A música barroca é um estilo de música de arte ocidental composta de aproximadamente 1600 a 1750. Esta época seguiu a era da música renascentista, e foi seguida pela era clássica. A música barroca constitui a maior parte do cânon da “música clássica” e é agora amplamente estudada, executada e ouvida. Principais compositores da era barroca incluem Johann Sebastian Bach, Antônio Vivaldi, George Frideric Handel, Cláudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Giuseppe Tartini, Heinrich Schütz, Giovanni Battista Pergolesi, Dieterich Buxtehude e Johann Pachelbel.

O período barroco viu a criação de tonalidade, uma abordagem para escrever música em que uma música ou peça é escrita em uma chave particular; Esse tipo de arranjo continuou a ser usado em quase toda a música popular ocidental. Durante a era barroca, esperava-se que os músicos profissionais fossem improvisadores de ambas as melodias e partes de acompanhamento. Os concertos barrocos eram tipicamente acompanhados por um grupo de baixo contínuo (composto por instrumentistas de acordes como cravistas e tocadores de alaúde que improvisavam acordes de uma parte de baixo imaginada) enquanto um grupo de instrumentos de baixo – violino, violoncelo, contrabaixo – tocava a linha de baixo. Uma forma barroca característica era a suíte de dança. Enquanto as peças em uma suíte de dança foram inspiradas por música de dança real, as suítes de dança foram projetadas exclusivamente para ouvir, não para acompanhar dançarinos.

Durante o período, compositores e performers usaram uma ornamentação musical mais elaborada (tipicamente improvisada pelos performers), fizeram mudanças na notação musical (o desenvolvimento do baixo figurado como uma maneira rápida de notificar a progressão de acordes de uma música ou peça), e desenvolveu novas técnicas de execução instrumental. A música barroca expandiu o tamanho, o alcance e a complexidade da performance instrumental, e também estabeleceu as formas vocais / instrumentais mistas de ópera, cantata e oratório e as formas instrumentais do concerto solo e sonata como gêneros musicais. Muitos termos musicais e conceitos desta época, como tocata, fuga e concerto grosso ainda estão em uso na década de 2010. Música polifônica densa e complexa, na qual múltiplas linhas de melodias independentes eram executadas simultaneamente (um exemplo popular disso é a fuga), era uma parte importante de muitas obras corais e instrumentais barrocas.

O termo “barroco” vem da palavra portuguesa barroco, que significa “pérola deformada”. As conotações negativas do termo ocorreram primeiro em 1734, numa crítica a uma ópera de Jean-Philippe Rameau e, mais tarde (1750), numa descrição de Charles de Brosses da arquitetura ornamentada e fortemente ornamentada do Palácio Pamphili em Roma. Embora o termo continuasse a ser aplicado à arquitetura e à crítica de arte no século XIX, foi somente no século XX que o termo “barroco” foi adotado a partir do vocabulário de história da arte de Heinrich Wölfflin para designar um período histórico na música.

Etimologia
O termo “barroco” é geralmente usado pelos historiadores da música para descrever uma ampla gama de estilos de uma ampla região geográfica, principalmente na Europa, composta por um período de aproximadamente 150 anos. Embora tenha sido pensado que a palavra como um termo crítico foi aplicada pela primeira vez à arquitetura, na verdade aparece mais cedo em referência à música, em uma resenha anônima e satírica da estreia em outubro de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impressa no Mercure. de France em maio de 1734. O crítico insinuou que a novidade nesta ópera era “du barocque”, queixando-se de que a música não possuía uma melodia coerente, estava cheia de dissonâncias ininterruptas, mudava constantemente de chave e metro e percorria rapidamente todos os instrumentos de composição.

A aplicação sistemática pelos historiadores do termo “barroco” à música desse período é um desenvolvimento relativamente recente. Em 1919, Curt Sachs tornou-se o primeiro a aplicar as cinco características da teoria do Barroco de Heinrich Wölfflin sistematicamente à música. Os críticos foram rápidos em questionar a tentativa de transpor as categorias de Wölfflin para a música, no entanto, e no segundo trimestre do século 20 tentativas independentes foram feitas por Manfred Bukofzer (na Alemanha e, após sua imigração, na América) e por Suzanne Clercx-Lejeune (na Bélgica) usar análise técnica autônoma, em vez de abstrações comparativas, para evitar a adaptação de teorias baseadas em artes plásticas e literatura em música. Todos esses esforços resultaram em divergências consideráveis ​​sobre os limites de tempo do período, especialmente quando ele começou. Em inglês, o termo adquiriu moeda apenas na década de 1940, nos escritos de Bukofzer e Paul Henry Lang.

