausbildung in Lesen und Schreiben genossen. Der epochale Übergang von der Renaissance zum Barock, der als Manierismus bekannt ist, zeigte den Maler nicht nur als Handwerker, der Bilder entwarf, sondern als Schöpfer eines Werkes, dessen Talent sich in den von ihm geschaffenen Werken widerspiegelt.

17. Jahrhundert
Gegen Ende des 16. Jahrhunderts und zu Beginn des 17. Jahrhunderts verlagerte sich das Zentrum der (historischen) Malerei zunehmend von Italien nach Frankreich. Auch hier spalten sich zunehmend Meinungen über Zweck und Inhalt der historischen Malerei. Einerseits wurde diese Art von Bild zum Gegenstand der Disziplin, die jetzt an der Académie Française institutionalisiert ist. Das Kunstkomitee der Akademie hatte sowohl organisatorische als auch konzeptionelle Aufgaben im Bereich der Malerei. Der Rat entschied über den Status des Malertitels, über die Regeln der vorherrschenden Kunst, über die Ausbildung und den Unterricht von Malern und die Funktionalisierung der Malerei in politischen Angelegenheiten. Auf der anderen Seite haben Maler und Kritiker wie Roger de Piles die Unabhängigkeit der Maler gestoppt. De Piles lehnte die akademische Kunst deutlich ab, deren Kern sich auf die Wahrnehmung des Malers und nicht auf etablierte Regelmäßigkeiten bezog. Beide kunsttheoretischen Ansätze, der der Akademie und der de Piles, kombinierten den pädagogischen und moralischen Aspekt der historischen Bilder.

18. Jahrhundert
Die Vorarbeiten des 17. Jahrhunderts auf dem Gebiet der Kunstkritik eröffneten im 18. Jahrhundert eine noch größere Diskussion in Institutionen, aber auch von Privatpersonen mit dem Thema historische Malerei. Denis Diderotre enthüllte den Konflikt, der bereits zwischen den Grundideen der Académie Française und denen von de Piles bestand. Ein Gegensatz zwischen ästhetischen Gestaltungsprinzipien im Sinne des Malers selbst und den konservativen Regeln der Malerei sei schwer zu vereinbaren, sagt Diderot. In zeitgenössischen Malern sah er nur die Unfähigkeit, moralische Aussagen der dargestellten Heldenfiguren zu übertragen, so dass es keinen Ausdruck von Leidenschaft gab. Diderots Gedanken zur Ästhetik gingen sogar über die alten Prinzipien des Genres hinaus und er gab Malern ausdrucksstarker Landschaftsbilder den gleichen Status wie Historienmalern.

Der Kunsttheoretiker Louis Etienne Watelet lehnte diese Einschätzung dagegen eindeutig ab und hielt die Genrehierarchie in der Malerei für gerechtfertigt. Da der Historienmaler mehr Wissen benötigt als Künstler aus anderen Disziplinen, muss er auch mehr Ruhm und Unterstützung erhalten, sagte Watelet. Er forderte auch, dass die Öffentlichkeit und die Institutionen sowie die Herrscher den Historienmaler mit Befehlen unterstützen müssen.

Die Diskussion zwischen den Regeln der Malerei und den eigenständigen Gestaltungsprinzipien wurde vom Maler Benjamin West entscheidend gebrochen. Wests Gemälde Der Tod von General Wolfe konzentrierte sich nicht mehr direkt auf das Gestaltungsprinzip, sondern auf den dargestellten Inhalt. West malte, wie der Titel schon sagt, den Tod des britischen Generals James Wolfe in der Schlacht auf der Abraham-Ebene gegen französische Truppen in der Nähe von Quebec im September 1759. Das Besondere an diesem Bild war, dass es ein Ereignis in der Zeitgeschichte zeigte und unmittelbar danach entstand der Tod des Generals. Nach einigen Diskussionen über die Ausstellung des Bildes konnte sich West durchsetzen und es wurde der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. West begründete sein Bild damit, dass er sich neben der Position des Malers auch als Historiker sah, dessen Aufgabe es war, eine so wichtige Zeitgeschichte im Medium des Bildes zu dokumentieren.

