La musica barocca è uno stile di musica d’arte occidentale composto da circa 1600 a 1750. Questa era seguì l’era della musica rinascimentale, e fu seguita a sua volta dall’era classica. La musica barocca costituisce una parte importante del canone della “musica classica”, ed è ora ampiamente studiata, eseguita e ascoltata. I principali compositori del periodo barocco sono Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude e Johann Pachelbel.

Il periodo barocco ha visto la creazione di tonalità, un approccio alla scrittura di musica in cui una canzone o un brano è scritto in una particolare chiave; questo tipo di arrangiamento ha continuato ad essere usato in quasi tutta la musica popolare occidentale. Durante l’era barocca, ci si aspettava che i musicisti professionisti fossero degli improvvisatori sia delle linee melodiche soliste che delle parti di accompagnamento. I concerti barocchi erano tipicamente accompagnati da un gruppo basso continuo (comprendente strumentisti che suonavano accordi come clavicembalisti e suonatori di liuto che improvvisavano accordi da una parte di basso figurata) mentre un gruppo di strumenti di basso – viol, violoncello, contrabbasso – suonava la linea di basso. Una caratteristica forma barocca era la sala da ballo. Mentre i pezzi di una sala da ballo erano ispirati alla musica dance, le sale da ballo erano progettate esclusivamente per l’ascolto, non per i ballerini di accompagnamento.

Durante il periodo, i compositori e gli artisti hanno usato ornamenti musicali più elaborati (in genere improvvisati dagli artisti), apportato modifiche alla notazione musicale (lo sviluppo del basso figurato come modo rapido per annotare la progressione di accordi di una canzone o di un brano), e sviluppato nuove tecniche di gioco strumentale. La musica barocca ha ampliato le dimensioni, la gamma e la complessità della performance strumentale, e ha anche consolidato le forme miste vocali / strumentali di opera, cantata e oratorio e le forme strumentali del concerto solista e della sonata come generi musicali. Molti termini e concetti musicali di quest’epoca, come toccata, fuga e concerto grosso, sono ancora in uso negli anni 2010. Una musica polifonica densa e complessa, in cui venivano eseguite simultaneamente più linee melodiche indipendenti (un esempio popolare di questa è la fuga), era una parte importante di molte opere corali e strumentali barocche.

Il termine “barocco” deriva dalla parola portoghese barroco, che significa “perla deforme”. La connotazione negativa del termine avvenne per la prima volta nel 1734, in una critica di un’opera di Jean-Philippe Rameau, e più tardi (1750) in una descrizione di Charles de Brosses dell’architettura decorata e pesantemente ornata del Palazzo Pamphili a Roma. Sebbene il termine continuasse ad essere applicato all’architettura e alla critica d’arte nel corso del XIX secolo, non è stato fino al 20 ° secolo che il termine “barocco” è stato adottato dal vocabolario di storia dell’arte di Heinrich Wölfflin per designare un periodo storico nella musica.

Etimologia
Il termine “barocco” è generalmente usato dagli storici della musica per descrivere un’ampia gamma di stili da un’ampia regione geografica, principalmente in Europa, composta per un periodo di circa 150 anni. Sebbene si pensasse a lungo che la parola come termine critico fosse applicata per la prima volta all’architettura, in effetti appare prima in riferimento alla musica, in una recensione anonima e satirica della prima nell’ottobre 1733 di Rameau Hippolyte et Aricie, stampata nel Mercure de France nel maggio 1734. Il critico sottintese che la novità di quest’opera era “du barocque”, lamentando che la musica mancava di melodia coerente, era piena di incessanti dissonanze, cambiava continuamente chiave e metro e correva rapidamente attraverso ogni dispositivo compositivo.