Ainda em 1960, ainda havia uma disputa considerável nos círculos acadêmicos, particularmente na França e na Grã-Bretanha, se era significativo reunir música tão diversa quanto a de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach sob uma única rubrica. No entanto, o termo tornou-se amplamente utilizado e aceito para esta ampla gama de músicas. Pode ser útil distinguir o barroco dos períodos precedente (Renascimento) e seguintes (Clássico) da história musical.

História
O período barroco é dividido em três grandes fases: início, meio e fim. Embora eles se sobreponham no tempo, eles são convencionalmente datados de 1580 a 1630, de 1630 a 1680, e de 1680 a 1730.

Música barroca inicial (1580–1630)
A Camerata florentina era um grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuais do final da Renascença de Florença que se reuniram sob o patrocínio do conde Giovanni de ‘Bardi para discutir e orientar as tendências nas artes, especialmente música e teatro. Em referência à música, eles basearam seus ideais em uma percepção do drama musical clássico (especialmente grego antigo) que valorizava o discurso e a oração. Como tal, eles rejeitaram o uso de polifonia de seus contemporâneos (múltiplas linhas melódicas independentes) e música instrumental, e discutiram tais dispositivos da música grega antiga como monodia, que consistia em um canto solo acompanhado por um kithara (um antigo instrumento de cordas dedilhado). As primeiras realizações dessas idéias, incluindo Dafne e L’Euridice, de Jacopo Peri, marcaram o início da ópera, que foi um catalisador para a música barroca.

Em relação à teoria musical, o uso mais difundido do baixo figurado (também conhecido como baixo completo) representa a crescente importância da harmonia como a base linear da polifonia. Harmonia é o resultado final do contraponto, e o baixo imaginado é uma representação visual das harmonias comumente empregadas na performance musical. Com baixo figurado, números, acidentes ou símbolos foram colocados acima da linha de baixo que foi lida por instrumentistas de teclado, como tocadores de cravo ou organistas de tubulação (ou lutenists). Os números, acidentes ou símbolos indicaram ao tecladista que intervalos ela deve tocar acima de cada nota de baixo. O tecladista improvisa um acorde para cada nota de baixo. Os compositores começaram a se interessar por progressões harmônicas, e também empregaram o trítono, percebido como um intervalo instável, para criar dissonância (ele foi usado no sétimo acorde dominante e no acorde diminuto. Também havia interesse em harmonia entre certos compositores do Renascimento). Carlo Gesualdo, no entanto, o uso da harmonia dirigida à tonalidade (um foco em uma chave musical que se torna a “nota de casa” de uma peça), ao invés de modalidade, marca a mudança da Renascença para o período barroco. à ideia de que certas seqüências de acordes, em vez de apenas notas, poderiam fornecer uma sensação de fechamento no final de uma peça – uma das ideias fundamentais que ficou conhecida como tonalidade.

Ao incorporar esses novos aspectos da composição, Claudio Monteverdi promoveu a transição do estilo renascentista da música para o período barroco. Ele desenvolveu dois estilos individuais de composição – a herança da polifonia renascentista (prima pratica) e a nova técnica de baixo contínuo do barroco (seconda pratica). Com o baixo contínuo, um pequeno grupo de músicos tocava a linha de baixo e os acordes que formavam o acompanhamento de uma melodia. O grupo de baixo contínuo normalmente usaria um ou mais tecladistas e um alaúde que tocaria a linha de baixo e improvisaria os acordes e vários instrumentos de baixo (por exemplo, violão baixo, violoncelo, contrabaixo) que tocariam a linha de baixo. Com a escrita das óperas L’Orfeo e L’incoronazione di Poppea, entre outros, Monteverdi chamou atenção considerável para este novo gênero.

Música barroca média (1630-1680)
A ascensão do tribunal centralizado é uma das características econômicas e políticas do que é freqüentemente rotulado como a Era do Absolutismo, personificada por Luís XIV da França. O estilo do palácio e o sistema de corte de maneiras e artes que ele fomentou tornaram-se o modelo para o resto da Europa. As realidades do aumento do patrocínio da igreja e do estado criaram a demanda por música pública organizada, já que a crescente disponibilidade de instrumentos criou a demanda por música de câmara, que é música para um pequeno conjunto de instrumentistas.