Anfänglich wurden „Geschichtsmalerei“ und „Geschichtsmalerei“ im Englischen synonym verwendet, als Sir Joshua Reynolds in seinem vierten Diskurs beide wahllos verwendete, um „Geschichtsmalerei“ zu behandeln, während er sagte „… es sollte als poetisch bezeichnet werden, wie in Wirklichkeit ist es „, was den französischen Begriff peinture historique widerspiegelt, ein Äquivalent zu“ historischer Malerei „. Die Begriffe begannen sich im 19. Jahrhundert zu trennen, wobei die „historische Malerei“ zu einer Untergruppe der „historischen Malerei“ wurde, die auf Themen beschränkt war, die im normalen Sinne aus der Geschichte stammen. 1853 fragte John Ruskin sein Publikum: „Was meinen Sie gegenwärtig mit historischer Malerei? Heutzutage bedeutet es das Bestreben, durch die Kraft der Vorstellungskraft ein historisches Ereignis vergangener Tage darzustellen.“ So ist beispielsweise Harold Wetheys dreibändiger Katalog der Gemälde von Tizian (Phaidon, 1969–75) in „Religiöse Gemälde“, „Porträts“ und „Mythologische und historische Gemälde“ unterteilt, obwohl beide Bände I und III das abdecken, was ist im Begriff „Geschichtsbilder“ enthalten. Diese Unterscheidung ist nützlich, wird aber keineswegs allgemein beachtet, und die Begriffe werden immer noch häufig verwirrend verwendet.

Wegen des Verwirrungspotentials neigt das moderne akademische Schreiben dazu, den Ausdruck „historische Malerei“ zu vermeiden und in der Geschichtsmalerei anstelle von „historischem Gegenstand“ zu sprechen. Wenn der Ausdruck jedoch in der zeitgenössischen Wissenschaft noch verwendet wird, bedeutet er normalerweise das Malen von Fächern aus Geschichte, sehr oft im 19. Jahrhundert. „Historische Malerei“ kann auch verwendet werden, insbesondere bei der Diskussion von Maltechniken in Konservierungsstudien, um „alt“ im Gegensatz zu moderner oder neuerer Malerei zu bedeuten.

19. Jahrhundert
Die Geschichtsmalerei im heutigen Deutschland entwickelte sich später als z. B. in Italien und Frankreich. Bilder aus dem späten 18. und frühen 19. Jahrhundert zeigten episch-philosophisch übertriebene Ereignisse in der Welt- oder Regionalgeschichte bis hin zu Volksmärchen; Militär- und Kampfgemälde sowie monumentale Gemälde überwogen.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts haben einige europäische Großmächte ihre Kolonialisierungsbemühungen vorangetrieben. Dies eröffnete Malern neue Perspektiven und Inhalte. Der Personenkult wurde auch im Medium des Bildes praktiziert. Auch Patriotismus wurde im übertragenen Sinne diskutiert.

In Bezug auf die Form der Darstellung forderte der Kunstkritiker Robert Vischer, dass historische Bilder „fröhlich und mythisch leer“ sein und eine klare künstlerische Farbe haben sollten. Dementsprechend legte er wie einige seiner europäischen Vorgänger Kunstregeln fest, die er später zugunsten der Kunstfreiheit überarbeiten sollte. Sein Ideal war nun die freie künstlerische Entwicklung, die jedoch auf ein ausdrucksstarkes Bild abzielen sollte.