L’applicazione sistematica da parte degli storici del termine “barocco” alla musica di questo periodo è uno sviluppo relativamente recente. Nel 1919, Curt Sachs divenne il primo ad applicare sistematicamente le cinque caratteristiche della teoria del barocco di Heinrich Wölfflin alla musica. I critici sono stati pronti a mettere in discussione il tentativo di trasporre le categorie di Wölfflin in musica, tuttavia, e nel secondo quarto del XX secolo sono stati fatti tentativi indipendenti da Manfred Bukofzer (in Germania e, dopo la sua immigrazione, in America) e da Suzanne Clercx-Lejeune (in Belgio) utilizzare l’analisi tecnica autonoma piuttosto che le astrazioni comparative, al fine di evitare l’adattamento di teorie basate sulle arti plastiche e sulla letteratura alla musica. Tutti questi sforzi hanno provocato un disaccordo apprezzabile sui confini temporali del periodo, specialmente riguardo a quando è iniziato. In inglese il termine acquisito valuta solo negli anni ’40, negli scritti di Bukofzer e Paul Henry Lang.

Ancora nel 1960, nei circoli accademici, e in particolare in Francia e in Gran Bretagna, c’era ancora una notevole controversia sul fatto che fosse significativo riunire musica diversa come quella di Jacopo Peri, Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach sotto un’unica rubrica. Tuttavia, il termine è diventato ampiamente utilizzato e accettato per questa vasta gamma di musica. Può essere utile distinguere il barocco dai periodi precedenti (rinascimentali) e successivi (classici) della storia musicale.

Storia
Il periodo barocco è diviso in tre fasi principali: all’inizio, al centro e in ritardo. Sebbene si sovrappongano nel tempo, sono convenzionalmente datati dal 1580 al 1630, dal 1630 al 1680 e dal 1680 al 1730.

Prima musica barocca (1580-1630)
La Camerata fiorentina era un gruppo di umanisti, musicisti, poeti e intellettuali del tardo Rinascimento fiorentino riuniti sotto il patronato del conte Giovanni de ‘Bardi per discutere e guidare le tendenze nelle arti, in particolare la musica e il teatro. In riferimento alla musica, hanno basato i loro ideali su una percezione del dramma musicale classico (in particolare il greco antico) che valorizzava il discorso e l’orazione. In quanto tali, rifiutarono l’uso della polifonia dei loro contemporanei (linee melodiche multiple e indipendenti) e la musica strumentale, e discussero tali antichi dispositivi musicali greci come la monodia, che consisteva in un canto solista accompagnato da un kithara (uno strumento a corde strimpellato antico). Le prime realizzazioni di queste idee, tra cui Dafne e L’Euridice di Jacopo Peri, segnarono l’inizio dell’opera, che fu un catalizzatore per la musica barocca.

Per quanto riguarda la teoria musicale, l’uso più diffuso del basso figurato (noto anche come basso completo) rappresenta l’importanza in via di sviluppo dell’armonia come base lineare della polifonia. L’armonia è il risultato finale del contrappunto, e il basso figurato è una rappresentazione visiva di quelle armonie comunemente utilizzate nelle prestazioni musicali. Con bassi, numeri, alterazioni o simboli figurati sono stati collocati sopra la linea di basso che è stata letta dai suonatori di strumenti a tastiera come i suonatori di clavicembali o gli organisti di pipistrelli (o liutisti). I numeri, le alterazioni oi simboli indicano al tastierista quali intervalli deve suonare sopra ogni nota di basso. Il tastierista improvvisava un accordo vocale per ogni nota di basso. I compositori iniziarono a occuparsi di progressioni armoniche, e impiegarono anche il tritono, percepito come un intervallo instabile, per creare dissonanza (era usato nella settima corda dominante e nell’accordo diminuito. Un interesse per l’armonia era esistito anche in alcuni compositori del Rinascimento in particolare Carlo Gesualdo, tuttavia, l’uso dell’armonia diretta verso la tonalità (un focus su una chiave musicale che diventa la “nota di casa” di un pezzo), piuttosto che la modalità, segna il passaggio dal periodo rinascimentale a quello barocco. all’idea che certe sequenze di accordi, piuttosto che semplici note, potrebbero fornire un senso di chiusura alla fine di un pezzo, una delle idee fondamentali che divenne nota come tonalità.