O período barroco médio na Itália é definido pelo surgimento dos estilos vocais de cantata, oratório e ópera durante a década de 1630, e um novo conceito de melodia e harmonia que elevou o status da música a um de igualdade com as palavras, que anteriormente tinha sido considerado como eminente. A florida e colorida monodia do início do barroco deu lugar a um estilo melódico mais simples e polido. Essas melodias foram construídas a partir de idéias curtas, delimitadas por cadência, muitas vezes baseadas em padrões de dança estilizados, tirados da sarabanda ou do courante. As harmonias, também, poderiam ser mais simples do que na monografia barroca inicial, e as linhas de baixo acompanhantes eram mais integradas com a melodia, produzindo uma equivalência contrapontística das partes que mais tarde levaram ao dispositivo de uma antecipação inicial do baixo. a melodia da ária. Essa simplificação harmônica também levou a um novo dispositivo formal de diferenciação de recitativo (uma parte mais falada da ópera) e ária (uma parte da ópera que usava melodias cantadas). Os mais importantes inovadores deste estilo foram os romanos Luigi Rossi e Giacomo Carissimi, que eram principalmente compositores de cantatas e oratórios, respectivamente, e o veneziano Francesco Cavalli, que era principalmente um compositor de ópera. Mais tarde, importantes praticantes deste estilo incluem Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi e Alessandro Stradella.

O barroco do meio não teve absolutamente nenhuma influência sobre o trabalho teórico de Johann Fux, que sistematizou o estrito contraponto característico de épocas anteriores em seu Gradus ad Parnassum (1725).

Um exemplo preeminente de um compositor de estilo de corte é Jean-Baptiste Lully. Ele comprou patentes da monarquia para ser o único compositor de óperas para o rei francês e para impedir que outras pessoas tivessem óperas encenadas. Ele completou 15 tragédias líricas e deixou inacabado Achille et Polyxène. Lully foi um dos primeiros exemplos de um maestro; ele iria bater o tempo com uma grande equipe para manter seus conjuntos juntos.

Musicalmente, ele não estabeleceu a norma dominada pelas cordas para orquestras, que foi herdada da ópera italiana, e a disposição caracteristicamente francesa de cinco partes (violinos, violas – nos tamanhos hautes-contre, tailles e quintes – e violinos de baixo) foi usado no balé desde o tempo de Luís XIII. No entanto, ele introduziu esse conjunto no teatro lírico, com as partes superiores frequentemente dobradas por gravadores, flautas e oboés, e o baixo por fagotes. Trompetes e tímpanos eram freqüentemente adicionados para cenas heróicas.

Arcangelo Corelli é lembrado como influente por suas realizações do outro lado da técnica musical – como violinista que organizou a técnica e a pedagogia do violino – e na música puramente instrumental, particularmente sua defesa e desenvolvimento do concerto grosso. Enquanto Lully estava abrigado na corte, Corelli foi um dos primeiros compositores a publicar amplamente e ter sua música executada em toda a Europa. Tal como acontece com a estilização e organização da ópera de Lully, o concerto grosso é construído sobre fortes contrastes – seções alternadas entre aquelas tocadas pela orquestra completa e aquelas tocadas por um grupo menor. Dinâmica foram “terraced”, isto é, com uma transição acentuada de alto para suave e vice-versa. Seções rápidas e seções lentas foram justapostas umas contra as outras. Entre os seus alunos, encontra-se Antonio Vivaldi, que mais tarde compôs centenas de obras baseadas nos princípios das trio sonatas e concertos de Corelli.

Em contraste com esses compositores, Dieterich Buxtehude não era uma criatura da corte, mas era músico de igreja, ocupando os postos de organista e Werkmeister na Marienkirche em Lübeck. Seus deveres como Werkmeister envolviam atuar como secretário, tesoureiro e gerente de negócios da igreja, enquanto sua posição como organista incluía tocar para todos os principais serviços, às vezes em colaboração com outros instrumentistas ou vocalistas, que também eram pagos pela igreja. Totalmente fora de seus deveres oficiais da igreja, ele organizou e dirigiu uma série de concertos conhecida como Abendmusiken, que incluía performances de obras dramáticas sagradas consideradas por seus contemporâneos como o equivalente a óperas.

Música barroca tardia (1680–1730)
A obra de George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach e seus contemporâneos, incluindo Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann e outros, avançaram a era barroca até o clímax. Através do trabalho de Johann Fux, o estilo renascentista de polifonia foi a base para o estudo da composição para futuras eras musicais. Os compositores do barroco tardio haviam estabelecido seus feitos de composição muito antes das obras de Johann Fux.

Um trabalhador contínuo, Handel emprestou de outros compositores e muitas vezes “reciclou” seu próprio material. Ele também era conhecido por retrabalhar peças como o famoso Messias, que estreou em 1742, para cantores e músicos disponíveis.