Cornelius Gurlitt übertrug diesen Konflikt zwischen historischem Wissen und der Gestaltung der Bilder, die Alberti im 15. Jahrhundert diskutierte, auf die Empfänger. Aus seiner Sicht bedeutet das Betrachten der historischen Bilder durch einen ungebildeten Betrachter nur die Hälfte des ästhetischen und sachlichen Genusses. Darüber hinaus appellierte er an die Gestaltungsprinzipien zeitgenössischer Maler, weil sie die Darstellung von Menschen und Fakten idealisieren und dadurch die Geschichte klären und eine „verkümmerte Realität“ hervorrufen.

Richard Muther sah es ähnlich, obwohl er es etwas entfernter analysierte, indem er die Aufgabe der historischen Malerei der Vermittlung historischen Wissens zuschrieb. Die Funktion und der Zweck der historischen Malerei waren im 19. Jahrhundert besonders komplex, da ein Spektrum der Verwendung privater Erbauung und sentimentaler Emotionen, wissenschaftlicher Erkenntnisse und illustrativer Anweisungen aufgezeichnet werden kann.

Das Jahr 1871 war in Preußen besonders bedeutsam. Nach dem Sieg Preußens gegen Frankreich im Deutsch-Französischen Krieg 1870/71 und der Proklamation des Deutschen Reiches in Versailles, dh auf feindlichem Gebiet, wurde die Vergangenheit von zahlreichen Malern zugunsten der politischen herrschenden Elite, einschließlich des Kaisers, aufgenommen um die seit langem erzwungene nationale Einheit zu legitimieren. Ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts sind fünf zentrale Motive zu identifizieren, die diesem Zweck manipulativ dienen sollten: Das erste dieser Motive war die Schlacht im Teutoburger Wald im Jahr 9 n. Chr. Zwischen Varus und Arminius, auch bekannt als Hermann der Cherusker, aus dem Hermann als Sieger hervorging, der als erster Deutscher in der bildlichen Refunktionalisierung des 19. Jahrhunderts verstanden wurde. Infolge der Gründung des Reiches wurde er nicht nur in einigen Gemälden wie denen von Karl Friedrich Schinkel und Friedrich Gunkel gewürdigt, sondern auch in dem 1875 eingeweihten Hermann-Denkmal in Detmold.

Das zweite historische Ereignis, das in vielerlei Hinsicht aufgenommen und entfremdet wurde, ist der Tod von Friedrich I. Barbarossa. Sein Tod in Anatolien während der Kreuzzüge im Jahr 1190 wurde von Künstlern angepasst und funktionalisiert. So erscheint Wilhelm I. auf einem Bild in der Barbarossa-Schriftrolle, das den Heiligen Römischen Kaiser nicht imitieren sollte, sondern als Bild des Nachfolgers oder Vollstreckers der Absichten Friedrichs I. interpretiert werden sollte. Da Barbarossa in der zeitgenössischen Malerei eine starke Ähnlichkeit mit dem gekreuzigten Jesus hatte, appellierte er nicht nur an politische Traditionen, sondern auch an die Religiosität der Nation. Auch Friedrich Kaulbach und Hermann Wislicenus (Goslarer Kaiserpalast) haben am Barbarossa-Motiv gearbeitet und es im Sinne politischer Absichten umgestaltet. Das Vorhandensein des Namens Barbarossa war auch über die Jahrhundertwende hinaus deutlich zu spüren, denn nicht nur Wilhelm I., sondern auch Adolf Hitler von der Firma Barbarossa versuchte, ihre Macht- und Herrschaftsansprüche in Europa mit dem Namen des ehemaligen Kaisers zu legitimieren.