Incorporando questi nuovi aspetti della composizione, Claudio Monteverdi favorì il passaggio dallo stile di musica rinascimentale a quello del periodo barocco. Ha sviluppato due stili di composizione individuali: l’eredità della polifonia rinascimentale (prima pratica) e la nuova tecnica del basso continuo del barocco (seconda pratica). Con il basso continuo, un piccolo gruppo di musicisti suonava la linea di basso e gli accordi che formavano l’accompagnamento per una melodia. Il gruppo del basso continuo usava tipicamente uno o più tastieristi e un suonatore di liuto che suonava la linea di basso e improvvisava gli accordi e diversi strumenti di basso (ad esempio, contrabbasso, violoncello, contrabbasso) che suonavano la linea di basso. Con la scrittura delle opere L’Orfeo e L’incoronazione di Poppea tra le altre, Monteverdi ha portato molta attenzione a questo nuovo genere.

Musica medio barocca (1630-1680)
L’ascesa della corte centralizzata è una delle caratteristiche economiche e politiche di quella che viene spesso definita l’Era dell’Assolutismo, personificata da Luigi XIV di Francia. Lo stile del palazzo e il sistema giudiziario delle buone maniere e delle arti da lui promosse divennero il modello per il resto dell’Europa. La realtà della crescente chiesa e del patronato statale ha creato la domanda di musica pubblica organizzata, poiché la crescente disponibilità di strumenti ha creato la domanda di musica da camera, che è musica per un piccolo ensemble di strumentisti.

Il periodo medio barocco in Italia è definito dall’emergere degli stili vocali di cantata, oratorio e opera nel corso degli anni Trenta, e da un nuovo concetto di melodia e armonia che ha elevato lo stato della musica a quello di uguaglianza con le parole, che in precedenza era stato considerato preminente. La florida monodia coloraturale del primo barocco lasciò il posto a uno stile melodico più semplice e raffinato. Queste melodie sono state costruite con idee corte e cadenzate, spesso basate su schemi di danza stilizzati tratti dal sarabande o dal courante. Anche le armonie potevano essere più semplici [chiarimento necessario] rispetto alla prima monodia barocca, e le linee di basso accompagnanti erano più integrate con la melodia, producendo un’equivalenza contrappuntistica delle parti che in seguito portò al dispositivo di un’anticipazione iniziale di basso l’aria melody. Questa semplificazione armonica portò anche a un nuovo dispositivo formale di differenziazione del recitativo (una parte più parlata dell’opera) e dell’aria (una parte dell’opera che usava melodie cantate). I più importanti innovatori di questo stile furono i romani Luigi Rossi e Giacomo Carissimi, che erano principalmente compositori di cantate e oratori, rispettivamente, e il veneziano Francesco Cavalli, che era principalmente un compositore d’opera. In seguito importanti professionisti di questo stile includono Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi e Alessandro Stradella.

Il barocco medio non aveva assolutamente nulla a che vedere con il lavoro teorico di Johann Fux, che sistematizzò il rigido contrappunto caratteristico delle epoche precedenti nel suo Gradus ad Parnassum (1725).

Un esempio preminente di un compositore di corte è Jean-Baptiste Lully. Acquistò brevetti dalla monarchia per essere l’unico compositore di opere per il re francese e per impedire ad altri di avere messe in scena. Completò 15 tragedie liriche e lasciò incompiuto Achille et Polyxène. Lully era un primo esempio di direttore d’orchestra; avrebbe battuto il tempo con un grande staff per tenere insieme i suoi gruppi.

Musicalmente, non ha stabilito la norma dominata dalle corde per le orchestre, che è stata ereditata dall’opera italiana, e la disposizione tipicamente francese in cinque parti (violini, violas – in hautes-contre, tailles e quintes size – e violini bassi) aveva è stato usato nel balletto dai tempi di Luigi XIII. Tuttavia, ha introdotto questo ensemble nel teatro lirico, con le parti superiori spesso duplicate da flauti, flauti e oboe, e il basso dai fagotti. Trombe e timpani venivano spesso aggiunti per scene eroiche.