Estilos e formas

Suíte de dança
Uma forma barroca característica era a suíte de dança. Algumas suítes de dança de Bach são chamadas partitas, embora este termo também seja usado para outras coleções de peças. Enquanto as peças em uma suíte de dança foram inspiradas por música de dança real, as suítes de dança foram projetadas para ouvir, não para acompanhar bailarinos. Os compositores usaram uma variedade de diferentes movimentos de dança em suas suítes de dança. Uma suíte de dança geralmente consiste nos seguintes movimentos:

Abertura – A suíte barroca geralmente começava com uma abertura francesa (“Ouverture” em francês), um movimento lento seguido por uma sucessão de danças de diferentes tipos, principalmente as quatro seguintes:
Allemande – Freqüentemente a primeira dança de uma suíte instrumental, a allemande era uma dança muito popular que teve suas origens na era do renascimento alemão. O allemande foi tocado em um ritmo moderado e poderia começar em qualquer batida da barra.
Courante – A segunda dança é a courante, uma animada dança francesa em três metros. A versão italiana é chamada de corrente.
Sarabande – A sarabanda, uma dança espanhola, é a terceira das quatro danças básicas, e é uma das mais lentas das danças barrocas. É também em metros triplos e pode começar em qualquer batida da barra, embora haja uma ênfase na segunda batida, criando a característica “parada” ou ritmo iâmbico da sarabanda.
Gigue – O gigue é uma dança barroca alegre e animada em metros compostos, tipicamente o movimento final de uma suíte instrumental, e o quarto de seus tipos básicos de dança. O gigue pode começar em qualquer batida da barra e é facilmente reconhecido pela sua sensação rítmica. O gigue originou-se nas Ilhas Britânicas. Sua contraparte na música folclórica é o gabarito.
Esses quatro tipos de dança (allemande, courante, sarabande e gigue) compõem a maioria das suítes do século XVII; suites mais tarde interpolam uma ou mais danças adicionais entre o sarabande e o gigue:

Gavotte – A gavotte pode ser identificada por uma variedade de características; está em 4
4 vezes e sempre começa na terceira batida da barra, embora isso possa soar como a primeira batida em alguns casos, já que a primeira e a terceira batidas são as batidas fortes no tempo quádruplo. A gavotte é tocada em um ritmo moderado, embora em alguns casos possa ser tocada mais rapidamente.
Bourrée – O bourrée é semelhante à gavotte como é em 2
2 vezes, embora comece na segunda metade da última batida da barra, criando uma sensação diferente para a dança. O bourrée é comumente tocado em um ritmo moderado, embora para alguns compositores, como Handel, ele possa ser feito em um ritmo muito mais rápido.
Minueto – O minueto é talvez o mais conhecido das danças barrocas em metros triplos. Pode começar em qualquer batida da barra. Em algumas suítes pode haver um Minuet I e II, jogados em sucessão, com o Minuet I repetido.
Passepied – O passepied é uma dança rápida em forma binária e metro triplo que se originou como uma dança da corte na Bretanha. Exemplos podem ser encontrados em suítes posteriores, como as de Bach e Handel.
Rigaudon – O rigaudon é uma animada dança francesa em duple meter, semelhante ao bourrée, mas ritmicamente mais simples. Originou-se como uma família de danças folclóricas francesas do sul intimamente relacionadas, tradicionalmente associadas às províncias de Vavarais, Languedoc, Dauphiné e Provença.

Outras características
Prelúdio – uma suíte pode ser iniciada por um prelúdio, uma peça lenta escrita em estilo improvisatório. Alguns prelúdios barrocos não foram totalmente escritos; em vez disso, uma sequência de acordes foi indicada, com a expectativa de que o instrumentista seria capaz de improvisar uma parte melódica usando a estrutura harmônica indicada. O prelúdio não foi baseado em um tipo de dança.
Entrée – Às vezes, uma entrada é composta como parte de uma suíte; mas lá é música puramente instrumental e nenhuma dança é executada. É uma introdução, uma peça parecida com uma marcha, tocada durante a entrada de um grupo de dança, ou tocada antes de um balé. Geralmente em 4
4 vezes. Está relacionado com o italiano ‘intrada’.
Basso continuo – um tipo de acompanhamento contínuo notado com um novo sistema de notação musical, geralmente baixo para um ou mais instrumentos de baixo sustentado (por exemplo, violoncelo) e um ou mais instrumentos de acordes (por exemplo, instrumentos de teclado como cravo, cano órgão ou alaúde)
O concerto (peça solo com acompanhamento orquestral) e concerto grosso
Monody – uma conseqüência da música
Homofonia – música com uma voz melódica e acompanhamento cordial ritmicamente similar (e subordinado) (isso e monodia são contrastados com a típica textura renascentista, polifonia)
Formas musicais dramáticas como ópera, dramma per musica
Formas vocais-instrumentais combinadas, como o oratório e a cantata, que usavam cantores e orquestra
Novas técnicas instrumentais, como tremolo e pizzicato
O da capo aria “gozava de certeza”.
A aria de ritornello – interrupções instrumentais curtas repetidas de passagens vocais.
O estilo de concertato – contraste em som entre grupos de instrumentos.
Extensa ornamentação, que foi tipicamente improvisada por cantores e instrumentistas (por exemplo, trinados, mordentes, etc.)