Eine Person, deren religiöser Hintergrund im 19. Jahrhundert als Deutscher aktualisiert wurde, wird auch für das nächste Motiv verwendet. Martin Luther, der von Künstlern in Bildern dargestellt wurde, obwohl er viel früher lebte, als Aufklärer. Auch in diesem Beispiel interpretiert der Maler ein historisches Ereignis in einer Retrospektive: das Verbrennen der Verbotsdrohung durch Luther im Jahr 1520. Catel betrachtet dies in seinem Bild. Martin Luther verbrennt das päpstliche Stier- und Kanongesetz. Luther ist in der Entwurfssymbolik des 19. Jahrhunderts als Reformer und Aufklärer der Deutschen vertreten, der durch seine Bibelübersetzungen die Sprache der Vielen zu den Wenigen (Gebildeten) brachte und dem Betrachter dieser Bilder gleichzeitig vorschlug, dass Luther war der Gründer des protestantischen Reiches. Die Reformation war ein wichtiger Knotenpunkt für den Ursprung der nationalen Einheit in der Entfremdung durch Kunst und Politik des 19. Jahrhunderts.

In der chronologischen Reihenfolge der Zeit kann das nächste historische Ereignis erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts wieder lokalisiert werden. Die Völkerschlacht bei Leipzig 1813 und die vorangegangenen Kriegsjahre beeinflussten nicht nur die politischen und literarischen Schriften, sondern auch die zeitgenössische Malerei. Die intellektuelle Elite bereitete sich in Worten und Bildern darauf vor, Solidarität und patriotischen Zusammenhalt in der Bevölkerung gegenüber dem von Napoleon angeführten französischen Feind zu erreichen.

Das Gemälde Ferdinande von Schmettau, das ihre Haare auf dem Altar des Vaterlandes opferte, war eines der bekanntesten Bilder der Zeit; es kombinierte alle Motive im Bild und Titel, die für das historische Ereignis bestimmt waren. Die Elemente der Einheit und Opferbereitschaft sowie religiöse Motive werden im Titel und in der grafischen Darstellung deutlich und werden durch andere Werke in Bereichen wie der freiwilligen Kriegserklärung und später durch das Motiv des Gewinners erweitert. Wie das Barbarossa-Motiv beeinflusste das der Völkerschlacht bei Leipzig die Geschichte des folgenden Jahrhunderts. 1913 wurde hier in der Nähe von Leipzig das Denkmal für die Schlacht der Nationen eingeweiht und entfremdet. Das für die Gefallenen entworfene Denkmal diente als Symbol für den deutschen Sieg, aber ohne das russisch-österreichische Bündnis gegen Napoleon wäre letzteres wahrscheinlich nicht besiegt worden.

Das fünfte bedeutende historische Ereignis ist die Gründung des Deutschen Reiches, die Vereinigung Deutschlands. Im historischen Moment der kaiserlichen Proklamation schien sich die deutsche Geschichte als militärischer Sieg für die deutschen Armeen unter der Führung Preußens erfüllt zu haben. Anton von Werner wurde beauftragt, als Künstler an dieser Veranstaltung teilzunehmen, um sie im Bild festzuhalten. Werners drei Versionen seines Gemäldes Die Proklamation des Deutschen Reiches (18. Januar 1871) zeigen, wie Geschichte vom Maler aufgenommen und gestaltet werden kann. Die Perspektive des Betrachters ändert sich in allen Bildern, so dass sich die Perspektive der deutschen Fürsten und des Militärs in der Fassung des Berliner Schlosses von 1877, der preußischen Armee in der Fassung der Hall of Fame Berlin von 1882 und der Familie Hohenzollern als Geschenk an Bismarck von 1885 ist vertreten. Ein Nebeneffekt des Perspektivwechsels ist die Detailverbesserung. Die letzte, die Friedrichsruher-Fassung, konzentriert sich auf Kaiser Wilhelm I. und Kronprinz Friedrich III., Bismarck, Moltke und Roon. Werner malte sie alle auf fotorealistische Weise, wie sie in der Gegenwart aussehen, nicht 1871, sondern 1885. Er zeigte, wie weit sie in der Gegenwart gekommen sind. Nur der lange verstorbene Roon, der nicht an der Proklamation teilnehmen konnte, wurde so gemalt, wie er 1871 ausgesehen und sich an den anderen Dargestellten erinnert hatte, und wie er ihn 1871 dargestellt hatte. Werners Ziel in dieser Version war es, die Verdienste von hervorzuheben der Kaiser und Bismarck sowie die preußischen Generäle im fünfzehnten Jahr des Reiches. Auch hier zeigt das Geschichtsbild nicht, wie die Geschichte war, sondern sollte gesehen werden.