Arcangelo Corelli è ricordato come influente per i suoi successi dall’altra parte della tecnica musicale – come violinista che ha organizzato la tecnica del violino e la pedagogia – e in musica puramente strumentale, in particolare la sua difesa e lo sviluppo del concerto grosso. Mentre Lully era sistemato a corte, Corelli fu uno dei primi compositori a pubblicare ampiamente e la sua musica si esibì in tutta Europa. Come per la stilizzazione e l’organizzazione dell’opera di Lully, il concerto grosso è costruito su forti contrasti – sezioni alternate tra quelle suonate dall’orchestra completa e quelle suonate da un gruppo più piccolo. Le dinamiche erano “terrazzate”, cioè con una transizione netta da forte a dolce e viceversa. Sezioni veloci e sezioni lente erano giustapposte l’una contro l’altra. Numerosi tra i suoi studenti è Antonio Vivaldi, che in seguito ha composto centinaia di opere basate sui principi delle tre Sonate e Concerti di Corelli.

In contrasto con questi compositori, Dieterich Buxtehude non era una creatura di corte, ma era invece un musicista di chiesa, che teneva le cariche di organista e Werkmeister alla Marienkirche di Lubecca. I suoi doveri come Werkmeister consistevano nel recitare come segretario, tesoriere e direttore commerciale della chiesa, mentre la sua posizione di organista comprendeva il gioco per tutti i principali servizi, a volte in collaborazione con altri strumentisti o cantanti, che erano anche pagati dalla chiesa. Interamente al di fuori delle sue funzioni ufficiali in chiesa, organizzò e diresse una serie di concerti nota come Abendmusiken, che includeva rappresentazioni di opere sacre drammatiche considerate dai suoi contemporanei come l’equivalente delle opere.

Musica tardo barocca (1680-1730)
Il lavoro di George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach e i loro contemporanei, tra cui Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann e altri hanno fatto avanzare l’era barocca al suo apice. Attraverso il lavoro di Johann Fux, lo stile rinascimentale della polifonia fu la base per lo studio della composizione per le future ere musicali. I compositori del tardo barocco avevano stabilito le loro gesta di composizione molto prima delle opere di Johann Fux.

Operaio continuo, Handel prese in prestito da altri compositori e spesso “riciclò” il proprio materiale. Era anche conosciuto per la rielaborazione di pezzi come il famoso Messia, che fu presentato per la prima volta nel 1742, per cantanti e musicisti disponibili.

Stili e forme

Sala da ballo
Una caratteristica forma barocca era la sala da ballo. Alcune sale da ballo di Bach sono chiamate partitas, sebbene questo termine sia usato anche per altre raccolte di pezzi. Mentre i pezzi di una sala da ballo erano ispirati alla musica dance, le sale da ballo erano progettate per l’ascolto, non per i ballerini di accompagnamento. I compositori usavano una varietà di diversi movimenti di danza nelle loro sale da ballo. Una sala da ballo spesso consiste nei seguenti movimenti:

Ouverture – La suite barocca inizia spesso con una ouverture francese (“Ouverture” in francese), un movimento lento che è stato seguito da una successione di danze di diversi tipi, principalmente i seguenti quattro:
Allemande – Spesso la prima danza di una suite strumentale, l’allemande era una danza molto popolare che ebbe le sue origini nell’era del Rinascimento tedesco. L’allemande era suonato ad un ritmo moderato e poteva iniziare a qualsiasi battito del bar.
Courante – Il secondo ballo è il courante, una vivace danza francese in triplo metro. La versione italiana è chiamata la corrente.
Sarabande – La sarabanda, una danza spagnola, è la terza delle quattro danze di base ed è una delle più lente tra le danze barocche. È anche in triplo metro e può iniziare a qualsiasi battito della barra, anche se c’è un’enfasi sul secondo battito, creando il caratteristico “arresto” o il ritmo giambico della sarabanda.
Gigue – Il concerto è una danza barocca allegra e vivace in metro composito, in genere il movimento conclusivo di una suite strumentale e il quarto dei suoi tipi di danza di base. La gigue può iniziare su qualsiasi battito della barra ed è facilmente riconoscibile dal suo tocco ritmico. Il concerto è nato nelle isole britanniche. La sua controparte nella musica folk è il jig.
Questi quattro tipi di danza (allemande, courante, sarabande e gigue) costituiscono la maggior parte delle suite del XVII secolo; le suite successive interpolano una o più danze aggiuntive tra la sarabanda e la gigue:

Gavotte – La gavotte può essere identificata da una varietà di funzioni; è in 4
4 volte e inizia sempre il terzo battito della barra, anche se in alcuni casi questo potrebbe sembrare il primo battito, poiché il primo e il terzo battito sono i battiti forti in quadrupla. La gavotte viene eseguita ad un tempo moderato, sebbene in alcuni casi possa essere suonata più velocemente.
Bourrée – Il bourrée è simile alla gavotta in quanto è in 2
2 volte, anche se inizia nella seconda metà dell’ultimo battito del bar, creando una sensazione diversa alla danza. Il bourrée viene comunemente suonato ad un tempo moderato, anche se per alcuni compositori, come Handel, può essere preso ad un tempo molto più veloce.
Minuetto – Il minuetto è forse il più noto delle danze barocche in triplo metro. Può iniziare a qualsiasi battito della barra. In alcune suite potrebbero esserci un Minuetto I e II, eseguiti in successione, con il Minuetto che ho ripetuto.
Passepied – Il passepied è una danza veloce in forma binaria e un triplo metro che ha avuto origine come ballo di corte in Bretagna. Gli esempi possono essere trovati in suite successive come quelle di Bach e Handel.
Rigaudon – Il rigaudon è una vivace danza francese in duplice metro, simile al bourrée, ma ritmicamente più semplice. Nacque come una famiglia di danze popolari strettamente meridionali francesi, tradizionalmente associate alle province di Vavarais, Languedoc, Dauphiné e Provence.

Altre caratteristiche
Preludio: una suite potrebbe essere iniziata da un preludio, un pezzo lento scritto in uno stile di improvvisazione. Alcuni preludi barocchi non furono completamente scritti; invece, è stata indicata una sequenza di accordi, con l’aspettativa che lo strumentista sarebbe stato in grado di improvvisare una parte melodica usando la struttura armonica indicata. Il preludio non era basato su un tipo di danza.
Entrée – A volte un entrée è composto come parte di una suite; ma là è musica puramente strumentale e non viene eseguita alcuna danza. È un’introduzione, un pezzo simile a una marcia suonata durante l’ingresso di un gruppo di ballo o giocato prima di un balletto. Di solito in 4
4 volte. È collegato all’italiana “intrada”.
Basso continuo – una sorta di accompagnamento continuo con un nuovo sistema di notazione musicale, basso figurato, di solito per uno o più strumenti di basso sostenitore (ad esempio, violoncello) e uno o più strumenti a corda (per es. Strumenti a tastiera come clavicembalo, tubo organo o liuto)
Il concerto (un brano solista con accompagnamento orchestrale) e il concerto grosso
Monody – una conseguenza della canzone
Omofonia – musica con una voce melodica e accompagnamento ritmico ritmicamente simile (e subordinato) (questa e la monodia sono in contrasto con la tipica consistenza rinascimentale, la polifonia)
Forme musicali drammatiche come l’opera, il dramma per musica
Forme vocali strumentali combinate, come l’oratorio e la cantata, che utilizzavano entrambi i cantanti e l’orchestra
Nuove tecniche strumentali, come il tremolo e il pizzicato
L’aria da capo “ha goduto della sicurezza”.
L’aria di ritornello – ripetute brevi interruzioni strumentali di passaggi vocali.
Lo stile concertato – contrasto nel suono tra gruppi di strumenti.
Ampia decorazione ornamentale, in genere improvvisata da cantanti e strumentisti (ad esempio trilli, mordenti, ecc.)