Ähnlich wie Anton von Werner wurde auch Hermann Wislicenus beauftragt, Gemälde zu entwerfen, die eine Symbiose zwischen Geschichte und Gegenwart bilden sollen. Nachdem die Kaiserpfalz Goslar Ende des 19. Jahrhunderts renovierungsbedürftig wurde, gewann Wislicenus einen Wettbewerb zur Renovierung und Neugestaltung der Residenz. Die 52 Wandbilder, die er im Kaisersaal entwarf, bildeten eine chronologische Abfolge der deutschen Geschichte mit Themen wie dem mittelalterlichen kaiserlichen Ruhm, einer Dornröschen-Allegorie, die für das Erwachen der deutschen Staaten aus dem tiefen politischen Schlaf und letztendlich für die Gründung des Reiches in 1871. Die Motive symbolisieren für die Kunden die künstlerische und historische Karriere des nun wiederbelebten Reiches.

In allen Gemälden der Zeit ist es wichtig, dass der Betrachter effektiv ist, weshalb die geeignete Art der Veröffentlichung gefunden werden musste, um dies zu gewährleisten. Zum einen waren Ausstellungen wie die 1861 gegründete Nationalgalerie geplant, die nach französischem Vorbild zunächst nur für historische Gemälde gedacht waren. Eine weitere Publikationsmöglichkeit war die Nutzung der Außenseite von öffentlichen Gebäuden wie den Münchner Hofarkaden. Die hier geschaffenen Geschichten wurden vom Staat in Auftrag gegeben und sollten neben der primären Entwicklung des Nationalstolzes auch als Bildungsressourcen für die Menschen angesehen werden. Peter von Corneliusgot zu seinem Vorschlag im Jahre 1826 durch die Vergabe der Organisation und Gestaltung von Arkaden mit 16 Bildern der Geschichte des Wittelsbacher Hauses seit der Dynastie Rechtfertigung durch Otto I.

Ob Ernst Förster die Befreiung der Armee im Engpass von Chiusa durch Otto von Wittelsbach im Jahr 1155 oder Karl Sturmer Max Emanuel bei der Eroberung von Belgrad im Jahr 1688 malt, die jeweils bedeutenden Figuren des Wittelsbacher Hauses stehen als Heldenfiguren in ruhmreicher Haltung immer im Mittelpunkt. Diese Serie historischer Gemälde versuchte auch, die Menschen zum Patriotismus im Land zu motivieren. Der zeitgenössische Sulzer stellt zwar fest, dass die Bilder zwar inhaltliche pädagogische Vorteile haben, aber keine Konkurrenz für die Historiographie darstellen. Wie oben gezeigt, sind die Gründe im Bereich der Bildgestaltung und Motivauswahl auf historisch auffällige Ereignisse und Persönlichkeiten zurückzuführen. Die Akzeptanz dieser Darstellungen durch den Betrachter basiert auf dem Wendepunkt in Europa nach der Phase der Französischen Revolution. Der Begriff Freiheit war fortan an den der Nation oder des Staates gebunden, und die in einem Staat lebende Gemeinschaft war daher darauf ausgerichtet. Durch die Visualisierung von Mythen und Geschichte wurde das Konzept der Einheit als primäres Ziel auf dem Weg zum Wohl der Nation interpretiert. Mythisches und legendäres Material wie ein schlafender Barbarossa, der die politische Situation vor der Gründung des Reiches im Jahr 1871 als im Tiefschlaf grell darstellt, sollte historische Bezüge und Kontinuität zu früheren Epochen ermöglichen.

Historienmalerei und historische Malerei

Die Bedingungen
Anfänglich wurden „Geschichtsmalerei“ und „Geschichtsmalerei“ im Englischen synonym verwendet, als Sir Joshua Reynolds in seinem vierten Diskurs beide wahllos verwendete, um „Geschichtsmalerei“ zu behandeln, während er sagte „… es sollte als poetisch bezeichnet werden, wie in Wirklichkeit ist es „, was den französischen Begriff peinture historique widerspiegelt, ein Äquivalent zu“ historischer Malerei „. Die Begriffe begannen sich im 19. Jahrhundert zu trennen, wobei die „historische Malerei“ zu einer Untergruppe der „historischen Malerei“ wurde, die sich auf Themen beschränkte, die der Geschichte im normalen Sinne entnommen waren. 1853 fragte John Ruskin sein Publikum: „Was meinen Sie gegenwärtig mit historischer Malerei? Heutzutage bedeutet es das Bestreben, durch die Kraft der Vorstellungskraft ein historisches Ereignis vergangener Tage darzustellen.“ So ist beispielsweise Harold Wetheys dreibändiger Katalog der Gemälde von Tizian (Phaidon, 1969–75) in „Religiöse Gemälde“, „Porträts“ und „Mythologische und historische Gemälde“ unterteilt, obwohl beide Bände I und III das abdecken, was ist im Begriff „Geschichtsbilder“ enthalten. Diese Unterscheidung ist nützlich, wird aber keineswegs allgemein beachtet, und die Begriffe werden immer noch häufig verwirrend verwendet. Wegen des Verwirrungspotentials neigt das moderne akademische Schreiben dazu, den Ausdruck „historische Malerei“ zu vermeiden und in der Geschichtsmalerei anstelle von „historischem Gegenstand“ zu sprechen. Wenn der Ausdruck jedoch in der zeitgenössischen Wissenschaft noch verwendet wird, bedeutet er normalerweise das Malen von Fächern aus Geschichte, sehr oft im 19. Jahrhundert. „Historische Malerei“ kann auch verwendet werden, insbesondere bei der Diskussion von Maltechniken in Konservierungsstudien, um „alt“ im Gegensatz zu moderner oder neuerer Malerei zu bedeuten.

In der britischen Kunstschrift des 19. Jahrhunderts wurden die Begriffe „Subjektmalerei“ oder „anekdotische“ Malerei häufig für Arbeiten in einer Entwicklungslinie verwendet, die auf William Hogarth von monoscenischen Darstellungen entscheidender Momente in einer impliziten Erzählung mit nicht identifizierten Charakteren zurückgeht, wie z William Holman Hunts Gemälde The Awakening Conscience von 1853 oder Augustus Eggs Vergangenheit und Gegenwart, ein Satz von drei Gemälden, die Sätze von Hogarth wie Marriage à la Mode aktualisieren.

19. Jahrhundert
Die Geschichtsmalerei war im 18. Jahrhundert die dominierende Form der akademischen Malerei in den verschiedenen nationalen Akademien, und für den größten Teil des 19. Jahrhunderts dominierten zunehmend historische Fächer. Während der Revolutions- und Napoleonischen Zeit wurde die heldenhafte und offen propagandistische heroische Behandlung der Zeitgeschichte durch Antoine-Jean, Baron Gros, Jacques-Louis David, Carle Vernet und andere vom französischen Staat unterstützt, aber nach dem Fall Napoleons im Jahre 1815 Französische Regierungen wurden nicht als für eine heldenhafte Behandlung geeignet angesehen, und viele Künstler zogen sich weiter in die Vergangenheit zurück, um Themen zu finden, obwohl in Großbritannien die Darstellung der Siege der Napoleonischen Kriege meist nach ihrem Ende stattfand. Ein anderer Weg bestand darin, zeitgenössische Themen zu wählen, die im In- und Ausland gegen die Regierung waren, und viele der wohl letzten großen Generationen von Geschichtsgemälden waren Proteste gegen zeitgenössische Episoden von Unterdrückung oder Empörung im In- und Ausland: Goyas Der dritte Mai 1808 (1814), Théodore Géricaults Das Floß der Medusa (1818–19), Eugène Delacroixs Das Massaker in Chios (1824) und Liberty Leading the People (1830). Diese waren heroisch, zeigten aber heldenhaftes Leid gewöhnlicher Zivilisten.

Romantische Künstler wie Géricault und Delacroix sowie solche aus anderen Bewegungen wie der englischen Präraffaeliten-Bruderschaft betrachteten die Historienmalerei weiterhin als das Ideal für ihre ehrgeizigsten Werke. Andere wie Jan Matejko in Polen, Vasily Surikov in Russland, José Moreno Carbonero in Spanien und Paul Delaroche in Frankreich wurden spezialisierte Maler großer historischer Themen. Der Stil Troubadour („Troubadour-Stil“) war ein etwas spöttischer französischer Begriff für frühere Gemälde mittelalterlicher und Renaissance-Szenen, die oft klein waren und eher Momente der Anekdote als des Dramas darstellten. Ingres, Richard Parkes Bonington und Henri Fradelle haben solche Werke gemalt. Sir Roy Strong nennt diese Art von Werk die „Intime Romantik“, und auf Französisch war sie als „peinture de genre historique“ oder „peinture anecdotique“ („historische Genremalerei“ oder „anekdotische Malerei“) bekannt.

Die Aufträge der Kirche für große Gruppenszenen aus der Bibel waren stark zurückgegangen, und die historische Malerei wurde sehr bedeutsam. Besonders im frühen 19. Jahrhundert wurden in vielen historischen Gemälden bestimmte Momente der historischen Literatur dargestellt, wobei die Romane von Sir Walter Scott in Frankreich und anderen europäischen Ländern ebenso wie in Großbritannien ein besonderer Favorit waren. Bis zur Mitte des Jahrhunderts sollten mittelalterliche Szenen sehr sorgfältig recherchiert werden, wobei die Arbeiten von Kostümhistorikern, Architekturhistorikern und allen verfügbaren Dekorelementen verwendet wurden. Ein Beispiel dafür ist die umfassende Erforschung der byzantinischen Architektur, Kleidung und Dekoration, die Moreno Carbonero in Pariser Museen und Bibliotheken für sein Meisterwerk Der Eintrag von Roger de Flor in Konstantinopel angefertigt hat. Die Bereitstellung von Beispielen und Fachwissen für Künstler sowie wiederbelebende Industriedesigner war eine der Motivationen für die Gründung von Museen wie dem Victoria and Albert Museum in London.

Neue Drucktechniken wie der Chromolithograph machten monochrome Druckreproduktionen von guter Qualität sowohl relativ billig als auch sehr zugänglich und für Künstler und Verleger äußerst profitabel, da die Verkäufe so groß waren. Die historische Malerei hatte oft eine enge Beziehung zum Nationalismus, und Maler wie Matejko in Polen konnten eine wichtige Rolle dabei spielen, die vorherrschende historische Erzählung der nationalen Geschichte im Volksmund zu fixieren. In Frankreich war L’art Pompier („Feuerwehrkunst“) ein spöttischer Begriff für offizielle akademische historische Malerei, und in einer letzten Phase „Geschichtsmalerei einer heruntergekommenen Art, Szenen der Brutalität und des Terrors, die Episoden aus der römischen und der römischen Sprache illustrieren soll Die maurische Geschichte war eine Sensation für den Salon. An den überfüllten Wänden der Ausstellungsgalerien erregten die am lautesten schreienden Gemälde die Aufmerksamkeit. “ Die orientalistische Malerei war ein alternatives Genre, das ähnliche exotische Kostüme und Dekorationen bot und mindestens ebenso viel Gelegenheit bot, Sex und Gewalt darzustellen.